Реферат
Синтез музики і живопису
Зміст
Введення ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 3
1. Музика, яка звучить з полотен ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 4
2. Голос сонячної Італії ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ............................ 6
3. Симфонія кольору ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 7
4. Гармонія музики і фарб ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 10
5. Тріумф музики ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 11
Висновок ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 13
Список літератури ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 14
Введення
Живопис дає образ і думка, і потрібно створити
у своєму уяву настрій. Поезія слова
дає думка, і по ній потрібно створити образ і
настрій, а музика дає настрій, і по ньому
треба відтворити думка і стиль.
М. Римський-Корсаков
Образотворче мистецтво постійно надихає музикантів. Ференц Ліст зізнавався, що Рафаель і Мікеланджело допомогли йому зрозуміти Моцарта і Бетховена. Роберт Шуман вважав, що для композитора вивчати Рафаелевскіе картини так само корисно, як художникам відчувати симфонії Моцарта.
Доброчинна роль музики позначилася і на роботі художників. «Без музики я не мислю життя», - говорив Рєпін. Коли живописець створював свою першу велику картину «Воскресіння дочки Яіра», його молодший брат, студент консерваторії, грав на роялі «Місячну сонату» Бетховена. І разом з фарбами на полотно як би проникали ці звуки, допомагаючи художнику внести ноти скорботи в картину.
Я вибрала для свого реферату саме цю тему, бо вважаю, що вона дуже цікава, як і саме поєднання таких мистецтв, як музика і живопис ...
1. Музика, яка звучить з полотен
Мелодії зазвичай викликають у слухача певні думки і почуття, народжують спогади, неясні або більш-менш ясні картини колись побаченого пейзажу або сцени з життя. І цю картину, що виникла в уяві, можна намалювати. А у хорошого художника і сама картина набуває музичність, з полотна, написаного ним, як би звучать мелодії.
«Хороша живопис - це музика, це мелодія», - говорив великий італійський художник Мікеланджело Буонарроті. Ілля Юхимович Рєпін зазначав, що барвистий колорит картин Рембрандта звучить, як чудова музика оркестру. Аналогію між фарбами в живопису і тембрами в музиці Римський-Корсаков вважав «безсумнівною». Багато спільного між музикою і живописом можна знайти навіть у термінах, які вживають музиканти і художники. І ті й інші говорять про тональність, про колорит і барвистості полотен і музичних творів.
Наївно було б думати, що кожна картина, на якій зображені люди, що грають на будь-яких інструментах або співають, «випромінює» музику. Багато художників взагалі не думали про це, хоча часто вдавалися до «музичним» сюжетів. Перші зображення музицирующих людей прийшли до нас з глибокої давнини. У Єгипті на стінах храмів відображені цілі музичні ансамблі - юнаки та дівчата, що грають на кіфара, лютнях, гобоя. У Древній Греції ні одне зображення співака Орфея не обходилося без ліри, яку він неодмінно тримав у руках. У середні віки і в епоху Відродження з'явилося чимало полотен і скульптур з співаючими ангелами. Святі грали на органі. Або ж мандрівні музиканти перед захопленої натовпом народу виконували свої нехитрі мелодії, витягнуті з волинок, сопілочок, віол.
І хоч за старих часів, особливо в епоху Ренесансу, живописці кілька зверхньо дивилися на музикантів, тому що тоді царицею мистецтв була саме живопис, в деяких картинах, що зображують музикування, вони намагалися підказати глядачеві, що ж виповнюється героями їх сюжетів. Так, на полотні невідомого майстра XVI століття «музикантки», що зберігається в Ермітажі, три молоді жінки займаються музикуванням - дві з них грають на старовинних інструментах, а третя співає. Перед ними - нотні аркуші. Тепер ці ноти розшифровані. Виявилося, що жінки виконують арію «Я дам вам радість» популярного в ті часів композитора Клод де Сермізі.
Або ще приклад. На картині італійського художника епохи Відродження Мікеланджело Караваджо «лютніст», також із зібрання Ермітажу, юнак виконує мадригал композитора Аркадельта «Ви знаєте, що я вас люблю». Про це говорять ноти, поміщені перед музикантом. Довгий час вважали, що у нотній зошити накиданий випадковий набір знаків. Але художник, настільки ретельно виписав всі деталі на полотні, навіть крихітну тріщинку на лютні, не міг дозволити собі таку вільність.
Про музикальності живопису всерйоз почали думати живописці-романтики, з першої третини минулого століття. Вони свідомо, використовуючи особливі мальовничі прийоми, прагнули, «лютніст» щоб їхні картини були «напоєні» музикою. Музика жила в композиції полотен, в гармонії барв, в музикальності ритмів, у грі світлотіні, в колориті. У романтиків звучав краєвид, історичні картини і особливо - портрети.
Французький живописець-романтик Ежен Делакруа любив писати портрети музикантів. І навіть не знаючи, хто зображений на полотні, можна, поглянувши на нього, відразу здогадатися, що це - музикант. Ось, наприклад, живописне зображення великого польського композитора Фредеріка Шопена. На вогняному тлі - напружене обличчя аскета, зануреного в болісну думу. Мальовничими мазками позначені контури голови, виступає немов з полум'я. Мимоволі відчувається музичний натиск, який виривається з полотна, чуються звуки його романтично-бунтівної і проникливою музики.
З тих пір живописці, створюючи картини на музичні теми, піклуються про їх «звучанні».
2. Голос сонячної Італії
Російські художники і поети, російські музиканти завжди володіли дивовижною здатністю глибоко проникати в психологію іншого народу і передавати у своїх творах національний колорит іншої країни, залишаючись при цьому російською.
Карл Брюллов провів в Італії більше десяти років. Тут сформувалася його творча манера, зміцніло майстерність живописця. Брюллов був полонений людьми, мистецтвом, фарбами, самим повітрям цієї країни. Захопленими очима дивився він навколо, і ця радість вилилася на його полотна та акварелі. Гоголь, який добре знав Італію, першим помітив, що полотна Брюллова дихають тією внутрішньою музикою, якою наповнені живі предмети природи.
У 1833 році Карл Брюллов, перебуваючи в Італії, завершив картину «Останній день Помпеї», яка принесла йому світову славу. Зображуючи дійсне історична подія, звершилося 24 серпня 1979 нашої ери, коли під лавою і попелом вивергається Везувію був похований ціле місто з двома тисячами жителів, художник думав про своїх сучасників. Розбушувалася стихія нагадувала йому сучасні події - вибух народного обурення в Європі проти тиранії. Картина вразила італійців. Вони побачили в ній не тільки досконалу живопис, але й глибоку ідею, співзвучну часу.
Картина була написана в традиціях класицизму, який вимагав трагізм життя перетворювати в нетлінну красу. Незважаючи на виверження вулкана, який приніс страждання і смерть, ні одна фігура на полотні Брюллова, жодна особа, ні єдине плаття не вимазані брудом ні, ні попелом. Немає ні плями крові, хоча в центрі композиції лежить мертва жінка. Всі піднесено, благородно. Герої її, за влучним зауваженням Гоголя, заглушають жах свого становища своєю торжествуючої красою.
Непорушні правила класицизму вимагали, щоб композиція живописного полотна була театральна, по-оперному ошатна.
Брюллов писав «Останній день Помпеї», слідуючи цим законам. Тому при першому ж погляді на картину впадає в очі її оперності. Як в італійському музичному спектаклі присутні пишні декорації, розкішні костюми, картинні жести. І освітлення по-театральному ефектно. Зарево на горизонті схоже на мальований задник на сцені, вогнями світильників вихоплені особи дійових осіб. треба зауважити, що разом з Карлом Брюлловим друг художника композитор Джованні Пачіно писав оперу під тією ж назвою «Останній день Помпеї». Безсумнівно, його музика справила якийсь вплив на живописця.
На подібність картини Брюллова саме з італійською оперою вказав Гоголь. Він писав, що цей шедевр «по незвичайній обсягом і з'єднанню в собі всього прекрасного можна порівняти хіба з оперою, якщо тільки опера є дійсно з'єднання троінственного світу мистецтв: живопису, поезії і музики».
3. Симфонія кольору
Одним з перших західних художників, хто прагнув живописними засобами викликати у глядачів відчуття звучала музики, був видатний англійський романтик Джозеф Тернер.
Художник відмовився від відтворення «видів» певної місцевості. Він почав писати пейзажі узагальнені, полувидуманние, передають музичний настрій, що виникає під впливом природи. Музичні не тільки його пейзажі, але і портрети, і жанрові полотна.
Певний час митець жив у Петворте, в маєтку лорда Егремонта. Він створив тут картини, які отримали всесвітню популярність.
На полотнах зображені внутрішні приміщення багатого англійського будинку. Однак це не буквальні копії реально існуючих залів, кабінетів, віталень, спалень, а вільні фантазії.
Ось, приміром, дивовижна за колоритом «Музична кімната в Петворте». У круглому, з арками просторому приміщення у клавесина сидить жінка в темному платті. Вона грає. Її музикування слухають дві подруги. Фігури жінок, клавесин, контури залу оповиті серпанком золотий. Вони ніби тонуть в ній. Потоки сонячного світла, вриваючись в приміщення, клубочаться, немов кружляють у повільному вальсі. Це круговий рух підкреслюють лінії стелі. І здається, ніби чути блискучі, святкові звуки старовинного танцю. Джозеф Тернер любив зображати буйство стихій. Одна з картин художника носить довге та прозовий назва: «Заметіль. Пароплав виходить з гавані і подає сигнал лиха, потрапивши в мілководдя »(1842). Художник перебував у цю страшну ніч на борту терпить крах судна і бачив все на власні очі.
Картина заряджена енергією, немов струмом високої напруги. У неймовірному вихорі фарб ледь проглядається корпус корабля. Небо і море змішалися в шаленому вирі чорного, сірого, синього, опалів, коричневого. Фарби суворі, накидано хаотично. Все це нагадує фантасмагорію, щось нереальне. В уяві виникають трагічні теми, що вирують в оркестрі композиторів романтиків - скажімо, звуки налетающей грози в «Фантастичної симфонії» Гектора Берліоза.
Це - симфонія в кольорі. «Симфонія в білому № 1» - таку назву отримав портрет ірландки Джо. Його написав Джеймс Уістлер, інший художник-романтик. Він народився в Сполучених Штатах, але жив і працював у різних країнах. Хлопчиком він був привезений до Росії. Його батько будував залізницю між Петербургом і Москвою. І перші уроки малювання художник отримав в Академії мистецтв у місті на Неві.
На портреті Джеймса Уістлера зображена молода жінка в довгій білій сукні. Вона стоїть на весь зріст на шкірі вовка.
Обличчя її, обрамлене вінцем темно-каштанового волосся, повно гідності. Жінка уважно дивиться прямо перед собою. Руки опущені. В одній з них затиснута гілочка жасмину.
Несподіваним для того часу був колорит полотна: фігура в білому написана на такому ж білому тлі. Це був складний мальовничий пошук.
Художник так довго працював над портретом, що навіть отруївся цинковими білилами. Але завдання вирішив блискуче.
Проте в 1862 році відвідувачі виставки, названої «Салон знедолених», вважали картину незакінченою, що кидає виклик прийнятим нормам живопису. Це був «успіх прокльонів», як писали тоді в рецензіях.
Щоправда, були й схвальні відгуки. Критик газети «Таймс» поставив портрет Джеймса Уістлера на перше місце, назвавши його цвяхом паризької виставки. Він же вперше визначив картину як симфонію - за аналогією з гучною тоді поемою Теофілія Готьє «Симфонія в білому мажорі».
Це сподобалося художнику, і з тих пір він багато своїх робіт став називати симфоніями, аранжуваннями, гармоніями, Ноктюрн і іншими музичними термінами.
Зрозуміло, це не було механічне перенесення прийомів майстерності з музики у живопис. Інакше були б порушені закономірності і того й іншого мистецтва, що призвело б до зовнішньої ілюстративності. А мова йде про те, що фарби художника викликають у глядача ті ж або схожі емоції, що і музичний твір.
4. Гармонія музики і фарб
Мікалоюс Константінас Чюрльоніс був тихим, мрійливим людиною. Коли він сідав за рояль, то весь перетворювався.
Його музика м'яка, лірична, барвиста, стримано драматична. Вона народжена литовськими народними наспівами, рідною природою - трепетна, як осіннє повітря, повільна і плавна, наче плин рік по рівнинах Литви, непомітна, як пагорби його батьківщини, задумлива, точно серпанок литовських передранкових туманів.
І головне - вона мальовнича. Складаючи музику, Чюрльоніс сам бачив ці картини «очима своєї душі». Вони жили в його уяві настільки яскраво, що композитору хотілося перенести їх на полотно.
І Чюрльоніс стає живописцем.
Не звичайним живописцем. А художником-музикантом.
Не залишаючи музики, він пише одну картину за одною - близько трьохсот мальовничих композицій. І кожна - це філософська поема в фарбах, симфонія мальовничих ритмів, музичних видінь.
Музиканти називають сонатою складну інструментальну п'єсу, в якій стикаються, борючись один з одним, різні, часто протилежні теми, щоб у фіналі прийти до перемоги основної мелодії. Соната ділиться на чотири (рідше - на три) частини. Перша - алегро - найбільш напружена, швидка, найбільш активна. У ній конфлікт суперечливих почуттів з найбільшою повнотою розкриває душевний світ людини. Цю боротьбу важко передати словами, тільки музика здатна зробити це.
Чюрльоніс вирішив закликати на допомогу живопис. Вона теж німа і часом «звучить», як музика. Художник задумав створити мальовничі сонати, побудувавши їх за законами музичної форми.
«Соната моря» - найвідоміша мальовнича сюїта Чюрльоніса.
Море владно вабило до себе музиканта і художника. Воно вражало його уяву своєю міццю, святковим достатком фарб. Життя хвиль зливалася для нього з життям людини. Широко і розмашисто, рівною геометричній грядою, одна за одною наступають на берег хвилі. Пронизані сонцем, вони іскряться міріадами прозорих бульбашок, що світяться шматочками бурштину, райдужними черепашками, камінчиками. Горбистий берег, що повторює обриси хвиль, протистоїть їх натиску. Біла тінь чайки лягає на воду. Настрій швидше радісний, піднесений. Ніби виблискують на сонці труби грають бадьорий марш.
У Анданте морська стихія втихомирилася. Глибоким сном заснули хвилі. Спить і підводне царство із затонулими кораблями. Але не сплять світильники на горизонті, широкими променями висвітлюючи небесне склепіння. Від них йдуть вниз два ряди світяться бульбашок. Вони ведуть в морську безодню з таємничо миготливими вогниками. І чиясь милосердна рука дбайливо піднімає з глибини вітрильник, повертаючи його до життя. Спокійна, величава мелодія в темпі анданте звучить з картини.
І нарешті, Фінал. Стихія розігралася на всю. Море кипить, біснується. Величезна хвиля готова поглинути, покремсати, знищити судна. Ще мить, і все зникне. Розчиняться і букви МКČ, якимось дивом з'явилося на хвилі, освічені клаптиками піни. МКČ - це ініціали художника, його підпис під живописними роботами - Мікалюс Константінас Чюрльоніс. Автор ніби говорить, що волею долі він сам потрапив в цей грізний вир життя, де йому судилося загинути ... але хвиля не зможе поглинути ці кораблі, що здаються такими безпорадними перед стихією, що розбушувалася, не знищить і його ім'я ... Його творіння переживуть століття.
5. Тріумф музики
Костянтина Коровіна вважали першим у Росії художником-імпресіоністом. Слово «імпресіонізм» походить від французького «імпресійної», що перекладається як - «враження». Коли 1874 група невизнаних художників організувала нарешті в Парижі виставку своїх робіт, ця експозиція, як дванадцять років тому «Салон знедолених», була сприйнята як бомба, що розірвалася. Молоді художники не хотіли писати так, як було прийнято в офіційному мистецтві - нудотно і бездушно. Вони не могли виставляти замість пейзажів і портретів «кондитерські вироби, приготовані відповідно до смакам епохи, дерева з льодяників, пряникові будиночки, чоловіки із здобного тіста і дами, подібні вершковому крему» (Еміль Золя). Художники-імпресіоністи намагалися передати природу як вона є, вірніше, відтворити на полотні своє враження від природи, примхливої і мінливої в кожну мить життя. Вони вийшли з мольбертами з майстерень на повітря, на пленер. Стрімкими точними ударами кисті живописці переносили на полотно ці швидкоплинні стану природи. Не випадково Клод Моне, самий послідовний з імпресіоністів, написав один і той же стіг сіна п'ятнадцять разів. І на кожному полотні це був інший стіг - то залитий рожевими променями ранкової зорі, то потопає в примарному місячному світлі, то затягнутий імлі порожнього, то опушений інеєм.
Точно так само, як написавши кілька варіантів річки Темзи в тумані, він показав англійцям красу цього буденного і непривабливого для них явища природи. Виявляється, туман зовсім не сірий, а пофарбований у святкові, поетичні тону.
Художники-імпресіоністи боролися зі звичним поглядом на звичний пейзаж. «У Клода Моне, - захоплювався Костянтин Коровін, - хмари співають, у Сіслея вулиці біжать, Париж дзвенить».
Перш за все музики, музики завжди і скрізь, вимагав від художників і поетів Поль Верлен. І це не випадково. Колосальний зліт музики до кінця XIX століття змусив діячів інших мистецтв звернути на неї увагу - і здивуватися. Музика вийшла на перший план. І широко відчинили перед нею двері всі інші види мистецтва.
Висновок
Говорячи про «музичності» картин, хочеться ще раз підкреслити, що це поняття умовне - полотна самі по собі, звичайно не видають звуків, навіть якщо на них зображені люди, що грають на будь-яких інструментах. Проте хороший живопис, як і гарна музика, викликаючи в нас почуття, які володіли художником, створює певний настрій. Досягається це особливими виразними прийомами, властивими живопису. Перш за все, малюнком і кольором - їх співучість і звучність, їх гармонія утворюють приголосний акорд. Лінії і фарби створюють певний ритм, подібний музичного. Потрібна особлива тонкість роботи з кольором, відтінкам, що досягається композиторами та виконавцями музичних творів. Нарешті, композиція полотна об'єднує всі виразні елементи, викликаючи закінчене, струнке звучання. Живописець Лев Бакст прирівняв художника диригенту, здатному одним помахом палички викликати до життя тисячі звуків.
Список літератури
1. Л . Тарасов - «Музика в сім'ї муз»
2. С. А. Казанцева - «Культурологія»
3. Вільям Ф. Пауелл - «Живопис»
4. wap.bodr.net / lib
5. www.galery.com
Синтез музики і живопису
Зміст
Введення ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 3
1. Музика, яка звучить з полотен ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 4
2. Голос сонячної Італії ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ............................ 6
3. Симфонія кольору ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 7
4. Гармонія музики і фарб ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 10
5. Тріумф музики ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 11
Висновок ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .. 13
Список літератури ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... 14
Введення
Живопис дає образ і думка, і потрібно створити
у своєму уяву настрій. Поезія слова
дає думка, і по ній потрібно створити образ і
настрій, а музика дає настрій, і по ньому
треба відтворити думка і стиль.
М. Римський-Корсаков
Образотворче мистецтво постійно надихає музикантів. Ференц Ліст зізнавався, що Рафаель і Мікеланджело допомогли йому зрозуміти Моцарта і Бетховена. Роберт Шуман вважав, що для композитора вивчати Рафаелевскіе картини так само корисно, як художникам відчувати симфонії Моцарта.
Доброчинна роль музики позначилася і на роботі художників. «Без музики я не мислю життя», - говорив Рєпін. Коли живописець створював свою першу велику картину «Воскресіння дочки Яіра», його молодший брат, студент консерваторії, грав на роялі «Місячну сонату» Бетховена. І разом з фарбами на полотно як би проникали ці звуки, допомагаючи художнику внести ноти скорботи в картину.
Я вибрала для свого реферату саме цю тему, бо вважаю, що вона дуже цікава, як і саме поєднання таких мистецтв, як музика і живопис ...
1. Музика, яка звучить з полотен
Мелодії зазвичай викликають у слухача певні думки і почуття, народжують спогади, неясні або більш-менш ясні картини колись побаченого пейзажу або сцени з життя. І цю картину, що виникла в уяві, можна намалювати. А у хорошого художника і сама картина набуває музичність, з полотна, написаного ним, як би звучать мелодії.
«Хороша живопис - це музика, це мелодія», - говорив великий італійський художник Мікеланджело Буонарроті. Ілля Юхимович Рєпін зазначав, що барвистий колорит картин Рембрандта звучить, як чудова музика оркестру. Аналогію між фарбами в живопису і тембрами в музиці Римський-Корсаков вважав «безсумнівною». Багато спільного між музикою і живописом можна знайти навіть у термінах, які вживають музиканти і художники. І ті й інші говорять про тональність, про колорит і барвистості полотен і музичних творів.
Наївно було б думати, що кожна картина, на якій зображені люди, що грають на будь-яких інструментах або співають, «випромінює» музику. Багато художників взагалі не думали про це, хоча часто вдавалися до «музичним» сюжетів. Перші зображення музицирующих людей прийшли до нас з глибокої давнини. У Єгипті на стінах храмів відображені цілі музичні ансамблі - юнаки та дівчата, що грають на кіфара, лютнях, гобоя. У Древній Греції ні одне зображення співака Орфея не обходилося без ліри, яку він неодмінно тримав у руках. У середні віки і в епоху Відродження з'явилося чимало полотен і скульптур з співаючими ангелами. Святі грали на органі. Або ж мандрівні музиканти перед захопленої натовпом народу виконували свої нехитрі мелодії, витягнуті з волинок, сопілочок, віол.
І хоч за старих часів, особливо в епоху Ренесансу, живописці кілька зверхньо дивилися на музикантів, тому що тоді царицею мистецтв була саме живопис, в деяких картинах, що зображують музикування, вони намагалися підказати глядачеві, що ж виповнюється героями їх сюжетів. Так, на полотні невідомого майстра XVI століття «музикантки», що зберігається в Ермітажі, три молоді жінки займаються музикуванням - дві з них грають на старовинних інструментах, а третя співає. Перед ними - нотні аркуші. Тепер ці ноти розшифровані. Виявилося, що жінки виконують арію «Я дам вам радість» популярного в ті часів композитора Клод де Сермізі.
Або ще приклад. На картині італійського художника епохи Відродження Мікеланджело Караваджо «лютніст», також із зібрання Ермітажу, юнак виконує мадригал композитора Аркадельта «Ви знаєте, що я вас люблю». Про це говорять ноти, поміщені перед музикантом. Довгий час вважали, що у нотній зошити накиданий випадковий набір знаків. Але художник, настільки ретельно виписав всі деталі на полотні, навіть крихітну тріщинку на лютні, не міг дозволити собі таку вільність.
Про музикальності живопису всерйоз почали думати живописці-романтики, з першої третини минулого століття. Вони свідомо, використовуючи особливі мальовничі прийоми, прагнули, «лютніст» щоб їхні картини були «напоєні» музикою. Музика жила в композиції полотен, в гармонії барв, в музикальності ритмів, у грі світлотіні, в колориті. У романтиків звучав краєвид, історичні картини і особливо - портрети.
Французький живописець-романтик Ежен Делакруа любив писати портрети музикантів. І навіть не знаючи, хто зображений на полотні, можна, поглянувши на нього, відразу здогадатися, що це - музикант. Ось, наприклад, живописне зображення великого польського композитора Фредеріка Шопена. На вогняному тлі - напружене обличчя аскета, зануреного в болісну думу. Мальовничими мазками позначені контури голови, виступає немов з полум'я. Мимоволі відчувається музичний натиск, який виривається з полотна, чуються звуки його романтично-бунтівної і проникливою музики.
З тих пір живописці, створюючи картини на музичні теми, піклуються про їх «звучанні».
2. Голос сонячної Італії
Російські художники і поети, російські музиканти завжди володіли дивовижною здатністю глибоко проникати в психологію іншого народу і передавати у своїх творах національний колорит іншої країни, залишаючись при цьому російською.
Карл Брюллов провів в Італії більше десяти років. Тут сформувалася його творча манера, зміцніло майстерність живописця. Брюллов був полонений людьми, мистецтвом, фарбами, самим повітрям цієї країни. Захопленими очима дивився він навколо, і ця радість вилилася на його полотна та акварелі. Гоголь, який добре знав Італію, першим помітив, що полотна Брюллова дихають тією внутрішньою музикою, якою наповнені живі предмети природи.
У 1833 році Карл Брюллов, перебуваючи в Італії, завершив картину «Останній день Помпеї», яка принесла йому світову славу. Зображуючи дійсне історична подія, звершилося 24 серпня 1979 нашої ери, коли під лавою і попелом вивергається Везувію був похований ціле місто з двома тисячами жителів, художник думав про своїх сучасників. Розбушувалася стихія нагадувала йому сучасні події - вибух народного обурення в Європі проти тиранії. Картина вразила італійців. Вони побачили в ній не тільки досконалу живопис, але й глибоку ідею, співзвучну часу.
Картина була написана в традиціях класицизму, який вимагав трагізм життя перетворювати в нетлінну красу. Незважаючи на виверження вулкана, який приніс страждання і смерть, ні одна фігура на полотні Брюллова, жодна особа, ні єдине плаття не вимазані брудом ні, ні попелом. Немає ні плями крові, хоча в центрі композиції лежить мертва жінка. Всі піднесено, благородно. Герої її, за влучним зауваженням Гоголя, заглушають жах свого становища своєю торжествуючої красою.
Непорушні правила класицизму вимагали, щоб композиція живописного полотна була театральна, по-оперному ошатна.
Брюллов писав «Останній день Помпеї», слідуючи цим законам. Тому при першому ж погляді на картину впадає в очі її оперності. Як в італійському музичному спектаклі присутні пишні декорації, розкішні костюми, картинні жести. І освітлення по-театральному ефектно. Зарево на горизонті схоже на мальований задник на сцені, вогнями світильників вихоплені особи дійових осіб. треба зауважити, що разом з Карлом Брюлловим друг художника композитор Джованні Пачіно писав оперу під тією ж назвою «Останній день Помпеї». Безсумнівно, його музика справила якийсь вплив на живописця.
На подібність картини Брюллова саме з італійською оперою вказав Гоголь. Він писав, що цей шедевр «по незвичайній обсягом і з'єднанню в собі всього прекрасного можна порівняти хіба з оперою, якщо тільки опера є дійсно з'єднання троінственного світу мистецтв: живопису, поезії і музики».
3. Симфонія кольору
Одним з перших західних художників, хто прагнув живописними засобами викликати у глядачів відчуття звучала музики, був видатний англійський романтик Джозеф Тернер.
Художник відмовився від відтворення «видів» певної місцевості. Він почав писати пейзажі узагальнені, полувидуманние, передають музичний настрій, що виникає під впливом природи. Музичні не тільки його пейзажі, але і портрети, і жанрові полотна.
Певний час митець жив у Петворте, в маєтку лорда Егремонта. Він створив тут картини, які отримали всесвітню популярність.
На полотнах зображені внутрішні приміщення багатого англійського будинку. Однак це не буквальні копії реально існуючих залів, кабінетів, віталень, спалень, а вільні фантазії.
Ось, приміром, дивовижна за колоритом «Музична кімната в Петворте». У круглому, з арками просторому приміщення у клавесина сидить жінка в темному платті. Вона грає. Її музикування слухають дві подруги. Фігури жінок, клавесин, контури залу оповиті серпанком золотий. Вони ніби тонуть в ній. Потоки сонячного світла, вриваючись в приміщення, клубочаться, немов кружляють у повільному вальсі. Це круговий рух підкреслюють лінії стелі. І здається, ніби чути блискучі, святкові звуки старовинного танцю. Джозеф Тернер любив зображати буйство стихій. Одна з картин художника носить довге та прозовий назва: «Заметіль. Пароплав виходить з гавані і подає сигнал лиха, потрапивши в мілководдя »(1842). Художник перебував у цю страшну ніч на борту терпить крах судна і бачив все на власні очі.
Картина заряджена енергією, немов струмом високої напруги. У неймовірному вихорі фарб ледь проглядається корпус корабля. Небо і море змішалися в шаленому вирі чорного, сірого, синього, опалів, коричневого. Фарби суворі, накидано хаотично. Все це нагадує фантасмагорію, щось нереальне. В уяві виникають трагічні теми, що вирують в оркестрі композиторів романтиків - скажімо, звуки налетающей грози в «Фантастичної симфонії» Гектора Берліоза.
Це - симфонія в кольорі. «Симфонія в білому № 1» - таку назву отримав портрет ірландки Джо. Його написав Джеймс Уістлер, інший художник-романтик. Він народився в Сполучених Штатах, але жив і працював у різних країнах. Хлопчиком він був привезений до Росії. Його батько будував залізницю між Петербургом і Москвою. І перші уроки малювання художник отримав в Академії мистецтв у місті на Неві.
На портреті Джеймса Уістлера зображена молода жінка в довгій білій сукні. Вона стоїть на весь зріст на шкірі вовка.
Обличчя її, обрамлене вінцем темно-каштанового волосся, повно гідності. Жінка уважно дивиться прямо перед собою. Руки опущені. В одній з них затиснута гілочка жасмину.
Несподіваним для того часу був колорит полотна: фігура в білому написана на такому ж білому тлі. Це був складний мальовничий пошук.
Художник так довго працював над портретом, що навіть отруївся цинковими білилами. Але завдання вирішив блискуче.
Проте в 1862 році відвідувачі виставки, названої «Салон знедолених», вважали картину незакінченою, що кидає виклик прийнятим нормам живопису. Це був «успіх прокльонів», як писали тоді в рецензіях.
Щоправда, були й схвальні відгуки. Критик газети «Таймс» поставив портрет Джеймса Уістлера на перше місце, назвавши його цвяхом паризької виставки. Він же вперше визначив картину як симфонію - за аналогією з гучною тоді поемою Теофілія Готьє «Симфонія в білому мажорі».
Це сподобалося художнику, і з тих пір він багато своїх робіт став називати симфоніями, аранжуваннями, гармоніями, Ноктюрн і іншими музичними термінами.
Зрозуміло, це не було механічне перенесення прийомів майстерності з музики у живопис. Інакше були б порушені закономірності і того й іншого мистецтва, що призвело б до зовнішньої ілюстративності. А мова йде про те, що фарби художника викликають у глядача ті ж або схожі емоції, що і музичний твір.
4. Гармонія музики і фарб
Мікалоюс Константінас Чюрльоніс був тихим, мрійливим людиною. Коли він сідав за рояль, то весь перетворювався.
Його музика м'яка, лірична, барвиста, стримано драматична. Вона народжена литовськими народними наспівами, рідною природою - трепетна, як осіннє повітря, повільна і плавна, наче плин рік по рівнинах Литви, непомітна, як пагорби його батьківщини, задумлива, точно серпанок литовських передранкових туманів.
І головне - вона мальовнича. Складаючи музику, Чюрльоніс сам бачив ці картини «очима своєї душі». Вони жили в його уяві настільки яскраво, що композитору хотілося перенести їх на полотно.
І Чюрльоніс стає живописцем.
Не звичайним живописцем. А художником-музикантом.
Не залишаючи музики, він пише одну картину за одною - близько трьохсот мальовничих композицій. І кожна - це філософська поема в фарбах, симфонія мальовничих ритмів, музичних видінь.
Музиканти називають сонатою складну інструментальну п'єсу, в якій стикаються, борючись один з одним, різні, часто протилежні теми, щоб у фіналі прийти до перемоги основної мелодії. Соната ділиться на чотири (рідше - на три) частини. Перша - алегро - найбільш напружена, швидка, найбільш активна. У ній конфлікт суперечливих почуттів з найбільшою повнотою розкриває душевний світ людини. Цю боротьбу важко передати словами, тільки музика здатна зробити це.
Чюрльоніс вирішив закликати на допомогу живопис. Вона теж німа і часом «звучить», як музика. Художник задумав створити мальовничі сонати, побудувавши їх за законами музичної форми.
«Соната моря» - найвідоміша мальовнича сюїта Чюрльоніса.
Море владно вабило до себе музиканта і художника. Воно вражало його уяву своєю міццю, святковим достатком фарб. Життя хвиль зливалася для нього з життям людини. Широко і розмашисто, рівною геометричній грядою, одна за одною наступають на берег хвилі. Пронизані сонцем, вони іскряться міріадами прозорих бульбашок, що світяться шматочками бурштину, райдужними черепашками, камінчиками. Горбистий берег, що повторює обриси хвиль, протистоїть їх натиску. Біла тінь чайки лягає на воду. Настрій швидше радісний, піднесений. Ніби виблискують на сонці труби грають бадьорий марш.
У Анданте морська стихія втихомирилася. Глибоким сном заснули хвилі. Спить і підводне царство із затонулими кораблями. Але не сплять світильники на горизонті, широкими променями висвітлюючи небесне склепіння. Від них йдуть вниз два ряди світяться бульбашок. Вони ведуть в морську безодню з таємничо миготливими вогниками. І чиясь милосердна рука дбайливо піднімає з глибини вітрильник, повертаючи його до життя. Спокійна, величава мелодія в темпі анданте звучить з картини.
І нарешті, Фінал. Стихія розігралася на всю. Море кипить, біснується. Величезна хвиля готова поглинути, покремсати, знищити судна. Ще мить, і все зникне. Розчиняться і букви МКČ, якимось дивом з'явилося на хвилі, освічені клаптиками піни. МКČ - це ініціали художника, його підпис під живописними роботами - Мікалюс Константінас Чюрльоніс. Автор ніби говорить, що волею долі він сам потрапив в цей грізний вир життя, де йому судилося загинути ... але хвиля не зможе поглинути ці кораблі, що здаються такими безпорадними перед стихією, що розбушувалася, не знищить і його ім'я ... Його творіння переживуть століття.
5. Тріумф музики
Костянтина Коровіна вважали першим у Росії художником-імпресіоністом. Слово «імпресіонізм» походить від французького «імпресійної», що перекладається як - «враження». Коли 1874 група невизнаних художників організувала нарешті в Парижі виставку своїх робіт, ця експозиція, як дванадцять років тому «Салон знедолених», була сприйнята як бомба, що розірвалася. Молоді художники не хотіли писати так, як було прийнято в офіційному мистецтві - нудотно і бездушно. Вони не могли виставляти замість пейзажів і портретів «кондитерські вироби, приготовані відповідно до смакам епохи, дерева з льодяників, пряникові будиночки, чоловіки із здобного тіста і дами, подібні вершковому крему» (Еміль Золя). Художники-імпресіоністи намагалися передати природу як вона є, вірніше, відтворити на полотні своє враження від природи, примхливої і мінливої в кожну мить життя. Вони вийшли з мольбертами з майстерень на повітря, на пленер. Стрімкими точними ударами кисті живописці переносили на полотно ці швидкоплинні стану природи. Не випадково Клод Моне, самий послідовний з імпресіоністів, написав один і той же стіг сіна п'ятнадцять разів. І на кожному полотні це був інший стіг - то залитий рожевими променями ранкової зорі, то потопає в примарному місячному світлі, то затягнутий імлі порожнього, то опушений інеєм.
Точно так само, як написавши кілька варіантів річки Темзи в тумані, він показав англійцям красу цього буденного і непривабливого для них явища природи. Виявляється, туман зовсім не сірий, а пофарбований у святкові, поетичні тону.
Художники-імпресіоністи боролися зі звичним поглядом на звичний пейзаж. «У Клода Моне, - захоплювався Костянтин Коровін, - хмари співають, у Сіслея вулиці біжать, Париж дзвенить».
Перш за все музики, музики завжди і скрізь, вимагав від художників і поетів Поль Верлен. І це не випадково. Колосальний зліт музики до кінця XIX століття змусив діячів інших мистецтв звернути на неї увагу - і здивуватися. Музика вийшла на перший план. І широко відчинили перед нею двері всі інші види мистецтва.
Висновок
Говорячи про «музичності» картин, хочеться ще раз підкреслити, що це поняття умовне - полотна самі по собі, звичайно не видають звуків, навіть якщо на них зображені люди, що грають на будь-яких інструментах. Проте хороший живопис, як і гарна музика, викликаючи в нас почуття, які володіли художником, створює певний настрій. Досягається це особливими виразними прийомами, властивими живопису. Перш за все, малюнком і кольором - їх співучість і звучність, їх гармонія утворюють приголосний акорд. Лінії і фарби створюють певний ритм, подібний музичного. Потрібна особлива тонкість роботи з кольором, відтінкам, що досягається композиторами та виконавцями музичних творів. Нарешті, композиція полотна об'єднує всі виразні елементи, викликаючи закінчене, струнке звучання. Живописець Лев Бакст прирівняв художника диригенту, здатному одним помахом палички викликати до життя тисячі звуків.
Список літератури
2. С. А. Казанцева - «Культурологія»
3. Вільям Ф. Пауелл - «Живопис»
4. wap.bodr.net / lib
5. www.galery.com