МИСТЕЦТВО СТАРОДАВНЬОГО РИМУ, ВІЗАНТІЇ, ІТАЛІЇ
Курсова робота
Зміст
Введення
1. Мистецтво Стародавнього Риму.
2. Мистецтво Візантії.
3. Італійське мистецтво епохи Відродження.
4. Італійське мистецтво періоду XVII-XVIII ст.
5. Італійське мистецтво періоду нової і новітньої історії.
Висновок
Список використаної літератури
Введення
Перші зачатки мистецтва на території сучасної Італії сходять до кінця палеоліту. За тисячоліття до нашої ери люди, що жили полюванням і збиранням диких плодів, були вже знайомі з виразною силою наскального малюнка. Але все ж таки, говорити про мистецтво як про соціальний феномен "у його широкому сенсі і сучасному розумінні, можна лише стосовно до суспільства, організованого в державну форму. Таким державою на Середземномор'ї був Стародавній Рим.
Будучи законодавцем традицій у багатьох сферах життя (починаючи з давньоримського права першого в історії республіки), Рим став центром і джерелом традицій в архітектурі, живописі, скульптурі.
Подальша еволюція державності і суспільних відносин зумовили відповідний розвиток галузей мистецтва: спочатку візантійського, потім - італійського. Ціла епоха, названа епохою Відродження, пов'язана з досягненнями середньовічних майстрів, що творили на території нинішньої Італії.
Сучасна Італія - ​​частина економічно розвиненої Європи. І її культура - частина європейської культури. Сьогодні лідерство італійського мистецтва в основному втрачено. Але його традиції зберігаються у творчості багатьох архітекторів, скульпторів і живописців не тільки Заходу, але і Сходу. Російська культура (починаючи з православної культури) веде свою «родовід» від культури Візантії. Звідси важливість дослідження витоків і характеру еволюції італійського мистецтва для росіян.
Метою даного реферату є проведення ретроспективного (історичного) аналізу процесу розвитку італійського мистецтва від моменту його зародження до наших днів.
1. Мистецтво Стародавнього Риму.
Хронологічні рамки мистецтва Стародавнього Риму охоплюють майже тисячоліття - від його зародження в кінці 6 ст. до н.е. до кінця 5 ст. н.е. Початок давньоримського мистецтва відноситься до періоду республіки (кінець 5 - кінець 1 ст. До н.е.). Воно досягло розквіту в період утворення світової рабовласницької держави (кінець 1 ст. До н.е. - 5 ст. Н.е.), різнорідної за етнічним і соціальним складом складної по господарській і громадській організації [1].
Мистецтво часів Римської імперії представляє собою останній щабель грецького мистецтва, на якій його занепад і искаженность відкрили, однак, шлях до нового художньої творчості [2].
Історичні особливості розвитку визначили найважливіша відмінність мистецтва римського від грецького. У римському мистецтві періоду розквіту ведучу роль грає архітектура, в якій основне місце належить спорудженням суспільним, що втілює ідеї могутності держави і розрахованим на величезні кількості людей.
Стародавні будівлі Риму і тепер навіть у руїнах скоряють впевненою міццю. Римляни поклали початок новій епосі світового зодчества. В усьому древньому світі римська архітектура не має собі рівної по висоті інженерного мистецтва, різноманіттю типів споруджень, багатству композиційних форм, масштабу будівництва.
Потреби римського суспільства породили багато нових типів споруджень: амфітеатри, терми, тріумфальні арки, колони, акведуки. Палаци, особняки, вілли, театри, храми, мости, надгробні пам'ятники отримали на римському грунті нове архітектурне рішення. Серед збережених пам'яток монументального зодчества періоду республіки найбільш відомі три круглих храму богині Вести, побудовані у 2-1 ст. е. [3]
Архітектурне мистецтво Стародавнього Риму досягає вершини в перші два століття нашої ери. Породженням усього складу імператорського держави були тріумфальні спорудження, що прославляють військові перемоги Римської держави. Саме гігантське видовищна споруда - амфітеатр Флавіїв-Колізей (75-82 рр.. Н. Е..).
У 4 ст. після визнання в 313 р. християнства пануючою релігією починається будівництво християнських храмів, форми яких в основному запозичувалися з античних базилік.
Головне місце в скульптурі займає портрет, що має глибоко пізнавальний зміст. У ньому проявляється інтерес до проблеми особистості та її долі, уявлення про конкретно-історичному характері людини.
У сфері монументальної скульптури римляни не створили пам'яток, таких значних, як греки. Але вони збагатили пластику розкриттям нових сторін життя, розробили побутової та історичний рельєф з характерним для нього конкретно-розповідним початком. Рельєф був невід'ємною частиною архітектурного декору.
Найдавніше твір скульптури перших десятиліть республіки - бронзова Капітолійська вовчиця - символ Рима (6 ст. До н. Е.., Рим, Палаццо Консерватори), що відрізняється гостротою реалізму та експресивністю. Проте, краще з художньої спадщини римської скульптури - портрет. У портретному жанрі найбільш яскраво проявлявся самобутній реалізм, гостра спостережливість, історичне чуття римлян, їх вміння узагальнити спостереження в ясній і стислій формі. Громадянські ідеали республіканської пори втілені в монументальному портреті в зростання суворого «Римлянина, що здійснює узливання» (1 ст. До н. Е.., Рим, Ватикан), виконаного почуття обов'язку.
У римському мистецтві портрет набуває широкого поширення і в живопису. Але еволюцію римського мальовничого портрета не можна простежити подібно скульптурному. Живописних портретів збереглося небагато. Серед них - «Портрет молодої жінки», «Портрет молодої людини з борідкою у золотому вінку», «Портрет літнього римлянина».
Але головним родом живопису за часів римських імператорів був живопис стінна [4].
Таким чином, мистецтво часу республіки відомо нам з небагатьох пам'ятників архітектури, значному числу скульптурних творів, портретів, фрагментів настінного живопису Помпей і Геркуланума [5]. Мистецтво Римської імперії завершує великий період античної культури. Рим «розколовся» на Західну і Східну частини. Зруйнований, розграбований варварами, в 4-7 ст. Рим обезлюднів, його руїни заросли травою, але традиція римського мистецтва продовжувала жити в середні століття. Слава Стародавнього Риму, втілена в художніх образах, надихала майстрів Відродження. До героїчного і суворому мистецтву Риму зверталися найбільші майстри 17-19 ст.
2. Мистецтво Візантії.
Епоха середньовіччя для історика культури і мистецтва охоплює період від падіння Римської імперії до початку епохи Відродження [6]. Одним з найважливіших центрів середньовічного мистецтва була Візантія - держава, що утворилася в 395 р. на основі Східної Римської імперії і проіснувала до 1453 р.
У центрі уваги візантійського художника, як і в античності, стояла людина, втілений в образі християнського бога і святих, в його зображенні зберігалися правильні пропорції фігури, тонка пластику форм, точний малюнок. Але візантійський художник піддавав їх докорінної переробки у відповідності з новими уявленнями про світ і людину.
Головним завданням візантійського мистецтва було втілення божественного начала [7]. А його зміст відображало релігійно-філософські погляди слагающегося середньовічного суспільства. Перший підйом візантійського мистецтва припадає на 6 століття. Воно сягає блискучого розквіту при Юстиніані I (527-565), коли закладаються основи візантійської державності.
У різних областях імперії розвивалося велике монументальне будівництво. Провідну роль придбала архітектура монастирських ансамблів і храмів, що відрізнялися різноманітністю будівельних типів. Тринефна базиліка Сант Аполлінарія Нуово в Равенні (початок 6 ст.) Дає уявлення про тип поздовжнього ранньовізантійського храму, в якому немає ще різкого розмежування мирян і кліру. Найбільш досконалий тип центричного храму - церква Сан Вітале в Равенні (526-547 р.). Восьмигранна в основі, вона покрита куполом (діаметр 15 м), почилих на восьми стовпах, і оточена обхідний галереєю, яка приймає розпір. Кольоровий мармур і багаті за колоритом сюжетні мозаїки покривають стіни і склепіння церкви.
Потреба в будівлі, що вміщає маси людей, породила в 5-6 ст. новий тип храму - купольної базиліки, найбільш пристосованою до складного ритуалу богослужіння. Культ об'єднав всі види мистецтв - архітектуру, живопис (мозаїки, розписи, ікони), прикладне мистецтво (дорогоцінну начиння, багате вбрання. Священиків, видовищність церковного церемоніалу, багатоголосі хори) - в єдиний грандіозний художній ансамбль.
Геніальне втілення новий стиль споруди отримав у храмі св. Софії в Константинополі (532-537). У його задумі торжествує ідея залежності церкви від імператорської влади і разом з тим могутності християнства.
З посиленням ролі церковного інтер'єру формуються нові принципи синтезу мистецтв. Розвиваючи традиції пізньоантичної живопису, візантійці вперше об'єднали духовний зміст з декоративним початком. Була розроблена іконографія Священного писання - сюжети, композиції, типи фігур, осіб, атрибути святих, які легко сприймалися і запам'ятовувалися глядачем. Поступово іконографічні типи та композиції перетворилися на затверджені церквою канони.
Улюбленою технікою настінного живопису Візантії стала мозаїка. Візантійці вперше відтворюють форму кольором. Вони володіють всім багатством барвистого спектру, відтінками різної світлосили і густоти. Рідкісний зразок візантійської світської живопису - дві великі мозаїки на бічних стінах церкви Сан Вітале в Равенні (547 р.). Традиція античності проступає в образах чотирьох ангелів з церкви Успіння в Нікеї.
У візантійській церковній архітектурі з 9 ст. затверджується новий тип хрестово-купольного храму, втіленого вперше в базиліці Василя Македонянина в Константинополі [8]. Типовими пам'ятниками хрестово-купольного храму є церкви Католікон в монастирі Хосиос Лукас в Фокиде і св. Феодора в Афінах. Раціональність конструктивної системи, сприяла поширенню цього типу храму за межами Візантії.
У 9 ст. складається закінчена канонічна система церковного розпису. У живопис проникає ідея ієрархії. Пантократор уподібнюється самодержцю, святі - придворним і т. д.
У другій половині 11-12 ст. затверджується урочистий візантійський стиль. Самим класичним твором візантійського живопису цього періоду є мозаїки монастиря Дафні (біля Афін).
Шедевр візантійської живопису першої половини 12 ст .- ікона столичної школи Володимирська богоматір, іконографічного типу «Розчулення» (немовля притискається щокою до щоки матері).
Останній розквіт візантійське мистецтво переживає в 13-14 ст. Найбільш яскраво нові тенденції проявилися в живописі, в мозаїках та фресках Кахріе-Джамі в Константинополі. Розповідний стиль циклів, присвячених життя Христа і богоматері, продовжує традицію столичної школи живопису, але богословська догматика поступається місцем драматичному переживання євангельської легенди.
Тисячолітнє існування Візантії зіграло велику роль в історії світової культури. Тут були створені типи монументальних церковних будівель з декоративними циклами, що розповсюдилися в середньовічному мистецтві Європи, південних слов'ян, Київської Русі, Закавказзя. Історична місія Візантії полягала і в тому, що вона своєрідно розвинула і передала наступним століттям античну традицію, збагативши її новими відкриттями. До візантійському мистецтву зверталися італійські, російські, болгарські, сербські, грузинські, вірменські зодчі і живописці.
3. Італійське мистецтво епохи Відродження.
В історію художньої культури Відродження Італія внесла внесок виняткової важливості [9].
Підйом нової культури в Італії належить до 12 - 13 ст. Це, так званий, період раннього Відродження.
Масштаби найбільшого розквіту італійського ренесансу особливо вражаючі за контрастом з невеликими територіальними розмірами тих міст-держав, де зародилася і пережила свій високий підйом культура цього часу [10].
У Флоренції написав свою «Божественну комедію» Данте, тут сформувалося могутнє дapoваніе родоначальника реалістичного мистецтва Відродження Джотто ді Бондоне (1266-1337). Архітектор, скульптор, поет, найзначніший внесок він зробив у розвиток живопису.
Родоначальником ренесансної архітектури бив Філіпа Брунеллески (1377-1446), уродженець Флоренції. Вперше в західноєвропейському зодчестві Брунеллески дав яскраво виражений пластичний обсяг купола, «здіймається до небес» і дзвінкокрилий, за висловом архітектора Альберті, «все тосканські народи». У цій споруді, спорудженому на славу міста, знайшло втілення торжество розуму, ідея, що визначає основний напрям культури Відродження.
Наступним етапом у розвитку ренесансної архітектури була творчість Леона Баттіста Альберті (1404-1472), енциклопедиста-теоретика, автора низки наукових трактатів про мистецтво («Десять книг про зодчество»).
Розвиток типу ранньоренесансне палацу в 15 ст. завершує палаццо Строцці у Флоренції (розпочато в 1489 р.), Бенедетто да Майано (1442-1497).
Перебувала в епоху середньовіччя в стані повної залежності від архітектури скульптура епохи Відродження знову знаходить самостійне значення. Як рівноправний компонент вона входить в архітектурні ансамблі на основі співдружності, але не підпорядкування архітектурі. Звільняючись від сковуючого її релігійно-містичного змісту, вона звертається до життя, до реальних образів дійсності, людині. Поряд з зберігають своє значення образами християнської міфології і античності об'єктом зображення скульпторів виявляються тепер і живі люди, герої сучасності. Розвиток отримує жанр портрета. Створюються кінні статуї, що прикрашають площі міст.
В ювелірній майстерні вивчив основи ремесла один з видатних скульпторів 15 в. - Лоренцо Гіберті (1381-1455). Блискучий майстер і тонкий рисувальник, Гіберті зайняв перше місце на конкурсі 1401 р. на двері баптистерія, які стали однією з визначних пам'яток Флоренції. «Ворота раю» - назвав їх Мікеланджело.
Справжнім реформатором італійської скульптури був Донателло (1386-1466). Його рукам належить мармурова статуя Георгія. Закутий в зброю, стрункий, з натхненним обличчям, настороженим поглядом, він втілює ідеал героїчної особистості, співзвучною епосі, виконаний самосвідомості, спокійний і безстрашний. Торжество ідеалів ренесансної скульптури та затвердження статуарного початку знаменує перший оголена статуя в італійській пластиці Відродження, - Давид (1430).
Ту ж еволюцію, що й скульптура, живопис проходить раннього Відродження. Художники 15 ст. вступають на шлях реалізму. Небачений розквіт переживає монументальна фресковий живопис.
Реформатором в живописі став венеціанець Мазаччо (1401-1428). З найбільшою наочністю його пошуки виявилися в фресках капели Бранкаччи при церкві Санта Марія дель Карміне у Флоренції «Диво зі статиром» і «Вигнання з раю».
Значний інтерес до проблем колориту відрізняв творчість Доменіко Венециано (1410-1461), уродженця Венеції. Його релігійні композиції («Поклоніння волхвів»), несуть відбиток готичної традиції.
Надзвичайною тонкощі виконання, дуже стриманих за колоритом, світських за характером творів домагається Фра Філіппо Ліппі (1406-1469), який змінив чернечу рясу на неспокійну професію бродячого художника. У ніжних ліричних образах - «Мадонна з немовлям», «Мадонна під вуаллю» він зобразив зворушливо-жіночний вигляд своєї коханої, любующейся пухким немовлям.
Передумови для наступного етапу розвитку мистецтва Відродження раніше всього складаються у Флоренції. Тут дозріває своєрідна за витонченістю культура. Зростаючий інтерес до деталей обстановки надає мальовничим композиціям риси жанровості. Сувора героїка змінюється інтимним розповіддю. Фігури людей набувають велику стрункість пропорції, стають крихкими і гнучкими.
У живописі цього часу виділяється творчість Доменіко Гірландайо (1449-1494). Традиційність його мистецтва виявляється у розписі церкви Оньіссанті «Таємна вечеря». Головне твір Гірландайо - фрески церкви Санта Марія Новела на сюжети з життя
Риси витонченості і аристократичної вишуканості знаходять найбільш яскраве втілення у творчості Сандро Боттічеллі (1445-1510), одного з найбільш емоційних майстрів Відродження. Його найбільш прославлені зрілі картини - «Весна», «Народження Венери».
Одним з характерних виразників флорентійської культури останньої третини 15 ст. був скульптор і живописець Андреа Верроккьо (1435-1488). Його бронзова статуя «Давид» втілює витонченість і витончену грацію крихкого юнаки, одягненого в ошатні військові обладунки.

Головним представником ренесансної живопису Північної Італії був Андреа Мантенья. Він був не тільки живописцем і малює, але вченим, теоретиком, археологом, одним з кращих знавців античності.
У розписах Мантенья дав нові ілюзорні прийоми побудови простору, несподівані ракурси і аспекти зображення. Монументальні фрески Мантеньї прикрашають капелу Оветари при церкві Еремітані в Падуї (1449-1455) в «Хід св. Якова па страту ».
Талановитим художником був Джованні Белліні (1430-1516). Його вівтарний образ «Мадонна зі святими» залучає врівноваженою композицією, колористичним багатством, величністю і ясною просвітлений характер героїв, занурених в задуму.
Мистецтво Високого Відродження припадає на перші три десятиліття 16 ст. Це було століття глибокого драматизму і контрастів не тільки в галузі релігії, політики, філософії та науки, а й у сфері мистецтва. На основі перегляду всіх цінностей в цей час виникають ідеї, на яких споруджується будинок культури сучасної Європи [11].
Саме в цей час розкриваються сили народу, що вступає в боротьбу за республіканську форму правління, зростає його національну самосвідомість. Про це свідчать архітектурні споруди старого Ватикану і вілли Бельведер, зведені в єдиний монументальний комплекс за проектом Браманте.
Головне створення Браманте - проект собору св. Петра в Римі (1506), що втілив задум ідеального центральнокупольного будівлі із симетричною композицією. І хоча закладений за цим проектом собор надалі був перебудований іншими будівельниками, його ідеї знайшли поширення у спорудах багатьох італійських зодчих.
До середини 16 ст. Високе Відродження змінюється в ряді областей етапом пізнього Відродження. До цього часу відноситься створення таких теоретичних праць, як «Правила п'яти архітектурних ордерів» Джакомо Віньоли н «Чотири книги з архітектури» Андреа Палладіо. У цей час народжуються риси академізму і канонізації основ римської античної архітектури, проявляються тенденції до декоративності і мальовничості, до просторовості рішень, що передбачають архітектуру бароко.
Нові риси знаходять вираження у творчості Андреа Палладіо (1508-1580), теоретика, дослідника і найбільшого практика-будівельника другий полівініл 16 ст. Найбільш значний внесок Палладіо у розвиток архітектури, палаців і вілл.
Проте справжнім основоположником стилю Високого Відродження був Леонардо да Вінчі (1452-1519), геній, чия творчість знаменувало грандіозний якісне зрушення в мистецтві. Леонардо утілював собою новий тип художника - ученого, мислителя, що вражає широтою своїх поглядів, багатогранністю таланту.
До ранніх творів Леонардо відноситься і зберігається в Ермітажі "Мадонна з квіткою». Твори зрілого стилю - «Мадонна в гроті» і «Таємна вечеря» та багато інших шедеври.
Уявлення про самих світлих і піднесених ідеалах гуманізму Відродження з найбільшою повнотою втілив у своїй творчості Рафаель Санті (1483-1520). Майстер синтезував досягнення попередників і створив свій ідеал прекрасного, гармонійно розвиненої людини в оточенні величної архітектури чи пейзажу.
Ніжний ліризм і тонка одухотвореність відрізняють його ранні твори - «Мадонну Конестабиле», «Заручини Марії». Простір у побудові пейзажу, гармонія форм архітектури, врівноваженість і цілісність всіх частин композиції свідчать про складання Рафаеля як майстра Високого Відродження. Тема материнської любові отримує більш зріле вираз у таких творах, як «Мадонна в зелені», «Мадонна зі щегленком», «Прекрасна садівниця».
Їм написано і ряд портретів: папи Юлія II, Папи Лева Х з кардиналами Людовіко де-Россі і Джуліо де-Медічі та ін Найбільше творіння Рафаеля - «Сикстинська мадонна», що призначалася для церкви св. Сікста в П'яченці.
Кульмінацією Високого Відродження і в той же час відображенням глибоких протиріч культури епохи стала творчість третього з титанів італійського мистецтва - Мікеланджело Буонарроті (1475-1564).
Страсна патетика спрямованого на подвиг людини захоплює в статуї Давида, виконаної в 1501-1504 рр.. Мікеланджело представив його перед боєм. Всі м'язи Давида здаються просякнутими рухом. Мікеланджело повернув наготі той етичний сенс, яким вона володіла в античній пластиці.
Отримавши замовлення від папи Юлія II на спорудження його гробниці, Мікеланджело створює проект величного мавзолею, прикрашеного численними статуями і рельєфами, здійснює розпис стелі Сікстинської капели, яка стала одним із найвизначніших творів італійського мистецтва.
В останні роки життя Мікеланджело створює величезну фреску «Страшний суд» (1531-1541). Вона трактована як грандіозна космічна катастрофа. Оголені фігури ангелів, святих, грішників захоплює невблаганний потік стихійного руху, якому вони не можуть протистояти. У центрі композиції - Христос, наділений титанічною міццю. З гнівом вершить він суд над людством.
Сьогодні лише небагато країн, окрім Італії, можуть пишатися тим, що володіють достовірними скульптурними творами великого Мікеланджело Буонароті - Франція, Англія, Бельгія. Тим важливіше єдина робота скульптора в музеях Росії - так званий «скорчившись хлопчик», що зберігається в Державному Ермітажі в Санкт-Петербурзі [12].
Славетні майстри епохи Відродження внесли неоціненний внесок у розвиток світового мистецтва. Про загальне схилянні перед їх талантом може свідчити той факт, що найбільші генії епохи - Леонардо да Вінчі, Рафаель, Мікеланджело - отримали у сучасників найменування divino - божественних [13].
4. Італійське мистецтво періоду XVII - XVIII ст.
У XVII ст. нації, які сприйняли з Італії основи гуманізму, набувають духовну незалежність і створюють свою національну культуру, рівень якої настільки високий, що вже доводиться говорити про нову європейську культуру в широкому обсязі. І все-таки мистецтво Італії ще вагомо за своїм значенням, про що свідчить діяльність низки прогресивних художників країни [14].
У даний історичний період спостерігається тяжіння майстрів бароко до грандіозних розмірах, складних форм, монументальної піднесеності, пафосу - пошуки засобів, що підсилюють дієвість створюваних образів.
Найбільш повне вираження бароко знайшло в архітектурі, яка не тільки вирішувала завдання католицької пропаганди; її прогресивні тенденції виявилися в плануванні міст, площ, будинків, розрахованих на маси народу. Блискучим центром барокової архітектури став католицький Рим. Витоки бароко були закладені в пізній творчості Віньоли, Палладіо і особливо Мікеланджело.
Своє Крайнє вираз ірраціональність, експресивність і мальовничість бароко знаходять у творчості Франческо Борроміні (1599-1667). Не зважаючи на логікою конструкцій і можливостями матеріалів, він замінює прямі лінії і площини вигнутими, округленими, вигинались. Його твори - церква Сан Карло у чотирьох фонтанів у Римі.
Подібно майстрам Відродження, основоположник стилю зрілого бароко Лоренцо Берніні (1598-1680) був різнобічно обдарованим людиною. Архітектор, скульптор, живописець, геніальний декоратор, він виконував в основному замовлення римських пап і очолював офіційне направлення італійського мистецтва. Одне з найхарактерніших його споруд - церква Сант Андреа аль Квірінале в Римі (1653 - 1658). Найбільша архітектурна робота Берніні - закінчення багаторічного будівництва собору св. Петра в Римі і оформлення площі перед ним.
Спостерігаються нові тенденції у живопису та скульптурі. Так, поряд з барокової архітектурної пластикою Берніні створює ряд статуй і портретів. Характер його новаторських шукань проявляється в статуї «Давид» (1623). Берніні зображує Давида в шаленому пориві люті, у момент сутички, повного драматичного пафосу.
Новаторство Берніні проявилося і в численних портретах, скульптурних бюстах. Створений Берніні пишний репрезентативний портрет Людовика XIV - французького «король-сонце» послужив зразком для наслідування барочним скульпторам.
Художником величезної творчої сміливості був Мікеланджело Мерізі да Караваджо (1573-1610). До числа його ранніх картин відноситься «Дівчина з лютнею» (1595).
Як жанрова сцена вирішена композиція «Покликання Матвія» (1597 - 1601). Міцними, повнокровними людьми постають у творах Караваджо святі і великомученики: простодушний грубуватий Матвій, суворі, натхненні Петро і Павло. Від картини до картини наростає трагічна сила образів Караваджо. У «Положенні у труну» (1604) на глибокому темному тлі яскравим світлом виділяється тісно згуртована група близьких Христу людей, що опускають його тіло в могилу. Вони грубуваті і стримані у своїх почуттях, але рух кожного зазначено особливої ​​зібраністю. І тільки підняті в патетичному пориві відчаю руки Марії Магдалини відтіняють сувору скорбота інших персонажів, складаючи контраст з гнітючої вагою неживого тіла Христа.
Величезною емоційності домагається художник у композиції «Успіння Марії» (1605-1606), захоплюючої щирістю переживань, які виражені в позах, жестах, осіб скорботних учнів Христа, що оточили ложе покійної.
Вплив Караваджо на розвиток реалізму в європейському мистецтві було величезним. У самій Італії знайшлося багато його послідовників, які отримали назву караваджистів. Але ще значніше був його вплив за межами Італії. Жоден великий живописець того часу не пройшов повз захоплення караваджизм, з'явився важливим етапом на шляху європейського реалістичного мистецтва.
На рубежі 16-17 ст. у зв'язку зі спільними культурними змінами і як реакція на маньеризм складається академічний напрям в живописі. Його принципи були закладені в одній із перших художніх шкіл Італії, у так званої Болонської академії. Засновниками її були брати Карраччі. Найбільш талановитим з братів був Аннібале (1560-1609), автор великої кількості вівтарних образів і картин на міфологічні сюжети. Спільно з братами він розписав палаццо Фарнезе в Римі (1597-1604).
Таким чином, загальний характер культури і мистецтва Італії в 17 столітті був обумовлений усіма особливостями її історичного розвитку. Саме в Італії зароджується і отримує найбільший розвиток мистецтво бароко, образно-стилістичні принципи якого набувають надалі широке значення для еволюції всієї європейської художньої культури [15].
У 18 ст. завершується класичний період розвитку італійського мистецтва. Професійний рівень майстерності художників був все ще дуже високим, їх запрошували правителі різних європейських країн. Однак творчі шукання навіть самих видатних майстрів були, по суті, обмеженими, і більшість з них не виходило за рамки барокового мистецтва.
По суті, в 18 столітті Італія втрачає провідну роль у сфері культури. Лише Папська область з Римом і Венеціанська республіка зберегли значну роль у мистецькому житті Європи 18 ст. Особливе місце в італійському мистецтві 18 ст. зайняла венеціанська школа живопису, що висунула ряд найбільших художників, які продовжили традиції високої майстерності декораторів барокко і частково Відродження.
Блискучим декоратором, живописцем і графіком був Джованні Баттіста Тьєполо (1696-1770), який працював не тільки в Італії, але і в Німеччині, Іспанії, його твори прикрашали також палаци російських вельмож.
У венеціанському палаццо Лабіа знаходяться його фрески «Бенкет Антонія і Клеопатри» та «Зустріч Антонія і Клеопатри», що перетворюють зал на подобу барвистого театрального видовища. Величність та спокійна впевненість образів прекрасних людей, героїв полотен Тьєполо, зближують їх з творами його блискучого попередника - Веронезе. Тьєполо не тільки зумів блискуче розвинути принципи декоративного живопису Відродження, а й дав їм нове. Втілення. Подібно майстрам Відродження, оп черпав натхнення в образах живої дійсності.
У зверненні до реального світу, до неповторно прекрасною природою Венеції та її ошатною архітектурі закладена основа успіху художників-пейзажистів, серед яких виділяється високою майстерністю виконання і тонким колоризмом Франчесці Гварді (1712-1793).
У мистецтві цього часу першість належить літератури і театру, розквіт яких починається в середині сторіччя [16]. Він пов'язаний, в 1-у чергу, з діяльністю Карло Гольдоні - реформатора італійського театру, автора блискучих реалістичних комедій, Карло Гоцці, відродив народну комедію масок і Вітторіо Альфіері - поета і драматурга, трагедії якого були пройняті ідеями патріотизму й громадянськості.
Італійська опера досягає високого рівня у творчості видатних композиторів Джованні Батіста Перголезі і Доменіко Чімарози [17].
5. Італійське мистецтво періоду нової і новітньої історії.
В епоху кінця XIX - початку ХХ ст. живопис переживає глибоку кризу, але архітектура отримує все більш сприятливі умови. Суспільний характер виробництва, бурхливе зростання техніки, потреба населення в житлі викликають нагальну необхідність вирішення проблем містобудування.
Зодчество, на відміну від живопису, є видом мистецтва, нерозривно пов'язаних з матеріальним виробництвом, з технікою, із задоволенням практичних запитів суспільства.
На зміну еклектизму 19 ст. приходять пошуки цільного стилю, заснованого на застосуванні нових конструкцій і матеріалів. У 1890-1900 рр.. в результаті застосування нових матеріалів і технічних винаходів склалося напрямок, отримав назву «стиль модерн». Творці стилю, з одного боку, прагнули до раціональних конструкцій, застосовуючи залізобетон, скло, облицювальну кераміку і т.д., з іншого боку - в архітекторів з'явилася тяга до поверхневого Декоративізм. Звивисті візерунки металевих плетінь, поручнів, балконних огорож, вигини покрівлі, стилізований орнамент нерідко поєднувалися з переробленими формами історичних стилів минулого. Але модерн, надавши тимчасово великий вплив на декоративне і прикладне мистецтво, не створив нової художньо-архітектурної системи.
Провідне місце в живописі 19-29 століть займала Франція. Італія, як європейська держава, багато в чому слід законодавцеві мод.
Офіційно визнаним напрямом у мистецтві цього часу є салонно-академічне. На виставках увазі публіки пропонуються академічні портрети, зображення голих красунь, жанрові картини, історичні сцени. Натуралістичне правдоподібність все більш поступається в академізмі модернізованих форм.
Першим художнім плином ХХ ст., Що почали послідовний відхід від принципів реалізму, був фовізм (суб'єктивне бачення світу). Йому на зміну прийшов кубізм (відкрито формалістичне протягом, стверджувало, що в основі натури лежать прості стереометричні обсяги - куля, циліндр, конус, куб).
Футуризм - прагнення до роздроблення і спотворення реального світу, до розчинення його форм і хаотичної динаміці ритмів. Найбільш яскраве вираження футуризм знайшов в Італії у творчості Д. Балла і К. Карра, авторів неспокійно хаотичних композицій. Лідером футуристів в Італії був письменник Марінетті, став надалі фашистом.
Помітним явищем в італійському мистецтві став експресіонізм. У його сутності лежали дві тенденції. З одного боку, в ньому висловився жах і відчай народу перед трагічними суперечностями життя. З іншого боку - це був протест проти несправедливості.
Через експресіонізм в Італії пройшли Гуттузо, Нерви Вітеллоцці. До робіт Гуттузо відносяться: «Дівчина, що співає« Інтернаціонал »,« Битва біля мосту Амміральо »,« Рокко з патефоном »,« Спагетті »[18].
Розпад реалістичного мистецтва найменше торкнувся скульптури. У монументальних пам'ятниках, розрахованих на масового глядача, реалістичний метод зберігався протягом ХХ століття.
Яскравим представником італійської скульптури цього періоду є Джакомо Манцу. Його руці належать скульптурні портрети і поетичні статуї «Голова Інге», «Мати з дитиною», «Танцівниця», «Ворота смерті» [19].
У ХХ столітті наука (З. Фрейд) проголошує первинність підсвідомих сфер життя. Кризові настрої виражаються в мистецтві течіями абстракціонізму і сюрреалізму. Діяльність митців у цей період призвела до зникнення образної основи.
Друга половина ХХ століття народжує протягом неореалізм. Основним його змістом є життя народу, простої людини, зображеного з індивідуальними рисами зовнішності та душевного складу.
До кінця ХХ - початку ХХI століття італійське мистецтво остаточно розчинилося в загальноєвропейському мистецтві, підпорядковуючись його модам і течіям. Визнана лідерство країни зберігається в галузі театру (насамперед - італійська опера) і частково в області естради, кіномистецтва (Фредеріко Фелліні та ін.)

Висновок

Мистецтво будь-якої держави невіддільне від його історії, політики, економіки та інших сфер, що стосуються суспільства. Процвітаюча країна, як правило, породжує геніїв, і ці генії ще більше сприяють зміцненню могутності своєї держави.
Італійська цивілізація - одна з найдавніших на європейському континенті. І не дивно, що саме на Апеннінському півострові зародилася і пройшла довгий шлях вдосконалення та культура, яка до цих пір вражає висотою своєї духовності, до цих пір є нерозкритою таємницею.
Спадщина італійського мистецтва в світі дуже багато. Погляди туристів підкорюють величні храми, фрески церков, скульптурні композиції. У картинних галереях і музеях зберігаються безцінні твори художників. У театрах сучасні майстри виконують опери, створені сотні років тому.
Православне християнство бере свої початки у візантійській культурі. Вся історія нашої духовності, починаючи від Стародавньої Русі і закінчуючи нинішньої епохою, нерозривно пов'язана з мистецтвом Риму, Візантії, Італії.
Сьогоднішній занепад культури Італії є відображення загальної тенденції зниження моральності і торжества цинізму в світі. Технократичний шлях розвитку людства поставив матеріальні потреби і матеріальні інтереси людей вище духовних. При цьому, створюючи комфорт своєї плоті, людина губить свою душу.
Особливо очевидний регрес у країнах, які переживають загальну кризу розвитку, до числа яких належить і Росія. І мимоволі постає питання: який шлях розвитку вірний: від духовності до матеріального благополуччя - чи навпаки? У нас про душу подумати колись ...
Список використаної літератури.
1. Арган Дж. К. Історія італійського мистецтва. - М.: «Веселка», 1990. - 239с.
2. Гомбріх Ернст. Історія мистецтва. - М., 1998. - 688с.
3. Історія зарубіжного мистецтва / Под ред. М.Т. Кузьміної, Н.Л. Мальцевої. - М.: «Мистецтво», 1971. - 360С.
4. Історія зарубіжного мистецтва / Под ред. М.Т. Кузьміної, Н.Л. Мальцевої. - М.: «Изобр. мистецтво », 1983. - 488с.
5. Мистецтво та культура Італії епохи Відродження і Просвітництва. - М.: Наука, 1997. - 265с.
6. Історія мистецтва зарубіжних країн 17-18 ст. / Под ред. В.І. Роздольський. - М.: «Изобр. мистецтво », 1988. - 512с.
7. Історія мистецтва зарубіжних країн: Первісне суспільство, Стародавній Схід, Античність / Под ред. М.В. Доброклонского і А.П. Чубовой. - М.: «Изобр. мистецтво », 1979. - 384с.
8. Історія мистецтва зарубіжних країн: середні віки, Відродження / За ред. Н.Р. Нессельштрауса. - М.: «зобразив. мистецтво », 1982. - 664с.
9. Історія мистецтв: Італія, Іспанія, Фландрія / Под ред. Є.І. Роттенберг. - М.: «Мистецтво», 1988. - 280с.
10. Карл Верман. Історія мистецтва всіх часів і народів. - М.: АСТ, 2001. - 944с.
11. Роттенберг Є.І. Мистецтво Італії. - М.: «Мистецтво», 1974. - 216с.