ПЛАН
1. Американська класична музика другої половини ХХ століття: основні тенденції розвитку
2. Джон Кейдж
3. Семюел Барбер
4. Філіп Гласс
5. Алан Хованесс
Список літератури
1. Американська класична музика другої половини ХХ століття:
основні тенденції розвитку
В кінці 50-60-х рр.. музичне мистецтво в Америці стало субсидуватися більш планомірно і цілеспрямовано - були створені федеральні фонди (Національний фонд мистецтва, 60-і рр..), фонди в деяких штатах, муніципалітетах. Важливе значення мають фонди Форда, Рокфеллера, Фулбрайта. Продовжує функціонувати і система меценатства. Форми музичного мистецтва, що не входять в сферу комерційних відносин, потрапляють у повну залежність від дотацій цих фондів, які, таким чином, визначають політику у сфері культури (виконання, видання, запис на грамплатівки творів багатьох американських композиторів, організація фестивалів сучасної музики і пр. ). У 50-і рр.. до числа провідних композиторів США входять В. Персікетті, П. Менніні, Р.Л. Фінні та інші автори головним чином симфонічних, камерно-інструментальних та хорових творів. У творчості більшої частини композиторів, які працюють в цей час, - Г. Кубика, Р. Уорда, Г. Бінкерда, Р. Келлі, Б. Лииса - відчутно пристрасть до неокласицизму. Дж. Вінсент, С. Еффінджер, У. Бергсма та ін тяжіють до використання елементів фольклорного «американізму», Л. Керчнер, Дж. Рочберг, Е. Імбрі, Н. Рорем використовують серійну техніку. Якщо до кін. 40-х рр.. композиторська творчість США зберігало в цілому традиційний характер, то з 50-х рр.. посилюються експериментальні тенденції. Так, для Дж. Кейджа, який зіграв значну роль у посиленні тенденцій авангардизму в США та інших країнах, експериментаторство стає основним принципом творчості, його «філософією». Музична діяльність Кейджа представляє собою серію експериментів («Уявні пейзажі» № 1-4, «4 хв. 33 сек.", Концерт для фортепіано з оркестром та ін), що призвели до утвердження ролі випадкового, «ненавмисного» (indeterminacy), потім - до відмови від музики як мистецтва взагалі («антімузика»). Експериментаторство в області сонорізма, також багато в чому пов'язане з древніми релігійно-філософськими концепціями, характерно і для творчості X. Парча (вони відображені в його книзі «Генезис музики», 1949), який для виконання своїх творів, у т.ч. «Едіп», «Барстоу» та інші, сконструював ряд оригінальних музичних інструментів. Творчість О. Люнінга і В. Усачевского (часто працювали в співавторстві) пов'язане з електронною музикою (їх спільне твір «Рапсодіческіе варіації» та ін.) Творчість О. Хованесса, Л. Харрісона і Чу Веньчуна свідчило про більший інтерес до позаєвропейським культурам, особливо до азіатських, що багато в чому пов'язано з інтенсивною еміграцією з Японії, Південної Кореї в 50-х рр.., А також з гастролями багатьох музикантів з країн Азії, в тому числі Раві Шанкара, Алі Акбар Хана (Індія) та ін Інтерес до позаєвропейським культурам сприяв подальшому розвитку етномузикології (діяльність А. Ломакс, А. Мерріема, Б. нетлі, М. Худа, К. Уоксмена та ін) . Серед опер 50-х рр.. виділяються «Потужний Кейсі» (1953) Шумена, «Лагідна земля» (1954) Копленда, «Обмінені голови» (за Т. Манну, 1954) П. Гленвіла-Хікс, «Бравий солдат Швейк» (1958) Р. Керки, « Ванесса »(1958) Барбера, опери Робінсона, X. Вейсгалла та ін У 1950-і рр.. серед американських композиторів виник інтерес до камерної опері («Хвилювання на Таїті», 1952, Бернстайна; «Сусанна», 1955, К. Флойда; опери Л. Фосса, Л. Хойбі та ін); з'явилися також телеопери («Амал і нічні гості », 1951, Менотті та ін.) Відкрилися оперні театри (у Далласі, Сент-Луїсі, Пітсбурзі, Санта-Фе), студії (нині в США бл. 1000 оперних труп); багато композиторів спільно з постановниками і виконавцями експериментують у пошуках нових форм взаємодії зі слухачами (часто це пов'язано з залученням аудиторії в дію вистави). Музика провідних композиторів все частіше стала виконуватися в країнах Європи та Лат. Америки. Міжнародну популярність здобули серед найбільших колективів ансамблі «Pro musica» (художній керівник М. Грінберг) і «Pro arte» (художній керівник Р. Адлер) у Нью-Йорку, а також камерні оркестри Бостона, Міннесоти (худ. кер. Д. Р. Дейвіс), струнні квартети (Джульярдська, Нью-Йоркський, Будапештський, квартет підступи і ін), духовий ансамбль Істменской школи, духовий бенд Мічиганського університету, «Скинії хор» з Солт-Лейк-Сіті, хори Р. Шоу, Р. Вагнера , пізніше Г. Сміта (велика частина з них виступала в СРСР). Серед виконавців: диригенти (багато з них іноземці, які тимчасово живуть у США) - Л. Маазеля, Т. Шіпперс, С. Одзава, М.Т. Томас, представники старшого покоління, які приїхали в 50-60-і рр.. з інших країн, - Р. Кубелик, Дж. Шолто, Е. Лайнсдорф, К. Краус, С. Скровачевскій, З. Meta, П. Булез та ін; піаністи - Дж. Браунінг, Л. Пеннаріо, Байрон Джайніс, X . Л. Ван Кліберн, М. Діхтер і ін; скрипалі - С. Харт, Дж. Сілверстайн, Р. Зуковскій, Ю. Фодор (багато з них - учні скрипаля-педагога І. Галамяна); віолончеліст Л. Парнас; співачки - М. Доббс, Е. Феррелл, Б. Сілс, Ф. Кертін, Р. Пітерс, Л. Прайс, А, Аддісон, М. Арройо, Г. Бембрі; співаки - Р. Таккер, Дж. Хайнс та ін
Музика США 50-60-х рр.. відрізняється різноманітністю тенденцій: В. Персікетті, П. Менніні, У. Бергсма та ін в цілому розвивають традиції неокласицизму; Дж. Рочберг, Л. Керчнер, Е. Імбрі, H. Рорем та ін часто користуються серійної технікою, К. МакФі, А. Хованесс, Чу Вень-чун, X. Парч, P. Ярдумян і Л. Харрісон тяжіють до використання елементів східних музичних культур у поєднанні з сучасними виражальними засобами. Одним з лідерів авангардизму в музиці США та інших країн став Дж. Кейдж, який веде досліди з розширення акустичних можливостей музики і намагається будувати свої композиції у відповідності з принципами східних релігійно-філософських систем.
Високий професійний артистичний рівень американських колективів і солістів сприяє поширенню музики США в інших країнах. Серед симфонічних оркестрів (бл. 100) виділяються Нью-Йоркський, Бостонський, Філадельфійський, Клівлендський, Чиказький; з ними виступають і ними керують У. Стайнберг, Дж. Шолто, P. Кубелик, 3. Мехта, П. Булез, Л. Бернстайн, Л. Мазель, С. Одзава, MT Томас та ін Існують численні студентські та міські оркестри (бл. 1500), бенди (відомі ансамблі Істменской школи, новоанглийский консерваторії в Бостоні і ін) . Кращі інструментальні ансамблі - "Promusica", Бостонський камерний, Джульярдська квартет; хори P. Шоу, Г. Сміта; піаністи - Дж. Браунінг, Байрон Джайніс, В. Клайберн, M. Діхтер, M. Ван Чунг; скрипалі - P. Річчі, P. Зуковскій, П. Цукерман; віолончеліст Л. Парнас; співаки-P. Гулі, P. Таккер; співачки - M. Доббс, P. Пітері, Л. Прайс; в числі солістів джазу - А. Тейтем, Д. Брубек, Е. Гарднер (піаністи), Дж. Колтрейн, Дж. Малліген (саксофоністи), M. Роуч, А. Блекі (ударники) та ін, співаки - X. Белафонте, T. Беннет, M. Торм, співачки - С. Boан, П. Лі, Д. Дей, Б. Стрейзанд, В. Карр.
У 60-і - сер. 70-х рр.. музика США представляє все більш ускладнюється і суперечливу картину. Множинність форм і стилів, їх нестабільність стають характерними рисами муз. мистецтва і створюють "некерованість" музичної культури: ринок, споживач диктують свої умови, що призводить до зниження питомої ваги жанрів "серйозної" музики. Пошуки нових засобів виразності ведуть до експериментування як в області конструювання музичних творів, так і в сфері освоєння нових сонористичний можливостей, яке торкнулося творчість багатьох американських композиторів. Створюються електронні студії (головним чином при Універсіті), де проводяться експерименти, засновані на взаємодії різних художніх засобів ("мультимед.повід"). "Записані композиції" (включення в тканину музичного твору різних шумових, звукових, електроакустичних ефектів) використовують В. Усачевскій, Е. Браун та ін; "музику випадку", т. зв. алеаторику, - Г. Брант, Дж. Крем, Ч. Вуорінен; з'являються композитори-виконавці та імпровізаційні ансамблі (Л. Фосс, P. шейп, X. Фарберман); на синтезі "серйозною" і джазової музики засновано "третє течія" ( Г. Шуллер, Л. Остін, О. Коулмен та ін); з сер. 50-х рр.. ведуться досліди з програмування звукових моделей з допомогою комп'ютерів (композитор з математичною освітою M. Беббітт і його послідовники Л. Хіллер, M. Суботнік та ін, що працюють з синтезаторами звуку).
2. Джон Кейдж (1912-1992)
Джон Кейдж (Cage, John) - американський композитор і теоретик, чиє викликало чимало суперечок творчість сильно вплинуло не тільки на сучасну музику, але і на цілий напрямок у мистецтві середини 20 ст., Пов'язане з використанням «випадкових» елементів (алеаторіка) і « сирих »життєвих феноменів. Кейдж надихався вченням дзен-буддизму, згідно з яким природа не має внутрішньої структури, або ієрархії явищ. На нього зробили також вплив сучасні теорії взаємозв'язку всіх явищ, що розвивалися соціологом М. Маклюена і архітектором Б. Фуллером. У результаті Кейдж прийшов до музики, яка включала в себе елементи «шуму» і «тиші», використовувала природні, «знайдені» звучання, а також електроніку і алеаторику. Плоди цих дослідів не завжди можна віднести до розряду художніх творів, але це як раз і узгоджується з ідеєю Кейджа, за якою подібний досвід «вводить нас в саму суть того життя, яке ми проживаємо».
Кейдж народився 5 вересня 1912 в Лос-Анджелесі. Навчався в Коледжі Помони, потім у Європі, а після повернення в Лос-Анджелес займався з А. Вейсса, А. Шенбергом і Г. Кауелл. Незадоволений обмеженнями, що накладаються традиційної західної тональної системою, він почав створювати композиції із включенням звуків, джерелами яких були не музичні інструменти, а різні предмети, які оточують людину в повсякденності, брязкальця, хлопавки, а також звуків, породжуваних такими незвичайними процедурами, як, наприклад, зануренням вібруючих гонгів у воду. У 1938 Кейдж винайшов т.зв. підготовлене фортепіано, у якому під струни підкладені різні предмети, в результаті чого рояль перетворюється на мініатюрний ансамбль ударних. На початку 1950-х років став вводити в свої композиції алеаторику, використовуючи при цьому різного роду маніпуляції із гральними костями, картами і Книгою змін (І-цзін), давньої китайської книгою для гадання. Інші композитори і раніше епізодично використали «випадкові» елементи у своїх композиціях, але Кейдж першим почав застосовувати алеаторику систематично, зробивши її головним принципом композиції. Він також одним з перших став використати специфічні звучання й особливі можливості зміни традиційних звучань, одержувані при роботі з магнітофоном.
Три найбільш відомі композиції Кейджа вперше виконані у 1952 році. Серед них горезвісна п'єса «4'33" », що представляє собою 4 хвилини і 33 секунди тиші. Однак тиша в цьому творі не рівнозначна повній відсутності звуку, оскільки Кейдж, крім іншого, прагнув привернути увагу слухачів до природних звуків того середовища, в якій виповнюється «4'33" ». «Уявний ландшафт № 4» (Imaginary Landscape № 4) написаний для 12 радіоприймачів, і тут все - вибір каналів, потужність звуку, тривалість п'єси - визначається випадковістю. Твір без назви, виконану в коледжі Блек-Маунтін за участю художника Р. Раушенберга, танцюриста і хореографа М. Каннінгема та інших, стало прототипом жанру «хепенінг», в якому видовищні та музичні елементи поєднуються із вчинюваними одночасно спонтанними, найчастіше абсурдними діями виконавців. Цим винаходом, а також своєю роботою в класах композиції в Новій школі соціальних досліджень у Нью-Йорку Кейдж зробив помітний вплив на ціле покоління діячів мистецтва, засвоїло його погляд: все, що відбувається може розглядатися як театр («театр» - все, що трапляється одночасно), і цей театр дорівнює життя.
Починаючи з 1940-х років Кейдж складав і виконував музику для танцю. Його танцювальні композиції не пов'язані з хореографією: музика і танець розвертаються одночасно, зберігаючи свою власну форму. Більшість подібних композицій (у яких іноді використовується декламація в «хеппенінговой» манері) були створені у співпраці з танцювальною трупою М. Каннінгема, у якій Кейдж був музичним керівником.
Літературні роботи Кейджа, в тому числі «Мовчання» (Silence, 1961), «Рік після понеділка» (A Year from Monday, 1968) та «Для птахів» (For the Birds, 1981), виходячи далеко за межі музичної проблематики, охоплюють весь спектр ідей, що стосуються «безцільної ігри» художника і єдності життя, природи і мистецтва.
Кейдж помер у Нью-Йорку 12 серпня 1992.
3. Семюел Барбер (1910-1981)
Семюел Барбер (Barber, Samuel) - американський композитор, народився 9 березня 1910 в Уест-Честері (шт. Пенсільванія). Почав навчатися музики у віці шести років і вже на першому році навчання виявив ознаки композиторського обдарування. У тринадцять років вступив до Музичного інституту Кертіса у Філадельфії, де протягом дев'яти років займався грою на фортепіано, співом і композицією, а також брав уроки диригування у Ф. Райнера.
Під час Другої світової війни Барбер служив у військово-повітряних силах США. У квітні 1945 він був обраний почесним членом Меморіального фонду Дж.Гуггенхейма. Протягом літніх сезонів 1947 і 1948 був музичним консультантом Американської академії в Римі.
Серед творів, які принесли Барбер світову популярність, можна згадати адажіо для струнного оркестру, оркестрові есе № 1 і № 2, Кепрікорнскій концерт для флейти, гобоя, труби і струнних (Capricorn Concerto), віолончельний і фортепіанну сонати (соната для фортепіано вперше виконано Володимиром Горовицем ). В опері «Ванесса» (Vanessa) розкрився талант Барбера як музичного драматурга.
Перша симфонія була створена в Римі і виконана там же під управлінням Б. Молінарі (1936); в 1937 твір прозвучав на Зальцбурзькому фестивалі. Прем'єру Другої симфонії провів у 1944 Сергій Кусевицький з Бостонським симфонічним оркестром; під його ж управлінням в 1948 відбулося перше виконання Літньої музики (Knoxville, Summer of 1915) для квінтету духових, а в 1946 - віолончельного концерту.
Балет «Медея» (інша назва Печера серця; Medea, Cave of the Heart), замовлений Барбер Мартою Грехем, до цих пір користується найбільшою популярністю серед його театральних композицій. Оркестрова сюїта з цього балету вперше прозвучала в 1947 у виконанні Філадельфійського оркестру під керуванням Ю. Орманді.
У 1964 Барбер отримав замовлення на оперу «Антоній і Клеопатра» (Antony and Cleopatra) за Шекспіром; у створенні її лібрето композитор співпрацював з режисером Ф. Дзеффіреллі. Прем'єрою цього твору було ознаменовано відкриття 16 вересня 1966 нової будівлі нью-йоркської «Метрополітен-опера».
Протягом свого життя Барбер отримав безліч премій і нагород, в тому числі двічі Пулітцерівську премію (1958 і 1963): в перший раз премія була присуджена йому за оперу «Ванесса», яка одночасно отримала і Премію критики, по другий - за фортепіанний концерт № 1.
Експресивна природа музичного обдарування Барбера - в основному романтична, лірична. Саме тому в період творчого становлення його не привернула ні одна з «систем», що виникли в музиці 20 ст. - Ні неокласицизм Стравінського, ні атоналізм, ні додекафонія Шенберга. Барбер зволів їм виражальні засоби 19 ст., І на цій основі рано зумів виробити технічно досконалий стиль, головними ознаками якого можна вважати об'єктивність і нейтральність.
Мабуть, тільки в одному творі Барбера - Кепрікорнском концерті (1944) - помітно прямий вплив художніх течій сучасності, а саме неокласицизму Стравінського. Неокласицизм надав стримуючий вплив на романтично насичений мова Барбера, і тенденція до економного поводження з виразними засобами і кульмінаціями стала характерною для всього зрілого творчості композитора.
Помер Барбер в Нью-Йорку 23 січня 1981.
4. Філіп Гласс (нар. 1937 р)
Філіп Гласс (Glass Phlipp) (р. 31 січня 1937, Балтімор, Меріленд) - американський композитор, піаніст. Один з основоположників музичного мінімалізму.
Почав грати на скрипці з 6 років, на флейті - з 8. Захоплювався, крім іншого музикою композиторів нової віденської школи, зокрема, А. фон Веберна. У 19 років вступив до Чиказького університету (математика і філософія), а пізніше почав навчання в Джульярдська музичній школі в Нью-Йорку. У цей час Гласс став відмовлятися від 12-тонової техніки і захопився творчістю таких композиторів, як А. Коупленд і У. Шуман.
У віці 23 років Гласс перебрався до Парижа і протягом 2 років займався у відомого педагога Наді Буланже. Під час перебування в Парижі до нього звернувся один кінорежисер з проханням транскрибувати музику відомого індійського композитора і сітаріста Раві Шанкара (Ravi Shankar), щоб її змогли читати французькі музиканти. У ході роботи Гласс подружився з Шанкаром (дружба і співпраця між ними триватимуть багато років), заразився неєвропейськими етнічними музичними концепціями і зробив декілька подорожей до Північної Африки, Індії і Гімалаї, досліджуючи місцеві музичні традиції. Після повернення до Нью-Йорк Гласс приступив до написання власної музики. У 1974 вийшла перша робота композитора під назвою «Music In 12 Parts». В основі композицій лежали циклічно повторюються прості теми, написані на диатонической «підкладці» і претерпевающие лише кількісні зміни. Це був період чистого мінімалізму у творчості Гласса.
У 1975 Гласс написав свій перший значний твір - мінімалістичний оперу «Einstein On The Beach». (Це перша з трьох опер Гласса, присвячених видатним особистостям, «історичним постатям, які своєю мудрістю й силою внутрішнього бачення міняють змінюють хід історії»; крім Ейнштейна, Гласс обрав М. К. Ганді та староєгипетського фараона Ехнатона.) Після виходу альбомів North Star (1977), Dances Nos. 1 & 2 (1979) і особливо Glassworks (1982) Гласс став відомий у всьому світі. Йому почали робити замовлення на написання творів (наприклад, опера «Satyagrakha» (1985) була замовлена Нідерландської оперою, а «Akhnaten» (1987) - Штутгартським оперним театром).
У 1983 почалася робота Гласса з написання музики до фільмів Годфрі Реджіо «Koyaanisquatsi» (1983), «Powaqquatsi» (1988) і «Naqoyquatsi» (2002), що оповідає про руйнівний і самоунічтожітельном характер сучасної цивілізації, про жахливу прірви, яка відділяє сучасної людини від природи та її одвічних законів. Талановита зачаровує музика напрочуд вдало гармоніювала з відеорядом, створюючи химерні і кілька лякаючі грандіозні полотна. У 1983 відомий англійський режисер П. Грінуей присвятив Гласс частину свого документального фільму «Чотири американських композитора», де музикант сусідив з Мередіт Монк (Meredith Monk), Джоном Кейджем (John Cage) та Робертом Ешлі (Robert Ashley).
Гласс справив значний вплив на ряд рок-виконавців - таких, як Роберт Фріпп (Robert Fripp), Брайан Іно (Brian Eno), Девід Боуї (David Bowie), Девід Бірн (David Byrn). Особливо вдало спадщина Гласса прижилося в арт-року. Не обійшлося і без зворотного впливу: в інструментальний арсенал Гласса давно і міцно увійшли синтезатори; безліч творів відрізняються чітко вираженим фатальним саундом. На запис свого альбому «Songs From Liquid Days» (1986) Гласс запросив таких відомих виконавців рок-музики, як Пол Саймон (Paul Simon), Девід Бірн, Лорі Андерсон (Laurie Anderson) і Сюзанна Вега (Susanne Vega). А в 1993 Гласс записав авторську обробку альбому Девіда Боуї «Low».
Філіп Гласс - людина-легенда, за життя отримав статус класика. До творінь Гласса можна ставитися по-різному: одні визнають за ним геніальність, інші помічають зайву патетику і монументальність звучання, але так чи інакше, його ім'я давно увійшло у всі музичні енциклопедії, його творчість - предмет численних досліджень. Концерти Гласса із захопленням приймаються критикою і публікою по всьому світу. Ім'я Гласса часто згадується в зв'язку з кінотрилогією «Кацці» / Qatsi режисера Годфрі Реджіо. Зв'язок не випадкова: над першим фільмом трилогії - легендарним «Кояніскацці» / Koyaanisqatsi Реджіо працював протягом семи років (з 1975 по 1982 рік), і велику частину цього часу - за безпосередньої участі Філіпа Гласса, який написав музику, без якої, ймовірно, картини б не вийшло зовсім. Наступні два фільми трилогії - «Повакацці» / Powaqqatsi (1988 рік) і «Накойкацці» / Naqoyqatsi (2001 рік) також стали спільними творіннями Гласса і Реджіо. «Зазвичай композитор пише музичні теми на замовлення режисера. Ми з Глассов співпрацюємо по-іншому », - сказав в інтерв'ю Годфрі Реджіо, -« Ми робили фільм разом, підтримуючи один одного і постійно радячись ».
5. Алан Хованесс (1911-2001)
Американський композитор вірменського походження Алан Хованесс відомий своєю плодовитістю: понад 500 творів, понад 60 симфоній, концерти, опери, квартети, сонати. Ще він був другом Джона Кейджа, був одним з перших західних композиторів, запрошених на фестиваль індійської музики, об'їздив світ, побував навіть в СРСР ... У 30-х роках Хованесс відвідав у Фінляндії свого кумира - Яна Сібеліуса, який став хрещеним батьком дочки молодого американця вірменського походження.
Про життя Алана Хованесса можна писати багато. Що ж з музикою? Чи відома вона? Ні, не дуже. Або зовсім невідома. Звичайно, в Америці його цінують, а в Єревані є центр Алана Хованесса. Так само варто відзначити, що музика Хованесса багатьма музикантами кілька упосліджене через її "легковажності". Заперечувати це важко, так само як і заперечувати, що все ж таки його музика оригінальна і пізнавана. Це музика, яка вільно дихає. Від цієї музики залишається враження відкритого простору, чистого повітря, моря і простору. Якщо Гласс - музика великих міст, то Хованесс - музика маленьких міст біля океану, якого-небудь острова Нантакет штату Массачусетс.
Порівняння Гласса і Хованесса невипадково - обидва американці, обидва діти емігрантів, обидва сприймаються багатьма музикантами як несерйозні композитори, композитори для музики до фільмів. Можливо, в чомусь це дійсно так, але ж це не скасовує їх щирості, їхнього стилю і їх музичного шарму.
Творчість Хованесса безпосередньо сформувалося під впливом Сібеліуса, Айвза та народної музики. Як і Айвза, Хованессу притаманні гимнические мелодії, викладені в такому великоваговому "органному" складі. Хорал. Але мелодія хоралу модальна, східна. Інша "складова" - імпровізаційність, наслідування грі на народних струнних інструментах. Взагалі, в його музиці можна почути наслідування народним інструментам. У Хованесса є твори для народних інструментів (16-а симфонія написана для корейських народних інструментах), а сам композитор грав на народних інструментах, в т. ч. на "китайському губном органі" - "шене".
Вже в 40-50-х Хованесс використовував кластери і вигляд "обмеженою алеаторики", названий їм "spirit murmur" ("ремствування духу"). Вже пізніше це буде називатися "обмеженої алеаторики", а цією технікою буде користуватися знаменитий Вітольд Лютославський. У Хованесса ж це тільки одна з складових, яка навряд чи продовжується протягом всього твору, а лише чергується (або одночасно) з модальними гімнами і мелодіями в народному дусі. Так само не уникав четвертітонов.
Хованесс багато подорожував, багатьом цікавився (особливо астрономією) і все це позначалося на його музиці. Можна погодитися, що це виходило трохи наївно, поверхово і полегшено, проте багато його твори випромінюють талант і свободу. Це справжній американський художник.
Алан Хованесс народився 8 березня 1911 року в Сомервіль, штат Массачусетс. При народженні і до 30-х він був Аланом Ованесом Чакмакджяном, але потім узяв прізвище Hovhaness. Батько Алана був вірменином, викладав хімію, мати - шотландського походження. У віці 4-х років маленький Алан Ованес робить спроби складати, а в 5 років імпровізує на органі. Тоді ж вони з сім'єю переїхали в Арлінгтон (у шт. Массачусетс).
Ще навчаючись у школі, Хованесс брав уроки гри на фортепіано у знаменитого німецького піаніста, учня Теодора Лешетицького, Гайнріха Гебхарда. З 14 років вирішив повністю присвятити себе композиції. Тоді ж створює 2 опери і відкриває для себе музику великого Комітаса. До юнацьких творів Алана з інтересом поставився Рождр Сешнс. Після закінчення школи стало ясно: треба вступати до консерваторії. У 1929 році Хованесс стає студентом консерваторії в Бостоні.
У 1935 році Хованесс з дружиною (з першою дружиною - Хованесс одружився 6 разів) здійснює паломництво до Фінляндії, щоб познайомитися з Яном Сібеліуса. Сібеліус стає хрещеним дочки Хованесса, а композитори стали друзями.
За словами Хованесса, на початку 40-х він спалив близько 500 творів, тому що вони не влаштовували ні його, ні Рождера Сешнса, який стежив за його творчістю. Хованесс став шукати свій шлях. Все ж варто зазначити, що вже у творах 30-х років (з тих, що збереглися) починає формуватися власний стиль. Твори тих років цілком сильні в технічному плані і не поступаються творам його американських ровесників.
У 1940 році Хованесс стає органістом Вірменської Апостольської церкви в місті Уотертаун (все в тому ж Массачусестсе), де пропрацював близько 10 років. У 1942 році відправляється на курси в Тенглвуд, але незабаром покинув їх, після того, як Бернстайн сказав про його симфонію: "Я не можу витримати цю дешеву музику". Це підштовхнуло Хованесса знову знищити деяку кількість творів.
У той час Хованесс починає серйозно вивчати вірменську культуру. Його підтримують Джон Кейдж і Лу Харрісон, але більшість американських композиторів вороже ставляться до його музики. У 1944 році одне з перших зрілих і цікавих творів - фортепіанний концерт "Lousadzak". Фортепіано тут використовується в основному одноголосно, унісонно. Матеріал імпровізаційний, схожий на гру на народному струнному інструменті. Нарешті, в 1948 році Хованесса приймають до викладацького складу Бостонської консерваторії, де в нього навчалися і джазові музиканти.
З 1951 року Алан Хованесс живе в Нью-Йорку. Тут він працює на радіо "Голос Америки", з успіхом виконує роботу для Бродвею. У 1955 році Леопольд Стоковський провів прем'єру 2 симфонії Хованесса, після чого композитор домагається визнання. Твори Хованесса починають записувати на платівки. У 50-60-х роках композитор багато подорожує по світу і вивчає музику різних країн і народів (Індія, Японія, СРСР тощо), живе то в Нью-Йорку, то в Люцерні (Швейцарія), то в Сіетлі, в якому він і жив до своєї смерті 21 червня 2001.
Список літератури
1. Історія зарубіжної музики. ХХ століття. М., 2007
2. Конен В., Шляхи американської музики. Нариси з історії музичної культури США, 2 изд., M., 1965.
3. Шнеєрсон Г., Нариси нової і новітньої історії музики США, т. 1, M., 1960, с. 531 - 41, т. 2, M., 1960, с. 539 - 51.
1. Американська класична музика другої половини ХХ століття: основні тенденції розвитку
2. Джон Кейдж
3. Семюел Барбер
4. Філіп Гласс
5. Алан Хованесс
Список літератури
1. Американська класична музика другої половини ХХ століття:
основні тенденції розвитку
В кінці 50-60-х рр.. музичне мистецтво в Америці стало субсидуватися більш планомірно і цілеспрямовано - були створені федеральні фонди (Національний фонд мистецтва, 60-і рр..), фонди в деяких штатах, муніципалітетах. Важливе значення мають фонди Форда, Рокфеллера, Фулбрайта. Продовжує функціонувати і система меценатства. Форми музичного мистецтва, що не входять в сферу комерційних відносин, потрапляють у повну залежність від дотацій цих фондів, які, таким чином, визначають політику у сфері культури (виконання, видання, запис на грамплатівки творів багатьох американських композиторів, організація фестивалів сучасної музики і пр. ). У 50-і рр.. до числа провідних композиторів США входять В. Персікетті, П. Менніні, Р.Л. Фінні та інші автори головним чином симфонічних, камерно-інструментальних та хорових творів. У творчості більшої частини композиторів, які працюють в цей час, - Г. Кубика, Р. Уорда, Г. Бінкерда, Р. Келлі, Б. Лииса - відчутно пристрасть до неокласицизму. Дж. Вінсент, С. Еффінджер, У. Бергсма та ін тяжіють до використання елементів фольклорного «американізму», Л. Керчнер, Дж. Рочберг, Е. Імбрі, Н. Рорем використовують серійну техніку. Якщо до кін. 40-х рр.. композиторська творчість США зберігало в цілому традиційний характер, то з 50-х рр.. посилюються експериментальні тенденції. Так, для Дж. Кейджа, який зіграв значну роль у посиленні тенденцій авангардизму в США та інших країнах, експериментаторство стає основним принципом творчості, його «філософією». Музична діяльність Кейджа представляє собою серію експериментів («Уявні пейзажі» № 1-4, «4 хв. 33 сек.", Концерт для фортепіано з оркестром та ін), що призвели до утвердження ролі випадкового, «ненавмисного» (indeterminacy), потім - до відмови від музики як мистецтва взагалі («антімузика»). Експериментаторство в області сонорізма, також багато в чому пов'язане з древніми релігійно-філософськими концепціями, характерно і для творчості X. Парча (вони відображені в його книзі «Генезис музики», 1949), який для виконання своїх творів, у т.ч. «Едіп», «Барстоу» та інші, сконструював ряд оригінальних музичних інструментів. Творчість О. Люнінга і В. Усачевского (часто працювали в співавторстві) пов'язане з електронною музикою (їх спільне твір «Рапсодіческіе варіації» та ін.) Творчість О. Хованесса, Л. Харрісона і Чу Веньчуна свідчило про більший інтерес до позаєвропейським культурам, особливо до азіатських, що багато в чому пов'язано з інтенсивною еміграцією з Японії, Південної Кореї в 50-х рр.., А також з гастролями багатьох музикантів з країн Азії, в тому числі Раві Шанкара, Алі Акбар Хана (Індія) та ін Інтерес до позаєвропейським культурам сприяв подальшому розвитку етномузикології (діяльність А. Ломакс, А. Мерріема, Б. нетлі, М. Худа, К. Уоксмена та ін) . Серед опер 50-х рр.. виділяються «Потужний Кейсі» (1953) Шумена, «Лагідна земля» (1954) Копленда, «Обмінені голови» (за Т. Манну, 1954) П. Гленвіла-Хікс, «Бравий солдат Швейк» (1958) Р. Керки, « Ванесса »(1958) Барбера, опери Робінсона, X. Вейсгалла та ін У 1950-і рр.. серед американських композиторів виник інтерес до камерної опері («Хвилювання на Таїті», 1952, Бернстайна; «Сусанна», 1955, К. Флойда; опери Л. Фосса, Л. Хойбі та ін); з'явилися також телеопери («Амал і нічні гості », 1951, Менотті та ін.) Відкрилися оперні театри (у Далласі, Сент-Луїсі, Пітсбурзі, Санта-Фе), студії (нині в США бл. 1000 оперних труп); багато композиторів спільно з постановниками і виконавцями експериментують у пошуках нових форм взаємодії зі слухачами (часто це пов'язано з залученням аудиторії в дію вистави). Музика провідних композиторів все частіше стала виконуватися в країнах Європи та Лат. Америки. Міжнародну популярність здобули серед найбільших колективів ансамблі «Pro musica» (художній керівник М. Грінберг) і «Pro arte» (художній керівник Р. Адлер) у Нью-Йорку, а також камерні оркестри Бостона, Міннесоти (худ. кер. Д. Р. Дейвіс), струнні квартети (Джульярдська, Нью-Йоркський, Будапештський, квартет підступи і ін), духовий ансамбль Істменской школи, духовий бенд Мічиганського університету, «Скинії хор» з Солт-Лейк-Сіті, хори Р. Шоу, Р. Вагнера , пізніше Г. Сміта (велика частина з них виступала в СРСР). Серед виконавців: диригенти (багато з них іноземці, які тимчасово живуть у США) - Л. Маазеля, Т. Шіпперс, С. Одзава, М.Т. Томас, представники старшого покоління, які приїхали в 50-60-і рр.. з інших країн, - Р. Кубелик, Дж. Шолто, Е. Лайнсдорф, К. Краус, С. Скровачевскій, З. Meta, П. Булез та ін; піаністи - Дж. Браунінг, Л. Пеннаріо, Байрон Джайніс, X . Л. Ван Кліберн, М. Діхтер і ін; скрипалі - С. Харт, Дж. Сілверстайн, Р. Зуковскій, Ю. Фодор (багато з них - учні скрипаля-педагога І. Галамяна); віолончеліст Л. Парнас; співачки - М. Доббс, Е. Феррелл, Б. Сілс, Ф. Кертін, Р. Пітерс, Л. Прайс, А, Аддісон, М. Арройо, Г. Бембрі; співаки - Р. Таккер, Дж. Хайнс та ін
Музика США 50-60-х рр.. відрізняється різноманітністю тенденцій: В. Персікетті, П. Менніні, У. Бергсма та ін в цілому розвивають традиції неокласицизму; Дж. Рочберг, Л. Керчнер, Е. Імбрі, H. Рорем та ін часто користуються серійної технікою, К. МакФі, А. Хованесс, Чу Вень-чун, X. Парч, P. Ярдумян і Л. Харрісон тяжіють до використання елементів східних музичних культур у поєднанні з сучасними виражальними засобами. Одним з лідерів авангардизму в музиці США та інших країн став Дж. Кейдж, який веде досліди з розширення акустичних можливостей музики і намагається будувати свої композиції у відповідності з принципами східних релігійно-філософських систем.
Високий професійний артистичний рівень американських колективів і солістів сприяє поширенню музики США в інших країнах. Серед симфонічних оркестрів (бл. 100) виділяються Нью-Йоркський, Бостонський, Філадельфійський, Клівлендський, Чиказький; з ними виступають і ними керують У. Стайнберг, Дж. Шолто, P. Кубелик, 3. Мехта, П. Булез, Л. Бернстайн, Л. Мазель, С. Одзава, MT Томас та ін Існують численні студентські та міські оркестри (бл. 1500), бенди (відомі ансамблі Істменской школи, новоанглийский консерваторії в Бостоні і ін) . Кращі інструментальні ансамблі - "Promusica", Бостонський камерний, Джульярдська квартет; хори P. Шоу, Г. Сміта; піаністи - Дж. Браунінг, Байрон Джайніс, В. Клайберн, M. Діхтер, M. Ван Чунг; скрипалі - P. Річчі, P. Зуковскій, П. Цукерман; віолончеліст Л. Парнас; співаки-P. Гулі, P. Таккер; співачки - M. Доббс, P. Пітері, Л. Прайс; в числі солістів джазу - А. Тейтем, Д. Брубек, Е. Гарднер (піаністи), Дж. Колтрейн, Дж. Малліген (саксофоністи), M. Роуч, А. Блекі (ударники) та ін, співаки - X. Белафонте, T. Беннет, M. Торм, співачки - С. Boан, П. Лі, Д. Дей, Б. Стрейзанд, В. Карр.
У 60-і - сер. 70-х рр.. музика США представляє все більш ускладнюється і суперечливу картину. Множинність форм і стилів, їх нестабільність стають характерними рисами муз. мистецтва і створюють "некерованість" музичної культури: ринок, споживач диктують свої умови, що призводить до зниження питомої ваги жанрів "серйозної" музики. Пошуки нових засобів виразності ведуть до експериментування як в області конструювання музичних творів, так і в сфері освоєння нових сонористичний можливостей, яке торкнулося творчість багатьох американських композиторів. Створюються електронні студії (головним чином при Універсіті), де проводяться експерименти, засновані на взаємодії різних художніх засобів ("мультимед.повід"). "Записані композиції" (включення в тканину музичного твору різних шумових, звукових, електроакустичних ефектів) використовують В. Усачевскій, Е. Браун та ін; "музику випадку", т. зв. алеаторику, - Г. Брант, Дж. Крем, Ч. Вуорінен; з'являються композитори-виконавці та імпровізаційні ансамблі (Л. Фосс, P. шейп, X. Фарберман); на синтезі "серйозною" і джазової музики засновано "третє течія" ( Г. Шуллер, Л. Остін, О. Коулмен та ін); з сер. 50-х рр.. ведуться досліди з програмування звукових моделей з допомогою комп'ютерів (композитор з математичною освітою M. Беббітт і його послідовники Л. Хіллер, M. Суботнік та ін, що працюють з синтезаторами звуку).
2. Джон Кейдж (1912-1992)
Джон Кейдж (Cage, John) - американський композитор і теоретик, чиє викликало чимало суперечок творчість сильно вплинуло не тільки на сучасну музику, але і на цілий напрямок у мистецтві середини 20 ст., Пов'язане з використанням «випадкових» елементів (алеаторіка) і « сирих »життєвих феноменів. Кейдж надихався вченням дзен-буддизму, згідно з яким природа не має внутрішньої структури, або ієрархії явищ. На нього зробили також вплив сучасні теорії взаємозв'язку всіх явищ, що розвивалися соціологом М. Маклюена і архітектором Б. Фуллером. У результаті Кейдж прийшов до музики, яка включала в себе елементи «шуму» і «тиші», використовувала природні, «знайдені» звучання, а також електроніку і алеаторику. Плоди цих дослідів не завжди можна віднести до розряду художніх творів, але це як раз і узгоджується з ідеєю Кейджа, за якою подібний досвід «вводить нас в саму суть того життя, яке ми проживаємо».
Кейдж народився 5 вересня 1912 в Лос-Анджелесі. Навчався в Коледжі Помони, потім у Європі, а після повернення в Лос-Анджелес займався з А. Вейсса, А. Шенбергом і Г. Кауелл. Незадоволений обмеженнями, що накладаються традиційної західної тональної системою, він почав створювати композиції із включенням звуків, джерелами яких були не музичні інструменти, а різні предмети, які оточують людину в повсякденності, брязкальця, хлопавки, а також звуків, породжуваних такими незвичайними процедурами, як, наприклад, зануренням вібруючих гонгів у воду. У 1938 Кейдж винайшов т.зв. підготовлене фортепіано, у якому під струни підкладені різні предмети, в результаті чого рояль перетворюється на мініатюрний ансамбль ударних. На початку 1950-х років став вводити в свої композиції алеаторику, використовуючи при цьому різного роду маніпуляції із гральними костями, картами і Книгою змін (І-цзін), давньої китайської книгою для гадання. Інші композитори і раніше епізодично використали «випадкові» елементи у своїх композиціях, але Кейдж першим почав застосовувати алеаторику систематично, зробивши її головним принципом композиції. Він також одним з перших став використати специфічні звучання й особливі можливості зміни традиційних звучань, одержувані при роботі з магнітофоном.
Три найбільш відомі композиції Кейджа вперше виконані у 1952 році. Серед них горезвісна п'єса «4'33" », що представляє собою 4 хвилини і 33 секунди тиші. Однак тиша в цьому творі не рівнозначна повній відсутності звуку, оскільки Кейдж, крім іншого, прагнув привернути увагу слухачів до природних звуків того середовища, в якій виповнюється «4'33" ». «Уявний ландшафт № 4» (Imaginary Landscape № 4) написаний для 12 радіоприймачів, і тут все - вибір каналів, потужність звуку, тривалість п'єси - визначається випадковістю. Твір без назви, виконану в коледжі Блек-Маунтін за участю художника Р. Раушенберга, танцюриста і хореографа М. Каннінгема та інших, стало прототипом жанру «хепенінг», в якому видовищні та музичні елементи поєднуються із вчинюваними одночасно спонтанними, найчастіше абсурдними діями виконавців. Цим винаходом, а також своєю роботою в класах композиції в Новій школі соціальних досліджень у Нью-Йорку Кейдж зробив помітний вплив на ціле покоління діячів мистецтва, засвоїло його погляд: все, що відбувається може розглядатися як театр («театр» - все, що трапляється одночасно), і цей театр дорівнює життя.
Починаючи з 1940-х років Кейдж складав і виконував музику для танцю. Його танцювальні композиції не пов'язані з хореографією: музика і танець розвертаються одночасно, зберігаючи свою власну форму. Більшість подібних композицій (у яких іноді використовується декламація в «хеппенінговой» манері) були створені у співпраці з танцювальною трупою М. Каннінгема, у якій Кейдж був музичним керівником.
Літературні роботи Кейджа, в тому числі «Мовчання» (Silence, 1961), «Рік після понеділка» (A Year from Monday, 1968) та «Для птахів» (For the Birds, 1981), виходячи далеко за межі музичної проблематики, охоплюють весь спектр ідей, що стосуються «безцільної ігри» художника і єдності життя, природи і мистецтва.
Кейдж помер у Нью-Йорку 12 серпня 1992.
3. Семюел Барбер (1910-1981)
Семюел Барбер (Barber, Samuel) - американський композитор, народився 9 березня 1910 в Уест-Честері (шт. Пенсільванія). Почав навчатися музики у віці шести років і вже на першому році навчання виявив ознаки композиторського обдарування. У тринадцять років вступив до Музичного інституту Кертіса у Філадельфії, де протягом дев'яти років займався грою на фортепіано, співом і композицією, а також брав уроки диригування у Ф. Райнера.
Під час Другої світової війни Барбер служив у військово-повітряних силах США. У квітні 1945 він був обраний почесним членом Меморіального фонду Дж.Гуггенхейма. Протягом літніх сезонів 1947 і 1948 був музичним консультантом Американської академії в Римі.
Серед творів, які принесли Барбер світову популярність, можна згадати адажіо для струнного оркестру, оркестрові есе № 1 і № 2, Кепрікорнскій концерт для флейти, гобоя, труби і струнних (Capricorn Concerto), віолончельний і фортепіанну сонати (соната для фортепіано вперше виконано Володимиром Горовицем ). В опері «Ванесса» (Vanessa) розкрився талант Барбера як музичного драматурга.
Перша симфонія була створена в Римі і виконана там же під управлінням Б. Молінарі (1936); в 1937 твір прозвучав на Зальцбурзькому фестивалі. Прем'єру Другої симфонії провів у 1944 Сергій Кусевицький з Бостонським симфонічним оркестром; під його ж управлінням в 1948 відбулося перше виконання Літньої музики (Knoxville, Summer of 1915) для квінтету духових, а в 1946 - віолончельного концерту.
Балет «Медея» (інша назва Печера серця; Medea, Cave of the Heart), замовлений Барбер Мартою Грехем, до цих пір користується найбільшою популярністю серед його театральних композицій. Оркестрова сюїта з цього балету вперше прозвучала в 1947 у виконанні Філадельфійського оркестру під керуванням Ю. Орманді.
У 1964 Барбер отримав замовлення на оперу «Антоній і Клеопатра» (Antony and Cleopatra) за Шекспіром; у створенні її лібрето композитор співпрацював з режисером Ф. Дзеффіреллі. Прем'єрою цього твору було ознаменовано відкриття 16 вересня 1966 нової будівлі нью-йоркської «Метрополітен-опера».
Протягом свого життя Барбер отримав безліч премій і нагород, в тому числі двічі Пулітцерівську премію (1958 і 1963): в перший раз премія була присуджена йому за оперу «Ванесса», яка одночасно отримала і Премію критики, по другий - за фортепіанний концерт № 1.
Експресивна природа музичного обдарування Барбера - в основному романтична, лірична. Саме тому в період творчого становлення його не привернула ні одна з «систем», що виникли в музиці 20 ст. - Ні неокласицизм Стравінського, ні атоналізм, ні додекафонія Шенберга. Барбер зволів їм виражальні засоби 19 ст., І на цій основі рано зумів виробити технічно досконалий стиль, головними ознаками якого можна вважати об'єктивність і нейтральність.
Мабуть, тільки в одному творі Барбера - Кепрікорнском концерті (1944) - помітно прямий вплив художніх течій сучасності, а саме неокласицизму Стравінського. Неокласицизм надав стримуючий вплив на романтично насичений мова Барбера, і тенденція до економного поводження з виразними засобами і кульмінаціями стала характерною для всього зрілого творчості композитора.
Помер Барбер в Нью-Йорку 23 січня 1981.
4. Філіп Гласс (нар. 1937 р)
Філіп Гласс (Glass Phlipp) (р. 31 січня 1937, Балтімор, Меріленд) - американський композитор, піаніст. Один з основоположників музичного мінімалізму.
Почав грати на скрипці з 6 років, на флейті - з 8. Захоплювався, крім іншого музикою композиторів нової віденської школи, зокрема, А. фон Веберна. У 19 років вступив до Чиказького університету (математика і філософія), а пізніше почав навчання в Джульярдська музичній школі в Нью-Йорку. У цей час Гласс став відмовлятися від 12-тонової техніки і захопився творчістю таких композиторів, як А. Коупленд і У. Шуман.
У віці 23 років Гласс перебрався до Парижа і протягом 2 років займався у відомого педагога Наді Буланже. Під час перебування в Парижі до нього звернувся один кінорежисер з проханням транскрибувати музику відомого індійського композитора і сітаріста Раві Шанкара (Ravi Shankar), щоб її змогли читати французькі музиканти. У ході роботи Гласс подружився з Шанкаром (дружба і співпраця між ними триватимуть багато років), заразився неєвропейськими етнічними музичними концепціями і зробив декілька подорожей до Північної Африки, Індії і Гімалаї, досліджуючи місцеві музичні традиції. Після повернення до Нью-Йорк Гласс приступив до написання власної музики. У 1974 вийшла перша робота композитора під назвою «Music In 12 Parts». В основі композицій лежали циклічно повторюються прості теми, написані на диатонической «підкладці» і претерпевающие лише кількісні зміни. Це був період чистого мінімалізму у творчості Гласса.
У 1975 Гласс написав свій перший значний твір - мінімалістичний оперу «Einstein On The Beach». (Це перша з трьох опер Гласса, присвячених видатним особистостям, «історичним постатям, які своєю мудрістю й силою внутрішнього бачення міняють змінюють хід історії»; крім Ейнштейна, Гласс обрав М. К. Ганді та староєгипетського фараона Ехнатона.) Після виходу альбомів North Star (1977), Dances Nos. 1 & 2 (1979) і особливо Glassworks (1982) Гласс став відомий у всьому світі. Йому почали робити замовлення на написання творів (наприклад, опера «Satyagrakha» (1985) була замовлена Нідерландської оперою, а «Akhnaten» (1987) - Штутгартським оперним театром).
У 1983 почалася робота Гласса з написання музики до фільмів Годфрі Реджіо «Koyaanisquatsi» (1983), «Powaqquatsi» (1988) і «Naqoyquatsi» (2002), що оповідає про руйнівний і самоунічтожітельном характер сучасної цивілізації, про жахливу прірви, яка відділяє сучасної людини від природи та її одвічних законів. Талановита зачаровує музика напрочуд вдало гармоніювала з відеорядом, створюючи химерні і кілька лякаючі грандіозні полотна. У 1983 відомий англійський режисер П. Грінуей присвятив Гласс частину свого документального фільму «Чотири американських композитора», де музикант сусідив з Мередіт Монк (Meredith Monk), Джоном Кейджем (John Cage) та Робертом Ешлі (Robert Ashley).
Гласс справив значний вплив на ряд рок-виконавців - таких, як Роберт Фріпп (Robert Fripp), Брайан Іно (Brian Eno), Девід Боуї (David Bowie), Девід Бірн (David Byrn). Особливо вдало спадщина Гласса прижилося в арт-року. Не обійшлося і без зворотного впливу: в інструментальний арсенал Гласса давно і міцно увійшли синтезатори; безліч творів відрізняються чітко вираженим фатальним саундом. На запис свого альбому «Songs From Liquid Days» (1986) Гласс запросив таких відомих виконавців рок-музики, як Пол Саймон (Paul Simon), Девід Бірн, Лорі Андерсон (Laurie Anderson) і Сюзанна Вега (Susanne Vega). А в 1993 Гласс записав авторську обробку альбому Девіда Боуї «Low».
Філіп Гласс - людина-легенда, за життя отримав статус класика. До творінь Гласса можна ставитися по-різному: одні визнають за ним геніальність, інші помічають зайву патетику і монументальність звучання, але так чи інакше, його ім'я давно увійшло у всі музичні енциклопедії, його творчість - предмет численних досліджень. Концерти Гласса із захопленням приймаються критикою і публікою по всьому світу. Ім'я Гласса часто згадується в зв'язку з кінотрилогією «Кацці» / Qatsi режисера Годфрі Реджіо. Зв'язок не випадкова: над першим фільмом трилогії - легендарним «Кояніскацці» / Koyaanisqatsi Реджіо працював протягом семи років (з 1975 по 1982 рік), і велику частину цього часу - за безпосередньої участі Філіпа Гласса, який написав музику, без якої, ймовірно, картини б не вийшло зовсім. Наступні два фільми трилогії - «Повакацці» / Powaqqatsi (1988 рік) і «Накойкацці» / Naqoyqatsi (2001 рік) також стали спільними творіннями Гласса і Реджіо. «Зазвичай композитор пише музичні теми на замовлення режисера. Ми з Глассов співпрацюємо по-іншому », - сказав в інтерв'ю Годфрі Реджіо, -« Ми робили фільм разом, підтримуючи один одного і постійно радячись ».
5. Алан Хованесс (1911-2001)
Американський композитор вірменського походження Алан Хованесс відомий своєю плодовитістю: понад 500 творів, понад 60 симфоній, концерти, опери, квартети, сонати. Ще він був другом Джона Кейджа, був одним з перших західних композиторів, запрошених на фестиваль індійської музики, об'їздив світ, побував навіть в СРСР ... У 30-х роках Хованесс відвідав у Фінляндії свого кумира - Яна Сібеліуса, який став хрещеним батьком дочки молодого американця вірменського походження.
Про життя Алана Хованесса можна писати багато. Що ж з музикою? Чи відома вона? Ні, не дуже. Або зовсім невідома. Звичайно, в Америці його цінують, а в Єревані є центр Алана Хованесса. Так само варто відзначити, що музика Хованесса багатьма музикантами кілька упосліджене через її "легковажності". Заперечувати це важко, так само як і заперечувати, що все ж таки його музика оригінальна і пізнавана. Це музика, яка вільно дихає. Від цієї музики залишається враження відкритого простору, чистого повітря, моря і простору. Якщо Гласс - музика великих міст, то Хованесс - музика маленьких міст біля океану, якого-небудь острова Нантакет штату Массачусетс.
Порівняння Гласса і Хованесса невипадково - обидва американці, обидва діти емігрантів, обидва сприймаються багатьма музикантами як несерйозні композитори, композитори для музики до фільмів. Можливо, в чомусь це дійсно так, але ж це не скасовує їх щирості, їхнього стилю і їх музичного шарму.
Творчість Хованесса безпосередньо сформувалося під впливом Сібеліуса, Айвза та народної музики. Як і Айвза, Хованессу притаманні гимнические мелодії, викладені в такому великоваговому "органному" складі. Хорал. Але мелодія хоралу модальна, східна. Інша "складова" - імпровізаційність, наслідування грі на народних струнних інструментах. Взагалі, в його музиці можна почути наслідування народним інструментам. У Хованесса є твори для народних інструментів (16-а симфонія написана для корейських народних інструментах), а сам композитор грав на народних інструментах, в т. ч. на "китайському губном органі" - "шене".
Вже в 40-50-х Хованесс використовував кластери і вигляд "обмеженою алеаторики", названий їм "spirit murmur" ("ремствування духу"). Вже пізніше це буде називатися "обмеженої алеаторики", а цією технікою буде користуватися знаменитий Вітольд Лютославський. У Хованесса ж це тільки одна з складових, яка навряд чи продовжується протягом всього твору, а лише чергується (або одночасно) з модальними гімнами і мелодіями в народному дусі. Так само не уникав четвертітонов.
Хованесс багато подорожував, багатьом цікавився (особливо астрономією) і все це позначалося на його музиці. Можна погодитися, що це виходило трохи наївно, поверхово і полегшено, проте багато його твори випромінюють талант і свободу. Це справжній американський художник.
Алан Хованесс народився 8 березня 1911 року в Сомервіль, штат Массачусетс. При народженні і до 30-х він був Аланом Ованесом Чакмакджяном, але потім узяв прізвище Hovhaness. Батько Алана був вірменином, викладав хімію, мати - шотландського походження. У віці 4-х років маленький Алан Ованес робить спроби складати, а в 5 років імпровізує на органі. Тоді ж вони з сім'єю переїхали в Арлінгтон (у шт. Массачусетс).
Ще навчаючись у школі, Хованесс брав уроки гри на фортепіано у знаменитого німецького піаніста, учня Теодора Лешетицького, Гайнріха Гебхарда. З 14 років вирішив повністю присвятити себе композиції. Тоді ж створює 2 опери і відкриває для себе музику великого Комітаса. До юнацьких творів Алана з інтересом поставився Рождр Сешнс. Після закінчення школи стало ясно: треба вступати до консерваторії. У 1929 році Хованесс стає студентом консерваторії в Бостоні.
У 1935 році Хованесс з дружиною (з першою дружиною - Хованесс одружився 6 разів) здійснює паломництво до Фінляндії, щоб познайомитися з Яном Сібеліуса. Сібеліус стає хрещеним дочки Хованесса, а композитори стали друзями.
За словами Хованесса, на початку 40-х він спалив близько 500 творів, тому що вони не влаштовували ні його, ні Рождера Сешнса, який стежив за його творчістю. Хованесс став шукати свій шлях. Все ж варто зазначити, що вже у творах 30-х років (з тих, що збереглися) починає формуватися власний стиль. Твори тих років цілком сильні в технічному плані і не поступаються творам його американських ровесників.
У 1940 році Хованесс стає органістом Вірменської Апостольської церкви в місті Уотертаун (все в тому ж Массачусестсе), де пропрацював близько 10 років. У 1942 році відправляється на курси в Тенглвуд, але незабаром покинув їх, після того, як Бернстайн сказав про його симфонію: "Я не можу витримати цю дешеву музику". Це підштовхнуло Хованесса знову знищити деяку кількість творів.
У той час Хованесс починає серйозно вивчати вірменську культуру. Його підтримують Джон Кейдж і Лу Харрісон, але більшість американських композиторів вороже ставляться до його музики. У 1944 році одне з перших зрілих і цікавих творів - фортепіанний концерт "Lousadzak". Фортепіано тут використовується в основному одноголосно, унісонно. Матеріал імпровізаційний, схожий на гру на народному струнному інструменті. Нарешті, в 1948 році Хованесса приймають до викладацького складу Бостонської консерваторії, де в нього навчалися і джазові музиканти.
З 1951 року Алан Хованесс живе в Нью-Йорку. Тут він працює на радіо "Голос Америки", з успіхом виконує роботу для Бродвею. У 1955 році Леопольд Стоковський провів прем'єру 2 симфонії Хованесса, після чого композитор домагається визнання. Твори Хованесса починають записувати на платівки. У 50-60-х роках композитор багато подорожує по світу і вивчає музику різних країн і народів (Індія, Японія, СРСР тощо), живе то в Нью-Йорку, то в Люцерні (Швейцарія), то в Сіетлі, в якому він і жив до своєї смерті 21 червня 2001.
Список літератури
1. Історія зарубіжної музики. ХХ століття. М., 2007
2. Конен В., Шляхи американської музики. Нариси з історії музичної культури США, 2 изд., M., 1965.
3. Шнеєрсон Г., Нариси нової і новітньої історії музики США, т. 1, M., 1960, с. 531 - 41, т. 2, M., 1960, с. 539 - 51.