Трансформація суті речі в контексті споживчого товариства

Курсова робота
«Трансформація суті речі в контексті споживчого товариства»



Зміст
Введення
1. Споживання та його роль в мистецтві (поп-арт)
1.1. Споживання і суспільство споживання
1.2. Поп-арт. Короткий огляд напрямки. Ідея споживання
2. Трансформація речі
Висновок
Список використаної літератури

Введення
Що є споживання? Наскільки люди залежні від нього? Ми всі живемо в сучасному світі, складовою частиною якого є споживче товариство. Ми заглибилися в нього настільки, що позбутися від нього вже не в силах. Та до того ж, варто враховувати, що багато хто і не усвідомлюють істотної ролі «споживання» в їхньому житті, тому як воно є стихією, в якій всі ми живемо і існуємо, частинкою нас самих.
Однак якщо раніше речі являли собою частину інтер'єру, то тепер це предмети, що володіють своєю особистістю. Вони самостійні. Вони мінливі. І змінилися вони настільки, що втрачають свою справжню сутність, ту функціональність, яка була їм властива, до появи напрямки Поп-Арта в мистецтві. Так, саме з часу появи даної течії, змінилося і ставлення до самих простих речей (починаючи від продуктів і закінчуючи предметами побуту). А виникло воно як реакція на абстракціонізм, як заперечення беспредметнічества. У результаті чого в поп-мистецтві ми бачимо нехитрі і іноді часто повторювані зображення звичайних банок, або портрети ідолів 50-шестидесятих років. Не варто шукати в цих роботах будь-якої глибокий сенс. Вони банальні до неможливості. Художники з іронією поставилися до кубізму, сюрреалізму, абстракціонізму, в результаті чого й з'явилося дана течія.
Значення речей переглянув і виставив на огляд людей під різними кутами і варіантами. Художники прагнули показати в своїх роботах те, як може змінюватися сутність предмета, якщо його трохи змінити - за допомогою іншого кольору, матеріалу або навіть технічних засобів виконання.
І більшість прийняла цей напрям як належне, як щось нове і свіже. Тоді ж і почалося формуватися споживче товариство.
Зараз же споживче товариство - це як щось само собою зрозуміле. Споживання представляє собою невід'ємну частину нашого життя, і для деяких це мета існування. Однак не варто забувати, що будь-яка річ - це не тільки символ-знак споживчого товариства, а й те, що може становити мистецтво.
Таким чином, в даній роботі показано те, що речі - це не тільки предмети-символи споживчого товариства, а й частинка мистецтва.  
Сама курсова робота включає в себе короткий екскурс в сам напрямок Поп-Арт, так як він був початком того, що ми маємо зараз, і ідею споживання в сучасному суспільстві.

1. Споживання та його роль в мистецтві (поп-арт)
1.1. Споживання і суспільство споживання
У сучасному суспільстві речі не просто є предметом використання для життєвих потреб. Вони не є розпізнавальним знаком особистості, або для підкреслення престижу і багатства.
Поняття споживання відноситься не тільки до речей, але і до людей і до всього світу.
Об'єктом споживання є не речі, не матеріальні блага, не їжа або одяг, які ми купуємо щодня або на свята, на честь яких-небудь відносин. Ні, вони утворюють лише об'єкт потреби, тобто те, що людині необхідно і що він хоче отримати для задоволення своїх бажань.
Споживання - це, перш за все, споживання знаків і символів, а знак і символ - це річ (меблі, будинок, машина, їжа і так далі), що набула новий, інший від істинного, сенс. Приміром, на відміну від ранніх часів, зараз люди знайомі з поняттями моди і стилю і, завдяки різним дизайнерським розробкам і технологічними можливостями за досить недовгий час зшити велика кількість різноманітного одягу, одяг перестала нести свій первісний зміст. Тепер же її вибирають, виходячи не з комфортності і універсальності, а звертаючи увагу в першу чергу на стильність, ефектність, відсуваючи її зручність на задній план.
Таким чином, щоб стати об'єктом споживання, річ повинна стати знаком, тобто тим, що не має відношення до її раніше змістом і призначенням. Новий її сенс народжується в системі речей, під впливом інших речей-знаків. Тобто, якщо знову ж таки візьмемо приклад з модою, дизайнерські розробки (часом просто неймовірні за своїм зовнішнім виглядом і функціональності) вказують моді шлях на ті колекції, які, найімовірніше, будуть найбільш актуальні в майбутньому році. Меблі й атрибути інтер'єру, які, за задумом дизайнерів-архітекторів, привносять в будинок затишок, тепло і гармонійність; кільця і ​​подарунки на знак ідеї існувала колись любові та інше, - все це лише предмет, що припускає ідею можливих почуттів, переживань, відчуттів. Саме тепер річ отримує свою індивідуальність, самостійність, і висувається на перший план.
Як вже згадувалося трохи вище, тепер навіть відносини стають чимось відсутнім. Є тільки їхня ідея, але самих їх немає. Різні речі (будь то, наприклад, подарунок на ювілей або затишна обстановка в будинку) містять в собі ідею можливих відносин, але, на жаль, не втіленню в життя людьми. Як правило, ідея відносин виражається через певний набір речей-знаків, що дуже добре помітно на прикладі сімейних пар. [1] Таким чином, ідея відносини (незалежно від її роду) «споживається» через речі, що говорить про відсутність реальних переживань.
Раніше, до абстрактного мистецтва, річ знаходилася в тіні людини, була своєрідним декоративним доповненням до композиції картини. Але тепер, через що зробили значний вплив дадаїзму, кубізму і Сюрреалізму, склалася щось нове, щось безперервне, що продовжує існувати до цього дня, і є для більшості людей сенсом життя.
Як писав Андрій Пріепа у своїй статті «Виробництво теорії споживання»: «Я починаю споживати не тоді, коли заробляю« свій перший мільйон », а тоді, коли виявляю в себе бажання стати власником якогось товару чи послуги». І дійсно так. У споживчому суспільстві люди працюють не для того, щоб підтримати своє життя або життя своїх близьких, але заради придбання можливості споживання. Тобто дуже важлива сама ідея, процес, його переживання, а не результат. Навіть освіта тепер несе в собі можливість споживання, це один з компонентів сучасного споживацького суспільства. Люди здобувають освіту не заради знань та їх застосування на практиці, а заради просування вгору по кар'єрних сходах і отримання можливості придбання як можна більшої кількості коштів для, знову ж таки, можливості споживання.
Спочатку в людини з'являється ідея, думка, так званий «проект» того, що він бажає придбати. Але, такий процес кінцевий. Мається на увазі, що бажання призводить до придбання і часто бажання і очікування переживається яскравіше й приємніше, ніж саме придбання, тобто чим сам результат. І на цьому придбанні «проект» закінчується. Однак так як людська істота постійно чогось прагне, отже, на закінченні одного «проекту» з'являється новий. Тепер саме час відзначити одну з найважливіших рис споживання - воно грунтується на постійну нестачу, на бажанні того, що відсутня. Отже, воно безперервно і у нього немає кордонів. Якби ми споживали лише матеріальні блага, а не речі-знаки, то коли-небудь настав би межа, так зване «перенасичення». І ми б отримали задоволення від результату більше, ніж від самого процесу. Але, як вже йшлося трохи вище, людина постійно прагне споживати все більше і більше, отже, цього кінцевого задоволення не настає. Така суть споживання. Залишається лише розчарування і бажання чогось нового, іншого.
Але результат, тобто отримання цієї покупки, або того, що людина так жадав усім своїм єством, практично завжди розчаровував, не давав більшої радості, ніж думка про придбання. Споживання незнищенно тому, що у людини, споживача, постійно існує якась нестача речей, «проектів», які він хоче отримати.
Реклама в цьому процесі відіграє досить важливу роль, так як вона допомагає поширюватися рекламованим речам-знакам з більшою швидкістю. Вона вказує на кращі марки, бренди, на кращі товари; вона радить (навіть скоріше не радить, а ненав'язливо вказує на те, що треба купити в обов'язковому порядку, інакше можеш пропустити свій шанс), що краще купувати, що буде більш якісним, нехай воно навіть і не є таким насправді. Вона вказує, де краще і вигідніше провести відпустку одному або з сім'єю. Загалом, вона є одним з головних джерел поширення і просування ідеї споживання.
Таким чином, підводячи підсумок усього сказаного вище, споживче товариство не знає кордонів своїм бажанням. Споживаються ідеї, знаки і символи, але не речі. Споживання грунтується на нестачі, так як у нього не може бути кінцевого задоволення та насичення.
1.2. Поп-арт. Короткий огляд напрямки. Ідея споживання.
Поп-арт, як термін, так і сам напрямок, з'явився в 50-х роках ХХ століття у Великобританії, завдяки колі англійських художників іменували себе «Независимой групою» (Едуардо Паолоцці, Вільям Тернбалл, Річард Гамільтон, Лоуренс Оллоуей, Пітера Блейка, Сенді Вілсон та ін).
У цей же час поп-арт зародився і в Америці. Однак постало не під впливом британської культури, а сам по собі. Справа в тому, що після другої світової війни в Америці сформувався великий соціальний прошарок людей, які заробляють достатньо грошей, щоб придбати товари, які не були товарами першої необхідності. Яскравий приклад тому виступає Coca-cola і джинси Levi's, які в той час стали важливим і найактуальнішим (поширеним) атрибутом споживчого товариства. Людина, використовуючи той чи інший товар, показує свою приналежність до певної соціальної верстви. Таким чином, речі ставали символами, стереотипами, «симулякрами» [2]. Що істотно відбилося і на поп-мистецтві. Енді Уорхол використовував у своїх роботах численне повторення зображень жерстяних пляшок Coca-cola, портрети Елвіса Преслі і Мерлін Монро. Таким художнім ходом він звернув увагу на стереотипи і символи тогочасного суспільства.
Серед інших американських представників поп-арту варто відзначити таких як Джаспер Джонс, К. Олденбург, Роберт Раушенберг, Рой Ліхтенштейн, Джеймс Розенквіст.
Представники поп-арту прагнули розкрити естетичну сторону масової продукції. Вони черпають сили для своїх робіт в рекламі, коміксах, кіно, газетах, ілюстрованих журналах і так далі. Вони в самому буквальному сенсі відтворюють типові предмети сучасного суспільства (наприклад, упаковки продуктів; Енді Уорхол «Cambell's soup»). У роботах художників поп-арту життя представлена ​​такою, якою вона є, і досить таки часто містять у собі іронію чи гумор (гарним прикладом тому може служити іронічна робота Роя Ліхтенштейну - «M-maybe», 1965 рік).
Було чимало суперечок з приводу значущості даного напрямку. Одні критики ставилися до нього як до занепаду мистецтва, інші ж говорили про новий етап у розвитку мистецтва. Проте, варто відзначити той факт, що поп-арт хоч і відбивало реальність такою якою вона є, але користуючись при цьому сучасними технологіями і новітніми досягненнями науки (наприклад, растрове лист Роя Ліхтенштейна, яке було виконано через трафаретний друк і шовкографію).
Мистецтво поп-арту тісно перепліталося з рекламою. Реклама, головним чином, вказувала на новинки і пропагувала товарний стандарт. Як і в рекламі, головними сюжетами поп-арту стали пилососи, різноманітні продукти, автомашини, холодильники та інші побутові і не тільки предмети. Не дивно, що імена найвідоміших в цьому напрямку художників підвищували продаваність товару.
Світову популярність поп-арт придбав у своєму американському варіанті, але витоки напрямки, як вже писалося на самому початку даної глави, йдуть в діяльність членів лондонської «Независимой групи».
Незабаром поп-арт придбав новий вид. Мова йде про гіперреалізм, який був спрямований на фотографічне відтворення банальної, типовою щоденності. Даний напрямок виникло в кінці 60-их, і став широко відомим в 70-ті роки.
Відмінність полягає в тому, що прості зображення замінюються на більш складні. Якщо в поп-арті набули поширення зображення, наприклад, упаковки якого-небудь продукту або портрет ідола (Мерилін Монро, Елвіс Преслі яскраві тому приклади), то в гіперреалізм дані зображення замінюються сюжетами, як то: вигляд вулиці, місця міських розваг, різні інтер'єри та інше. Об'єкти і сцени в гіперреалістичність живопису деталізовані, щоб створити ілюзію реальності, але це не сюрреалізм, так як зображене цілком могло статися. Іншими словами гіперреалістів створюють помилкову реальність, переконливу ілюзію неіснуючої насправді реальності. Серед представників цього напряму слід назвати таких, як Чак Клоуз, Річард Естес, Дон Едді, Гехард Ріхтер, Франс Герч, Малкольм Морлі, Мікеланджело Пістолетто, Говард Кановіц та інші.
Поступово в Поп-арті починає поширюватися хепенінг [3], перформанс [4], акція [5] і так далі. Тут важливо згадати Раушенберга, Уорхола і Олденбург, так як вони з'явилися безпосередніми ініціаторами таких подій.
Енді Уорол став експериментувати і в кіно, він відзняв понад 100 фільмів. Але фільми не мали практично ніякого сюжету. Це просто запечатление будь-якого дійства, як, приміром, «Eat», «Sleep», «Kiss». Однак, через велику тривалості фільмів, їх неможливо було дивитися. Наприклад, фільм "Sleep" тривав більше 6-ти годин. Був просто знятий спляча людина. Уорхол пояснював зняте тим, що, дивлячись такий фільм, людина не втратить нитка відбувається через рекламу.
Таким чином, Поп-Арт виступає не тільки як новий, абсолютно протилежне абстракціонізму мистецтво, але і як призвідник споживчого товариства. Абстракціоністському відмови від реальності Поп-Арт протиставив світ матеріальних речей, якому приписується художньо-естетичне значення.

2. Трансформація речі
 
Поп-Арт представляє собою напрямок, що сформувалося в епоху зародження споживчого товариства, коли річ виходить на перший план як повністю оформився і самодостатній об'єкт. Художники експериментували з річчю, їх цікавило те, як змінюється вона при зміні контексту або при додаванні інших об'єктів, які, власне, можуть надати додаткову допомогу у такої трансформації.
Починаючи з Поп-Арту, мистецтво стає загальним (масовим), тобто предметами її інтересу стають речі масового споживання. Мистецтво, отже, отримує новий образ - їм є все те, що людина назве мистецтвом, будь-яка річ. Головне - щоб ними була добре виражена ідея, задум втілення (виразника). Саме концепція робить річ твором мистецтва. Наприклад, відомий «Фонтан» Дюшана. Якщо людина не знає концепції, то в пісуар Дюшана він бачить лише пісуар, нічого більше. Варто відзначити і те, що художник як такої перестає існувати, їм може бути будь-який, хто буде володіти стоїть ідеєю, і який зможе втілити її в реальність.
Однак так як ми продовжуємо існувати в споживчому товаристві і до цього дня, відповідно і мистецтво відчуває на собі якесь вплив від нього. Точніше не переставало відчувати з часів Поп-Арту. Ми вже звикли бачити мистецтво спонтанним, несподіваним, вражаючим свідомість, постійно непередбачуваним. Здебільшого лише тому, що в сучасному мистецтві немає певних рамок, немає критеріїв, яких повинні були б дотримуватися художники. Тобто, фактично ми не знаємо, що очікувати від нових творінь, так як мистецтво направлено на глядача непідготовленого, на глядача, що живе культурним життям від випадку до випадку.
Таким чином, речі давно втратили свою справжню сутність, своє первісне значення. Зараз для нас цілком звична справа - побачити деякі речі просто в якості аксесуарів для інтер'єру (наприклад, кришталеві або скляні вази; порожні, але витончені і що стоять на видному місці - досить поширений прийом у сучасних інтер'єрах), або ж побачити будь-який предмет одягу ( допустимо, капелюх або красивим чином завита шаль) як сталевого (скляного, дерев'яного і так далі) підсвічники або плафона для нічної лампи.
Навіть така проста річ масового споживання, як туфелька, у різних людей може нести в собі різні смисли. А у деяких художників за рахунок різниці їх мислення і сприйняття світу вона використовується як предмет висловлювання їхні ідеї, як предмет, який допомагає виразити концепцію їх творінь.
Вже навіть в сюрреалізмі можна було побачити подібну трансформацію речі. Наприклад, Сальвадор Далі створив і виготовив жіночий капелюшок в образі туфельки для своєї улюбленої дружини. Або візьмемо, наприклад, роботи періоду пізнього сюрреалізму, виконані Мерет Оппенхейм - «Сніданок в хутрі» (1936 рік) і «Моя няня» (1936 рік). У роботі «Сніданок в хутрі» обігрується несумісність різних видів чуттєвого сприйняття: хутро приємний шкірі, але огидний мови, і, відповідно, з кухля не вип'єш, оскільки хутро є бар'єром. У роботі «Моя няня» ми можемо спостерігати 2 пов'язані туфельки, у яких на підборах віночки, використовувані як прикраси для страви з курки. Самі туфельки дуже нагадують формою курку на блюді. Частково ще цей ефект досягається за рахунок того, за яким принципом туфельки обв'язані мотузкою, що ділить даний образ «курки» на основні частини. Мерет Оппенхейм в цій роботі тим самим хотіла звернути увагу глядача на відсутність предмета як такого, тобто ми бачимо образ курки, але з'їсти її не можемо.
У сучасному мистецтві туфелька так само відіграє важливу роль і часто є тим предметом, який виражає і уособлює собою символ жіночності. На честь цього були створені різні пам'ятники по всьому світу. Серед них такі як «Туфелька з каструль» у Парижі, Франція, і «Пам'ятник жіночої туфельці» у Празі, Чехія. (Монументалізація, гротеск ...).
У творчості білоруського сучасного художника Костянтина Горецького досить часто мелькає зображення туфельки на його картинах, і виступає вона тут у ролі образу сексуальності, еротизму. У своїх картинах він висловлює самого себе самими різними символами (двоголовий орел, як символ боротьби добра, і зла або та ж туфелька - чорна з червоним носиком, що як не можна краще надає еротичні нотки картинам) в обрамленні будь-яких предметів або на тлі реальних пейзажів, що дозволяють надати картинам більшу реалістичність, при цьому зберігши вкладений у символіку картини сенс.
Інсталяція О.Ю. Сазикін «Екзистенція» (2001, Голландія), показує, як звичайні повсякденні речі проростають травою. У контексті концепції художниці, туфельки з пророщеної травою в інтер'єрі, є символ колективного несвідомого білоруської ментальності, природно-природний принцип існування білорусів. Туфелька являє собою і секс-символ (як архетип), і знак присутності людини. Вона являє собою внутрішнє буття людини; то непізнаване в людському "Я", внаслідок якого людина постає як конкретна неповторна особистість. У даній роботі протиставляється, по-перше, спосіб людського буття у світі буття речі, по-друге, спосіб філософського осягнення і розуміння людського самоздійснення в світі способу наукового і об'єктивуються пізнання «людського». Ця робота є характеристикою буття людини як живої, динамічної та відкритої реальності.
Таким чином, очевидно як у самій звичайної речі жіночого гардеробу - класичної чорної черевичку, змінюється її первісний сенс за рахунок зміни контексту, в якому вона знаходиться. Адже, по суті, самих різноманітних туфель вже не злічити, їх незліченна кількість і їх продовжують виробляти на потребу суспільства. Черевики як туфля, однак, непомітно для нас вона стала загальновідомим предметом, масовим, попсовим; вона являє собою певний архетип. Тепер туфля - не просто туфля, яку ми можемо купити в будь-якому взуттєвому магазині, це не просто предмет, який ми носимо. Навіть звичайна туфля може стати що завгодно, всім тим, що зможе уявити собі людина.
Перша асоціація, яка виникає при вимові слово «туфля» - туфля, як частину гардеробу, як те, що ми носимо щодня і без чого не вийшли б на вулицю, а для кого-то і те, що іноді тисне і натирає мозолі і під яке довго і наполегливо доводиться підбирати одяг. Але насамперед - це предмет одягу, аксесуар.
Задумка однієї з композицій досить проста: червону сукню та чорні туфлі, що становлять її основу. Кольори домінують і добре гармонують один з одним. Можна навіть сказати, що це класичний костюмний набір, що існує у більшості жінок. Яскраво-червоний колір сукні як не можна краще підкреслює образ сексуальності, жіночності туфельки.
Піднімаючи звичайні предмети в ранг художніх творів (ready-made [6]) і розміщуючи їх у виставковий простір, вони відразу ж втрачають свій первинний сенс. Рівно так само як і у випадку з туфель. Вона стає недоторканною. Нехай навіть вона буде виставлятися, як взуття, яку носила Мерилін Монро або інша популярна жінка, все одно ця туфля, що знаходиться у виставковому просторі, буде нести тільки одну істину - річ одного з найвідоміших ідолів свого часу.
Містячись у виставковий простір, річ стає знаком, тобто фактично об'єктом споживання. Вона втрачає свою функціональність і отримує самодостатність, особистісністю. Її сутність як ніби перевертається з ніг на голову і знаходить інші, цілком протилежні смисли. Якщо ми побачимо туфельку у вигляді брошки на кофті, відповідно, ми зрозуміємо, що образ туфлі тут представлений як аксесуар до плаття. Або ж, якщо ми одягнемо капелюшок у вигляді туфлі - знову ж зіткнемося з запереченням справжньої функціональності туфлі. Ми бачимо лише образ, архетип, форму, проте, самої туфлі як такої немає.
Новий сенс речі народжується в системі речей, під впливом інших речей-знаків. Так, наприклад, ми можемо спостерігати свічник у формі туфлі. Поруч стоїть свічка доповнює і підкріплює цю задумку. Сушені пелюстки квіток відіграють таку ж роль, як і друга свічка - вони підтримують композицію, так як вони вже досить давно є суттєвими предметами в оформленні та заповненні невеликих просторів у відповідності зі смаками і бажаний запахами. Що стосується колірної палітри, знову ж таки, ми спостерігаємо два основних домінуючих кольори - червоний і чорний. Бежевий фон обраний з метою не відволікати увагу глядача від концепції, закладеної в основу цієї композиції.
Або досить простий і поширений «крок» у сучасному світі - туфля, як квітковий горщик - хороше креативне рішення. Вона розташовується на підвіконні, як і належить усім кімнатним квітам, в оточенні різних предметів, начебто підсвічники і ангела, які нерідко розміщуються поряд з квітами для додання затишку кімнаті.
Можливо відобразити відсутність функціональності туфлі, що відбувається за рахунок цвяшків, приклеєних до внутрішньої сторони взуття. Черевики і цвяхи обіграють несумісність різних видів чуттєвого сприйняття: туфля призначена для того, щоб стикатися із ступнею ноги, але через цвяхів це неможливо. Білий колір виступає в якості нейтрального, одночасно з тим підкреслює і виділяє туфельку і концепцію, присутню в ній. Поєднання металевого, білого, золотого і чорного привносять у фотографію певний стиль і привабливість з естетичної точки зору. Хоча функціональність туфельки аж ніяк не здасться такою на ділі.
Таким чином, ми можемо спостерігати поступовий перехід: одяг - підкреслення функції взуття, виставковий простір - привнесення нового сенсу замість старого, і, власне, заперечення функції, за рахунок зміни контексту. Це лише деякі приклади. Тобто тим самим ми можемо спостерігати зміну значення речі в залежності від культурно-історичного контексту. Мистецтво до періоду модернізму - річ є лише заповнювачем фону; сюрреалізм - річ представляється виставковим об'єктом, важливим інструментом у реді-мейд; поп-арт і до цього дня - річ має зовсім різними смислами залежно від контексту, в якому вона представлена.
Важливо вміти розмежовувати смисли речей і не забувати про їх первісне призначення бо незабаром люди не будуть знати, коли зупинитися і де істина, а де сімуляр.

Висновок
Отже, саме час підбити підсумки всього вище написаного. Провівши паралелі між практичним експериментом і теоретичним матеріалом, я показала культурно-історичні щаблі зміни сутності речі; як предмет, завдяки суспільству споживання, змінює смислове значення і функцію, при приміщенні його в різні смислові контексти; як матеріал змінює контекст речі, перетворюючи її на об'єкт ; як деталь, доповнення, змінює зміст і призначення матеріального об'єкта.
Споживання представляє собою невід'ємну частину нашого життя, є чимось само собою зрозумілим і метою існування для деяких. Не варто забувати, що будь-яка річ - це не тільки символ-знак споживчого товариства, а й те, що може становити мистецтво.
Речі - це не тільки предмети-символи споживчого товариства, а й частинка мистецтва. Візуально можна знайти і показати межу поділу істинного значення мистецтва від його помилкового подібності (в даному випадку від сутності речі як такої), є можливість відчути цей поділ, щоб надалі уникати цієї плутанини.

Список використаної літератури
1. Пріепа А. Виробництво теорії споживання.
2. Бодріяр Ж. Система речей. - М.: Рудоміно, 2001.
3. Бодріяр Ж. Суспільство споживання. Його міфи і структури. - М.: Культурна революція; Республіка, 2006.
4. Барт Р.. Риторика образу.
5. Горська Н. Поп-Арт.
6. Характеристика напрямки Поп-Арт. -
7. Кондратьєва О. Поп-Арт -