Російський живопис XIX століття
Реферат по вітчизняній історії виконав стужент ЕФМ 101 Дорофєєв Н.В.
Міністерство освіти РФ
Володимирський Державний університет
Муромський інститут
Факультет радіотехнічний
ВСТУП
В одному зі своїх творів А. І. Герцен писав про російською народі, "потужному і нерозгаданою", який "зберіг величаві риси, живий розум та широкий розгул багатої натури під гнітом кріпосного стану і на петровський наказ утворюватися відповів через сто років величезним явищем Пушкіна ". Звичайно, не тільки А. С. Пушкіна мав на увазі Герцен. Пушкін став символом своєї епохи, коли відбувся стрімкий злет у культурному розвитку Росії. Час пушкіна, першу третину XIX століття, не даремно називають "золотим століттям" російської культури.
Початок XIX століття - час культурного і духовного піднесення в Росії. Якщо в економічному та соціально-політичному розвитку Росія відставала від передових європейських держав, то в культурних досягненнях вона не тільки йшла врівень з ними, але й часто випереджала. Розвиток російської культури в першій половині XIX століття спиралося на перетворення попереднього часу. Проникнення елементів капіталістичних відносин в економіку посилило потребу в грамотних і освічених людей. Міста стали основними культурними центрами. Нові соціальні верстви втягувалися у суспільні процеси. Культура розвивалася на тлі все зростаючого національної самосвідомості російського народу і в зв'язку з цим мала яскраво виражений національний характер. Істотний вплив на літературу, театр, музику, образотворче мистецтво справила Вітчизняна війна 1812 року, яка в небувалою ступеня прискорила зростання національної самосвідомості російського народу, його консолідацію. Відбулося наближення з російським народом інших народів Росії. Однак консервативні тенденції в політиці імператорів Олександра I та Миколи I стримували розвиток культури. Уряд активно боровся з проявами передової суспільної думки. Кріпацтво не давало можливості користуватися високими культурними досягненнями всьому населенню.
Епоха Визволення дала сильний поштовх культурному розвитку Росії. Зміни в економічному і політичному житті після падіння кріпосного права створювали нові умови для розвитку культури. Втягування в ринкові відносини все більш широких верств селянства з усією гостротою поставило питання про початковий народну освіту. Це викликало небачений колись зростання числа сільських і міських шкіл. Промисловість, транспорт і торгівля виявляли все більш широкий попит на фахівців із середньою та вищою освітою. Значно зросли ряди інтелігенції. Її духовні запити викликали зростання книговидавничої справи, підіймали тиражі газет і журналів. На цій же хвилі йшов розвиток театру, живопису, інших мистецтв. Культура Росії другої половини XIX - початку XX століття ввібрала художні традиції, естетичні та моральні ідеали "золотого століття" попереднього часу. На рубежі століть XIX - XX століть у духовному житті Європи і Росії з'явилися тенденції, пов'язані з міроощещеніямі людини XX століття. Вони вимагали нового осмислення соціальних і моральних проблем. Все це призводило до пошуку нових образотворчих методів і засобів. В Росії склався своєрідний історико-художній період, який його сучасника назвали "срібним століттям" російської культури.
Прославлення подвигу народу, ідея його духовного пробудження, викриття виразок кріпосницької Росії - такі головні теми образотворчого мистецтва 19 століття.
Про АГАЛЬНІ ЧАСТИНА
1 Російська живопис першої половини XIX століття.
Для російського образотворчого мистецтва були характерні романтизм і реалізм. Однак офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталим установою, перешкоджав будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала суворо йти за канонами класицизму, заохочувала написання картин на біблійні та міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому вони частіше зверталися до портретного жанру.
Кіпренський Орест Адамович [13 (24) березня 1782, Миза Ніжинська, близько Копорья, нині в Ленінградській області - 17 жовтня 1836, Рим], російський художник. Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму, відомий як чудовий портретист. У картині «Дмитро Донський на Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував упевнене знання канонів академічної історичної картини. Але рано областю, де його талант розкривається найбільш природно і невимушено, стає портрет. Перший його живописний портрет («А. К. Швальбе», 1804, там же), написаний «рембрандтівської» манері, виділяється своїм виразним і драматичним світлотіньових ладом. З роками його майстерність, - прояви в умінні створювати в першу чергу неповторні індивідуально-характерні образи, підбираючи особливі пластичні засоби, щоб цю характерність відтінити, - міцніє. Вражаючою життєвості повні: портрет хлопчика А. А. Челіщева (близько 1810-11), парні зображення подружжя Ф. В. і Є. П. Ростопчина (1809) і В. С. і Д. М. Хвостових (1814, всі - Третьяковська галерея). Художник все частіше обіграє можливості колірних і світлотіньових контрастів, пейзажного фону, символічних деталей («Є. С. Авдуліна», близько 1822, там же). Навіть великі парадні портрети художник вміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними («Портрет лейб-гусарського полковника Євграфа Давидова», 1809, Російський музей). Його портрет молодого, овіяного поетичною славою А.С. Пушкіна є одним із найкращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто і романтично, в ореолі поетичної слави. «Ти мені лестиш, Орест», - зітхнув Пушкін, переглянувши готове полотно. Кипренский був віртуозним рисувальником, створив (переважно в техніці італійського олівця і пастелі) зразки графічного майстерності, найчастіше переважали відкритою, хвилююче легкої своєю емоційністю його живописні портрети. Це і побутові типажі («Сліпий музикант», 1809, Російський музей; «килимчики Баяуста», 1813, Третьяковська галерея), і знаменита серія олівцевих портретів учасників Вітчизняної війни 1812 року (малюнки із зображенням Є. І. Чапліца, А. Р. Томілова, П. О. Оленіна, той же малюнок з поетом Батюшкова та ін; 1813-15, Третьяковська галерея та ін зборів), героїчне початок тут набуває задушевний відтінок. Велика кількість начерків і текстові свідчення показують, що художник весь свій зрілий період тяжів до створення великої (за його власними словами з листа А. М. Оленіну 1834 року), «ефектною, або, по-російськи сказати, ударистой і чарівної картини», де в алегоричній формі було б зображені підсумки європейської історії, так само як і призначення Росії. «Читачі газет в Неаполі» (1831, Третьяковська галерея) - за видом просто груповий портрет - на ділі є приховано-символічний відгук на революційні події в Європі. Однак найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або зникли (подібно до «Анакреоновой гробниці», завершеної 1821). Ці романтичні пошуки, однак, отримали масштабне продовження у творчості К. П. Брюллова та А. А. Іванова.
Реалістичну манеру відбивали твори В.А. Тропініна. Ранні портрети Тропініна, написані в стриманій барвистої гамі (сімейні портрети графів Моркових 1813-го і 1815-го років, обидва - в Третьяковській галереї), ще цілком належать до традиції Просвітництва: модель в них безумовним і стабільним центром образу. Пізніше колорит живопису Тропініна стає інтенсивніше, обсяги зазвичай ліпляться більш чітко і скульптурно, але найголовніше - вкрадливо наростає суто романтичне відчуття рухомий стихії життя, лише частиною, фрагментом якої здається герой портрета («Булахов», 1823; «К. Г. Равич» , 1823; автопортрет, близько 1824; всі три - там же). Такий і А. С. Пушкін на знаменитому портреті 1827 (Всеросійський музей О. С. Пушкіна, м. Пушкін): поет, поклавши руку на стос паперу, як би «слухає музи», вслухається у творчу мрію, навколишнє образ незримим ореолом . Він теж написав портрет А.С. Пушкіна. Перед глядачем постає досвідчений життєвим досвідом, не дуже щаслива людина. На портреті Тропініна поет по-домашньому привабливий. Якимось особливим старомосковским теплом і затишком віє від робіт Тропініна. До 47-річного віку перебував він у фортечної неволі. Тому, напевно, так свіжі, так одухотворені на його полотнах обличчя простих людей. І нескінченні молодість і чарівність його «Мереживниці». Найчастіше В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу ("Мереживниця", "Портрет сина" та ін.)
Художні та ідейні пошуки російської громадської думки, очікування змін відбилися в картинах К.П. Брюллова "Останній день Помпеї" і А.А. Іванова "Явлення Христа народу".
Великим витвором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла Павловича Брюллова (1799-1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї побував російський художник Карл Павлович Брюллов. Він гуляв по стародавніх мостовим, милувався фресками, і в його уяві вставала та трагічна ніч серпня 79р. е.., коли місто було засипано розпеченим попелом і пемзою прокинувся Везувію. Через три роки картина «Останній день Помпеї» зробила тріумфальну подорож з Італії до Росії. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії древнього міста, що гине під лавою і попелом вивергається Везувію. Картина пройнята високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, проявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був в Італії на відрядження Академії мистецтв. У цьому навчальному закладі було добре поставлено навчання техніці живопису і малюнка. Проте академія однозначно орієнтувалася на античну спадщину і героїчну тематику. Для академічного живопису були характерні декоративний пейзаж, театральність загальної композиції. Сцени з сучасного життя, звичайний російський пейзаж вважалися негідними пензля художника. Класицизм в живопису отримав назву академізму. Брюллов був пов'язаний з Академією всією своєю творчістю.
Він володів могутнім уявою, пильним оком, і вірною рукою - і в нього народжувалися живі твори, узгоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським витонченістю він умів закарбувати на полотні і красу оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного променя на зеленому листі. Немеркнучими шедеврами російського живопису назавжди залишаться його полотна «Вершниця», «Вірсавія», «Італійський ранок», «Італійський полудень», численні парадні та інтимні портрети. Однак митець завжди тяжів до великих історичних тем, до зображення значних подій людської історії. Багато його задуми у цьому плані не були здійснені. Ніколи не полишала Брюллова думка створити епічне полотно на сюжет з російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія». На ній зображений кульмінаційний момент облоги 1581 р., коли псковські ратники і. городяни кидаються в атаку на прорвалися до міста поляків і відкидають за стіни. Але картина залишилася незакінченою, і завдання створення справді національних історичних картин була здійснена не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Одноліток Пушкіна, Брюллов пережив його на 15 років. Останні роки він хворів. З автопортрета, написаного в ті часи, на нас дивиться рудуватий людина з тонкими рисами обличчя і спокійним, замисленим поглядом.
У першій половині XIX ст. жив і творив художник Олександр Андрійович Іванов (1806-1858). Все своє творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши їх у картині «Явлення Христа народу». Понад 20 років працював він над картиною «Явлення Христа народу», в яку вклав всю міць і яскравість свого таланту. На передньому плані його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Іоанна Хрестителя, зазначає народу на яке Христа. Його постать дана на віддалі. Він ще не прийшов, він іде, він обов'язково прийде, каже художник. І світлішають, очищаються обличчя і душі тих, хто очікує Спасителя. У цій картині він показав, як говорив пізніше І. Є. Рєпін, «пригноблений народ, жаждующий слова свободи».
У першій половині XIX ст. в російську живопис входить побутовий сюжет. Одним з перших до нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780-1847). Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Це життя він показує в ідеалізованому, прикрашеному вигляді, віддаючи данину модному тоді сентименталізму. Однак картини Венеціанова «Тік», «На жнивах. Літо »,« На ріллі. Весна »,« Селянка з волошками »," Захарка "," Ранок поміщиці "відображаючи красу і благородство простих російських людей, служили утвердженню гідності людини незалежно від її соціального стану.
Його традиції продовжив Павла Андрійовича Федотов (1815-1852). Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, що викриває торгашескую мораль, побут і звичаї верхівки суспільства ("Сватання майора", "Свіжий кавалер" та ін.) Свій шлях художника-сатирика він починав будучи офіцером-гвардійцем. Тоді він робив веселі, пустотливі замальовки армійського побуту. У 1848 р. на академічній виставці була представлена його картина «Свіжий кавалер». Це була зухвала глузування не тільки над тупим, самовдоволеним чиновництвом, а й над академічними традиціями. Брудний халат, куди зодягнувся головний герой картини, аж надто нагадував античну тогу. Брюллов довго стояв перед полотном, а потім сказав автору напівжартома-напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедійно-сатиричного характеру мають і інші картини Федотова («Сніданок аристократа», «Сватання майора»). Останні його картини дуже сумні («Анкор, ще анкор!», «Вдовушка»). Сучасники справедливо порівнювали П.А. Федотова в живописі з Н.В. Гоголем у літературі. Викриття виразок кріпосницької Росії - основна тема творчості Павла Андрійовича Федотова.
2 Російська живопис другої половини XIX століття.
Друга половина XIX ст. ознаменувалася розквітом російського образотворчого мистецтва. Він став справді великим мистецтвом, була перейнята пафосом визвольної боротьби народу, відгукувалося на запити життя і активно втручалися в життя. В образотворчому мистецтві остаточно утвердився реалізм - правдиве і всебічне відображення життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності і справедливості.
Центральною темою мистецтва став народ, не лише пригноблений і в стражданні, а й народ - творець історії, народ-борець, творець всього кращого, що є в житті.
Затвердження реалізму в мистецтві проходило у впертій боротьбі з офіційним направленням, представником якої було керівництво Академії мистецтв. Діячі академії переконували своїх учнів ідеї про те, що мистецтво вище за життя, висували лише біблійну і міфологічну тематику для творчості художників.
9 листопада 1863 велика група випускників Академії мистецтв відмовилася писати конкурсні роботи на запропоновану тему зі скандинавської міфології і залишила Академію. На чолі бунтарів стояв Іван Миколайович Крамськой (1837-1887). Вони об'єдналися в артіль і стали жити комуною. Через сім років вона розпалася, але до цього часу зародилося «Товариство пересувних художніх виставок», професійно-комерційне об'єднання художників, що стояли на близьких ідейних позиціях.
«Передвижники» були єдині у своєму неприйнятті «академізму» з його міфологією, декоративними пейзажами і пихатої театральністю. Вони хотіли зображати живу життя. Провідне місце у творчості зайняли жанрові (побутові) сцени. Особливою симпатією «передвижників» користувалося селянство. Вони показували його потребу, страждання, пригнічений стан. У ті часи - в 60-70-і рр.. XIX ст .- ідейна сторона мистецтва цінувалася вище, ніж естетична. Лише з часом художники згадали про самоцінність живопису.
Мабуть, найбільшу данина ідейності віддав Василь Григорович Перов (1834-1882). У своїх творах Перов пристрасно викриває існуючий лад, з великою майстерністю і переконливістю показує важку долю народу. У картині «Сільський хресний хід на Великдень» художник показав російське село у святковий день, злидні, безпробудне пияцтво, сатирично зобразив сільське духовенство. Вражає своїм драматизмом, безвихідній скорботою одна з кращих картин Перова - «Проводи небіжчика», яка розповідає про трагічну долю родини, що залишилася без годувальника. Великою популярністю користуються його картини «Останній шинок у застави», «Старики-батьки на могилі сина». Тонким гумором і ліризмом, любов'ю до природи пройняті картини «Мисливці на привалі», «Рибалка». Його творчість пронизана любов'ю до народу, прагненням осмислити явища життя і мовою мистецтва правдиво розповісти про них. Картини Перова належать до кращих зразків російського мистецтва. Його творчість як би перегукується з поезією Некрасова, твори Островського, Тургенєва. Досить згадати такі його картини, як «Приїзд станового на слідство», «Чаювання в Митищах». Деякі роботи Перова просякнуті справжнім трагізмом («Трійка», «Старики-батьки на могилі сина»). Кисті Перова належить ряд портретів його знаменитих сучасників (Островського, Тургенєва, Достоєвського).
Деякі полотна «передвижників», написані з натури або під враженням від сцен, збагатили наші уявлення про селянське життя. У картині С. А. Коровіна «На світу» показано сутичка на сільському сході між багатієм і бідняком. В. М. Максимов зобразив лють, сльози і горе сімейного розділу. Урочиста святковість селянської праці відображена в картині Г. Г. Мясоєдова «Косарі».
Ідейним вождем Товариства пересувних виставок був Іван Миколайович Крамськой (1837-1887)-чудовий художник і теоретик мистецтва. Крамськой боровся проти так званого «чистого мистецтва». Він закликав художника бути людиною і громадянином, своєю творчістю боротися за високі суспільні ідеали. У творчості Крамського головне місце займала портретний живопис. Крамськой створив цілу галерею чудових портретів російських письменників, художників, громадських діячів: Толстого, Салтикова-Щедріна, Некрасова, Шишкіна та інших. Йому належить один з кращих портретів Льва Толстого. Пильний погляд письменника не залишає глядача, з якої б точки він не дивився на полотно. Одне з найбільш сильних творів Крамського - картина «Христос у пустелі».
«Передвижники» зробили справжні відкриття в пейзажному живописі. Олексій Кіндратович Саврасов (1830-1897) зумів показати красу і тонкий ліризм простого російського пейзажу. У 1871 майстер створює ряд кращих своїх робіт («Печерський монастир під Нижнім Новгородом», Нижегородський художній музей, «Розлив Волги під Ярославлем», Російський музей), у т. ч. знамениту картину «Граки прилетіли» (Третьяковська галерея), що стала самим популярним російським пейзажем, свого роду мальовничим символом Росії. Етюдна робота над «Гайворонами» йшла в березні, в с. Молвитино (нині Сусанино) Буйського повіту Подільської губернії. Талий сніг, весняні граки на берізках, сіро-блакитне, блякле небо, темні хати і давня церква на тлі захололих далеких лук, - все сплавилося в образ дивного поетичного чарівності. Картині властивий воістину чарівний ефект впізнаваності, «вже баченого» (deja-vue, говорячи мовою психології) - причому не тільки десь біля Волги, де писалися «Граки», а трохи чи не в будь-якому куточку країни. Тут «настрій»-як особливе споглядальне простір, який об'єднує картину з глядачем - остаточно перетворюється в зовсім особливий компонент образу, це влучно фіксує І. М. Крамськой, коли пише (у листі до Ф. А. Васильєву, 1871), торкаючись інших пейзажів на виставці: «все це дерева, вода і навіть повітря, а душа є лише у« Грачах ». Незримо зрима «душа», настрій животворить і наступні речі Саврасова: чудові московські пейзажі, органічно поєднують побутову простоту переднього плану з величними далями («Сухарєва вежа», 1872, Історичний музей, Москва, «Вигляд на Московський Кремль, Весна», 1873, Російський музей), віртуозний про передачу вологи і світлотіні «Путівець» (1873, Третьяковська галерея), сентиментальну «Могилу над Волгою» (1874, Алтайський крайовий музей образотворчих мистецтв, Барнаул), светозарную «Веселку» (1875, Російський музей), меланхолійну картину «Зимовий пейзаж. Іній »(1876-77, Воронезький музей образотворчих мистецтв). У пізній період майстерність Саврасова різко слабшає. Житейськи опустившись, страждаючи алкоголізмом, він живе за рахунок копій зі своїх кращих робіт, перш за все з «Грачей».
Федір Олександрович Васильєв (1850-1873) прожив коротке життя. Його творчість, оборвавшееся початку, збагатило вітчизняну живопис поруч динамічних, що хвилюють пейзажів. Художнику особливо вдавалися перехідні стани в природі: від сонця до дощу, від затишшя до бурі. Виходець із сім'ї поштового службовця, вчився у Художній школі Товариства заохочення мистецтв, а також в 1871 в Академії мистецтв, у 1866-67 працював під керівництвом І. І. Шишкіна. Видатний талант Васильєва склався рано і потужно в картинах, вражаючих глядача своїм психологічним драматизмом. Чудовою «поезією при натуральності враження» (за словами І. М. Крамського, близького друга Васильєва, про корінне властивості його творчості в цілому) пройнята вже картина «Перед дощем» (1869, Третьяковська галерея). У 1870 подорожував по Волзі разом з І. Є. Рєпіним, в результаті з'явилася картина «Вид на Волзі. Баржі »(1870, Російський музей) та інші роботи, відзначені тонкощами світлоповітряних ефектів, майстерністю передачі річковий і повітряної вологи. Але не в зовнішніх ефектах тут суть. У творах Васильєва природа, як відгукуючись на рухи людської душі, в повному розумінні психологізується, висловлюючи складну гаму почуттів між відчаєм, надією і тихим смутком. Найбільш відомі картини «Відлига» (1871) і «Мокрий луг» (1872; обидві в Третьяковській галереї), де постійний інтерес художника до перехідним, невизначено-непевним станам натури перетворюється в образи осяяння крізь меланхолійну імлу. Це - свого роду натурні сни про Росію, що витримують порівняння з пейзажними мотивами І. С. Тургенєва або А. А. Фета. Художник (судячи з його листування з Крамским) мріє про створення якихось небачених творів, про символічні пейзажах-одкровеннях, які могли б зцілити людство, обтяжене «злочинними задумами». Але дні його вже полічені. Захворівши на туберкульоз, він переселяється в 1871 до Ялти. Фатальна хвороба, зливаючись з враженнями від південної природи, яка постає у нього не святковою, але відчужено-тривожної, додає його живопису ще велику драматичну напруженість. Тривожно і сутінно найбільше його полотно цього періоду - «У Кримських горах» (1873, Третьяковська галерея). Потопаюча в серпанку, написана в похмурих коричнево-сірих тонах гірська дорога знаходить тут потойбічний відтінок, подобу безвихідній дороги в нікуди. Вплив мистецтва Васильєва, посилене трагізмом його ранньої смерті, був дуже значним. Романтична традиція, остаточно відмовляючись від уявлень про пейзаж як декоративному видовище, досягла в його роботах особливої духовної змістовності, провіщає мистецтво символізму та модерну, краєвид чеховсько-левитановской пори.
Творчість Віктора Михайловича Васнецова (1848-1926) був із російськими народними казками, билинами, сюжети яких він брав за основу своїх картин. Його кращий твір - «Три богатирі». Перед глядачем улюблені герої російського билинного епосу - богатирі, захисники російської землі і рідного народу від численних ворогів.
Співаком російського лісу, епічної широти російської природи став Іван Іванович Шишкін (1832-1898). Архипа Івановича Куїнджі (1841 -1910) приваблювала мальовнича гра світла і повітря. Таємничий світло місяця в рідкісних хмарах, червоні відблиски зорі на білих стінах українських хат, косі ранкові промені, що пробилися крізь туман і що в калюжках на розкисла, - ці та багато інших живописні відкриття відображені на його полотнах. Для ранніх робіт Шишкіна («Вид на острові Валаамі», 1858, Київський музей російського мистецтва; «Рубка лісу», 1867, Третьяковська галерея) характерна деяка дробность форм; дотримуючись традиційного для романтизму «кулісного» побудови картини, чітко размечая плани, він не сягає ще переконливого єдності образу. У таких картинах, як «Полудень. В околицях Москви »(1869, там же), це єдність постає вже очевидною реальністю, перш за все за рахунок тонкої композиційною і світло-повітряно-колористичної координації зон неба і землі, грунту (останню Шишкін відчував особливо проникливо, в цьому відношенні не маючи собі рівних у російській пейзажному мистецтві).
У 1870-і рр.. майстер входить у пору безумовною творчої зрілості, про яку свідчать картини «Сосновий бір. Щогловий ліс в Вятской губернії »(1872) і« Жито »(1878, обидві - Російський музей). Зазвичай уникаючи хитких, перехідних станів природи, художник фіксує її вищий літній розквіт, досягаючи вражаючого тональної єдності саме за рахунок яскравого, полуденного, літнього світла, що визначає всю колористичну шкалу. Монументально-романтичний образ Природи з великої літери незмінно присутня в картинах. Нові ж, реалістичні віяння, проступають у цьому проникливому увазі, з яким виписуються прикмети конкретного шматка землі, куточка лісу або поля, конкретного дерева. Шишкін - чудовий поет не тільки грунту, а й дерева, тонко відчуває характер кожної породи [в найбільш типових своїх записах він зазвичай згадує непросто «ліс», але ліс з «осокорея, в'язів і частиною дубів» (щоденник 1861 року) або « ліс ялиновий, сосновий, осика, береза, липа »(з листа І. В. Волковскому, 1888)]. З особливою охотою художник пише породи потужні і міцні типу дубів та сосен - на стадії зрілості, старості і, нарешті, смерті буреломі. Класичні твори Шишкіна - такі, як «Жито» чи «Серед долини ровния ...» (картину названо по пісні А. Ф. Мерзлякова, 1883, Київський музей російського мистецтва), «Лісові далі» (1884, Третьяковська галерея) - сприймаються як узагальнені, епічні образи Росії. Художнику однаково вдаються і далевие види, і лісові «інтер'єри» («Сосни, освітлені сонцем», 1886, «Ранок в сосновому лісі» де ведмеді написані До Савицьким, 1889, обидві - там же). Самостійну цінність мають його малюнки та етюди, що представляють собою деталізований щоденник природного життя. Плідно працював також в області офорту. Друкуючи свої тонко нюансованого пейзажні офорти в різних станах, видаючи їх у вигляді альбомів, Шишкін потужно активізував інтерес до цього виду мистецтва. Педагогічною діяльністю займався мало (зокрема, керував пейзажної майстерні Академії мистецтв у 1894-95), але мав у числі своїх учнів таких художників, як Ф. А. Васильєв та Г. І. Чорос-Гуркин. Його образи, незважаючи на свою «об'єктивність» і принципову відсутність психологізму, властивого «пейзажу настрою» саврасовско-левитановской типу, завжди мали великий поетичний резонанс (недарма Шишкін належав до числа найулюбленіших художників А. А. Блоку). У Єлабузі відкрито будинок-музей художника.
До кінця XIX ст. вплив передвижників впала. В образотворчому мистецтві з'явилися нові напрямки. Портрети пензля В.А. Сєрова та пейзажі І.І. Левітана були співзвучні з французькою школою імпресіонізму. Частина художників поєднувала російські художні традиції з новими образотворчими формами (М. А. Врубель, Б. М. Кустодієва, ІЛ. Білібін та ін.)
Своєї вершини російська пейзажний живопис XIX ст. досягла у творчості учня Саврасова Ісаака Левітана Ілліча (1860-1900). Левітан - майстер спокійних, тихих пейзажів. Людина дуже боязкий, сором'язливий і ранима, він умів відпочивати тільки наодинці з природою, переймаючись настроєм полюбився пейзажу.
Одного разу приїхав він на Волгу писати сонце, повітря і річкові простори. Але сонця не було, по небу повзли нескінченні хмари, не припинялися сумні дощі. Художник нервував, поки не втягнувся в цю погоду і виявив особливу принадність сизо-бузкових фарб російського негоди. З тієї пори Верхня Волга, заштатне містечко Плесо міцно увійшли в його творчість. У тих краях він створив свої «дощові» роботи: «Після дощу», «Похмурий день», «Над вічним спокоєм». Там було написано умиротворені вечірні пейзажі: «Вечір на Волзі», «Вечір. Золотий плесо »,« Вечірній дзвін »,« Тиха обитель ».
В останні роки життя Левітан звернув увагу на творчість французьких художників-імпресіоністів (Е. Мане, К. Моне, К. Пісарро). Він зрозумів, що у нього з ними багато спільного, що їхні творчі пошуки йшли в тому ж напрямку. Як і вони, він вважав за краще працювати не в майстерні, а в повітрі (на пленері, як кажуть художники). Як і вони, він висвітлив палітру, вигнавши темні, землисті фарби. Як і вони, він намагався закарбувати скороминущість буття, передати руху світла та повітря. У цьому вони пішли далі його, але розчинили в світлоповітряних потоках об'ємні форми (будинки, дерева). Він уникнув цього.
«Картини Левітана вимагають повільного розглядання, - писав великий знавець його творчості К. Г. Паустовський .- Вони не приголомшують очей. Вони скромні й точні, подібно чеховським розповідями, але чим довше вдивляєшся в них, тим миліші стає тиша провінційних посадів, знайомих рік і проселков ».
На другу половину XIX ст. доводиться творчий розквіт І. Ю. Рєпіна, В. І. Сурікова і В. А. Сєрова.
Ілля Юхимович Рєпін (1844-1930) народився у м. Чугуєві, в сім'ї військового поселенця. Йому вдалося вступити до Академії мистецтв, де його вчителем став П. П. Чистяков, що виховав цілу плеяду знаменитих художників (В. І. Сурікова, В. М. Васнецова, М. А. Врубеля, В. А. Сєрова). Багато чому навчився Рєпін також в Крамського. У 1870 р. молодий художник здійснив подорож по Волзі. Численні етюди, привезені з подорожі, він використовував для картини «Бурлаки на Волзі» (1872). Вона справила сильне враження на громадськість. Автор відразу висунувся в ряди найбільш відомих майстрів. Критикуючи прихильників «чистого мистецтва», він писав: «Навколишнє життя мене дуже хвилює, не дає спокою, сама проситься на полотно; дійсність дуже обурлива, щоб зі спокійною совістю вишивати візерунки, - надамо це вихованим панночкам». Рєпін став прапором передвижників, їх гордістю і славою.
Рєпін був дуже різнобічним художником. І. Є. Рєпін був чудовим майстром у всіх жанрах живопису і в кожному сказав своє нове слово. Центральна тема його творчості - життя народу в усіх її проявах. Він показав народ у праці, у боротьбі, прославив борців за свободу народу. Його пензлю належить ряд монументальних жанрових полотен. Кращим твором Рєпіна в 70-ті роки була картина «Бурлаки на Волзі». Картина була сприйнята як подія мистецького життя Росії, вона стала символом нового напряму в образотворчому мистецтві. Рєпін писав, що «суддя тепер мужик, а тому треба відтворювати його інтереси». Мабуть, не менше враження, ніж «Бурлаки», виробляє «Хресний хід у Курській губернії». Яскраве блакитне небо, пронизані сонцем хмари дорожнього пилу, золоте сяйво хрестів і облачень, поліція, простий народ і каліки - все вмістилося на цьому полотні: велич, сила, неміч і Росії.
У багатьох картинах Рєпіна порушували революційна тематика («Відмова від сповіді», «Не чекали», «Арешт пропагандиста»). Революціонери на його картинах тримаються це й природно, цураючись театральних поз і жестів. На картині «Відмова від сповіді» засуджений до смерті ніби навмисне заховав руки в рукава. Художник явно співчував героям своїх картин.
Ряд рєпінських полотен написано на історичні теми («Іван Грозний і його син Іван», «Запорожці, що складають листа турецькому султанові» та ін.) Рєпін створив цілу галерею портретів вчених (Пирогова, Сєченова), письменників (Толстого, Тургенєва, Гаршина), композиторів (Глінки, Мусоргського), художників (Крамського, Сурікова). На початку XX ст. він отримав замовлення на картину «Урочисте засідання Державної ради». Художнику вдалося не тільки композиційно розмістити на полотні таку велику кількість присутніх, а й дати психологічну характеристику багатьом з них. Серед них були такі відомі діячі, як С. Ю. Вітте, К. П. Побєдоносцев, П. П. Семенов-Тян-Шанський. Малопомітний на картині, але дуже тонко виписаний Микола II.
Василь Іванович Суриков (1848-1916) народився в Красноярську, в козачій родині. Розквіт його творчості припадає на 80-і рр.., Коли він створив три найзнаменитіші свої історичні картини: «Ранок стрілецької страти», «Меншиков у Березові» і «Бояриня Морозова». Його твори «Ранок стрілецької страти», «Меншиков у Березові», «Бояриня Морозова», «Підкорення Сибіру Єрмаком Тимофійовичем», «Степан Разін», «Перехід Суворова через Альпи» - вершина російської та світової історичної живопису. Велич російського народу, його краса, непохитна воля, його важка і складна доля - ось те, що надихало художника.
Суриков добре знав побут і звичаї минулих епох, вмів давати яскраві психологічні характеристики. Крім того, він був прекрасним колористом (майстром кольору). Досить сліпучо свіжий, іскристий сніг в «Боярині Морозової». Якщо ж підійти до полотна ближче, сніг як би «розсипається» на сині, блакитні, рожеві мазки. Цей мальовничий прийом, коли два-три різних мазка на відстані зливаються і дають потрібний колір, широко використовували французькі імпресіоністи.
Валентин Олександрович Сєров (1865-1911), син композитора, писав пейзажі, полотна на історичні теми, працював як театральний художник. Але славу йому принесли, перш за все, портрети.
У 1887 р. 22-річний Сєров відпочивав у Абрамцеве, підмосковній дачі мецената С. І. Мамонтова. Серед його численних дітей молодий художник був своєю людиною, учасником їх гучних ігор. Одного разу після обіду в їдальні випадково затрималися двоє - Сєров і 12-річна Веруша Мамонтова. Вони сиділи за столом, на якому залишилися персики, і за розмовою Веруша не помітила, як художник почав накидати її портрет. Робота розтягнулася на місяць, і Веруша сердилася, що Антон (так по-домашньому звали Сєрова) змушує її годинами сидіти в їдальні.
На початку вересня «Дівчинка з персиками» скінчилася. Незважаючи на невеликий розмір, картина, написана в рожево-золотистих тонах, здавалася дуже «просторій». У ній було багато світла і повітря. Дівчинка, присів за стіл як б на хвилину і остановившая свій погляд глядачам, зачаровувала ясністю і одухотвореністю. Та й полотно було овіяне суто дитячим сприйняттям повсякденності, коли щастя не усвідомлює, а попереду - ціле життя.
Мешканці абрамцевского будинку, звичайно, розуміли, що на їх очах сталося диво. Але тільки час дає остаточні оцінки. Воно й поставило «Дівчинку з персиками» в ряд кращих портретних робіт у російській і світовій живопису.
На наступний рік Сєров зумів майже повторити своє чарівництво. Він написав портрет своєї сестри Марії Симонович («Дівчина, освітлена сонцем»). Назва закріпилася трохи неточне: дівчина сидить у тіні, а променями ранкового сонця освітлена поляна на другому плані. Але на картині все разом, так об'єднані - ранок, сонце, літо, молодість і краса, - що кращу назву важко придумати.
Сєров став модним портретистом. Перед ним позували відомі письменники, артисти, художники, підприємці, аристократи, навіть царі. Мабуть, не до всіх, кого він писав, лежала в нього душа. Деякі великосвітські портрети, при філігранної техніки виконання, вийшли холодними.
Кілька років Сєров викладав у Московському училищі живопису, скульптури та архітектури. Він був вимогливим педагогом. Противник застиглих форм живопису, Сєров разом з тим вважав, що творчі пошуки повинні грунтуватися на твердому володінні технікою малюнка і мальовничого листи. Багато видатні майстри вважали себе учнями Сєрова: М. С. Сарьян, К-Ф. Юон, П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкін.
Багато картин Рєпіна, Сурікова, Левітана, Сєрова, «передвижників» потрапили до зібрання Третьякова. Павло Михайлович Третьяков (1832-1898), представник старовинного московського купецького роду, був незвичайною людиною. Худий і високий, з густою бородою і тихим голосом, він більше був схожий на святого, ніж купця. Збирати картини російських художників почав з 1856 р. Захоплення переросло в головну справу життя. На початку 90-х рр.. збори рівня музею, поглинувши майже весь стан збирача. Пізніше вона перейшла у власність Москви. Третьяковська галерея стала всесвітньо відомим музеєм російського живопису, графіки та скульптури.
У 1898 р. в Петербурзі, в Михайлівському палаці (творіння К. Россі) був відкритий Російський музей. До нього надійшли твори російських митців з Ермітажу, Академії мистецтв та деяких імператорських палаців. Відкриття цих двох музеїв хіба що увінчала досягнення російської живопису XIX ст.
ВИСНОВОК
Російське образотворче мистецтво, перейнятий передовими ідеями того часу, служило великої гуманної мети - боротьби за звільнення людини, за соціальне перебудову всього суспільства.
У цілому в першій половині XIX століття Росія домоглася вражаючих успіхів у галузі культури. У світовій фонд навічно увійшли твори багатьох російських художників. Завершився процес формування національної культури.
На рубежі XIX-XX ст. модерністські пошуки привели до складання групи художників, які об'єдналися навколо журналу "Світ мистецтва" (А. Н. Бенуа, К. А. Сомів, Є. Є. Лансере, Л. С. Бакст, Н. К. Реріх, І.Е. Грабар та ін.) "Світ умільці" проголосили нові художньо-естетичні принципи, які протистояли реалістичним поглядам передвижників, і схильність академізму. Вони пропагували індивідуалізм, свободу мистецтва від соціальних і політичних проблем. Головне для них - краса і традиції російської національної культури. Особливу увагу вони приділяли відродженню і новою оцінкою спадщини минулих епох (XVIII - початку XIX ст.), А також популяризації західноєвропейського мистецтва.
На початку XX ст. виник "російський авангард". Його представники К.С. Малевич, Р.Р. Фальк, М.З. Шагал та інші проповідували мистецтво "чистих" форм та зовнішньої безпредметності. Вони були попередниками абстракціонізму і справили величезний вплив на розвиток світового мистецтва.
Список літератури
Історія СРСР: Учеб. для 9 кл. середовищ. шк. - 6-е вид. дораб. - М.: Просвещение, 1992 р.
Історія Росії. Учеб. - М.: "Проспект", 1997 р.
Історія Росії, кінець XVII - XIX ст.: Учеб. для 10 кл. загаль. установ / За ред. А. Н. Сахарова. - 4-е вид. - М.: Просвещение, 1998 р.
Електронна енциклопедія Кирила і Мифодия, 2001 р.
Для підготовки даної роботи були використані матеріали з сайтаhttp: / / www.ed.vseved.ru/