МОСКОВСЬКИЙ ГУМАНІТАРНИЙ УНІВЕРСИТЕТ
Факультет реклами
Кафедра дизайну та режисури в рекламі
Курсова робота
ТВОРЧІСТЬ ПАБЛО ПІКАССО
Виконала: студентка групи Р-203
Коева Яна Олександрівна
______________ / Підпис /
Керівник: кандидат історичних наук
Алексєєва Ірина Олексіївна
______________ / Підпис /
Допустити до захисту:
__________________ / Дата, підпис, розшифровка підпису /
Москва 2009
Зміст:
Введення
Глава 1 Початок творчого шляху
§ 1. Роки навчання
§ 2. "Блакитний період"
§ 3. Рожевий період
Глава 2. Спотворення в живописі. Кубізм
Глава 3. Класичний період (Ольга Хохлова & PICASSO)
Глава 4. Сюрреалізм (1925 - 1936)
Глава 5. Джерела натхнення
§ 1. Пікассо - скульптор
§ 2. Мистецтво Африки в творчості Пікассо
§ 3. «Авиньонские дівиці»
Глава 6. Осмислення жахів війни
§ 1. Герніка
§ 2. Післявоєнний період (1945 - 1960-e)
§ 3. Останні роки (кінець 60-х - 1973)
Висновок
Список використаної літератури
Додаток 1
Додаток 2
Введення
"Художник - це людина, яка пише те, що можна продати. А хороший художник - це людина, яка продає те, що пише. "
Пабло Пікассо
Пікассо - винахідник нових форм живопису, новатор стилів і методів, і один з найбільш плідних художників в історії. Він створив більш ніж 20 тисяч робіт. Багато дослідників прагнуть пояснити стилістична мінливість художника його генами, приписуючи його матері єврейське походження; однак родина Пікассо була самої що ні є іспанської і навіть Андалузії і належала до середовища провінційної дрібної буржуазії.
Актуальність даної тематики зумовлена тим, що історія не знала художника, творчість якого викликало б стільки суперечок. Офіційні біографи називають Пабло Пікассо найзнаменитішим художником ХХ століття. Але сказати так, значить не сказати нічого. Це титан, арт-кар'єра якого тривала 80 років! Крім картин, з-під його рук вийшли тисячі скульптур, графічних робіт, керамічних виробів, літографій, поетичних творів та виробів з самих різних покидьків цивілізації. Він трансформував мистецтво так, як ніхто інший в цьому столітті. Його мистецтво набуло загальну значимість як вираз тріумфів і трагедій, життєвої сили і неспокійних шукань людини ХХ століття. Воно харчувалося багатьма джерелами минулого, включаючи роботи його великих іспанських попередників.
Скульптурні твори Пікассо свідчать про міць його неабияку фантазію, а як графік (рисувальник, офортист, літограф, ліногравер і дизайнер в дягилевських "Російських сезонах") він вважається одним з великих художників 20 століття. Роботи Пікассо емоційні, багато хто з них, незважаючи на песимістичну тональність пройняті пристрасною вірою в життя. Мало хто з його сучасників мав такою здатністю представляти за допомогою образотворчих засобів жорстокість і дурість в настільки голому вигляді або захоплення всеперемагаючої любові.
Його гігантський праця не тільки виявляє сприйнятливість творця до проблем і творчим, і людським, але й розповідає багато про Пікассо як про особистість. Це повний щоденник його життя, його настроїв, його пристрастей і дилем. Від початку і до кінця цей людина, наділена невичерпною творчою енергією, втілював безліч парадоксів і протиріччя, як у своєму житті, так і в своєму мистецтві, але ніколи він не зраджував ні собі, ні своєму натхненню. Одним з характерних якостей цього революційного художника було те, що він постійно повертався до традиційного, знову кидаючи виклик робіт великих художників минулого. Інший парадокс: хоча він обожнював життя і не втомлювався захоплюватися людським тілом, його фігури характеризуються деформаціями, зробленими з такою силою експресії, з якою не зрівняється нічого в західному мистецтві. Для Пікассо життя і мистецтво єдині.
Мета роботи - підкреслити величезний внесок Пікассо в культуру і мистецтво, що має всесвітнє значення, використовуючи численні відомості, зібрані з різних джерел. Багато дослідників зверталися до творчості Пабло Пікассо, чим і скористався автор даної роботи, використавши літературу вітчизняних та зарубіжних авторів.
1. Початок творчого шляху
§ 1. Роки навчання
Пабло Руїс Пікассо народився 25 жовтня 1881 року в місті Малага, анадалузской провінції Іспанії.
Пікассо почав малювати з самого дитинства, перші уроки художньої майстерності він отримав у свого батька - вчителя малювання Хосе Руїса Бласко, і незабаром володів ним досконало. У віці 7 років батько доручав йому дописувати лапки голубів на своїх картинах. Але одного разу, довіривши Пабло дописати досить великий натюрморт, він був настільки вражений технікою сина, що, за легендою, сам кинув займатися живописом. У 8 років він малює свою першу серйозну картину маслом, "Пікадор" (див. додаток 1), з якою він не розлучався протягом усього життя.
Пікассо вчився в школі мистецтв в Ла-Коруньї (1894-1895). У 1895 році він вступає до школи витончених мистецтв "Ла Лонха" в Барселоні, з блиском витримав іспит вищого ступеня навчання. Спочатку він підписується своїм ім'ям по батькові Ruiz Blasco, але потім вибирає прізвище матері Picasso. У вересні 1897 він їде в Мадрид, де в жовтні проходить конкурс на королівську академію Сан-Фернандо, що вважалася на той момент найбільш передовою школою мистецтв у всій Іспанії.
Проте заняття в школі продовжилися недовго, менше року, і Пабло був захоплений всіма іншими принадами мадридської життя, а також вивченням робіт вразили його тоді художників - Дієго Веласкеса, Франсіско Гойї, і особливо Ель Греко.
У полотнах, написаних у віці 15-16 років, продемонстрував досконале володіння прийомами академічного живопису (колекція ранніх робіт Пікассо знаходиться в Барселоні, в музеї Пікассо ¹).
______________
¹ Музей Пікассо - один із самих популярних і часто відвідуваних музеїв Барселони. Розташований він у самому центрі старого міста, в районі Баррі Готік. Заснований був в 1963 році. Музей Пікассо в знаходиться в п'яти середньовічних особняках на вулиці Монкада. Більше 3500 робіт Пікассо становлять постійну колекцію музею.
Найвідоміші з них: "Перше причастя" (1896) - велика картина, що зображає сестру Пікассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матері" (1896) (див. додаток). Вже будучи дорослим і відвідавши якось виставку дитячих малюнків, Пікассо сказав: "У їх віці я малював як Рафаель, але мені було потрібно ціле життя, щоб навчитися малювати як вони".
Під час навчання в Мадриді Пікассо здійснив своє перше турне в Париж - визнану тоді європейську столицю мистецтв. Там він протягом кількох місяців відвідав усі без винятку музеї, вивчаючи живопис великих майстрів: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена і багатьох інших. Також він захоплювався мистецтвом фінікійців і єгиптян, готичної скульптурою, японської гравюрою. Пабло цікавило абсолютно все. Тоді ж, у перші роки життя в Парижі він познайомився з колекціонером і торговцем живописом Амбруаза Воллара, поетами Максом Жакобом і Гійомом Аполлінером і багатьма іншими. Він знову відвідував Париж в 1901 і в 1902 році і вже остаточно перебрався туди до 1904 року.
Пікассо повертається до Барселони в червні 1898, там він входить в організацію «Els Quatre Gats» - богемне кафе з круглими столами на мистецькі теми. Каталонські художники, з якими Пікассо знайомиться в кафе "Чотири кота" (у цьому кафе пройде його перша виставка), заново відкривають Ель Греко, Сурбарана, середньовічну каталонську скульптуру, Іспанію, більш безпосередню і жагучу, чим це допускалося офіційним навчанням. Ця провінційна і романтична інтелігенція була глибоко пронизана соціальними інтересами і відрізнялася цієї неприборканістю анархічних кіл. Пікассо, здавалося, сильно переживав убогість і духовне убозтво повій і п'яниць, завсідників кабаре і будинків побачень Барріо Чіно; в них Пікассо знайшов основні риси своїх персонажів і теми майбутнього "блакитного" періоду (1901-1904).
§ 2. "Блакитний період"
Початок "блакитного періоду" прийнято пов'язувати із другою поїздкою художника в Париж. Дійсно, він повертається до різдва 1901 року в Барселону з завершеними і розпочатими полотнами, написаними в зовсім іншій манері, ніж та, в якій він працював до цих пір. Печаль - ось що народжує мистецтво, переконує він тепер своїх друзів. У його картинах виникає блакитний світ безмовного самотності, знедолених суспільством людей - хворих, жебраків, калік, старих.
Пікассо вже в ці роки був схильний до парадоксів і несподіванок. 1900-1901 року зазвичай називають "лотреновскімі" і "стейленовскімі" у творчості художника, вказуючи тим самим на прямий зв'язок з мистецтвом його паризьких сучасників. Але після поїздки в Париж він остаточно пориває зі своїми захопленнями. "Блакитний період" за світовідчуттям, проблематиці, пластиці пов'язаний вже з іспанською художньою традицією.
Ситуацію допомагають зрозуміти 2 полотна - «Любителька абсенту» і «Побачення (Дві сестри)» (див. додаток 1). Вони стоять на порозі «блакитного періоду», випереджаючи багато його тематичні аспекти і разом з тим завершуючи цілу смугу шукань Пікассо, його руху до власної істини. Сіро-блакитні і синьо-зелені глибокі холодні кольори, кольори печалі і смутку, постійно присутні в них. Пікассо називав блакитний "кольором всіх кольорів". Серед сюжетів цих картин - виснажені матері з дітьми, бродяги, жебраки, сліпі.
Можна з упевненістю сказати, що в 15 років Пікассо вже прекрасно володів художньою майстерністю в академічному сенсі цього слова. А потім його захоплює дух експериментаторства в пошуках своєї дороги в складному плетінні напрямів і течій європейського мистецтва рубежу ХХ століття. У цих шуканнях виявилась одна з чудових особливостей таланту Пікассо - здатність до асиміляції ¹, засвоєнню різних тенденцій і напрямів у мистецтві. У "Побаченні" і "Любителька абсенту" проступають ще першоджерела (паризька школа мистецтва). Але молодий Пікассо вже починає говорити своїм голосом. Те, що турбувало і мучило його, тепер вимагало інших образотворчих рішень. Колишні прихильності були вичерпані.
______________
¹ Асиміляція - у мовознавстві (лат. assimilatio - злиття, засвоєння) - фонетіч. процес, що складається в уподібненні звуків один одному в межах одного слова або словосполучення.
Звернення художника до образів злиднів, страждання, трагічного відчаю часто пов'язують з умовами його життя у французькій столиці і трагічною смертю одного Касахемоса, поета і художника, який покінчив життя самогубством. Пікассо в ці роки вкрай бідував. І все ж витоки, що живили "блакитний період", ширше і глибше.
Вони в соціальному кліматі епохи, в атмосфері суспільного життя Барселони, у світогляді самого Пікассо.
Барселона тих років була одним з центрів революційно-анархічних ідей, що відбивали гостроту соціальних контрастів і бідності тодішньої Іспанії. Це відклало відбиток і на особливість життя міста з його клубними дискусіями, зборами, мітингами. У полубогемной середовищі таверни "4 кота", де особливо цінувалися свобода і незалежність, а співчуття "до принижених і ображених" зводилося в моральний принцип, і формувалися життєві позиції молодого Пікассо.
З безстрашністю справжнього великого художника, 20-річний Пікассо звертається до "дна" життя. Він відвідує лікарні, психіатричні лікарні, притулки. Тут він знаходить героїв своїх картин - жебраків, калік, знедолених, знедолених і викинутих суспільством людей. Аж ніяк не тільки сентиментальне співчуття до них хотів художник висловити своїми полотнами. Блакитний світ безмовності, в який він занурює своїх дійових осіб, - це не тільки символ страждання і болю, це і світ гордої самотності, моральної чистоти.
"Дві сестри" стали одним з перших творів цього періоду. У "Сестрах" і взагалі в роботах "блакитного періоду" автор орієнтується на деякі традиції середньовічного мистецтва. Його приваблює стилістика готики, особливо готичної пластики з її натхненною виразністю форм. Пікассо в ті роки відкриває для себе Ель Греко і Моралес. У їхніх роботах він знаходить співзвучну його тодішнім настроям і шуканням психологічну виразність, символічність кольору, гостру експресію форм, піднесену одухотвореність образів.
«Дві сестри» - характерна у всіх відносинах робота «блакитного періоду». Пікассо будує картину як барельєф, прагнучи до рівноваги, стильності силуету фігур двох жінок на блакитному абстрактному тлі. У покірно згуртованих один до одного, майже обнімаються постатях - печаль страждання, мовчазна згода, тиха ласка і всепрощення. Якщо припустимі тут якісь музичні аналогії, то виникає думка, звичайно, про реквіємі. Дрібна повсякденність, тривоги і знегоди миренні відступають тут перед величчю вічного, загального. Недарма зустріч сестер асоціюється з Євангельської притчею про Марію та Єлизавету (Зустріч Марії та Єлизавети). У багато плановому змісті "Сестер" знову звучить і тема спілкування людей, дружби двох істот як застави захисту від негараздів життя, ворожості світу. Вона буде все більше місця в його творчості.
Інша типова картина Пікассо "блакитного періоду" - "Жебрак старий з хлопчиком" (див. додаток 1). Вони примикають до серії робіт, де героями виступають жебраки, сліпці, каліки. У них художник немов кидає виклик світу благополучних і байдужих товстосумів і міщан. У своїх героїв Пікассо хотів бачити носіїв якихось прихованих від звичайних людей істин, доступних тільки внутрішньому погляду, внутрішнього життя людини. Недаремно більшість персонажів картин «блакитного періоду» здаються незрячими, не маю своєї особи. Вони живуть своїм внутрішнім світом, їх тонкі «готичні» пальці пізнають не зовнішні форми предметів, а їх внутрішній таємний сенс.
§ 3. Рожевий період
Навесні 1904 р . Пікассо остаточно поселяється в Парижі на Монмартрі. З переїздом до Парижа завершується «блакитний період». У монохромну блакить полотен Пікассо вторгаються різні тіні, стаючи пануючими. Цей новий період отримує назву «рожевий». Але сенс нових шукань художника був, зрозуміло, аж ніяк не в зміні його текстури. Іноді його називають «цирковим», і це точніше передає його зміст. На полотнах абсолютно новий світ - світ комедіантів, циркових акторів. Причини нового повороту Пікассо в художніх концепціях далеко не однозначні. Вони - і в особливостях його невгамовного таланту, і у впливах середовища. Барселона більше не давала художніх імпульсів, була вичерпана тема "дна" життя. Його вабили тепер моральні цінності іншого порядку. Слід зазначити, що Пікассо вже в ті роки чудово знав французьку, іспанську і навіть цікавився російською літературою (Тургенєв, Горький).
Паризькі друзі знайомлять його з літературними клубами Парижа, вводять в богемний побут художників і поетів Монмартра з його романтикою творчості, атмосферою життєвої невлаштованості, але постійної готовності до взаємодопомоги та підтримки. Сальмоном і Аполлінеру він в першу чергу зобов'язаний, очевидно, і захопленням цирком. На початку 1905 року разом з ним він стає завсідником відомого паризького цирку Медрано. У 1904 році в Пікассо зустрів модель Фернанду Олів'є, яка надихнула його на створення багатьох значних робіт цього періоду. Вони жили в центрі богемної паризького життя і мецці паризьких художників Бато-Лавуар ¹. Тут, в досконалої бідності на межі бідності і невимовному твоорческом безладді Пікассо постійно писав свою Фернанду і шукав свій шлях.
Однак марно шукати на його полотнах цирк, циркове видовище. Його цікавить сам актор, творча, творить особистість. Причому класичні персонажі бродячого цирку - особистість, клоуни, арлекіни. Вони показані поза грою, зрідка під час репетиції, частіше - в буденному житті, родині. Вони обов'язково одягнені в костюми своїх персонажів. Це для них як би знак відмінності від загальної маси. Мандрівна група акторів для Пікассо - особливий мікросвіт вільних людей, де існують щирі прихильності, де немає місця користі, обману. Тут спільно ділять успіх і гіркоту поразок. До цього світу зараховував себе і сам художник.
_____________________ Факультет реклами
Кафедра дизайну та режисури в рекламі
Курсова робота
ТВОРЧІСТЬ ПАБЛО ПІКАССО
Виконала: студентка групи Р-203
Коева Яна Олександрівна
______________ / Підпис /
Керівник: кандидат історичних наук
Алексєєва Ірина Олексіївна
______________ / Підпис /
Допустити до захисту:
__________________ / Дата, підпис, розшифровка підпису /
Москва 2009
Зміст:
Введення
Глава 1 Початок творчого шляху
§ 1. Роки навчання
§ 2. "Блакитний період"
§ 3. Рожевий період
Глава 2. Спотворення в живописі. Кубізм
Глава 3. Класичний період (Ольга Хохлова & PICASSO)
Глава 4. Сюрреалізм (1925 - 1936)
Глава 5. Джерела натхнення
§ 1. Пікассо - скульптор
§ 2. Мистецтво Африки в творчості Пікассо
§ 3. «Авиньонские дівиці»
Глава 6. Осмислення жахів війни
§ 1. Герніка
§ 2. Післявоєнний період (1945 - 1960-e)
§ 3. Останні роки (кінець 60-х - 1973)
Висновок
Список використаної літератури
Додаток 1
Додаток 2
Введення
"Художник - це людина, яка пише те, що можна продати. А хороший художник - це людина, яка продає те, що пише. "
Пабло Пікассо
Пікассо - винахідник нових форм живопису, новатор стилів і методів, і один з найбільш плідних художників в історії. Він створив більш ніж 20 тисяч робіт. Багато дослідників прагнуть пояснити стилістична мінливість художника його генами, приписуючи його матері єврейське походження; однак родина Пікассо була самої що ні є іспанської і навіть Андалузії і належала до середовища провінційної дрібної буржуазії.
Актуальність даної тематики зумовлена тим, що історія не знала художника, творчість якого викликало б стільки суперечок. Офіційні біографи називають Пабло Пікассо найзнаменитішим художником ХХ століття. Але сказати так, значить не сказати нічого. Це титан, арт-кар'єра якого тривала 80 років! Крім картин, з-під його рук вийшли тисячі скульптур, графічних робіт, керамічних виробів, літографій, поетичних творів та виробів з самих різних покидьків цивілізації. Він трансформував мистецтво так, як ніхто інший в цьому столітті. Його мистецтво набуло загальну значимість як вираз тріумфів і трагедій, життєвої сили і неспокійних шукань людини ХХ століття. Воно харчувалося багатьма джерелами минулого, включаючи роботи його великих іспанських попередників.
Скульптурні твори Пікассо свідчать про міць його неабияку фантазію, а як графік (рисувальник, офортист, літограф, ліногравер і дизайнер в дягилевських "Російських сезонах") він вважається одним з великих художників 20 століття. Роботи Пікассо емоційні, багато хто з них, незважаючи на песимістичну тональність пройняті пристрасною вірою в життя. Мало хто з його сучасників мав такою здатністю представляти за допомогою образотворчих засобів жорстокість і дурість в настільки голому вигляді або захоплення всеперемагаючої любові.
Його гігантський праця не тільки виявляє сприйнятливість творця до проблем і творчим, і людським, але й розповідає багато про Пікассо як про особистість. Це повний щоденник його життя, його настроїв, його пристрастей і дилем. Від початку і до кінця цей людина, наділена невичерпною творчою енергією, втілював безліч парадоксів і протиріччя, як у своєму житті, так і в своєму мистецтві, але ніколи він не зраджував ні собі, ні своєму натхненню. Одним з характерних якостей цього революційного художника було те, що він постійно повертався до традиційного, знову кидаючи виклик робіт великих художників минулого. Інший парадокс: хоча він обожнював життя і не втомлювався захоплюватися людським тілом, його фігури характеризуються деформаціями, зробленими з такою силою експресії, з якою не зрівняється нічого в західному мистецтві. Для Пікассо життя і мистецтво єдині.
Мета роботи - підкреслити величезний внесок Пікассо в культуру і мистецтво, що має всесвітнє значення, використовуючи численні відомості, зібрані з різних джерел. Багато дослідників зверталися до творчості Пабло Пікассо, чим і скористався автор даної роботи, використавши літературу вітчизняних та зарубіжних авторів.
1. Початок творчого шляху
§ 1. Роки навчання
Пабло Руїс Пікассо народився 25 жовтня 1881 року в місті Малага, анадалузской провінції Іспанії.
Пікассо почав малювати з самого дитинства, перші уроки художньої майстерності він отримав у свого батька - вчителя малювання Хосе Руїса Бласко, і незабаром володів ним досконало. У віці 7 років батько доручав йому дописувати лапки голубів на своїх картинах. Але одного разу, довіривши Пабло дописати досить великий натюрморт, він був настільки вражений технікою сина, що, за легендою, сам кинув займатися живописом. У 8 років він малює свою першу серйозну картину маслом, "Пікадор" (див. додаток 1), з якою він не розлучався протягом усього життя.
Пікассо вчився в школі мистецтв в Ла-Коруньї (1894-1895). У 1895 році він вступає до школи витончених мистецтв "Ла Лонха" в Барселоні, з блиском витримав іспит вищого ступеня навчання. Спочатку він підписується своїм ім'ям по батькові Ruiz Blasco, але потім вибирає прізвище матері Picasso. У вересні 1897 він їде в Мадрид, де в жовтні проходить конкурс на королівську академію Сан-Фернандо, що вважалася на той момент найбільш передовою школою мистецтв у всій Іспанії.
Проте заняття в школі продовжилися недовго, менше року, і Пабло був захоплений всіма іншими принадами мадридської життя, а також вивченням робіт вразили його тоді художників - Дієго Веласкеса, Франсіско Гойї, і особливо Ель Греко.
У полотнах, написаних у віці 15-16 років, продемонстрував досконале володіння прийомами академічного живопису (колекція ранніх робіт Пікассо знаходиться в Барселоні, в музеї Пікассо ¹).
______________
¹ Музей Пікассо - один із самих популярних і часто відвідуваних музеїв Барселони. Розташований він у самому центрі старого міста, в районі Баррі Готік. Заснований був в 1963 році. Музей Пікассо в знаходиться в п'яти середньовічних особняках на вулиці Монкада. Більше 3500 робіт Пікассо становлять постійну колекцію музею.
Найвідоміші з них: "Перше причастя" (1896) - велика картина, що зображає сестру Пікассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матері" (1896) (див. додаток). Вже будучи дорослим і відвідавши якось виставку дитячих малюнків, Пікассо сказав: "У їх віці я малював як Рафаель, але мені було потрібно ціле життя, щоб навчитися малювати як вони".
Під час навчання в Мадриді Пікассо здійснив своє перше турне в Париж - визнану тоді європейську столицю мистецтв. Там він протягом кількох місяців відвідав усі без винятку музеї, вивчаючи живопис великих майстрів: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена і багатьох інших. Також він захоплювався мистецтвом фінікійців і єгиптян, готичної скульптурою, японської гравюрою. Пабло цікавило абсолютно все. Тоді ж, у перші роки життя в Парижі він познайомився з колекціонером і торговцем живописом Амбруаза Воллара, поетами Максом Жакобом і Гійомом Аполлінером і багатьма іншими. Він знову відвідував Париж в 1901 і в 1902 році і вже остаточно перебрався туди до 1904 року.
Пікассо повертається до Барселони в червні 1898, там він входить в організацію «Els Quatre Gats» - богемне кафе з круглими столами на мистецькі теми. Каталонські художники, з якими Пікассо знайомиться в кафе "Чотири кота" (у цьому кафе пройде його перша виставка), заново відкривають Ель Греко, Сурбарана, середньовічну каталонську скульптуру, Іспанію, більш безпосередню і жагучу, чим це допускалося офіційним навчанням. Ця провінційна і романтична інтелігенція була глибоко пронизана соціальними інтересами і відрізнялася цієї неприборканістю анархічних кіл. Пікассо, здавалося, сильно переживав убогість і духовне убозтво повій і п'яниць, завсідників кабаре і будинків побачень Барріо Чіно; в них Пікассо знайшов основні риси своїх персонажів і теми майбутнього "блакитного" періоду (1901-1904).
§ 2. "Блакитний період"
Початок "блакитного періоду" прийнято пов'язувати із другою поїздкою художника в Париж. Дійсно, він повертається до різдва 1901 року в Барселону з завершеними і розпочатими полотнами, написаними в зовсім іншій манері, ніж та, в якій він працював до цих пір. Печаль - ось що народжує мистецтво, переконує він тепер своїх друзів. У його картинах виникає блакитний світ безмовного самотності, знедолених суспільством людей - хворих, жебраків, калік, старих.
Пікассо вже в ці роки був схильний до парадоксів і несподіванок. 1900-1901 року зазвичай називають "лотреновскімі" і "стейленовскімі" у творчості художника, вказуючи тим самим на прямий зв'язок з мистецтвом його паризьких сучасників. Але після поїздки в Париж він остаточно пориває зі своїми захопленнями. "Блакитний період" за світовідчуттям, проблематиці, пластиці пов'язаний вже з іспанською художньою традицією.
Ситуацію допомагають зрозуміти 2 полотна - «Любителька абсенту» і «Побачення (Дві сестри)» (див. додаток 1). Вони стоять на порозі «блакитного періоду», випереджаючи багато його тематичні аспекти і разом з тим завершуючи цілу смугу шукань Пікассо, його руху до власної істини. Сіро-блакитні і синьо-зелені глибокі холодні кольори, кольори печалі і смутку, постійно присутні в них. Пікассо називав блакитний "кольором всіх кольорів". Серед сюжетів цих картин - виснажені матері з дітьми, бродяги, жебраки, сліпі.
Можна з упевненістю сказати, що в 15 років Пікассо вже прекрасно володів художньою майстерністю в академічному сенсі цього слова. А потім його захоплює дух експериментаторства в пошуках своєї дороги в складному плетінні напрямів і течій європейського мистецтва рубежу ХХ століття. У цих шуканнях виявилась одна з чудових особливостей таланту Пікассо - здатність до асиміляції ¹, засвоєнню різних тенденцій і напрямів у мистецтві. У "Побаченні" і "Любителька абсенту" проступають ще першоджерела (паризька школа мистецтва). Але молодий Пікассо вже починає говорити своїм голосом. Те, що турбувало і мучило його, тепер вимагало інших образотворчих рішень. Колишні прихильності були вичерпані.
______________
¹ Асиміляція - у мовознавстві (лат. assimilatio - злиття, засвоєння) - фонетіч. процес, що складається в уподібненні звуків один одному в межах одного слова або словосполучення.
Звернення художника до образів злиднів, страждання, трагічного відчаю часто пов'язують з умовами його життя у французькій столиці і трагічною смертю одного Касахемоса, поета і художника, який покінчив життя самогубством. Пікассо в ці роки вкрай бідував. І все ж витоки, що живили "блакитний період", ширше і глибше.
Вони в соціальному кліматі епохи, в атмосфері суспільного життя Барселони, у світогляді самого Пікассо.
Барселона тих років була одним з центрів революційно-анархічних ідей, що відбивали гостроту соціальних контрастів і бідності тодішньої Іспанії. Це відклало відбиток і на особливість життя міста з його клубними дискусіями, зборами, мітингами. У полубогемной середовищі таверни "4 кота", де особливо цінувалися свобода і незалежність, а співчуття "до принижених і ображених" зводилося в моральний принцип, і формувалися життєві позиції молодого Пікассо.
З безстрашністю справжнього великого художника, 20-річний Пікассо звертається до "дна" життя. Він відвідує лікарні, психіатричні лікарні, притулки. Тут він знаходить героїв своїх картин - жебраків, калік, знедолених, знедолених і викинутих суспільством людей. Аж ніяк не тільки сентиментальне співчуття до них хотів художник висловити своїми полотнами. Блакитний світ безмовності, в який він занурює своїх дійових осіб, - це не тільки символ страждання і болю, це і світ гордої самотності, моральної чистоти.
"Дві сестри" стали одним з перших творів цього періоду. У "Сестрах" і взагалі в роботах "блакитного періоду" автор орієнтується на деякі традиції середньовічного мистецтва. Його приваблює стилістика готики, особливо готичної пластики з її натхненною виразністю форм. Пікассо в ті роки відкриває для себе Ель Греко і Моралес. У їхніх роботах він знаходить співзвучну його тодішнім настроям і шуканням психологічну виразність, символічність кольору, гостру експресію форм, піднесену одухотвореність образів.
«Дві сестри» - характерна у всіх відносинах робота «блакитного періоду». Пікассо будує картину як барельєф, прагнучи до рівноваги, стильності силуету фігур двох жінок на блакитному абстрактному тлі. У покірно згуртованих один до одного, майже обнімаються постатях - печаль страждання, мовчазна згода, тиха ласка і всепрощення. Якщо припустимі тут якісь музичні аналогії, то виникає думка, звичайно, про реквіємі. Дрібна повсякденність, тривоги і знегоди миренні відступають тут перед величчю вічного, загального. Недарма зустріч сестер асоціюється з Євангельської притчею про Марію та Єлизавету (Зустріч Марії та Єлизавети). У багато плановому змісті "Сестер" знову звучить і тема спілкування людей, дружби двох істот як застави захисту від негараздів життя, ворожості світу. Вона буде все більше місця в його творчості.
Інша типова картина Пікассо "блакитного періоду" - "Жебрак старий з хлопчиком" (див. додаток 1). Вони примикають до серії робіт, де героями виступають жебраки, сліпці, каліки. У них художник немов кидає виклик світу благополучних і байдужих товстосумів і міщан. У своїх героїв Пікассо хотів бачити носіїв якихось прихованих від звичайних людей істин, доступних тільки внутрішньому погляду, внутрішнього життя людини. Недаремно більшість персонажів картин «блакитного періоду» здаються незрячими, не маю своєї особи. Вони живуть своїм внутрішнім світом, їх тонкі «готичні» пальці пізнають не зовнішні форми предметів, а їх внутрішній таємний сенс.
§ 3. Рожевий період
Навесні
Паризькі друзі знайомлять його з літературними клубами Парижа, вводять в богемний побут художників і поетів Монмартра з його романтикою творчості, атмосферою життєвої невлаштованості, але постійної готовності до взаємодопомоги та підтримки. Сальмоном і Аполлінеру він в першу чергу зобов'язаний, очевидно, і захопленням цирком. На початку 1905 року разом з ним він стає завсідником відомого паризького цирку Медрано. У 1904 році в Пікассо зустрів модель Фернанду Олів'є, яка надихнула його на створення багатьох значних робіт цього періоду. Вони жили в центрі богемної паризького життя і мецці паризьких художників Бато-Лавуар ¹. Тут, в досконалої бідності на межі бідності і невимовному твоорческом безладді Пікассо постійно писав свою Фернанду і шукав свій шлях.
Однак марно шукати на його полотнах цирк, циркове видовище. Його цікавить сам актор, творча, творить особистість. Причому класичні персонажі бродячого цирку - особистість, клоуни, арлекіни. Вони показані поза грою, зрідка під час репетиції, частіше - в буденному житті, родині. Вони обов'язково одягнені в костюми своїх персонажів. Це для них як би знак відмінності від загальної маси. Мандрівна група акторів для Пікассо - особливий мікросвіт вільних людей, де існують щирі прихильності, де немає місця користі, обману. Тут спільно ділять успіх і гіркоту поразок. До цього світу зараховував себе і сам художник.
¹ Бато-Лавуар - це дивне напівзруйновану будівлю з темними сходами і звивистими коридорами було будинком дуже різношерстої компанії: художники, поети, торговці, двірники ...
Пікассо гостро і навіть болісно відчував суперечності життя. Він розумів, наскільки крихкий і ілюзорний створений ним світ комедіантів, загублений у величезному, невлаштованим курному світі. Тривога художника відображена прихованою сумом, настороженістю на обличчях його героїв. У великих програмних композиціях «рожевого періоду» - «Мандруючі комедіанти», «Комедіанти на привалі» - особливо, мабуть, виразно проявляється настрій якийсь невпевненості, тривожного очікування.
Можливість щастя і гармонії Пікассо допускає тільки в ситуації сім'ї. У серії робіт, які тільки можна об'єднати під загальною назвою "Сімейство комедіантів" (див. додаток 1), він розробляє свій варіант святого сімейства. Тут його персонажі, як би огороджені від жорстокої дійсність теплом любові і ніжності до дитини.
Є і ще одна тема проходить через ранні роки творчості Пікассо і виражає його віру в доброту людських відносин. У «рожевий період» вона стає домінуючою. Це тема дружби, дружби двох істот, де сильний, досвідчений підтримує, оберігає слабкого, беззахисного. Ними можуть бути літній, що побачив життя клоун і боязкий хлопчик, могутній атлет і тендітна дівчинка-акробатка, людина і тварина, як, наприклад «Хлопчик з конем».
Значне полотно «рожевого періоду» - «Дівчата на кулі» (див. додаток 1). Величезна голка композиційного мислення Пікассо проявляється тут з повним блиском. В основу композиційної та ритмічної структури картини покладено пластичний мотив зіставлення контрасту і в той же час - рівноваги єдності. Потужний атлет і тендітна дівчинка, масив куба і вислизає хиткість кулі, моноліт чоловічої фігури на кубі і колишуться, як стеблинка на вітрі, тоненька постать дівчинки на кулі. Приберіть один з компонентів картини - відбудеться катастрофа. Чи не стане атлета - і дівчинка одразу втратить рівновагу, а без її хиткою неміцності він завалиться, повалиться під власною вагою.
У «Дівчинці на кулі» Пікассо особливо ассоціатівен і метаморфічних. В образах дівчинки і атлета, їх контрастах і зв'язках, проступають асоціативні образи єдності та протилежності різних почав у природі, життя, людину. Виникає й інше, більш глибокий ряд асоціацій, що веде в середньовічну символіку. У атлети вгадуються алегорія доблесті, в дівчинці на кулі - фортуни. У картині помітно вже новий напрям художньої думки Пікассо - інтерес до класичної ясності, врівноваженості, внутрішньої гармонії. Написана на рубежі 1905 року «Дівчинка на кулі» стоїть біля витоків так званого першого класичного періоду у творчості художника. Рух художника до образів ясним, гармонійно цільним, діяльним харчувалося його вірою в добре і розумне начало в людині. Звідси в роботах Пікассо 1906 образи фізично досконалих дівчат та юнаків. Сильні юнаки стрімко йдуть назустріч глядачеві, готові до дії. Це був світ мрії художника, ідеальний світ вільних і гордих людей.
Почавши створювати його, Пікассо раптом зупиняється і все кидає. Немов у нього не вистачає сил, слабне віра, настає розчарування.
У 1907 році з'явилася знамениті "Авиньонские дівиці". Над ними художник працював більше року - довго і ретельно, як не працював до цього над іншими своїми картинами. Перша реакція публіки - шок. Матісс був у нестямі. Навіть більшість друзів не прийняли цю роботу. "Таке відчуття, що ти хотів нагодувати нас клоччям або напоїти бензином", - говорив художник Жорж Шлюб, новий друг Пікассо. Скандальна картина, назву якій дав поет О. Сальмон, була першим кроком живопису на шляху до кубізму, а багато мистецтвознавці вважають її відправною точкою сучасного мистецтва.
2. Спотворення в живописі. Кубізм
У спробі добитися свого роду надреальність, до якої він прагнув у своєму мистецтві, Пікассо звертався до безлічі прийомів. Іноді, наприклад, він зображував предмети з такої детальної точністю, що фотографії в порівнянні з ними здаються нечіткими і приблизними. В інших випадках він підкреслював контрасти світла і тіні, домагаючись захоплюючого драматичного ефекту. Але зазвичай йому вдавалося досягти "більш реального, ніж сама реальність", шляхом експерессівного спотворення: він зраджував природний вигляд предметів, головним чином людського тіла, щоб відірвати глядача від традиційного способу сприйняття і підштовхнути до нового, більш високому усвідомленню видимого світу. Ні в одній з тем його творів це не проявляється більше, ніж у трантове самої традиційної теми - оголеного жіночого тіла.
Пікассо звертався до деформації вже у своїх ранніх роботах, в начерках, де часто зустрічаються карикатурні перебільшення, які він виконував заради власного задоволення
У "кубічному" періоді Пікассо виділяють кілька етапів: "Сезанновскій" кубізм, представлений в роботах "Бідон і миски" (1908), "Три жінки" (1908) (див. додаток 1), "Жінка з віялом" (1909) і інших, характеризується "сезанновскімі" тонами - охристими, зеленуватими, коричневими, але більш розмитими, каламутними і використанням простих геометричних форм, з яких будується зображення. "Аналітичний" кубізм: предмет дробиться на дрібні частини, які чітко відокремлюються один від одного, предметна форма як би розпливається на полотні. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910) (див. додаток 1), "Завод у Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанди Олів'є" (1909) (див. додаток 1), "Портрет Канвейлера" (1910). На етапі "синтетичного" кубізму роботи Пікассо беруть декоративний і контрастний характер. Картини зображують здебільшого натюрморти з різними предметами: музичними інструментами, нотами, пляшками вина, курильними трубками, столовими приладами, афішами ... Також, побоюючись перетворення кубізму в чисто абстрактні естетичні вправи, зрозумілі лише вузькому колу, Пікассо і Шлюб використовували у своїх роботах реальні предмети: шпалери, пісок, мотузки та ін Роботи "синтетичного" періоду: "Натюрморт з плетеним стільцем" (1911-1912 ), "Пляшка Перно (столик в кафе)" (див. додаток 1), (1912) "Скрипка" (1913).
Незважаючи на неприйняття кубізму більшістю, картини Пікассо дуже добре купуються. Нарешті-то кінчається злиденне існування і Пабло з Фернандо ¹ у вересні 1909 року перебралися в простору і світлу майстерню на Кліші, 11. Звичайно, Пікассо не забув перевезти і свій обов'язковий безлад: химерні бутлі і вази, гітари, старий килим, картини улюблений художників - Матісса, Сезанна, Руссо, колекція африканських масок ...
Він завжди говорив, що відчуває жах перед гармонією і добрим смаком. Він купував речі, які йому подобалися, не піклуючись про те, як вони виглядають разом.
Восени 1911 року Пікассо розлучився з Фернандо. Його новою музою стала Єва (Марсель Умбер), з якою він жив і створював свої кубічні роботи на Монпарнасі і в Авіньйоні. Одна з робіт, присвячених Єві - "Оголена, Я люблю Єву" (1912) (див. додаток 1). Потім настали сумні роки: війна, мобілізація і розставання з багатьма друзями, несподівана хвороба і трагічна смерть Єви.
3. Класичний період (Ольга Хохлова & PICASSO).
На початок 1917 року, починається листування Пікассо з Сергієм Дягілєвим - директором трупи російського балету, який, готуючись до гастролей у Європі, замовляє у нього декорації та ескізи до костюмів для одноактного балету "Парад". Пікассо згоден і відразу ж починає захоплено працювати, не підозрюючи про те, яким чином гастролі російського балету вплинуть на його подальше життя.
У ці роки Пікассо - художник, вже відомий своїм модерністськими тенденціями в живописі. І саме в цей час, після знаменитих рожевого та блакитного періодів, пуантилізму та кубізму, починається новий, маловідомий, етап в його творчості, що датується між 1916 і
___________________
¹ Фернанда Олів'є - перша натурниця і муза художника.
Пікассо познайомився з нею в
Вона заінтригована - і це перша ознака того, що жінка готова закохатися, вона так само ще не здогадується і про те, що саме вона - класична і традиційна слов'янська жінка - стане натхненницею нового етапу в його творчості - неокласицизму.
Єдина мова, на якому вони можуть спілкуватися - це французький, який став для них мовою кохання.
Закоханий Пікассо супроводжує трупу театру по Європі: Рим, Неаполь, Флоренція. Любов до Ольги займає основне місце в його житті цього періоду, вона надихає його. Він захоплено працює над декораціями, відвідує виставки, несподівано для себе відкриває живопис великих італійців.
Пабло пише портрет Ольги в іспанській мантильї своєї матері. Любов до неї надихає його, її слов'янська краса традиційна, реальна, і не дивно, що і портрет створений в реалістичній манері. Цей шедевр відкриває неповторну галерею жіночих образів у творчості Пікассо, серед яких особливе місце займає Ольга. На початку 1918 року вона покидає трупу Дягілєва, і в липні того ж вісімнадцятого року вони одружуються. Свої почуття він висловлює мовою фарб, створивши кілька картин на цю тему: "Ольга читає" (1920), "Ольга читає, сидячи в кріслі" (1920), "Ольга, що читає в кріслі" 1920, "Портрет Ольги" 1921, " Портрет Ольги "1923 (див. додаток 1)," Ольга в хутряному комірі "1923. У цей період класичний портрет домінує у творчості Пікассо. Він не бачить іншого способу відобразити красу жінки, яку любить.
У 1920 році Ольга готується стати матір'ю. Вони обидва раді цьому, а у творчість Пабло з'являється нова тема - материнство.
У лютому 1921 року народжується син - Поль. Пікассо - гордий, як батько і щасливий як художник. Ольга подарувала йому сина і, знову ж таки, нову тему в творчості. Він відкриває для себе незнайомий раніше йому світ дитинства, з іграшками, дерев'яними конячками і сірими осликами, карнавальними костюмами П'єро і Арлекіна. Його любов до сина, як і до дружини, виражається за допомогою живопису, він створює чарівну галерею дитячих портретів. Вражає погляд дитини: наївний, трохи сумний, іноді здивований.
Материнство зробило Ольгу більш вимогливою до сімейного життя, вона не уявляє своє життя без світського суспільства, непомітно вона починає обмежувати життя Пікассо світськими прийомами, а його творчість світськими сюжетами. За словами Марка Шагала, вони жили на занадто "різних планетах".
За все ще зовнішнім благополуччям ховається невловиме чоловіче опір усталеним правилам, пошук художником нових тем, змінюється його стиль, зникають класичні портрети й улюблені нею танцівниці, що насторожує і ображає її. Вона хоче замаскувати з'явилися тріщини, але знайомство Пікассо в 1927 році з сімнадцятирічної Марією-Терезою Вальтер тільки посилило напруження у їхніх стосунках.
Ольга відмовляється від розлучення, зізнаючись, що як і раніше любить його, вона сподівається, що спільне життя може налагодитися. Протягом кількох років вона відчуває роздвоєння Пікассо: як чоловік і батько він забезпечує сім'ю, вони живуть разом, разом проводять канікули, він любить дитину, вони подорожують, але як художник він шукає нові теми. З'являється новий стиль в його творчості: на зміну класичному портрета приходить незрозумілі їй сюрреалізм і експресіонізм, з'являються нові сюжети і, що найсумніше - нова модель - Марія-Тереза. Вона інтуїтивно здогадується про їхні стосунки, але не хоче в це вірити, врешті-решт, нова модель не означає нову любов.
Вагітність Марії-Терези, народження їх загальної з Пікассо дочки, а потім і сина, переконали її в зворотному. Ольга в розпачі, вона шукає заспокоєння спочатку в улюбленій російській літературі - Толстой, Чехов, потім - в релігії. Вона відчуває безвихідність і трагедію самотності. Вона не може змиритися з байдужістю Пікассо і не може пробачити йому її останні портрети, створені в 1935 році.
У 1935 році Ольга покидає Пікассо, починається тяганина шлюборозлучного процесу. Вона їде на південь Франції, хоче сховатися, змінити обстановку, нікого не бачити, але не перестає думати про нього.
Вона відчуває, що продовжує любити Пікассо, здалеку стежить за його творчістю, дивуючись з якою легкістю він змінює подруг: Марія-Тереза Вальтер, Дора Маар, Франсуаза Жило ...
Тривалий шлюборозлучний процес закінчився в 1955 році - у день її смерті ... Вона померла Ольгою Пікассо, офіційно залишаючись дружиною художника, як ніби даючи йому зрозуміти, що продовжувала любити його всі ці роки.
4. Сюрреалізм (1925 - 1936)
"Краса буде конвульсивної, або її не буде" - сказав Андре Бретон, основоположник сюрреалізму, течії в мистецтві, що ставив своїм завданням осягнення істинних глибин художньої творчості за допомогою проникнення в світ снів і несвідомого.
У 1925 році Пікассо написав картину "Танець" (див. додаток 1). Агресивна, хвороблива, з деформованими фігурами, вона відображає важкий період в сімейному житті художника і одночасно проголошує новий перелом у його творчості. Пікассо близький до сюрреалістів, але у нього завжди свій шлях.
Роботи цього періоду: "Купальниця, що відкриває кабінку" (1928), "Фігури на пляжі" (1931), "Жінка з квіткою" (1932) та інші.
У холодний січневий день 1927 Пікассо зустрів сімнадцятирічну Марію Терезу Вальтер. Він придбав для неї замок Буажелу і там вона стала його єдиною моделлю і героїнею кількох його відомих робіт, наприклад "Дзеркало" (1932, приватне зібрання) (див. додаток 1), "Дівчина перед дзеркалом", (1932, Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк); з неї також зроблена скульптура "Жінка з вазою" (тепер ця скульптура стоїть на могилі художника). У 1935 році Марія-Тереза народила дочку Майю, але до 1936 року Пікассо розлучився з нею.
У 1930-1934 роках Пікассо захоплюється скульптурою і створює ряд скульптурних робіт у дусі сюрреалізму: "Що лежить жінка" (1932), "Чоловік з букетом" (1934), а також за допомогою свого іспанського друга-скульптора Хуліо Гонсалеса споруджує різні металеві абстрактні конструкції . У ті ж 30-ті рр.. він створює ряд гравюр-ілюстрацій до "Метаморфози" Овідія (1930) і творів Арістофана (1934), свідчать про те, що класика завжди була для нього сильним джерелом натхнення.
5. Джерела натхнення.
§ 1. Пікассо - скульптор.
Існує загальна тенденція оцінювати мистецтво Пікассо майже виключно в світлі його живопису, надаючи його роботі над скульптурою лише другорядне значення і розглядаючи її мало не як хобі художника. Проте ж за його скульптурним творам можна повною мірою оцінити творчу силу цього працелюбного і натхненного майстра.
Можна було б припустити, що живописці-кубісти, як Лоранс і Шлюб, створять видатні скульптурні твори. Але жоден з них навіть не наблизився до Пікассо ні за якістю, ні за кількістю своїх робіт. Пікассо був одним з найбільших живописців нашої епохи, але він мало дбав про суто живописної боці своїх творів. Саме в цьому полягала його основне розходження з його другом Матіссом. Полотна Пікассо часом здаються керівництвом з живопису, ніж роботами, створеними з любовним старанністю. Результати, яких він домагався, можливо, могли б бути досягнуті більш прямо - мовою скульптури. Пікассо був далекий від академічної ортодоксальності: заміняв абсолютно чужий йому каррарський мармур різними непридатними матеріалами - бляхою, камінням, дротом, дерев'яними планками, шматками, які він покривав фарбою, як йому дозволяла фантазія. Пікассо володів незвичайним даром перетворення будь-яких відходів в шедеври.
У період «синтетичного кубізму» Пікассо вразив світ достатком своїх винаходів, хоча багато хто з них мало відомі, так як і було зроблене з крихких, недовговічних матеріалів.
Виставка в Гран-Пале в Парижі в 1979 р . так званого «заповіту Пікассо» (роботи, передані спадкоємцями Пікассо державі Франції на сплату податку на спадщину) дала можливість побачити безліч творів, виконаних з таких матеріалів, як картон, жерсть, дерево, папір. Деякі з цих робіт були малі, і, ймовірно, зберігалися художником в пакувальних ящиках з моменту завершення дива їх творіння. Музичні теми кубічних натюрмортів, написаних олією, воскресають з новою силою і інтенсивністю, будучи виражені в цих непридатних матеріалах.
«Голова бика» відзначає початок досить успішного і плідного періоду в мальовничому та пластичному творчості Пікассо, коли його оптимізм, здавалося, не мав меж. Вступ його до Французької комуністичну партію надихнуло його на створення голубів миру, а його дочка, що народилася в 1949 році, носить ім'я Палома, що по-іспанськи означає голубка.
Пікассо створив цілий світ бестіарій з фігур домашніх тварин і сов - серйозних і комічних. Серед цих фігур підіймає свої роги «Коза» з пальмового листя і вербових прутів. Це більш натуралістичне і менш інтеллектулізірованное мистецтво відображало загальну тенденцію повоєнних років, але воно незабаром була поглинена нездоланної новою хвилею захлеснув світ абстракціонного мистецтва.
Загальний огляд творчості Пабло Пікассо в області скульптури приводить до висновку, що воно було таким же вражаючим і настільки ж насиченим відкриттями, як і його живопис. В останні роки життя він майже не працював у скульптурі, що вимагає значно більше фізичних зусиль, ніж малюнок чи гравюра, на яких він в основному зосередив свою увагу.
Пікассо ні коли не викликав нудьгу, так як сам ніколи не нудьгував. У його скульптурі завжди відчуваєш свободу та імпровізацію, вона далека від академічної урочистості, так часто властивою цьому виду мистецтва. Ось чому Пікассо вражає нас дивом воскресіння відслужили речей, перевтіленням віджилого, пожвавленням буденності.
Незважаючи на неодноразове згадка впливу негритянської культури, в творах Пікассо превалює дух класики, атмосфера Середземномор'я, що особливо відчутно в його жіночих статуях, які він, для того щоб їх виявити найкращим чином, ліпить, перекручує.
§ 2. Мистецтво Африки в творчості Пікассо.
У 1906 році Пікассо працював над портретом Гертруди Стайн ¹. Він переписував його близько вісімдесяти разів і, за спогадами самої Гертруди Стайн (див. додаток 1), у результаті Пікассо сказав їй в люті: "Я перестав вас бачити, коли дивлюся на вас". і залишив роботу над портретом. Це був переломний момент в його творчості і звідси почався шлях Пікассо від зображення конкретних людей до зображення людини як такого і до форми як до самостійної структури. Пікассо були потрібні підтвердження його шляху в загальному розвитку світового мистецтва і нові враження для набуття нової творчої енергії і відкриття наукою того часу цілого пласта африканської культури послужило поштовхом і для творчості художника. Особливо він цікавився африканською скульптурою і масками, він вважав їх наділеними магічною силою і знайшов у них чуттєву простоту форм.
__________________
¹ Гертруда Стайн - американська письменниця.
Швидше за все саме ці "африканські впливу" і визначили остаточний варіант портрета.
Коли в травні 1907 Пікассо випадково зайшов у Етнографічний музей у Парижі (нині Музей Людини) у старому палаці Трокадеро і вперше побачив маски народів Африки, Океанії, Карибського басейну та Америки, на нього все це справило величезне враження. Якщо взяти цю подію за відправну точку, то можна висунути кілька гіпотез, які здатні пролити світло на різні стадії, злети та шляхи розвитку творчості Пікассо, на те прихований вплив, яке позначилося на його численних і самих різних формах робіт як до, так і після його «африканських» періодів.
Всі елементи космогонії африканського мистецтва, всі теми, червоною ниткою проходять крізь творчість Пікассо пояснюються магічними атрибутами негритянської культури.
По-перше, важливість деталей, так як саме за простими речами і жестами, за банальністю і тривіально повсякденному житті кожної істоти ховається або ховається суть Людини і Природи. В африканській традиційній культурі вище значення одягнене в скромні одягу.
По-друге, жінки, що символізують родючість і джерело життя, які в певний час можуть бути втіленням псування і зла.
Діти теж грають не останню роль у традиційних африканських віруваннях, символізуючи світло істини; не тільки сім'я, але і всі члени громади повинні брати участь у їх вихованні, що б отримати той складний «класичний шедевр», яким має стати кожна дитина на благо всього суспільства .
І, нарешті, тварини, які у віруваннях африканців уособлюють добро чи зло, в залежності від виду. Вони дуже часто з'являються в роботах Пікассо.
Сила африканської концепції мистецтва, яку так блискуче сприйняв Пікассо, полягає в тому, що воно існує у зв'язку з повсякденним ставленням до життя, що використовують символи для захисту від лихого ока, чужих, злих сил. Зберігаючи і зміцнюючи свою культурну самобутність іспанця, Пікассо разом з тим «раціонально» асимілював африканське мистецтво. Так що, коли ми шукаємо його в Африці, то знаходимо в Іспанії. Творчість Пікассо, який малював все, говорить нам про те, що специфічне і загальне, людська роз'єднаність і людська солідарність - це всього лише два аспекти простий реальності, яка знаходить свій синтез лише у мистецтві.
§ 3. «Авиньонские дівиці»
Повернувшись восени 1906 року в Париж після проведеного літа в іспанській селі Гозул, Пікассо починає писати «Авіньйонських дівчат» (див. додаток). На початку 1907 року картина завершена.
Перед ними інший новий Пікассо. Він немов пускається до первозданних, ще не подолав хаосу, примітивним основ буття, де добро не відокремлене від зла, потворність від краси. Навряд чи знав тоді сам Пікассо, куди він йшов, його пристрасть експериментатора, прагнення виразити в пластичних формах епоху, свій час.
І як би не намагалися відокремити «справжнього» Пікассо від «несправжнього» часів «блакитного» і «рожевого» періодів, безсумнівно, що саме тоді сформувалися основні моральні принципи його мистецтва, моральні критерії, гуманістичні ідеали, глобальні теми творчості. Якщо б навіть Пікассо нічого не створив після 1907 р ., Він залишався б великим художником ХХ століття. Розрив з традиційними канонами, ініціатором якого був Пабло Пікассо виступив у 1907 р ., Коли під його рішучої пензлем виникли чіткі фігури «Авіньйонських дівчат», знаменував собою народження нового порядку, і наслідки цього перевороту відбилися на сучасній дійсності. З Пікассо починається розвиток нового сприйняття, нових поглядів та оцінок, іншого, оновленого бачення світу та нашої власної історії.
«Смерть доброму смаку!» - Проголосив Пікассо, поспішаючи здійснити в «Авіньйонських дівчат» зухвалий задум, подібно якому, мабуть, ніколи не знала історія мистецтва. У міру створення картини він виявив, що вони стають відображенням того боку життя, яка століттями засуджувалася на німоту, бо були далекі від витонченості і розкоші, від краси і зовнішнього блиску.
Таке категоричне заперечення доброго смаку було незабаром підхоплено футуристами, експресіоністами та іншими. Але це було зроблено насамперед Пікассо. І не в розлогих маніфестах і програмах, а в розкутій композиції «Авіньйонських дівчат», в картині, саме існування якої більш зухвало, ніж усі словесні прокляття авангардистів усього століття.
«Авиньонские дівиці» - узагальнення невпинних пошуків, які простежуються в експериментах Пікассо з людською фігурою протягом усього 1906 р .; Вони знаменують собою заперечення минулого і передбачають нову епоху - ця група дивовижних жінок, вдивляються в нові горизонти.
«Авиньонские дівиці» свідчили про те, що настав весняний день переоцінки колишніх цінностей. Кожна особа буде носити з цього часу печатка схожості з персонажами цієї картини. А також з особою їх творця, оскільки він без вагань обрав для експериментів своє власне обличчя, розклав його на частини і, сильно струснувши і перемішавши, знову склав, що впливає на виникнення цих п'яти патетичних фігур на картині.
Багатьох дивувало в «Автопортрет художника з палітрою» близьку схожість його з двома центральними фігурами, погляд яких віддається іншим учасникам композиції "Авіньйонських дівчат". Те ж саме вираження, одні й ті ж очі, схожість осіб, аналогічні колірні тони. Важко уникнути порівняння. Якщо метою Пікассо було руйнування старого образу, то художник шукав передусім власне обличчя, щоб написати картину, сприйняту спочатку як найтяжчий образу, а згодом названу предвозвестніцей нової ери в історії людства. Пікассо не вагаючись обрав своє обличчя, з тим щоб викликати потрібну йому реакцію. Проводячи цей великий експеримент, навряд чи можна було знайти що-небудь більш знайоме і близьке, ніж власне незворушне обличчя, відбите в дзеркалі. Таким чином, Пікассо стає частиною історії завдяки своєму постійному заперечення минулого, а також тієї величезної дірки, яку створили "Авиньонские дівиці" і продовжують відкривати в обрисах майбутнього. Пікассо кинув безжалісний погляд на своє минуле, на своє власне обличчя, так само як він швидко звів рахунки з вируючим, шаленим потоком історії. Пікассо був невтомним шукачем, розбиває вітрини рутинні минулого, щоб потім з осколків розбитого скла зводити нові образи та нові композиції. У чудових лініях "Авіньйонських дівиць" він залишив образ, чиї основні риси будуть з часом схожі з рисами всіх видів.
6. Осмислення жахів війни.
§ 1. Герніка
На початку січня 1937 р . уряд Іспанської республіки замовило Пікассо велике полотно, або панно, для іспанського павільйону на Паризькій міжнародній виставці, яка повинна була відкритися в кінці весни.
Пройшли січень, лютий, березень і майже весь квітень, а Пікассо все не брався за виконання замовлення. Толі не було натхнення, чи то він не знаходив теми. І ось 26 квітня 1937 нацистська авіація, підтримуючи Франка, бомбила баскське місто Герніку - це була перша в історії тотальне бомбардування. 1 травня Пікассо виконав свої перші замальовки, перші датовані ескізи по темі.
Бої на арагонському фронті, оборона Мадрида - все це епізоди громадянської війни, бої, де солдати воювали з солдатами, наскільки б нерівною не була ця боротьба з військової точки зору. Зовсім інша справа - Герніка. Бомбардування Герніки була безсоромним застосуванням величезної військової могутності нацистів, тепер вже проти беззахисного цивільного населення. Реакція Пікассо на це була моральної реакцією.
Однією з проблем, з якими довелося зіткнутися Пікассо, коли він почав працювати над «Герніка» (див. додаток 1), було усунення тих символів, які раніше становили основу його художньої мови. Це було необхідно йому для досягнення більш простого і безпосереднього підходу до натури і більше громадянськості і реального відгуку на трагедію, яку він хотів відобразити. Однак Пікассо все ще був обплутаний символами, за допомогою яких він досягав самовираження. Ескізи, які він почав 1 травня, все ще носять сліди цього алегоричної мови, від якого йому вдається позбавиться лише поступово і не без зусиль. Ця боротьба видно в контрасті між символами - бик і кінь, які за його первісним задумом представляли іспанський народ і фашизм. На першому етапі картина була величезним малюнком, набагато більшим, ніж всі попередні ескізи. Незважаючи на те, що Пікассо працював пензлем, це був тим не менш малюнок
Минуле Пікассо було відзначено славою й увінчане багатьма перемогами («блакитний період», «рожевий період», кубізм і т. д.) Він хотів присвятити все найкраще в собі - справі, яку він відстоював.
У цей період випробувань Пікассо мобілізувався і став солдатом, його мистецтво було повністю присвячене цьому, а минуле було поставлено на службу сьогоденню і набуло моральну і громадянську цінність.
Пікассо, зробивши діяння, яке під силу хіба що магу або напівбогу, зумів створити в "Гернике" реалістичні риси, елементи свого «блакитного періоду», самі останні експерименти в області сюрреалізму і примітивізму. Кубізм і плоска живопис без перспективи - дві головні риси, які надають всій роботі єдність.
Аналізуючи «Гераніку» в термінах пластичного мистецтва, видно, що картина закрита знизу, обмежена з боків і відкрита зверху. Майже всі елементи сприяють утворенню більшої кількості пустот або просторів, відкритих зверху. У результаті чого картина отримує другий центр ваги за межами полотна. У цьому сенсі панно піднімається все вище і вище і, хоча воно витягнуте по горизонталі, його фізичні пропорції психологічно врівноважуються і навіть долаються спрямованістю картини вгору.
«Герніка», цілком очевидно, являє собою резюме минулого Пікассо як художника, різноманітність стилів і періодів, які вона демонструє, є свідченням того, що самі різні тенденції можуть співіснувати і впливати один на одного. Тому «Герніка» не тільки картина про війну, це ще і картина, яка стверджує співіснування.
Любов і співчуття Пікассо до тих, кого так по-звірячому знищували, змусили його написати саму безсмертну з його робіт.
§ 2. Післявоєнний період (1945 - 1960-e)
Вже в мирний час, в 1946 році, Пікассо робить мальовничий ансамбль з 27 панно і картин для замку княжої сім'ї Грімальді в Антібі - курортному місті на Середземноморському узбережжі Франції. Панно у першому залі називається "Радість буття" і вся серія витримана в тому ж дусі гармонії з природою і буттям - зображення фавнів, оголених дівчат, кентаврів, казкових істот ...
У 1946 році Пікассо знайомиться з молодою художницею Франсуазою Жило і переїжджає з нею в замок Грімальді. Франсуаза незабаром дарує йому сина Клода і дочка Палому. Франсуазі присвячена картина "Жінка-квітка". (У 1953 році Франсуаза втекла від Пікассо з двома дітьми з-за його складного характеру і постійних зрад, художник важко переживав це розставання, що відбилося у ряді його робіт того часу - наприклад, в серії малюнків тушшю, що зображують огидного старого карлика буфонадні контрастує з юної і прекрасною дівчиною).
У 1949 році Пікассо малює свого знаменитого "Голуба миру" (див. додаток 1) на плакаті Всесвітнього конгресу прихильників миру в Парижі, а в 1951 році створює політичну картину "Різанина в Кореї" (Музей Пікассо, Париж). З 1947 року Пікассо живе на півдні Франції, в місті Валлорісе, де розписує в 1952 році стіни старої капели алегоричними символами війни і миру і сам називає все це "Храмом миру". У Валлорісе ж Пікассо зайнявся керамікою. Він створює своїх улюблених персонажів - кентаврів, фавнів, биків, голубів, жінок, робить антропоморфні глечики. До цих пір в цьому містечку на півдні Франції збереглися так звані "керамічні майстерні", які продовжують тримати марку "Пікассо" і тиражувати вироби, придумані художником. У 1958 році вже визнаний і прославлений художник створює для будівлі ЮНЕСКО в Парижі монументальну композицію "Падіння Ікара". У 1961 році майже 80-річний Пікассо одружується на 34-річній красуні Жаклін Рок. Вона надихає його на серію портретів, на яких можна побачити її точений профіль сфінкса. Для неї і себе він купує віллу в Каннах.
§ 3. Останні роки (кінець 60-х - 1973)
У 1960-х роках Пікассо пише різні варіації на теми славетних майстрів - Веласкеса, Гойї, Мане у вільній скандальної кубистической манері: "Дівчата на березі Сени. За Курбе" (1950, Художній музей, Базель), "Алжирські жінки. За Делакруа" (1955), "Меніни. За Веласкесу" (1957), "Сніданок на траві. За Мане" (1960).
Також у пізній творчості художник часто звертається до жіночого портрета (портрети Жаклін Рок) (див. додаток 1). Жаклін залишається останньою і вірної жінкою Пікассо і доглядає за ним, вже хворим, осліпнув і погано чують, до самої його смерті. Помер Пікассо 8 квітня 1973 в віці 92 років, мультимільйонером, в місті Мужені у Франції і похований біля належав йому замку Вовенарг. Він залишив після себе більше 80 тисяч робіт (за іншими відомостями близько 20 тисяч). Про смерть сам Пікассо казав так: "Я весь час думаю про Смерть. Вона всього лише жінка, яка ніколи не покине мене". Ще за життя художника, у 1970 році був відкритий Музей Пікассо в Барселоні (картини для цього музею передав сам Пікассо), а в 1985 зусиллями спадкоємців художника - вже було створено Музей Пікассо в Парижі, що нараховує більше 200 картин, більше 150 скульптур і кілька тисяч малюнків, колажів, естапмов, документів.
Пікассо помер на своїй віллі Notre-Dame-de-Vie восьмого квітня 1973 року.
Висновок
Творчість Пікассо кардинальним чином вплинуло на хід розвитку мистецтва та культури всього XX століття. А на світових аукціонах досі відшукуються і виставляються на продаж все нові і нові, поки що маловідомі роботи прославленого майстра з його величезної спадщини.
За свою довгу і творчо багате життя Пікассо створив творіння, які навіть найбільш вороже налаштовані критики його неспокійного пошуку визнають безперечними шедеврами, а проте в той же самий час деякі звинувачують його у шкідливому і руйнівний вплив на мистецтво, в трюкацтво, в тому, що він швидше виступав у ролі будує підступи диявола, ніж художника, який прагне до розширення нашого сприйняття багатства і різноманітності життя.
Про Пабло Пікассо і його світі будуть говорити завжди, оскільки його творчість не піддається чіткому і переконливого визначенням.
Геніальність Пабло Пікассо полягає в тому, що він єдиний з художників цього століття, хто ввів історію в свою творчість нарівні зі своїм життям і до такої міри використовував спадщина світового мистецтва, з яким постійно вів діалог.
Для більшості Пікассо залишається великим руйнівником особи. Якщо абстракціоністи задовольнялися його запереченням, то Пікассо йде атакою на нього, і не просто на образ класичного ідеалу, встановлений Ренесансом. Ті, хто не визнає Пікассо, роблять це, мабуть, не тому, що він деформував природу, предмети і самої людини, але в першу чергу тому, що він насмілився "спотворити", спотворити образ жінки.
Картини Пікассо кидає виклик публіці. Виклик ж виключно важливий у мистецтві. Мистецтво - це безкомпромісна атака у всіх напрямках. Композиції, які йдуть на поступки з метою догодити глядачеві і відразу отримати визнання, не можуть називатися мистецтвом.
Список використаної літератури:
1 Алпатов М.В. , Мистецтво, Просвітництво Москва 1969.
2. Брассаї. "Зустрічі з Пікассо. Електронний ресурс http://picasso.urbannet.ru/library/brassay/
3. Велика радянська енциклопедія під редакцією Прохорова А.М. Костеневич А.Г. від Моне до Пікассо, Видавництво: Аврора, Ленінград 1989.
4. Дені Шевальє: «Пікассо. Блакитний і рожевий періоди ».
5. Луначарський А.В. Молода Французька Живопис, Сучасник 1913 № 6.
6. Еренбург І. Французькі зошити, Москва, Просвітництво 1959. Електронний ресурс http://urss.ru/cgi-bin/db.pl?lang=Ru&blang=ru&page=Book&id=78807&list=18
7. Розповіді про шедеври: за матеріалом оповідання Н. A. Іoніной, видавництво "Віче", 2002.
8. В.М. Польовий, В.М. Маркузон: Та багато іншого.
Електронний ресурс http://www.rubricon.com/default.asp
9. Велика енциклопедія Кирила і Мефодія 2001. Електронний ресурс
10. Історія образотворчого мистецтва 2002. Електронний ресурс
http://www.arthistory.ru/museum.htm
11. Пікассо. М., 1998 Ф. Галлуцці Серія: Майстри живопису, Видавництво -
Біле місто.
12. Статті спогади Олександра Бенуа. Виставка Пабло Пікассо 1939 р .
Електронний ресурс http://www.bibliotekar.ru/kBenua/33.htm
13. http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/
14. http://slovari.yandex.ru
15. http://picasso.urbannet.ru/pica_bio.htm
16. http://risunok-spy.at.ua/index/0-8
Додаток
Курсова робота виконана мною самостійно. Використані в роботі матеріали і концепції з опублікованої наукової літератури та інших джерел мають посилання на них.
Надруковано в ____ 1 _____ примірниках
Бібліографія____ 16 ____ найменувань
Один примірник зданий на кафедру
«__» _____________2009 Р. _______________ / підпис /
Виставка в Гран-Пале в Парижі в
«Голова бика» відзначає початок досить успішного і плідного періоду в мальовничому та пластичному творчості Пікассо, коли його оптимізм, здавалося, не мав меж. Вступ його до Французької комуністичну партію надихнуло його на створення голубів миру, а його дочка, що народилася в 1949 році, носить ім'я Палома, що по-іспанськи означає голубка.
Пікассо створив цілий світ бестіарій з фігур домашніх тварин і сов - серйозних і комічних. Серед цих фігур підіймає свої роги «Коза» з пальмового листя і вербових прутів. Це більш натуралістичне і менш інтеллектулізірованное мистецтво відображало загальну тенденцію повоєнних років, але воно незабаром була поглинена нездоланної новою хвилею захлеснув світ абстракціонного мистецтва.
Загальний огляд творчості Пабло Пікассо в області скульптури приводить до висновку, що воно було таким же вражаючим і настільки ж насиченим відкриттями, як і його живопис. В останні роки життя він майже не працював у скульптурі, що вимагає значно більше фізичних зусиль, ніж малюнок чи гравюра, на яких він в основному зосередив свою увагу.
Пікассо ні коли не викликав нудьгу, так як сам ніколи не нудьгував. У його скульптурі завжди відчуваєш свободу та імпровізацію, вона далека від академічної урочистості, так часто властивою цьому виду мистецтва. Ось чому Пікассо вражає нас дивом воскресіння відслужили речей, перевтіленням віджилого, пожвавленням буденності.
Незважаючи на неодноразове згадка впливу негритянської культури, в творах Пікассо превалює дух класики, атмосфера Середземномор'я, що особливо відчутно в його жіночих статуях, які він, для того щоб їх виявити найкращим чином, ліпить, перекручує.
§ 2. Мистецтво Африки в творчості Пікассо.
У 1906 році Пікассо працював над портретом Гертруди Стайн ¹. Він переписував його близько вісімдесяти разів і, за спогадами самої Гертруди Стайн (див. додаток 1), у результаті Пікассо сказав їй в люті: "Я перестав вас бачити, коли дивлюся на вас". і залишив роботу над портретом. Це був переломний момент в його творчості і звідси почався шлях Пікассо від зображення конкретних людей до зображення людини як такого і до форми як до самостійної структури. Пікассо були потрібні підтвердження його шляху в загальному розвитку світового мистецтва і нові враження для набуття нової творчої енергії і відкриття наукою того часу цілого пласта африканської культури послужило поштовхом і для творчості художника. Особливо він цікавився африканською скульптурою і масками, він вважав їх наділеними магічною силою і знайшов у них чуттєву простоту форм.
__________________
¹ Гертруда Стайн - американська письменниця.
Швидше за все саме ці "африканські впливу" і визначили остаточний варіант портрета.
Коли в травні 1907 Пікассо випадково зайшов у Етнографічний музей у Парижі (нині Музей Людини) у старому палаці Трокадеро і вперше побачив маски народів Африки, Океанії, Карибського басейну та Америки, на нього все це справило величезне враження. Якщо взяти цю подію за відправну точку, то можна висунути кілька гіпотез, які здатні пролити світло на різні стадії, злети та шляхи розвитку творчості Пікассо, на те прихований вплив, яке позначилося на його численних і самих різних формах робіт як до, так і після його «африканських» періодів.
Всі елементи космогонії африканського мистецтва, всі теми, червоною ниткою проходять крізь творчість Пікассо пояснюються магічними атрибутами негритянської культури.
По-перше, важливість деталей, так як саме за простими речами і жестами, за банальністю і тривіально повсякденному житті кожної істоти ховається або ховається суть Людини і Природи. В африканській традиційній культурі вище значення одягнене в скромні одягу.
По-друге, жінки, що символізують родючість і джерело життя, які в певний час можуть бути втіленням псування і зла.
Діти теж грають не останню роль у традиційних африканських віруваннях, символізуючи світло істини; не тільки сім'я, але і всі члени громади повинні брати участь у їх вихованні, що б отримати той складний «класичний шедевр», яким має стати кожна дитина на благо всього суспільства .
І, нарешті, тварини, які у віруваннях африканців уособлюють добро чи зло, в залежності від виду. Вони дуже часто з'являються в роботах Пікассо.
Сила африканської концепції мистецтва, яку так блискуче сприйняв Пікассо, полягає в тому, що воно існує у зв'язку з повсякденним ставленням до життя, що використовують символи для захисту від лихого ока, чужих, злих сил. Зберігаючи і зміцнюючи свою культурну самобутність іспанця, Пікассо разом з тим «раціонально» асимілював африканське мистецтво. Так що, коли ми шукаємо його в Африці, то знаходимо в Іспанії. Творчість Пікассо, який малював все, говорить нам про те, що специфічне і загальне, людська роз'єднаність і людська солідарність - це всього лише два аспекти простий реальності, яка знаходить свій синтез лише у мистецтві.
§ 3. «Авиньонские дівиці»
Повернувшись восени 1906 року в Париж після проведеного літа в іспанській селі Гозул, Пікассо починає писати «Авіньйонських дівчат» (див. додаток). На початку 1907 року картина завершена.
Перед ними інший новий Пікассо. Він немов пускається до первозданних, ще не подолав хаосу, примітивним основ буття, де добро не відокремлене від зла, потворність від краси. Навряд чи знав тоді сам Пікассо, куди він йшов, його пристрасть експериментатора, прагнення виразити в пластичних формах епоху, свій час.
І як би не намагалися відокремити «справжнього» Пікассо від «несправжнього» часів «блакитного» і «рожевого» періодів, безсумнівно, що саме тоді сформувалися основні моральні принципи його мистецтва, моральні критерії, гуманістичні ідеали, глобальні теми творчості. Якщо б навіть Пікассо нічого не створив після
«Смерть доброму смаку!» - Проголосив Пікассо, поспішаючи здійснити в «Авіньйонських дівчат» зухвалий задум, подібно якому, мабуть, ніколи не знала історія мистецтва. У міру створення картини він виявив, що вони стають відображенням того боку життя, яка століттями засуджувалася на німоту, бо були далекі від витонченості і розкоші, від краси і зовнішнього блиску.
Таке категоричне заперечення доброго смаку було незабаром підхоплено футуристами, експресіоністами та іншими. Але це було зроблено насамперед Пікассо. І не в розлогих маніфестах і програмах, а в розкутій композиції «Авіньйонських дівчат», в картині, саме існування якої більш зухвало, ніж усі словесні прокляття авангардистів усього століття.
«Авиньонские дівиці» - узагальнення невпинних пошуків, які простежуються в експериментах Пікассо з людською фігурою протягом усього
«Авиньонские дівиці» свідчили про те, що настав весняний день переоцінки колишніх цінностей. Кожна особа буде носити з цього часу печатка схожості з персонажами цієї картини. А також з особою їх творця, оскільки він без вагань обрав для експериментів своє власне обличчя, розклав його на частини і, сильно струснувши і перемішавши, знову склав, що впливає на виникнення цих п'яти патетичних фігур на картині.
Багатьох дивувало в «Автопортрет художника з палітрою» близьку схожість його з двома центральними фігурами, погляд яких віддається іншим учасникам композиції "Авіньйонських дівчат". Те ж саме вираження, одні й ті ж очі, схожість осіб, аналогічні колірні тони. Важко уникнути порівняння. Якщо метою Пікассо було руйнування старого образу, то художник шукав передусім власне обличчя, щоб написати картину, сприйняту спочатку як найтяжчий образу, а згодом названу предвозвестніцей нової ери в історії людства. Пікассо не вагаючись обрав своє обличчя, з тим щоб викликати потрібну йому реакцію. Проводячи цей великий експеримент, навряд чи можна було знайти що-небудь більш знайоме і близьке, ніж власне незворушне обличчя, відбите в дзеркалі. Таким чином, Пікассо стає частиною історії завдяки своєму постійному заперечення минулого, а також тієї величезної дірки, яку створили "Авиньонские дівиці" і продовжують відкривати в обрисах майбутнього. Пікассо кинув безжалісний погляд на своє минуле, на своє власне обличчя, так само як він швидко звів рахунки з вируючим, шаленим потоком історії. Пікассо був невтомним шукачем, розбиває вітрини рутинні минулого, щоб потім з осколків розбитого скла зводити нові образи та нові композиції. У чудових лініях "Авіньйонських дівиць" він залишив образ, чиї основні риси будуть з часом схожі з рисами всіх видів.
6. Осмислення жахів війни.
§ 1. Герніка
На початку січня
Пройшли січень, лютий, березень і майже весь квітень, а Пікассо все не брався за виконання замовлення. Толі не було натхнення, чи то він не знаходив теми. І ось 26 квітня 1937 нацистська авіація, підтримуючи Франка, бомбила баскське місто Герніку - це була перша в історії тотальне бомбардування. 1 травня Пікассо виконав свої перші замальовки, перші датовані ескізи по темі.
Бої на арагонському фронті, оборона Мадрида - все це епізоди громадянської війни, бої, де солдати воювали з солдатами, наскільки б нерівною не була ця боротьба з військової точки зору. Зовсім інша справа - Герніка. Бомбардування Герніки була безсоромним застосуванням величезної військової могутності нацистів, тепер вже проти беззахисного цивільного населення. Реакція Пікассо на це була моральної реакцією.
Однією з проблем, з якими довелося зіткнутися Пікассо, коли він почав працювати над «Герніка» (див. додаток 1), було усунення тих символів, які раніше становили основу його художньої мови. Це було необхідно йому для досягнення більш простого і безпосереднього підходу до натури і більше громадянськості і реального відгуку на трагедію, яку він хотів відобразити. Однак Пікассо все ще був обплутаний символами, за допомогою яких він досягав самовираження. Ескізи, які він почав 1 травня, все ще носять сліди цього алегоричної мови, від якого йому вдається позбавиться лише поступово і не без зусиль. Ця боротьба видно в контрасті між символами - бик і кінь, які за його первісним задумом представляли іспанський народ і фашизм. На першому етапі картина була величезним малюнком, набагато більшим, ніж всі попередні ескізи. Незважаючи на те, що Пікассо працював пензлем, це був тим не менш малюнок
Минуле Пікассо було відзначено славою й увінчане багатьма перемогами («блакитний період», «рожевий період», кубізм і т. д.) Він хотів присвятити все найкраще в собі - справі, яку він відстоював.
У цей період випробувань Пікассо мобілізувався і став солдатом, його мистецтво було повністю присвячене цьому, а минуле було поставлено на службу сьогоденню і набуло моральну і громадянську цінність.
Пікассо, зробивши діяння, яке під силу хіба що магу або напівбогу, зумів створити в "Гернике" реалістичні риси, елементи свого «блакитного періоду», самі останні експерименти в області сюрреалізму і примітивізму. Кубізм і плоска живопис без перспективи - дві головні риси, які надають всій роботі єдність.
Аналізуючи «Гераніку» в термінах пластичного мистецтва, видно, що картина закрита знизу, обмежена з боків і відкрита зверху. Майже всі елементи сприяють утворенню більшої кількості пустот або просторів, відкритих зверху. У результаті чого картина отримує другий центр ваги за межами полотна. У цьому сенсі панно піднімається все вище і вище і, хоча воно витягнуте по горизонталі, його фізичні пропорції психологічно врівноважуються і навіть долаються спрямованістю картини вгору.
«Герніка», цілком очевидно, являє собою резюме минулого Пікассо як художника, різноманітність стилів і періодів, які вона демонструє, є свідченням того, що самі різні тенденції можуть співіснувати і впливати один на одного. Тому «Герніка» не тільки картина про війну, це ще і картина, яка стверджує співіснування.
Любов і співчуття Пікассо до тих, кого так по-звірячому знищували, змусили його написати саму безсмертну з його робіт.
§ 2. Післявоєнний період (1945 - 1960-e)
Вже в мирний час, в 1946 році, Пікассо робить мальовничий ансамбль з 27 панно і картин для замку княжої сім'ї Грімальді в Антібі - курортному місті на Середземноморському узбережжі Франції. Панно у першому залі називається "Радість буття" і вся серія витримана в тому ж дусі гармонії з природою і буттям - зображення фавнів, оголених дівчат, кентаврів, казкових істот ...
У 1946 році Пікассо знайомиться з молодою художницею Франсуазою Жило і переїжджає з нею в замок Грімальді. Франсуаза незабаром дарує йому сина Клода і дочка Палому. Франсуазі присвячена картина "Жінка-квітка". (У 1953 році Франсуаза втекла від Пікассо з двома дітьми з-за його складного характеру і постійних зрад, художник важко переживав це розставання, що відбилося у ряді його робіт того часу - наприклад, в серії малюнків тушшю, що зображують огидного старого карлика буфонадні контрастує з юної і прекрасною дівчиною).
У 1949 році Пікассо малює свого знаменитого "Голуба миру" (див. додаток 1) на плакаті Всесвітнього конгресу прихильників миру в Парижі, а в 1951 році створює політичну картину "Різанина в Кореї" (Музей Пікассо, Париж). З 1947 року Пікассо живе на півдні Франції, в місті Валлорісе, де розписує в 1952 році стіни старої капели алегоричними символами війни і миру і сам називає все це "Храмом миру". У Валлорісе ж Пікассо зайнявся керамікою. Він створює своїх улюблених персонажів - кентаврів, фавнів, биків, голубів, жінок, робить антропоморфні глечики. До цих пір в цьому містечку на півдні Франції збереглися так звані "керамічні майстерні", які продовжують тримати марку "Пікассо" і тиражувати вироби, придумані художником. У 1958 році вже визнаний і прославлений художник створює для будівлі ЮНЕСКО в Парижі монументальну композицію "Падіння Ікара". У 1961 році майже 80-річний Пікассо одружується на 34-річній красуні Жаклін Рок. Вона надихає його на серію портретів, на яких можна побачити її точений профіль сфінкса. Для неї і себе він купує віллу в Каннах.
§ 3. Останні роки (кінець 60-х - 1973)
У 1960-х роках Пікассо пише різні варіації на теми славетних майстрів - Веласкеса, Гойї, Мане у вільній скандальної кубистической манері: "Дівчата на березі Сени. За Курбе" (1950, Художній музей, Базель), "Алжирські жінки. За Делакруа" (1955), "Меніни. За Веласкесу" (1957), "Сніданок на траві. За Мане" (1960).
Також у пізній творчості художник часто звертається до жіночого портрета (портрети Жаклін Рок) (див. додаток 1). Жаклін залишається останньою і вірної жінкою Пікассо і доглядає за ним, вже хворим, осліпнув і погано чують, до самої його смерті. Помер Пікассо 8 квітня 1973 в віці 92 років, мультимільйонером, в місті Мужені у Франції і похований біля належав йому замку Вовенарг. Він залишив після себе більше 80 тисяч робіт (за іншими відомостями близько 20 тисяч). Про смерть сам Пікассо казав так: "Я весь час думаю про Смерть. Вона всього лише жінка, яка ніколи не покине мене". Ще за життя художника, у 1970 році був відкритий Музей Пікассо в Барселоні (картини для цього музею передав сам Пікассо), а в 1985 зусиллями спадкоємців художника - вже було створено Музей Пікассо в Парижі, що нараховує більше 200 картин, більше 150 скульптур і кілька тисяч малюнків, колажів, естапмов, документів.
Пікассо помер на своїй віллі Notre-Dame-de-Vie восьмого квітня 1973 року.
Висновок
Творчість Пікассо кардинальним чином вплинуло на хід розвитку мистецтва та культури всього XX століття. А на світових аукціонах досі відшукуються і виставляються на продаж все нові і нові, поки що маловідомі роботи прославленого майстра з його величезної спадщини.
За свою довгу і творчо багате життя Пікассо створив творіння, які навіть найбільш вороже налаштовані критики його неспокійного пошуку визнають безперечними шедеврами, а проте в той же самий час деякі звинувачують його у шкідливому і руйнівний вплив на мистецтво, в трюкацтво, в тому, що він швидше виступав у ролі будує підступи диявола, ніж художника, який прагне до розширення нашого сприйняття багатства і різноманітності життя.
Про Пабло Пікассо і його світі будуть говорити завжди, оскільки його творчість не піддається чіткому і переконливого визначенням.
Геніальність Пабло Пікассо полягає в тому, що він єдиний з художників цього століття, хто ввів історію в свою творчість нарівні зі своїм життям і до такої міри використовував спадщина світового мистецтва, з яким постійно вів діалог.
Для більшості Пікассо залишається великим руйнівником особи. Якщо абстракціоністи задовольнялися його запереченням, то Пікассо йде атакою на нього, і не просто на образ класичного ідеалу, встановлений Ренесансом. Ті, хто не визнає Пікассо, роблять це, мабуть, не тому, що він деформував природу, предмети і самої людини, але в першу чергу тому, що він насмілився "спотворити", спотворити образ жінки.
Картини Пікассо кидає виклик публіці. Виклик ж виключно важливий у мистецтві. Мистецтво - це безкомпромісна атака у всіх напрямках. Композиції, які йдуть на поступки з метою догодити глядачеві і відразу отримати визнання, не можуть називатися мистецтвом.
Список використаної літератури:
1 Алпатов М.В. , Мистецтво, Просвітництво Москва 1969.
2. Брассаї. "Зустрічі з Пікассо. Електронний ресурс http://picasso.urbannet.ru/library/brassay/
3. Велика радянська енциклопедія під редакцією Прохорова А.М. Костеневич А.Г. від Моне до Пікассо, Видавництво: Аврора, Ленінград 1989.
4. Дені Шевальє: «Пікассо. Блакитний і рожевий періоди ».
5. Луначарський А.В. Молода Французька Живопис, Сучасник 1913 № 6.
6. Еренбург І. Французькі зошити, Москва, Просвітництво 1959. Електронний ресурс http://urss.ru/cgi-bin/db.pl?lang=Ru&blang=ru&page=Book&id=78807&list=18
7. Розповіді про шедеври: за матеріалом оповідання Н. A. Іoніной, видавництво "Віче", 2002.
8. В.М. Польовий, В.М. Маркузон: Та багато іншого.
Електронний ресурс http://www.rubricon.com/default.asp
9. Велика енциклопедія Кирила і Мефодія 2001. Електронний ресурс
10. Історія образотворчого мистецтва 2002. Електронний ресурс
http://www.arthistory.ru/museum.htm
11. Пікассо. М., 1998 Ф. Галлуцці Серія: Майстри живопису, Видавництво -
Біле місто.
12. Статті спогади Олександра Бенуа. Виставка Пабло Пікассо
Електронний ресурс http://www.bibliotekar.ru/kBenua/33.htm
13. http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/
14. http://slovari.yandex.ru
15. http://picasso.urbannet.ru/pica_bio.htm
16. http://risunok-spy.at.ua/index/0-8
Додаток
Курсова робота виконана мною самостійно. Використані в роботі матеріали і концепції з опублікованої наукової літератури та інших джерел мають посилання на них.
Надруковано в ____ 1 _____ примірниках
Бібліографія____ 16 ____ найменувань
Один примірник зданий на кафедру
«__» _____________2009 Р. _______________ / підпис /