У 1863р. 14 кращих художників випускників Петербргской академії мистецтв, допущених до конкурсу на велику золоту медаль, зажадали від академічного начальства права совбодного вибору теми конкурсної картини відповідно до схильностей кожного. (А їм були задані один міфологічний і один класичний ландшафтний сюжети.) Отримавши відмову, "бунтарі" вийшли зі складу Академії і організували петербурзьку "Артіль художників". Це була перша організація незалежного нового мистецтва.
До 70-Мгод нові естетичні ідеї так заволоділи умами російських художників, що з'явилася потреба в об'єднанні художників-реалістів всій Росії, щоб цілеспрямовано проводити в життя дорогі всім принципи. Ідея Товариства пересувних виставок, запропонована Г. Г. Мясоєдовим, В. Г. Пєровим, М. М. Ге і І. М. Крамским, була гаряче схвалена художниками Москви і Петербурга.
Передвижники - художники, що входили в російське демократичне мистецьке об'єднання Toвapіщecтвo пepeдвіжниx xyдoжecтвeнниx виcтaвoк. (ТПХВ), створене в 1870р. з ініціативи В. Перова. Перша виставка відбулася у 1871р. Передвижники відчули вплив громадських і естетичних поглядів В. Бєлінського і М. Чернишевського. Велику роль у формуванні їх творчої програми зіграв критик В. Стасов. П. Третьяков матеріально підтримував передвижників, набуваючи їхні твори для своєї галереї. Передвижники були переконаними реалістами, а висунута ними програма народності мистецтва виражалася в зображенні типових сторін і багатогранних характерів соціального життя, часто з критичною тенденцією ("Земство обідає" Г. Мясоєдова, 1872р., "Зустріч ікони" К. Савицького, 1878г.). Передвижники показують не лише бідність, а й красу народного побуту ("Прихід чаклуна на селянську весілля" В. Максимова, 1875р.), Не тільки страждання, але і стійкість перед обличчям життєвих негараздів, мужність і силу характерів ("Бурлаки на Волзі" І . Рєпіна, 1873р.), багатство і велич рідної природи (пейзажі А. Саврасова, І. Шишкіна, І. Левітана), героїчні сторінки національної історії (картини В. Сурікова) і визвольного народного руху ("Арешт пропагандиста", 1892р.; "Відмова від сповіді", 1885р.; "Не чекали", 1888р., І. Рєпіна). Велике значення в їхній творчості набувають соціально побутової портрет ("Курсистка" М. Ярошенка, 1883р.), Пейзаж, а пізніше - історичний живопис, де головною дійовою особою виступає народ ("Ранок стрілецької страти" В. Сурикова, 1881р.). Образи російської народно-казкової фантазії оживають на полотнах В. Васнецова. Твори В. Сурикова, І. Рєпіна, М. Ге, В. Васнецова, І. Шишкіна,, І. Левітана, що представляють собою вершини передвижнического реалізму, відрізняються вільною, широкої манерою письма, передачею світло-повітряного середовища за допомогою рефлексів, кольорових тіней, свободою і різноманітністю композиційних рішень. Остання 48-а виставка ТПХВ відбулася в 1923р.
Перов Василь Григорович
Роки життя: 1834г. - 1882р.
Жанрист, портретист. Народився в Тобольську в родині юриста Г. К. Кріденера. Перов вважався незаконнонародженим, так як батьки були повінчані після його народження. Дитячі роки частково провів в Арзамасі, де займався в школі А. В. Ступіна (1846-1849, з перервами). У 1853 році вступив в московське Училище живопису та ліплення. Відчуваючи матеріальну потребу, зустрів підтримку викладача Є. Я. Васильєва. Вчителями Перова були М. І. Скотті, А. М. Мокрицький, С. К. Зарянко, однокашником та інше - І. М. Прянішніков.
Вже в ранній творчості Перов виступив як художник соціально-критичної спрямованості. У 1858 році Великий срібною медаллю відзначено його картина "Приїзд станового на слідство" (1857, ГТГ), потім Малу золоту медаль він отримав за картину "Перший чин. Син дяка, вироблений в колезькі реєстратори" (1860, місцезнаходження невідоме). Перші твори Перова мали великий успіх на виставках. До випускного конкурсу Перов хотів написати "Сільський хресний хід на Великодня", але ескіз не був затверджений. Продовжуючи працювати над цим сюжетом, Перов одночасно підготував картину "Проповідь на селі" (1861, ГТГ). Її критичний вміст було виражено не настільки прямо, і автор удостоївся Великої золотої медалі і права на закордонне відрядження. У 1862 році він виставив у Товаристві заохочення художників у Петербурзі "Сільський хресний хід на Великодня" (1861, ГТГ), але полотно було видалено з виставки з забороною зраджувати його популярності. Бездуховність церковних пастирів, темрява, невігластво і безвір'я народу - зміст цього твору, за силою викриття не знає собі рівних у попередній російського живопису. До цього часу художня мова Перова звільняється від учнівських кайданів, і можна говорити про новизну його виразних засобів. Різні елементи картини підкорилися завданню реалістичного відображення наблюденной і глибоко осмисленої життєвої ситуації.
У 1862 році було завершено "Чаювання в Митищах поблизу Москви" (ГТГ) - ще один яскравий зразок критичного реалізма2. Виїхавши за кордон, художник влаштувався в Парижі. Тут написані "Паризькі ганчірником" (1864, ДРМ), "Шарманщик" (1863, ГТГ), "Савояр" (1864, ГТГ, повторення - КМРІ), "Продавець Піснярів" (ескізи - ГТГ і Музей ТАССР). Однак, "не знаючи ні народу, ні його способу життя, ні характеру", Перов не бачив для себе користі працювати у Франції і просив дозволу достроково повернутися на батьківщину. Він отримав дозвіл продовжити пенсіонерський термін в Росії і в 1864 році ріехал до Москви. Творчість Перова другої половини 1860-х років різноманітно за тематикою. Як і раніше укладаючи в собі соціально-блічітельное зміст, воно набуло і виразні ліричні ноти. У цей період написано багато видатні твори художника: "Проводи покійника" ("Похорон селянина", 1865, ГТГ), "Приїзд гувернантки в купецький дім", "Трійка" (обидві 1866, ГТГ), "Утоплена" (1867, ГТГ) , "Останній шинок у застави" (1868, ГТГ).
Зрілий майстер побутового жанру і глибокий психолог, Перов виступає в ряді випадків і як тонкий пейзажист і як автор видатних портретів - О.М. Островського (1871, ГТГ), Ф. М. Достоєвського (1872, ГТГ) та ін На рубежі 1860-1870-х років Перов став одним з ініціаторів і активних діячів Товариства пересувних художніх виставок. З 1871 року до кінця життя він викладав в московському Училище живопису та ліплення. У 1870-і роки побутової жанр Перова придбав новий напрямок. Тепер художника особливо приваблювали соціальні та психологічні типи людей ("Мандрівник", 1870, ГТГ, "Птахолов", 1870, ГТГ, "Мисливці на привалі", 1871, ГТГ, повторення 1877 - ГРМ). У 1876 році була закінчена також картина "Монастирська трапеза", розпочата ще в 1860-і роки. Кілька років художник працював над історичним полотном "Суд Пугачова" (1879, ГРМ, варіант 1875-ГИМ, ескізи - ГТГ). Внесок Перова в мистецтво середини XIX століття надзвичайно вагою. У його творах яскраво проявилися особливості російського критичного реалізму цієї пори.
Олексій Кіндратович Саврасов
(1830-1897)
Олексій Кіндратович Саврасов (1830-1897) - чудовий російський художник-пейзажист, один із членів-засновників Товариства передвижників, народився в Москві.
Олексій Кіндратович Саврасов народився 24 травня 1830 року в родині московського купця третьої гільдії.
У ранній юності у майбутнього художника виявляються неабиякі здібності до живопису. Всупереч бажанню батька, який мріяв "пристосувати сина до комерційних справ", Саврасов в 1844 році вступає до Московського училища живопису та ліплення. У 1848 році в звітах Ради Московського художнього товариства згадується про успіхи кращого учня перспективного і пейзажного класу А. К. Саврасова, яким керує відомий московський "відопісец" К. І. Рабус.
На кошти І. В. Лихачова, мецената, члена Ради Московського художнього товариства, Саврасов в числі учнів влітку 1849 року їде на південь Росії і пише види Одеси та Малоросії. За програмні роботи цього року художника нагороджують похвальним листом, а 25 вересня 1850 року він кінчає Училище і отримує звання некласного художника за картини "Вид Московського Кремля при місяці" і "Камінь у маленького струмка".
Перші пейзажі Саврасова безпосередньо пов'язані з традиціями академічної школи. В академічній пейзажного живопису 40-50-х років переважало романтичне спрямування, до нього був близький і вчитель Саврасова. У юнацьких творах Саврасова - "Вид Москви з Воробйових гір" (1848, ГТГ), "Вид Кремля у негоду" (1851, ГТГ) - позначилося зовнішній вплив романтизму. Однак пейзажі Саврасова відрізнялися живими спостереженнями, щирістю почуттів.
Влітку 1854года художник працює у Фінської затоки під Петербургом. На осінній виставці в Академії мистецтв (6 жовтня 1854 р.) привернули увагу дві його картини: "Вигляд навколо Оранієнбаума" і "Морський берег в околицях Оранієнбаума", за які художникові присвоюється звання академіка.
У Москві Саврасов знову бере участь у виставках Училища живопису і скульптури, а після смерті свого вчителя в 1857году стає керівником пейзажного класу. Викладання йде успішно, Саврасова оточують люблячі друзі та учні.
У тому ж році він одружується з Софією Карлівні Герц, сестрі відомого археолога та історика мистецтва. У їхньому будинку збираються художники, діячі мистецтва, меценати (в тому числі і П. М. Третьяков), читаються літературні новинки, ведуться жваві бесіди, суперечки з питань, яке хвилювало в той час російське суспільство.
Особливо міцно був А. К. Саврасов з В. Г. Пєровим, ініціатором створення Товариства пересувних виставок. В. Г. Перов допомагав художникові писати постаті бурлак в картині "Волга під Юрьевцем", Саврасовим ж написаний пейзаж у картинах Перова "Птахолов" і "Мисливці на привалі".
Для російського мистецтва 60-ті роки минулого століття були часом затвердження національного характеру російського пейзажу. Все частіше пейзажисти звертаються до зображення переважно сільської середньо смуги, прагнуть правдиво передати красу рідної землі.
Багато працює Саврасов в околицях Москви: "Вигляд у селі Кунцево" (1855, ГТГ), "Вечірній пейзаж" (1861, Держ. Художній музей Латвійської РСР), "Сільський вигляд" (1867, ГТГ).
Навесні 1862года за пропозицією Товариства любителів мистецтв А. К. Саврасов виїхав за кордон, відвідав Всесвітню художню виставку в Лондоні, побував у Копенгагені, Берліні, Дрездені, Лейпцігу, Парижі, Мюнхені, прожив два місяці в гірській Швейцарії. Англійські і німецькі майстри привернули увагу художника "прагненням до правди і самостійності".
Найбільш значним твором Саврасова 60-х років була картина "Лосиний острів" (1869, ГТГ), удостоєна першої премії на конкурсі Московського Товариства любителів мистецтв. Відзначаючи цю удачу, один із сучасників писав про вміння художника "поетично пе-ренесть на полотно знайомий кожному з нас клаптик природи з околиць Москви". Величний і урочистий сосновий бір варто, як вартовий розкинулись далей.Ясний річний день.На луках мирно пасеться стадо. Ретельно розроблена в пейзажі кожна деталь: кущі, дерева, трава на галявині. Тут художник розкриває значущість звичайного і повсякденного в природі. Картина "Лосиний острів" відноситься до часу розквіту творчості художника. Наступні роки ознаменовані створенням кращих його творів. У грудні 1870 А. К. Саврасов разом з дружиною їде на Волгу. Він живе в Ярославлі, під Костромою, в Нижньому Новгороді, Юр'євці. Картина "Печерський монастир під Нижнім Новгородом" (1871, Горьковський держ. Художній музей) - одне із самих великих полотен художника і перший з відомих його волзьких пейзажів. Саврасов покірний величавої урочистістю, неосяжними просторами волзької природи, її органічним зв'язком з життям людини, з життям російського народу.
У широку панораму пейзажу природно вписані будинку слобідки з садами, зеленіючі луки, сині лагуни, піщані обмілини, і над усім - що підноситься білокам'яний монастир. Природа і людина в картині єдині.
"Тихе життя в Ярославлі дозволяє мені зосереджено займатися мистецтвом", - пише художник П. М. Третьякову. Одна за одною з'являються картини "Волга під Юрьевцем" (1871, місцезнаходження невідоме), "Розлив Волги під Ярославлем" (1871, ГРМ) і, нарешті, "Граки прилетіли" (1871, ГТГ), що з'явилася на Першій пересувній виставці, захоплено прийнята усіма.
"Пейзаж" Граки прилетіли "є найкращий, і він, дійсно прекрасний, хоча тут і Боголюбов, і барон Клодт, і І.І. (Шішкін. - О. І.). Але все це - дерева, вода і навіть повітря, а душа є тільки в "Грачах" ", - писав І. М. Крамськой Ф. А. Васильєву. Появі картини передували етюди з натури, написані художником в Ярославлі і в селі Молвітіново поблизу Костроми.
Неяскравий і тонкий колорит, побудований на м'яких поєднаннях сірих, коричневих, білих і блакитних тонів, передає перламутрову ніжність весняних фарб. У північній природі після довгої зими пробудження настає повільно. Сніг довго лежить на полях, клякнуть на вітрі дерева, і раптом всі наповнюється легким трепетом життя, радісним гомоном птахів. Білокорих берізки тонкими гілками спрямовуються до легких хмар, голубеющему неба, під теплим подихом вітру рожевіють і набухають бруньки, галасливі граки в'ють гнізда. Повітря весняний, легкий, прозорий і ясно видно висока кам'яна церква з шатровим дзвіницею і широкі простори полів з річкою далеко.
"Яка простота! - Писав І. І. Левітан. - Але за цією простотою ви відчуваєте м'яку, гарну душу художника, якому все це дорого і близько його серцю". Ніхто до Саврасова не міг так глибоко й поетично розкрити красу і ліричність російського пейзажу. Картина "Граки прилетіли" сприяла успіху Першої пересувної виставки. З тих пір Саврасов міцно зв'язав свою творчу діяльність із Товариством пересувних виставок.
Багато творів художника, які з'являлися на виставках передвижників, були написані в Поволжі. Саврасов бував під Нижнім Новгородом і під Казанню, але найбільше любив місця між Ярославлем і Костромою. Його картини різноманітні з передачі стану природи, діапазону почуттів. У пейзажі "Розлив Волги під Ярославлем" (1871, ГРМ) спокійна міць російської природи, "розливи річок, подібні морів".
В одних творах природа постає оновленої, радісної - "Путівець" (1873, ГТГ), "Веселка" (1875, ДРМ), в інших - схвильованої, поетично піднесеною - "Вечір. Переліт птахів" (1874, Одеська картинна галерея).
У 70-і роки в творах Саврасова все більше відчувається смуток, тривога, а то й гостра туга: "Місячна ніч. Болото" (1870, ГТГ), "Захід сонця над болотом" (1871, ГРМ).
Під враженням особистої трагедії (смерть дочки в 1871р.) Саврасов створює одне з найдраматичніших своїх полотен "Могили над Волгою" (1874, приватне зібрання).
В кінці 70-х років художник тяжко захворює, у творчості його помітні риси занепаду. Але і в пізній період з'являються справді поетичні твори, і серед них - "Жито" (1881, ГТГ), "Зимовий пейзаж" (приватне зібрання), "Північна село", "Весна. Городи" (1883, Пермська держ. Художня галерея ).
Нелегкими виявилися для художника останні десятиліття. Відомі прохання Саврасова про грошові позики, про казенної квартирі: ці роки А. К. Саврасов провів найбільш потребуючим і помер 26 вересня 1897 року в Москві.
Його учень І. І. Левітан писав: "Не стало одного з найглибших російських пейзажистів, з Саврасова з'явилася лірика в живописі пейзажу і безмежна любов до своєї рідної землі. Так, покійний Саврасов створив російський пейзаж, і ця його безсумнівна заслуга ніколи не буде забута в області російського мистецтва ".
Васильєв Федір Олександрович
(1850-1873)
Васильєв (Федір Олександрович) - пейзажист. Народився 19 лютого 1850 року, помер 8 вересня 1873 року. Васильєв був син дрібного почтамтского чиновника в Петербурзі; вже дванадцятирічним дитиною він він був відданий на службу в голов. поштамт, де отримував 3 рубля платні на місяць. Він з ранніх пір пристрастився до малювання і, повертаючись додому з поштамту, займався малюванням.
Молодий Васильєв незабаром залишив службу і вступив до рисувальну школу Товариства заохочення мистецтв, а дещо пізніше став користуватися порадами І.І. Шишкіна. У 1867 році Васильєв написав на Валаамі кілька етюдів з натури, які були виставлені у Товаристві заохочення мистецтв. У 1870 році Васильєв разом з панами Рєпіним і Макаровим почав поїздку по Волзі і написав картини: "Відлига", "Вид на Волзі" і Зимовий пейзаж ", які доставили йому популярність. Взимку 1870 року Васильєв сильно застудився і у нього виявилася сухоти. За пропозицією графа Строганова він провів літо 1871 року в маєтках його в Харківській і Воронезькій губерніях, а й здоров'я свого не поправив. Товариство заохочення мистецтв дало йому кошти їхати до Криму, ще до від'їзду Васильєв був зарахований вольноопределяющихся учнем Академії Мистецтв і отримав звання художника I-го ступеня з умовою витримати іспит з наукового курсу. У Криму Васильєв провів два роки, і крім безлічі малюнків, написав дві картини: "Болото" і "Кримський вигляд", за які йому була присуджена премія від Товариства заохочення мистецтв у 1872 році. У наступному році він отримав звання почесного вольного общники Академії, а у вересні він помер у місті Ялті. Все, що залишилися після нього твори, більшою частиною незакінчені, були розкуплені. З альбомів його два були придбані покійної імператрицею Марією Олександрівною і два знаходяться в бібліотеці Академії Мистецтв. З творів Васильєва найчудовіші наступні: "Наближення грози", "Полудень", "Болото", "Вид на Волзі", "Перед грозою", "Зимовий пейзаж", "Морський берег", "Відлига", "Зима," Мокрий луг ".
Васильєв - один із найталановитіших російських пейзажистів; картини його відзначаються поетичністю і досконалою гармонією у фарбах. Васильєв помер від сухот, ознаки якої з'явилися після застуди, схопленої ним наприкінці зими 1870 - 71 років. Останні роки його існування були затьмарені безуспішність клопоту про документи, які визначили б його суспільне становище (Васильєв був незаконнонароджений). Листи Васильєва до І.М. Крамскому, надруковані у "Віснику Образотворчих Мистецтв" (1889 - 1890 роки), висвітлюють цей період життя Васильєва, його характер і погляди на мистецтво. В. Чуйко.
ІВАН ІВАНОВИЧ ШИШКІН
(1832-1898)
У скарбниці російського мистецтва Івану Івановичу Шишкіну належить одне з найпочесніших місць. З його ім'ям пов'язана історія вітчизняного пейзажу другої половини XIX століття. Твори видатного майстра, кращі з яких стали класикою національного живопису, знайшли величезну популярність.
Серед майстрів старшого покоління І. І. Шишкін представляв своїм мистецтвом явище виняткове, якого не знали в області пейзажного живопису попередні епохи. Подібно багатьом російським митцям, він від природи мав величезним талантом самородка. Ніхто до Шишкіна з такою приголомшливою відвертістю і з такою щирою потаємність не повідав глядачеві про свою любов до рідного краю, до непомітною принади північної природи.
Шишкін народився 13 (25) січня 1832 року у Єлабузі - маленькому провінційному містечку, розташованому на високому березі Ками, в краю суворому і величному. Вразливий, допитливий, обдарований хлопчик знайшов незамінного одного в свого батька. Небагатий купець, І. В. Шишкін був людиною різнобічних знань. Його захоплювала техніка, він займався археологією, історією, прагнув в усі починання внести щось своє, нове і корисне. Інтерес до старовини, природи, до читання книжок він прищеплював і синові, заохочуючи в хлопчика любов до малювання, пробудившуюся дуже рано.
У 1848 році, проявивши відому самостійність і не закінчивши казанської гімназії ("щоб не стати чиновником", як Шишкін пояснював пізніше), юнак повернувся в отчий будинок, де нудився протягом наступних чотирьох років, внутрішньо протестуючи проти обмежених інтересів переважної більшості оточуючих його обивателів і не знаходячи ще можливості визначити подальший творчий шлях.
До систематичних занять у московському Училище живопису і скульптури Шишкін приступив лише в двадцятирічному віці, насилу подолавши патріархальні устої сім'ї, противившейся (за винятком батька) його бажанням стати художником.
У серпні 1852 року він був включений в список учнів, які у Московське Училище живопису і скульптури, де до січня 1856 навчався під керівництвом Аполлона Мокрицького.
В училищі відразу визначилося потяг Шишкіна до пейзажу. "Пейзажист - справжній художник, він відчуває глибше, чистіше", - записав він дещо пізніше у щоденнику. "Природа завжди нова ... і завжди готова дарувати невичерпним запасом своїх дарів, що ми називаємо життя. Що може бути краще природи ..."
Багатство і різноманітність рослинних форм захоплює Шишкіна. Невідривно вивчаючи натуру, в якій все йому здавалося цікавим, чи то старий пень, корч, сухе дерево. Художник постійно малював у підмосковному лісі - у Сокільниках, вивчаючи форму рослин, проникаючи в анатомію природи і роблячи це з величезним захопленням. Наблизитися до природи було його головною метою вже в ту пору. Поряд з рослинністю, він старанно зображував вози, сараї, човна або, наприклад, що йде селянку з торбинкою за спиною. Малюнок з самого початку став для нього найважливішим засобом вивчення натури.
Серед ранніх графічних робіт Шишкіна цікавий лист, виконаний в 1853 році, з двадцятьма дев'ятьма пейзажними начерками, більшість яких окреслено. Шишкін явно шукає мотиви, гідні картини. Проте всі його начерки гранично прості - сосна біля води, кущ на болотистій рівнині, берег річки. І в цьому вже виявляється своєрідність художника. Його племінниця А. Т. Комарова розповідала згодом: "Мало-помалу вся школа дізналася, що Шишкін малює такі види, які ще ніхто до нього не малював: просто поле, ліс, річка, а в нього вони виходять так красиво, як і швейцарські види ".
Набутий Державним Російським музеєм ще досить боязкий по виконанню, явно учнівський етюд "Сосна на скелі", датований квітнем 1855 року, - єдина дійшла до нас пейзажна натурна робота олійними фарбами, що відноситься до часу навчання Івана Шишкіна в училищі. По ній видно, що олівець тоді підкорявся йому краще, ніж фарби.
До часу закінчення в самому початку 1856 року училища творчі інтереси Шишкіна, виділяється серед своїх товаришів видатним талантом, помітно визначилися. Як пейзажист він вже придбав деякі професійні навички. Але художник прагнув до подальшого вдосконалення і в січні 1856 року відправився до Петербургу, щоб вступити до Академії мистецтв. З цих пір творча біографія Шишкіна тісно пов'язана зі столицею, де він прожив до кінця своїх днів.
Про графічному майстерності Шишкіна можна судити по малюнку "Дубки під Сестрорецк" (1857). Поряд з притаманними цій великий "мальованої картині" елементами зовнішньої романтизації образу, в ній є і відчуття натурного зображення. У творі видно прагнення художника до пластичного трактування природних форм, хороша професійна виучка.
Шишкін в період навчання в Академії мистецтв менш виявляв симптоми наслідувальності, але деякі впливу торкнулися і його. Це стосується насамперед творчості надзвичайно популярного свого часу швейцарського пейзажиста А. Калама, художника неглибокого, але з любов'ю вивчав альпійську природу, який умів її зовні опоетизувати. Копії з робіт Калама були обов'язкові у навчальній практиці не тільки Академії, а й московського училища. Оцінюючи вплив А. Калама на манеру письма молодого художника А. Мокрицький пише до Шишкіну до Петербурга 26 березня 1860 пише: "Я пам'ятаю. Ви говорили мені, що в способі і манері малювання малюнки Ваші нагадують Калама - я не бачу; в манері Вашої є щось своє ... Це показує, що немає потреби у наслідуванні манері того чи іншого майстра. Манер є сама зовнішня сторона твори мистецтва і тісно пов'язаний з особистістю художника-автора і способом і ступенем його розуміння предмета і володіння технікою мистецтва. У цьому відношенні важливо тільки одне, щоб художник підглянув, так би мовити, цей манер в самій натурі, а не засвоїв його собі несвідомо ".
Твори молодого Шишкіна, створені в роки навчання в Академії, відзначені романтичними рисами, проте то було радше даниною панівної традиції. У нього все виразніше проступала тверезе, спокійно-вдумливе ставлення до природи. Він підходив до неї не тільки як художник, захоплений красою, але і як дослідник, що вивчає її форми.
Справжньою школою для Шишкіна став Валаам, який був місцем річної роботи на натурі академічним учням-пейзажистам. Шишкін був захоплений дикої, незайманою природою мальовничого і суворого архіпелагу Валаамских островів з його гранітними скелями, віковими соснами та ялинами. Вже перші проведені тут місяці з'явилися для нього серйозною практикою в натурної роботі, яка сприяла закріпленню та вдосконаленню професійних знань, більшого розуміння життя природи в різноманітті та взаємозв'язку рослинних форм.
У самій натурі, Шишкін шукає такі мотиви, які дозволили б розкрити її в об'єктивній значущості, і намагається відтворити їх на рівні картинної завершеності, про що з усією наочністю можна судити по іншому етюду тієї ж серії - "Вид на острові Валаамі" (1858) . Умовність і деяка декоративність колірного рішення сусідять тут з ретельним опрацюванням деталей, з тим пильним вдивляння в натуру, яке стане відмінною рисою всього подальшого творчості майстра. Художник захоплений не тільки красою відкрився перед ним виду, а й розмаїттям природних форм. Їх він прагнув передати якомога конкретніше. Цей сухуватий з живопису, але свідчить про хороше володінні малюнком етюд ліг в основу конкурсної картини Шишкіна "Вид на острові Валаамі. Місцевість Кукко", що демонструвалася на академічній виставці 1860 року і відзначеної Великої золотої медалі. Вона знаходилася раніше в США, а в 1986 році опинилася на аукціоні в Лондоні. Доля її в даний час невідома.
Закінчивши Академію з Великою золотою медаллю в 1860 році, Шишкін отримує право на поїздку за кордон в якості пенсіонера.
Його шлях до стильової особливості своєї творчості був далеко не простим, оскільки у формуванні його як пейзажиста ще позначалася міцний зв'язок з Академією і її естетичними принципами. Зовні вона продовжувала зберігатися і після повернення Шишкіна з-за кордону, куди він виїхав в 1862 році як пенсіонер Академії. Проявляючись головним чином в його успішних виступах на академічній виставці 1865 з картиною "Вигляд навколо Дюсельдорфа" (Державний Російський музей) і пізніше, в 1867 році, з тією ж роботою на Паризькій Всесвітній виставці, а через рік знову на академічній виставці, Шишкін зовні виявляється на увазі академічного начальства і навіть нагороджується орденом Станіслава III ступеня.
Але майстерність, накопичене в Академії і за кордоном, мало орієнтувало художника на вибір подальшого власного шляху, вибір тим більш відповідальний для Шишкіна і його самобутнього таланту не тільки перед самим собою, але і найближчими товаришами, відчували в ньому пейзажиста, що йде по новій дорозі. Зближення з членами Артілі і особливо з І. М. Крамским також могло благотворно позначатися на назрілих пошуках творчої перебудови.
У 1867 році художник знову відправився на легендарний Валаам. На Валаам Шишкін поїхав спільно з сімнадцятирічним Федором Васильєвим, якого опікувався і навчав живопису.
Епопея російського лісу, неминучою та суттєвої приналежності російської природи, почалася у творчості Шишкіна, по суті, з картини "Рубання лісу" (1867).
Для визначення "особи" пейзажу Шишкін віддав перевагу хвойний ліс, найбільш характерний для північних областей Росії. Шишкін прагнув до зображення лісу "вченим чином", щоб вгадувалася порода дерев. Але в цій, здавалося б, протокольної фіксації містилася своя поезія нескінченного своєрідності життя дерева. У "Рубання лісу" це видно по пружною округлості спиляної їли, яка здається стрункої античної колоною, сокрушенной варварами. Стрункі сосни в лівій частині картини тактовно пофарбовані світлом згасаючого дня. Улюблений художником предметний план з папороттю, соковитою травою, сиру, розірваної кореневищами, звіром на передньому плані і мухомором, що контрастує з урочистим і гучним лісом, - все це вселяє почуття захвату красою матеріального життя природи, енергією проростання лісу. Композиційна побудова картини позбавлене статичності - вертикалі лісу перетинаються, розрізають по діагоналі струмком, поваленими смереками і зростаючими "вроздрай" нахиленими осиками і березами.
Влітку 1868 року Шишкін поїхав на батьківщину, в Єлабугу, щоб отримати благословення батька на вінчання з Євгенією Олександрівною Васильєвої, сестрою художника.
У вересні того ж року Шишкін представив в Академію мистецтв два пейзажі, сподіваючись отримати звання професора. Замість цього художник був представлений до ордена, ніж, видно, був роздратований.
Тема російського лісу після Рубки лісу тривала і не висихала до кінця життя художника. Влітку 1869 року Шишкін працював над кількома картинами, готуючись до академічної виставці. Картина "Полудень. Довкола Москви" вибивалася із загального ладу. У вересні-жовтні 1869 року вона експонувалася на академічній виставці і, мабуть, не була придбана. Тому Павло Третьяков у листі до художника просив його залишити картину за ним. Шишкін з вдячністю погодився віддати її в колекцію за 300 карбованців - суму, запропоновану Третьяковим.
У картині "Полудень. Довкола Москви" прозвучала тема, яка охопила не лише творчість Шишкіна, а й значну частину російської пейзажної живопису. Тема подяки, сприйняття життя як блага, що має неявний християнський джерело. Ідея блага стала однією з центральних проблем філософії і мистецтва другої половини XIX століття. Про нього говорили і Михайло Бакунін ("... немає зла, все-благо. Для релігійної людини ... все добро і чудово ... "
Починаючи з 1-ї Пересувний виставки, протягом всіх двадцяти п'яти років Шишкін брав участь на виставках своїми карти
Архип Іванович Куїнджі
(1842-1910)
Архип Іванович Куїнджі народився в 1842 році на околиці Маріуполя в сім'ї грека, бідного шевця. Прізвище Куїнджі була дана йому на прізвисько діда, що по-татарськи означає "золотих справ майстер". Рано осиротів і хлопчик жив у родичів, працював у чужих людей: був слугою у хліботоргівців, служив у підрядника, працював ретушером у фотографа.
Основи грамоти Куїнджі отримав від знайомого вчителя грека, а потім займався в міській школі. Любов до малювання виявилася в нього в дитинстві, він малював скрізь, де доводилося, - на стінах будинків, парканах, клаптиках паперу. Пристрасть до малювання привела його до Феодосії до І.К. Айвазовського. Пробувши кілька місяців у знаменитого художника, Куїнджі їде до Петербурга з мрією поступити в Академію мистецтв. Але не відразу йому вдалося стати учнем Академії: слабкою виявилася художня підготовка. Він двічі складав іспити і обидва рази безрезультатно. Але: гго не могло зупинити наполегливого і наполегливого юнака. У 1868 році на академічну виставку він представив картину "Татарська сакля", за яку отримав звання некласного художника. У цьому ж році його прийняли вільним слухачем в Академію. Куїнджі занурився в атмосферу художнього життя. Він дружить з І. Є. Рєпіним і В. М. Васнєцовим, знайомиться з І. М. Крамским - ідеологом передових російських художників. Ліричність пейзажів Саврасова, поетичне сприйняття природи в картинах Васильєва, епічність полотен Шишкіна - все відкривається перед уважним поглядом молодого художника.
Куїнджі починає шукати самостійні шляхи в мистецтві. Створена ним у 1872 році картина "Осіння бездоріжжя" (ГРМ) своєю реалістичною спрямованістю була близька картинам художників-передвижників. Куїнджі не просто передав осінній холодний день, розмиту дорогу з тьмяно поблискуючими калюжами - він ввів в пейзаж самотню постать жінки з дитиною, яка насилу йде по бруду. Осінній пейзаж, пронизаний вогкістю і млою, стає сумним розповіддю про простих російських людей, про тужливої безрадісної життя.
Літо 1872 Куїнджі провів на Ладозькому озері, на острові Валаам. У результаті з'явилися картини: "Ладозьке озеро" (1872, ДРМ), "На острові Валаам" (1873, ГТГ). Повільно, спокійно веде митець у своїх картинах розповідь про природу острова, з його гранітними берегами, омиваються протоками, з темними густими лісами, деревами, що впали. Цю картину можна зіставити з билинним епосом, мальовничим сказанням про могутню північній стороні. Сріблясто-блакитний тон картини повідомляв їй особливу емоційну піднесеність. Після виставки 1873 року, на якій цей твір було показано, про Куїнджі заговорили в пресі, відзначаючи його самобутній і великий талант.
У 1874 році Куїнджі пише картину "Забута село" (ГТГ), яка за гостротою соціального звучання, нещадної правді показу пореформеної російського села перегукувалася з картинами передвижників. У наступному році Куїнджі виставив три картини: "Чумацький тракт у Маріуполі" (ГТГ), "Степ у цвіту" і "Степ ввечері" (місцезнаходження невідоме). У картині "Чумацький тракт" художник зобразив нескінченний потік обозів, що повільно рухаються в похмурий день по осіннього степу. Відчуття холоду, вогкості посилюється колористичним рішенням полотна.
Зовсім інші за настроєм "Степ ввечері" і "Степ в цвіту". Художник стверджував у них красу природи, захоплювався цілющою силою сонячного тепла. З цих робіт, по суті, починається новий етап творчості цілком сформованого художника. Прагнучи розширити знання, Куїнджі робить закордонну поїздку. Перебування за кордоном, знайомство з мистецтвом Англії, Франції, Бельгії, Німеччини збагатило художника яскравими враженнями і разом з тим зміцнило упевненість у власних силах, у вірності обраного шляху. У 1876 році на П'яту пересувну виставку Куїнджі представив "Українську ніч" (ГТГ).
З величезною поетичною силою відкрилася дивовижна краса української ночі ... На березі невеличкої річечки примостилися осяяні місячним сяйвом українські хатки. Вгору кинулися тополі. Тиша, спокій розлиті в природі. На синьому, як з оксамиту, небі мерехтять яскраві зірки. Для того, щоб так природно і виразно передати місячне сяйво, мерехтіння зірок, художнику знадобилося вирішувати найскладніші живописні завдання. У картині все побудовано на віртуозною розробці тональних відносин, на багатстві колірних поєднань. У 1878 році "Українська ніч" була показана на Всесвітній виставці в Парижі. "Куїнджі, - писала французька критика, - безперечно найцікавіший між молодими російськими живописцями. Оригінальна національність відчувається у нього ще більше, ніж в інших".
У 1879 році художник пише три пейзажу: "Північ", "Після грози", "Березовий гай" (все в ГТГ). Різні за мотивами, вони об'єднані великим поетичним почуттям. Картина "Північ" продовжувала серію північних пейзажів, розпочатих "Ладозьким озером". У ній Куїнджі відійшов від зображення певного куточка природи. Його полотно - узагальнений поетичний образ Півночі, створений уявою художника підсумок роздумів, міркувань про величну і суворій природі. Картина "Північ" завершувала трилогію, задуману ще в 1872 році, і була останньою з цієї серії. На довгі роки потім Куїнджі віддає свої талант оспівуванню природи південної і середньої смуги Росії. Повний життя, руху, відчуття свіжості обмитої дощем природи пейзаж "Після грози". Але найбільший успіх на виставці випав на долю картини "Березовий гай". Натовпи людей годинами простоювали у цього полотна. Здавалося, ніби саме сонце проникло в приміщення виставкового залу, висвітлюючи зелену галявину, граючи на білих стовбурах беріз, на гілках могутніх дерев. Працюючи над картиною, Куїнджі шукав насамперед найбільш виразну композицію. Від ескізу до ескізу уточнювалися розташування дерев, розміри галявини. В остаточному варіанті немає нічого випадкового, "списаного" з натури. Передній план занурений в тінь - так підкреслюється звучність, насиченість сонцем зеленої галявини. Художник зумів, уникнувши театральності, створити декоративну картину в кращому розумінні цього слова. Куїнджі з величезним натхненням оспівує в ній красу і поезію природи, сліпучу яскравість сонячних променів, що несуть радість людям.
У 1880 році в Петербурзі на Великій Морській (нині вул. Герцена) було відкрито надзвичайна виставка: демонструвалася одна картина - "Місячна ніч на Дніпрі" (ГРМ). Вона викликала бурю захоплення. Біля входу на виставку стояла величезна черга.
Майстерність Куїнджі в передачі місячного світла - результат величезної роботи художника, тривалих пошуків. Його майстерня була лабораторією дослідника. Він багато експериментував, вивчав закони дії додаткових квітів, відшукуючи вірний тон, звіряв його з колірними відносинами в самій природі. Завзятим, наполегливою працею досягав Куїнджі віртуозного володіння кольором, тієї композиційної простоти, які відрізняють його найкращі роботи.
У 1881 році художник створив картину "Дніпро вранці" (ГТГ). У ній немає гри світла, яскравою декоративності, вона привертає спокійній величавістю, внутрішньою міццю, могутньою силою природи. Дивно тонке поєднання чистих золотисто-рожевих, бузкових, сріблястих і зеленувато-сірих тонів дозволяє передати чарівність квітучих трав, нескінченних далей, раннього степового ранку. Виставка 1882 була останньою для художника. Настали довгі роки мовчання. Друзі не розуміли причин, хвилювалися. Куїнджі ж сам пояснював так: "... Художнику треба виступати на виставках, поки у нього, як у співака, голос є. А як тільки голос спаде треба йти, не показуватися, щоб не осміяли. Ось я став Архипом Івановичем, всім відомим , ну це добре, а потім побачив, що більше так не зумію зробити, що голос ніби став спадати. Ну от і скажуть: був Куїнджі, і не стало Куїнджі! Так от я ж не хочу так, а щоб назавжди залишився один Куїнджі ".
У порівнянні з десятиліттям активної участі на виставках, за решту тридцять років Куїнджі зробив порівняно небагато. За спогадами друзів художника, на початку 1900-х років Куїнджі запросив їх до себе в майстерню і показав картини "Вечір на Україні", "Христос у Гетсиманському саду", "Дніпро" і "Березовий гай", якими вони були захоплені. Але Куїнджі був незадоволений цими роботами і на виставку їх не представив.
"Нічне" - одне з останніх творів змушує згадати найкращі картини Куїнджі часу розквіту його таланту. У ньому також відчувається поетичне ставлення до природи, прагнення оспівати її величну і урочисту красу.
У 1897 році за участь у студентському страйку Куїнджі був укладений на два дні під домашній арешт і усунений від професорства. Але не займатися з учнями художник не міг. Він продовжував давати приватні уроки, допомагав готувати конкурсні роботи.
11 липня 1910 Архип Іванович Куїнджі помер.
Своїм щирим і натхненним творчістю він прославив російське мистецтво і вніс цінний внесок в його скарбницю.
ІСААК ІЛЛІЧ ЛЕВИТАН
(1960-1900)
Народився Ісаак Ілліч Левітан в серпні 1860 року в невеличкому литовському містечку Кібартай. Майже немає відомостей про дитинство митця. Він ніколи не згадував про своє минуле, а незадовго до смерті знищив свій архів, листи рідних і близьких. У його паперах знайшли пачку листів, на яких рукою Левітана було написано: "Спалити, не читаючи". Воля померлого була виконана. Але спогади людей, близько, знали Левітана, дають можливість відновити основні факти біографії художника.
Батько Левітана був дрібним службовцем. Оселившись з родиною в Москві, він прагнув дати синам гарну освіту. Ймовірно, у виборі життєвого шляху Ісаака Левітана вирішальну роль зіграв його старший брат - художник. Він часто брав хлопчика з собою на етюди, на художні виставки. Коли Ісааку виповнилося 13 років, він був прийнятий до числа учнів училища живопису, скульптури та архітектури.
Вчителями Левітана були Олексій Саврасов і Василь Полєнов. "Левитану давалося все легко, - згадував його товариш, відомий російський живописець Михайло Нестеров, - тим не менш, працював він уперто, з великою витримкою. Якось прийшов до нас у натурний клас і написав необов'язковий для пейзажистів етюд голого тіла, написав зовсім по-своєму, у два-три дні, хоча на це покладався місяць. Взагалі Левітан працював швидко, скоро засвоюючи те, на що інші витрачали чимало зусиль.
Серед передвижників, запрошених до Академії, було двоє пейзажистів - Шишкін і Куїнджі. Якраз в той час починалося а мистецтві гегемонія пейзажу як самостійного жанру, де панував Левітан, як рівноправного елемента побутової, історичної, почасти й портретного живопису. Всупереч прогнозам Стасова, який вважає, що роль пейзажу буде зменшуватися, вона у 90-ті роки зросла, як ніколи. Переважав ліричний "пейзаж настрої", провідний свій родовід від Саврасова і Полєнова.
Одна із самих значних сторінок біографії Левітана - його дружба з А. П. Чеховим. Чехов і Левітан - ровесники. Долі їх багато в чому схожі. Обидва приїхали до Москви з провінції.
З Антоном Павловичем Чеховим у Левітана встановилися своєрідні відносини. Вони завжди поддразнивал один одного, але ті деякі висловлювання і листи, які дійшли до нас, говорять про те, що Левітан відкривав свою душу тільки Чехову.
Костянтин Паустовський знаходив у творчості Чехова і Левітана багато спільного. "Картини Левітана, - писав Паустовський, - вимагають повільного розглядання. Вони не приголомшують очей. Вони скромні й точні, подібно чеховським розповідями, але чим довше вдивляєшся в них, тим миліші стає тиша провінційних посадів, знайомих рік і проселков".
Картину "Осінній день. Сокільники" Левітан написав в 1879 році, вона була одна з перших його робіт. Картина експонувалася на московській виставці і була куплена П. М. Третьяковим для його галереї. У ті роки Левітан вчився в Московському училищі живопису, скульптури та архітектури. Йому було тільки 19 років, але художник уже мав багатий життєвий досвід.
Влітку 1890 року Левітан їде в Юр'євець і серед численних пейзажів та етюдів пише вид Кривоозерського монастиря. Так народжується задум однією з кращих картин художника "Тиха обитель", де образ тихої обителі і містків через річку, що сполучали її з навколишнім світом, висловлювали глибокі роздуми художника про життя. Відомо, що ця картина справила сильне враження на Чехова.
Левітан не населяв свій пейзажі людьми. Досить згадати, що фігуру жінки в картині "Осінній день. Сокільники" написав Микола Чехов, брат письменника. І тим не менш картини Левітана найтіснішим чином пов'язані з переживаннями людини, вони завжди впливають на почуття людей. Для нього зрозуміти природу - означало передати самі свій потаємні думки, роздуми про місце людини у всесвіті, про його складних і суперечливих відносинах з навколишнім світом.
Картину "Володимирка" в 1894 році Левітан приніс в дар П.М. Третьякову для галереї. Володимирка - це велика дорога Володимирівської губернії. В одному з спогаді про Левитане читаємо: "одного разу, повертаючись з полювання, ми з Левітаном вийшли на старе Володимирське шосе. Картина була сповнена дивовижної тихою красою ... і раптом Левітан згадав, що це за дорога ..." постійте. Та це Володимирка, та сама Володимирка, по якій колись, брязкаючи кайданами, пройшло в Сибір стільки нещасного люду ...". І в тиші поетичної картини стала відчувається нам глибока прихована смуток ".
Останнє десятиліття в житті Левітана було особливо плідним. У пейзажах "У вирах", "Вечірній дзвін", "Над вічним спокоєм", "Март", "Золота осінь", "Велика дорога", "Сутінки. Копиці", "Літній вечір", "Озеро, Русь" знайшли відображення роздуми художника про сенс життя.
Левітан написав на Волзі безліч картин, зобразивши і "Похмурий день" і "Після дощу. Плесо" і "Вечір на Волзі", але, може бути, самий яскравий образ вейк російської річки зображений на полотні "Свіжий вітер". Сліпучо білі кораблі, синя вода, яскраві сонячні відблиски, величезні баржі з товарами - все це створює радісний враження руху, життя, сповненого працею і сенсом.
Приватне життя художника не склалося. У нього не було сім'ї, дітей. Хто знає, може бути, єдине сильне почуття він випробував до Марії Павлівні.
У Чехова в Криму Левітан зустрів новий 1900 рік, останній рік свого життя. Два тижні провів Левітан з Чеховим, розповідав письменникові про нові задуми, про ще не написаних картинах про своїх учнів ..
Ще в 1898 році Левітан почав викладати в тому самому училище, в якому вчився сам. Він мріяв створити Будинок пейзажів - велику майстерню, в якій могли б працювати всі російські пейзажисти. Один з учнів Левітана згадував: "Вплив Левітана на нас, учнів, було дуже велике. Це обумовлювалося не тільки його авторитетом як художника, а й тим, що Левітан був різнобічно освіченою людиною ... Левітан вмів до кожного з нас підійти творчо, як художник; під його коректурою етюд, картини оживали, щоразу по-новому, як оживали на виставках у його власних картинах куточки рідної природи, до нього ніким не помічені, не відкриті ".
Коли відкрилася пейзажна майстерня, майже половина великої кімнати була відведена під куточок лісу, в якому були їли, невеликі дерева з жовтим листям, зелений мох, дерен, діжки з папороттю. Левітан був дуже уважний до своїх учнів. Від його пильного погляду нічого не можна було приховати. Він бачив, що одному важко знайти форму, а інший наслідує визнаним авторитетам. Інший раз Левітан помічав, що його учні матеріально потребують, і негайно надавав їм допомогу. Допомагав він дуже тактовно, не ображаючи. Влітку учні Левітана виїжджали на етюди. Так було і влітку 1900 року. Учні Левітана оселилися в Хімках. Вони чекали свого вчителя і написали йому жартівливий лист, у якому повідомляли, між іншим, що вже граки, чиї гнізда чорніли на деревах біля дачі, скучили і весь час кричать: "Де Левітан, де Ісаак Ілліч?" У відповідному листі Левітан, завжди цінував жарт, писав: "Передайте гракам, що як тільки встану - приїду. А якщо будуть дуже набридати, полякайте: не тільки приїде, але й рушницю привезе".
Але Левітан вже не встав. "Як Левітан? Мене страшенно мучить невідомість. Якщо що чули, то напишіть, будь ласка", - запитував Чехов з Ялти 0. Л. Кніппер. Тривога Чехова була не даремною. 22 липня (4 серпня) 1900 року Левітан помер.
Свою останню велику картину художник назвав "Озеро, Русь". Широка гладь води відбиває хмари, освітлені сонцем. На далекому березі, наскільки бачить око, поля, села, куполи церков. Все в картині - сонце, вітер, що мчать хмари - пронизане відчуттям щастя. Важко повірити, що це полотно писав помираючий художник. Здавалося, він хотів сказати: "Це Русь, щаслива, вільна, якою вона може бути і буде. Не бідність, не смиренність і страждання доля Росії, вона вся - в майбутньому".
Левітан зустрів широке визнання у суспільстві. Його елегійність була співзвучна переважним настроям російської інтелігенції, а в його баченні природи щасливо поєднувалися об'єктивне і особисте, традиційність і новизна. Молодший сучасник Левітана, В. Борисов-Мусатов, ще більш елегічен, але він і більш відокремлений в своєму ладі меланхолійних переживань: його полотна вимагають від глядача виборчої психологічної сумісності з художником. Лірика Левітана масштабніше, а тому зрозуміліше. Подібно своїм вчителям Саврасову і Поленову, він не був ліриком суб'єктивного типу, хоча елемент "особистого" у нього сильніше. У його мистецтві є та витончена нервовість, яка характерна для душевного складу "дітей кордону", але разом з тим воно викликає загальнозначущі асоціації, що йдуть корінням в історію і поезію народу. Чи писав він Волгу - ця була розлога річка російських пісень. Писав Володимирську дорогу - в ній дізнавалася, не за зовнішніми прикметами, а за настроєм, дорога засланців, широкий тужливий тракт, де "колодників дзвінкі ланцюга здіймав дорожню пил". Писав "У виру" - згадувалися перекази про утопленницах. А який рій спогадів будять у кожного, хто коли-небудь відчував чарівність російської весни, "Март" чи "Велика вода", з їх блакитними дзвонами, фізично відчутним теплом сонця і свіжістю останнього снігу, з цією посоловілими на сонці покірною конячкою і з цими тонкими березами у повінь. Пленер, - так, звичайно, тут скільки завгодно пленеру, але всі живописні категорії "вмирають" в непереборному почутті батьківщини, рідних місць.
Левітан прожив усього сорок років. Він був рвучко-неврівноваженою людиною, легко вразливим, схильним до нападів туги, доводить його до спроб самогубства. Разом з тим він умів радіти і насолоджуватися життям. Контрастність його душевних станів позначалася на виборі і трактуванні станів природи: він показував російську природу в широкому діапазоні, від похмурого мінору до ясної святковості. Воля до радості спалахнула у нього особливо в останні роки, коли він був хворий важко і невиліковно. У щоденнику Чехова є лаконічна запис, позначений грудня 1896 року: "У Левітана розширення аорти. Носить на грудях глину. Чудові етюди і пристрасна жага життя". У ці роки, носячи на грудях глину, Левітан написав самі мажорні свої речі - "Март", "Озеро в сонячний день", "Золоту осінь". І вже в рік смерті, який співпав з останнім роком століття, - "Літній вечір". Невелика за розміром і дуже проста по мотивацію (доріжка, околиця і ліс на обрії), ця картина написана з чудовою мальовничою волею, широкими мазками, побудована на відносинах небагатьох тонів, холодних і теплих. Але, як завжди, техніку у Левітана не помічаєш. Ви відчуваєте себе мирним подорожнім, що йде з тіні назустріч західному світу через позолочені їм ворота околиці. І дійсно, здається, що "там, де була вечірня зоря, спочивало відбиток чогось неземного, вічного". Чехов як передбачив настрій прощальній картини Левітана.
Художня спадщина Ісаака Левітана величезне, живописні полотна, акварелі, пастелі, графіка, ілюстрації.
Ілля Юхимович Рєпін
(1844-1930)
Рєпін Ілля Юхимович [24.7 (5.8) .1844, Чугуїв, нині Харківської області, - 29.9.1930, Куоккала, Фінляндія, Репино Ленінградської області], російський живописець. Народився в сім'ї військового поселенця. Навчався в Петербурзі у Художній школі Товариства заохочення художників (кінець 1863) у Р. К. Жуковського та І. Н. Крамського і в петербурзькій АХ [1864-71; в 1873-76 пенсіонер (стипендіат) в Італії і Франції]. Член Товариства пересувних художніх виставок. Дійсний член петербурзької АХ (1893). У роки навчання Рєпін зблизився з справили на нього великий вплив І. М. Крамским та іншими членами Артілі художників, а також з В. В. Стасовим, познайомившись з естетикою революційних демократів, він став переконаним її прихильником. У 1860-і рр.. Рєпін працює над навчальними академічними творами і одночасно, поза стінами АХ, - над портретами, жанровими картинами й малюнками. У деяких академічних творах на міфологічні та релігійні сюжети йому вдалося домогтися життєвості образів, виразної психологічної характеристики дійових осіб ("Воскресіння дочки Яіра", 1871, Російський музей, Санкт-Петербург). Обдарованість, спостережливість і пристрасний темперамент художника, вміння використовувати позу, жест моделі для її образної характеристики чітко проявилися вже в його ранніх портретах (портрети В. Ю. Рєпіна, 1867, Третьяковська галерея.; Р. Д. Хлобощина, 1868, і В. А. Шевцової, 1869, - обидва в Російському музеї). У ці роки Рєпін створив великий груповий портрет "Слов'янські композитори" (1871-72, Московська консерваторія), в який, домагаючись, природності угруповання дійових осіб, ввів жанрові елементи.
З початку 70-х рр.. Рєпін виступає як художник-демократ, він відстоює принципи народності художньої творчості, бореться проти далекого від життя академічного мистецтва. Після поїздок на Волгу, де Рєпін спостерігав життя бурлак, і тривалої роботи над етюдами Рєпін прийшов до її глибокого і яскравого тлумачення в картині "Бурлаки на Волзі" (1870-73, Російський музей). Картина викриває експлуатацію народу і разом з тим стверджує приховану в ньому силу і зріє протест. Рєпін передав індивідуальні неповторні риси змучених важкою роботою героїв картини, наділених великою духовною красою. Ця робота Рєпін стала новим явищем у російській живопису: жанрове твір набув монументальний характер, ставши узагальнюючим зображенням сучасного життя, не тільки розкриває протиріччя дійсності, а й затверджує позитивну силу суспільства - народ; пластична міць і широта живопису картини були в той час новаторством. У роки перебування в Італії і Франції Рєпін ознайомився з мистецтвом Західної Європи. Найбільш значна жанрова картина цих років "Паризьке кафе" (1874-75, збори Монсона, Стокгольм) свідчить про спостережливість художника, передає окремі характерні риси паризького життя. У Франції Рєпін написав картину "Садко у підводному царстві" (1876, Російський музей), втіливши в ній свої думи про батьківщину.
Більше вдалі пейзажі цього періоду, з'явилися важливим кроком в оволодінні Рєпін пленерного живописом ("Кінь для збору каменів у Веле", 1874, Саратовський художній музей ім. А. Н. Радищева; "Дорога на Монмартр в Парижі", 1876, Третьяковська галерея) . Повернувшись з-за кордону, Рєпін їде до Чугуєва, бажаючи в спілкуванні з народом знайти теми й образи для нових творів. Тут їм написані портрети селян, що відрізняються вражаючою силою типізації ("Мужик з поганим оком", Третьяковська галерея, "Мужичок з боязких", Горьковський художній музей, - обидва 1877); в портреті протодиякона (1877, Третьяковська галерея) Рєпін зобразив владного, виконаного грубої сили людини. В кінці 1870 - початку 1880-х рр.. Рєпін, спочатку в Чугуєві, а потім у Москві, захоплено працював над селянською темою ("Проводи новобранця", 1879, Російський музей; "Вечорницi", 1881, Третьяковська галерея), в деяких ескізах і картинах розкриваючи соціальні суперечності пореформеного села ("У волосному правлінні ", 1877, Російський музей). Ці твори підготували Рєпін до створення такого полотна, в якому повинна була розкритися життя сучасної Росії і народна тема отримала б широке узагальнене рішення. Пореформену Росію, складність існували в ній соціальних відносин, різноманіття її життя Рєпіну вдалося показати в картині "Хресний хід в Курській губернії" (1880-83, Третьяковська галерея). Зобразивши велелюдне хода, у якій беруть участь поміщиця, відставний військовий, відкупник, священики, жебраки, мандрівники і величезний натовп народу, яка народжує враження безмежної стихійної сили, Рєпін дав у картині яскраві характеристики дійових осіб. Це твір Рєпіна стало цілою поемою про бідність і затурканості народу, про його жадобі кращої долі, про пихатих барах та інших "господарів" села. Вона була бичующим викриттям гидот існуючого ладу і прославлянням народу, пригнобленого і обманутого, але великого і могутнього. У строго продуманої композиції картини, в її живопису проявилося високу майстерність Рєпіна, який передав световоздушную середу, яскраве сонячне освітлення, здобуло надзвичайною життєвості сцени.
З 1882 Рєпін жив у Петербурзі. Кінець 1870-х - 1880-і рр.. найбільш плідний період у творчості художника. Поява на виставках його кращих картин, пройнятих ідеями визволення народу, боротьби з самодержавним ладом, було подією в мистецькому і громадському житті Росії. У 1880-х рр.. Рєпін багато працював над темою революційного руху. Співчуваючи революціонерам, вбачаючи в них героїв боротьби за народне щастя, Рєпін створив цілу галерею позитивних образів, яскраво і правдиво відбивши і силу, і слабкість разночинского революційно-демократичного руху ("Відмова від сповіді", 1879-85, "Арешт пропагандиста", 1880 -92, "Не чекали", 1884-88, - все в Третьяковській галереї). У центральному творі циклу - "Не чекали" - зображена сцена повернення засланця додому. В образі революціонера звучить трагічна тема важкої долі героя. Рєпін показав глядачеві складну гаму переживань членів сім'ї, зустрічаючих батька, сина, чоловіка. Композиційна побудова картини з його чіткістю, необхідної для монументального полотна, обумовлене психологічними взаєминами героїв; картина напоєна повітрям і світлом, для передачі яких Рєпін користується чистими і світлими кольорами, складовими єдину колірну гаму. Зображуючи героїчне й високе у житті пересічних людей, Рєпін надавав побутовому жанру то високе значення, що раніше мала лише історичний живопис. У 1870-80-і рр.. Рєпін створює і кращі портрети. У них проявилися його демократизм, його любов до людини, глибокий психологізм. У грандіозній портретної галереї, створеної Рєпіним, як і в жанрових картинах, розкрилися суттєві риси російської життя - настільки яскраві у соціальному плані і настільки багато говорять про свою епоху ці портрети [В. В. Стасова (1873), А. Ф. Писемського ( 1880), М. П. Мусоргського (1881), Н. І. Пирогова (1881), П. А. Стрепетової (1882), А. І. Дельвіга (1882), Л. М. Толстого (1887) - все в Третьяковської галереї; В. В. Стасова (1883), Російський музей]. Високої майстерності досягає Рєпін в 80-і рр.. і в графіці, зокрема в портретному малюнку; графічна манера Рєпіна до цього часу стає вільною, здатною передавати натуру у всьому різноманітті та красі (малюнок "Дівчинка Пекла", 1882, Третьяковська галерея, і "Невський проспект", 1887, Російський музей, - обидва олівець). У 1880-1900-і рр.. Рєпін багато працює над ілюстраціями.
Рєпін був також видатним художником у галузі історичної живопису. Його інтерес до минулого визначався питаннями, піднімалися сучасністю. Рєпіна залучали сильні натури, долі яких пов'язані із значними історичними зрушеннями, залучали психологічні та драматичні завдання ("Царівна Софія", 1879, Третьяковська галерея). Картина "Іван Грозний і син його Іван" (1885, Третьяковська галерея), що вражає силою переданих в ній пристрастей і експресією їх вираження, прозвучала як викриття деспотизму.
Останнім значним історичним твором Рєпіна була картина "Запорожці пишуть листа турецькому султанові" (1878-91, Російський музей), головним героєм якої став волелюбний народ, мужньо відстоює свої інтереси. У 1890-і рр.. Рєпін, переживаючи відомий творча криза, тимчасово порвав з передвижниками. У його статтях і листах прослизають думки, що дозволяли сучасникам вважати Рєпіна відступником від ідей демократичної естетики, але до кінця 90-х рр.. Рєпін повернувся на колишні позиції. У пізній період при окремих успіхи, Рєпін вже не створив картин рівних творам 1870-80-х рр.. Кращі твори 1890-1900-х рр.. - Це графічні портрети, зазвичай зображення людей з яскраво вираженим творчим, артистичним початком (портрет Е. Дузе, вугілля, 1891, Третьяковська галерея), а також вражаючі гостротою соціальних характеристик і мальовничим лаконізмом портрети-етюди до монументального групового портрета "Урочисте засідання Державної Ради "(виконаний спільно з художником Б. М. Кустодієвим та І. С. Куликовим, 1901-03, Російський музей). Глибоко народне, тісно пов'язане з передовими ідеями своєї епохи, творчість Рєпіна - одна з вершин російського демократичного мистецтва. У 1894-1907 Рєпін викладав в АХ (у 1898-99 - ректор), ставши вчителем І. І. Бродського, І. Е. Грабаря, Д. Н. Кардовського, Б. М. Кустодієва і багатьох ін Після 1917 Рєпін, жив у садибі "Пенати" в Куоккале (з 1899), опинився за кордоном. (Куоккала до 1940 належала Фінляндії.) Живучи у Фінляндії, Рєпін не поривав зв'язків з Батьківщиною, мріяв повернутися до СРСР. У "Пенатах", де він помер і похований, в 1940 був відкритий меморіальний музей. Меморіальний музей Рєпіна є також у Чугуєві. У 1958 в Москві відкрито пам'ятник Рєпіну (бронза, граніт, скульптор М. Г. Манізер, архітектор І. Є. Рожин).
ВАСИЛЬ ІВАНОВИЧ СУРИКОВ
(1848-1918)
Василь Іванович Суриков народився в сибірському містечку Красноярську 12 січня 1848 в козацької сім'ї. З Єрмаком прийшли з Дону його предки по батьківській лінії, від яких він успадкував гордий, волелюбний характер. Мати також була із старовинної козацької сім'ї Торгошіних. Петро та Ілля Сурікова, як і Василь Торгошін, згадуються серед учасників Красноярського бунту 1695-1698 років. Суриков пишався своїм походженням і писав про це: "З усіх сторін я природний козак ... Моє козацтво більше, ніж 200-літній". Не залишилася для нього безслідної і художня обдарованість батьків. Батько його, пристрасний любитель музики, чудово грав на гітарі і вважався кращим співаком Красноярська; мати, прекрасна вишивальниця, володіла вродженим художнім смаком. Джерелом формування понять Сурікова про красу була Сибір, з суворістю, часом жорстокістю моралі, з мужністю людей, завзятість народних ігор, з "давньої російської красою" дівочих осіб, з величною природою, живим диханням історії.
Щоб підтримати сім'ю після смерті батька, Суриков змушений служити канцелярським писарем. Іноді доводилося, згадував він пізніше, "яйця великодні малювати по три карбованці за сотню", одного разу він виконав на замовлення ікону "Богородичні свята".
Малюнки Сурікова привернули увагу красноярського губернатора П. М. Замятіна, і той клопотався перед Радою Академії про зарахування Сурікова учнем. З Петербурга прийшов позитивний відгук про роботи, але із застереженням, що стипендія призначена не буде. Допоміг багатий золотопромисловець П. І. Кузнєцов, любитель мистецтва і колекціонер, який взяв на себе витрати з утримання молодого художника. У середині грудня 1868 року з обозом Кузнєцова Суриков відправився в дорогу, що тривала два місяці. До іспитів у Академію Суриков виявився недостатньо підготовленим. Він вступив до школи Товариства заохочення мистецтв до М. В. Дьяконова і за три літніх місяці освоїв трирічний курс. 28 серпня 1869 Суриков успішно здав вступні іспити до Академії мистецтв, його прийняли вільним слухачем і зарахували в головний клас. Восени наступного року він вже працює над першим самостійним твором "Вид пам'ятника Петру I на Сенатській площі у Петербурзі" (1870, ГРМ).
Навчався Суріков в Академії успішно, брав від занять все можливе.
Блискучі досягнення у молодого живописця були в композиції, недарма товариші називали його "композитором".
Великої золотої медалі, що дає право на закордонне відрядження, він не отримав. Суриков закінчує Академію у званні класного художника I ступеня. Коли через півроку він "як виняток" отримав можливість виїхати за кордон, то попросив замість цього дозволити йому виконати замовлення з розпису московського храму Христа Спасителя. Підготовчі роботи Суриков виконував у Петербурзі, лише уточнюючи і Москві необхідні деталі.
З червня 1877 року художник остаточно переїхав до Москви, зробивши протягом двох років фрески, зображують чотири Вселенських собору. Більше Суриков ніколи на замовлення не писав.
У 1878 році Суриков одружився на Єлизаветі Августівні Шаре, внучці декабриста П. П. Свистунова. Щасливе сімейне життя і относітсль-ва матеріальна забезпеченість дозволили художникові "почати своє" - звернутися до образів російської історії. "Приїхавши до Москви, потрапив у центр російської народного життя, одразу став на свій шлях", - згадував він.
Здавалося, заговорили самі стіни древнього міста, до яких запитував художник. У його уяві вставали образи минулого, виникав задум картини, яка представлялася йому "приголомшливою". "Ранок стрілецької страти" (1878-1881, ГТГ) дійсно вражає. Але не жахами смерті, а потужністю характерів, трагедійність одного з переломних етапів російської історії. "Урочистість останніх хвилин мені хотілося передати, а зовсім не страта", - пише Суриков про це полотні. Стрільці, що йдуть на смерть, сповнені гідності.
Архітектурний пейзаж з Василем Блаженним, який Сурикову "кривавим здавався", не просто історичне тло, він композиційно пов'язаний з рухом маси. "Урочистість останніх хвилин" художник передає не тільки в гордої красі російських людей, але і в тій мальовничій палітрі, яка увібрала в себе тони світанкового неба, кольору одягу і куполів собору, узороччя дуг на возах і навіть блиск ободів коліс. Вже в цій картині проявилися чудові гідності Сурікова - колориста, мальовничі пошуки якого визначалися думками і почуттями, які володіли художником. "Коли я їх задумав, - писав Суриков, - у мене всі особи відразу так і виникли. І колірна фарба разом з композицією, адже я живу від самого полотна, з нього все виникає".
Картина прямо на виставці була куплена П. М. Третьяковим. Якщо в "Стрільці" показана трагедія маси, що складається з доль окремих людей, то в картині "Меншиков у Березові" (1883, ГТГ) Суриков сконцентрував увагу на одному сильному характері, в особисту драму якого був відгомін трагедії Росії. Яким би чисто побутовим епізодом не був підказаний Сурикову "вузол" дії його майбутньої картини, створений у ній образ набуває історичну значимість ...
Низька хата, освітлена неяскравим світлом свічки, крихітне слюдяне віконце покрито химерними морозними візерунками. Величезною фігурі Меншикова тісно під цими низькими стелями, в цій избенке. Цьому сильному і владному людині звичні інші масштаби життя. З Меншиковим троє його дітей. Всі вони повинні були стати вершителями честолюбних задумів батька. Повинні були ... Ситуація драматична. І талант Сурікова допоміг вловити в ній красу і тонкість прояви людських почуттів, передати їх у вигляді героїв картини і колористичному ладі.
... Перший ескіз "Боярині Морозової" з'явився в 1881 році; безпосередньо до роботи над картиною Суриков приступив три роки потому, написавши "Меншикова в Березові" і побувавши за кордоном. На цей раз Суриков звернувся до образу сподвижниці протопопа Авакума - Ф. П. Морозової. І знову трагічна доля сильною і пристрасної натури для художника невіддільна від долі народу, який не хотів никонівський церковним реформ. "Я не розумію дій окремих історичних осіб без народу, без натовпу, - писав Суриков, - мені потрібно витягнути їх на вулицю". При цьому "натовп" у нього не безлика, а складається з яскравих індивідуальностей.
Суриков хотів показати, як Морозова пробуджує в людях різні почуття, одночасно будучи осередком цих почуттів.
Вражає сила емоційного впливу всіх компонентів полотна: форми, кольору, лінійної композиції. Картина національна не тільки за сюжетом, висхідному до подій XVII століття, але й за типажем, архітектурі, характерному зимового пейзажу, за трактуванням кольору, звучна ясна сила якого схожий на світлому світосприйманню російського народу. Суриков зумів висловити в прекрасній живопису "Боярині Морозової" (1887, ГТГ) душевну стійкість, самовідданість, красу російських людей.
Зваживши на радам рідних, Суриков разом з дочками їде до Сибіру, в Красноярськ. У картині "Взяття сніжного містечка" (1891, ДРМ), що з'явилася після трьох історичних полотен, помітні прямі витоки величезного життєлюбства художника, яке допомогло перемогти горе і негаразди. Цим життєлюбством В. І. Суриков наділяв і героїв своїх творів.
У 1891 році Суриков повертається до Москви. "Надзвичайну силу духу я з Сибіру привіз", - відзначає він. Художник береться за роботу над новим полотном "Підкорення Сибіру Єрмаком" (1895, ГРМ).
"Головне в картині-рух, - говорив художник,-хоробрість беззавітна - покірні слова полководця йдуть". Пейзаж картини: йдуть вгору вершини гір, окутані пеленою хмар, то темні, то блискучі холодним блакитним блиском - дозволяє глядачеві гостріше відчути труднощі переходу, відчути значущість подвигу суворовських чудо-богатирів.
Кілька років працював Суриков над своїм останнім великим полотном "Степан Разін" (1907-1910, ГРМ). Картина давалася йому нелегко, і художник повертався до неї вже після того, як робота була показана глядачам.
Картина вражає відчуттям привілля. Вона гарна перламутровими переливами фарб, повітрям, пронизаним сонячними променями, загальною поетичністю. Красою природи як би підкреслюється важка дума отамана, немов відокремлює його від хмільного веселощів козаків.
Очевидно, метою Сурікова було передати внутрішній стан цього сильного бунтівного характеру. Про це свідчать і його слова, сказані художнику Я. Д. Минченкова: "Сьогодні я лоб писав Степану, щоправда тепер набагато більше думи в ньому?"
Останній створений Суріковим історичний образ - образ Пугачова, зберігся ескіз 1911 року, який зображає ватажка селянського повстання укладеним в клітку ...
У 1912 році на виставці Союзу російських художників експонувалася картина Сурікова "Відвідування царівною жіночого монастиря" (ГТГ). Історико-побутовий характер цього полотна зближує його з подібними ж роботами А. Рябушкіна і С. Іванова.
Значно мистецтво Сурікова-портретиста. Перш за все - це прекрасні етюди до історичних полотен і "Сніжному містечку". Глибоко розкрито характери в "Портреті доктора А. Д. Єзерського" (1911, приватне зібрання), "Портреті людини із хворою рукою" (1913, ДРМ), "Автопортрет" (1913, ГТГ, 1915, ГРМ); надзвичайно красиві жіночі образи в сто портретних творах.
Помер Суріков 6 березня 1916 і похований поруч з дружиною в Москві, на Ваганьковському кладовищі.
ВАЛЕНТИН ОЛЕКСАНДРОВИЧ СЄРОВ
(1865-1911)
Сєров Валентин Олександрович (1865, Петербург - 1911, Москва) - художник. Народився в сім'ї композитора і музичного критика О.М. Сєрова. Рано проявивши художні здібності, з 1871 Сєров брав уроки живопису в Мюнхені у К. Кеппінга, потім у І.Є. Рєпіна в Парижі і в Москві. Рєпін ввів Сєрова в абрамцевской гурток у маєтку С. І. Мамонтова, багато в чому вплинув на молодого художника. Заняття в різних гімназіях доповнювалися серйозною підготовкою до вступу до Академії мистецтв, студентом до-рій Сєров став у 1882. Навчався головним чином у П.П. Чистякова, але курсу не закінчив, залишивши Академію мистецтв у 1885, завершивши художню освіту в музеях Голландії та Італії, що зробили на нього величезний вплив.
Почавши свій творчий шлях як передвижник, Сєров йшов від натуралізму до умовності художньої мови, віддавши данину імпресіонізму, "Світу мистецтва", стилю "Модерн", і багато в чому визначив мистецьке обличчя свого часу. Сєров став широко відомий як живописець, малювальник, ілюстратор, театральний художник. Від ранніх робіт - "Дівчинка з персиками" (1887), "Дівчина, освещенная.солнцем" (1888), ніби-то витканих із сонця і повітря, - Сєров перейшов до психологічним, виразним портретів "К. А. Коровіна" (1894) , "Миколи II" (1900), "К. П. Побєдоносцева" (1902), "С. Ю. Вітте" (1904), "Ф. І. Шаляпіна" (1905) та ін, історичним композиціям "Виїзд Петра II і цесарівни Єлизавети Петрівни на полювання "(1900)," Петро 1 "(1907) та ін, ілюстрацій до байок І.А. Крилова та ін У 1895 - 1897 викладала Моск. уч-ще живопису, скульптури та архітектури. У 1903 був обраний дійсним членом Академії мистецтв, до-рую покинув в 1905 в знак протесту проти розстрілу людей 9 січня. 1905. Брав участь в організації сатиричного журн. "Жупел", в якому малював політ, карикатури. В останні місяці життя Сєров прагнув реалізувати свої пошуки у сфері монументально-декоративного живопису. У 1914 була організована посмертна виставка його творів, що зробила величезний вплив на сучасників.
В. А. Сєров народився в Петербурзі 7 січня 1865 року в родині відомого композитора А. Н. Сєрова. З дитячих років майбутнього художника оточувала атмосфера мистецтва. Крім музикантів, у їхньому домі бували М. М. Антокольський, І. Є. Рєпін. До того ж сам батько майбутнього художника був пристрасним любителем малювання. Рідкісна спостережливість і до малювання прокинулись у хлопчика рано, а умови, в яких він зростав, сприяли розвитку обдарування. Спочатку він навчався у німецького художника-офортист А. Кемпінгу, потім його вчителем став І. Є. Рєпін, якому, за порадою М. М. Антокольського, В. С. Сєрова показувала малюнки сина.
І. Є. Рєпін починає працювати з юним Сєровим спочатку в Парижі, а потім у Москві і в Абрамцеві. Після поїздки зі своїм талановитим учнем у Запоріжжі Рєпін у 1880 році спрямовує його в Академію мистецтв до славнозвісному П. П. Чистякову.
Тут молодий художник завойовує повагу, його талант викликає захоплення. П. П. Чистяков Сєрову, що він ще не зустрічав в іншій людині такого заходу всебічного художнього розуміння в мистецтві, яка відпущена була природою його учневі. "І малюнок, і колорит, і світлотінь, і характерність, і відчуття цілісності свого завдання, і композиція - все було у Сєрова, і було в ейфорію".
У Абрамцеве він пише знаменитий портрет дванадцятирічної Віри Мамонтової "Дівчинка з персиками" (1887, ГТГ), в якому художнику, як він пише, хотілося зберегти "свіжість живопису при повній закінченості, як у старих майстрів". У Домотканове був створений портрет двоюрідної сестри "Дівчина, освітлена сонцем" (1888, ГТГ). Згадуючи цей час, Марія Яківна Симанович писала: "Ми працюємо запоєм, обидва однаково захопилися: він вдалим писанням, а я важливістю свого призначення. Він шукав нового способу передачі на полотно нескінченно різноманітної гри світла й тіні при свіжості фарб. Так, я просиділа місяці і майже без перерви, якщо не вважати ті деякі сеанси, які доводилося відкладати через погану погоду. У ці нещасні пропуски він писав ставок "(" Зарослий ставок. Домотканове ", 1888, ГТГ). Обидва портрета наповнені не тільки захопленістю новою технікою живопису, а й особливою натхненністю, поетичністю, що відразу дала молодого художника і зробило його відомим. За картину "Дівчинка з персиками" Сєров отримав премію Московського товариства любителів мистецтв, а другий портрет відразу купив П. М. Третьяков.
В улюбленому Домотканове були створені такі твори, як "Жовтень" (1895, ГТГ), "Стригун" (1898, ГТГ), "Баба з конем (1898, ГТГ) і багато малюнків до байок Крилова.
У 1887 році Сєров одружився на Ользі Федорівні Трубнікової. Сім'я була великою і дружною. Дітей В. А. Сєров любив ніжно і з задоволенням писав їх. Портрет-картина "Діти" (1899, ДРМ), де зображені сини художника Юра і Саша, малюнок "Сестри Боткіна" (1900, ГТГ), портрет Мікі Морозова (1901, ГТГ) залучають ліричністю і тонким розумінням дитячого характеру.
Своєму другу А. С. Мамонтову Сєров повідомив у 1890 році: "Написав я в Костромі два портрети. Зовсім портретчиком стаю". Тонкий психологізм, вміння побачити і показати, "якого духу людина перед ним", роблять Сєрова провідним портретистом Росії. У портретах Сєрова - його сучасники, різні за характером, внутрішнього світу: темпераментний співак Ф. Таманьо (1891, ГТГ), що володіє, за образним висловом художника, "золотий глоткою", життєрадісний друг художника пейзажист К. А. Коровін (1891, ГТГ ), одухотворений І. І. Левітан (1893, ГТГ), підкреслено-нервовий Н. G. Лєсков (1894, ГТГ).
Старша донька Сєрова у спогадах про батька писала, з яким творчим горінням працював художник над портретами.
"А ось очі - очі поглядала швидко, з такою напругою, з таким бажанням побачити і охопити все потрібне йому, що погляд здавався часткою блискавки, як блискавка, він миттєво як би висвітлював все до найменших подробиць".
У середині 90-х років Сєрова осаджують високопоставлені замовники. Після написання портрета Марії Федорівни Морозової (1897, ДРМ), матері архимиллионеров Морозових, і картини-портрета С. М. Боткіній (1899, ДРМ), показаного на Всесвітній Паризькій виставці, почалася нова лінія у творчості художника. Сучасники говорили, що Сєрова нерідко боялися, боялися його прозорливості, непідкупних оцінок, навіть докоряли за те, що він шаржує модель. "Ніколи не шаржировал, - відповів він, - що робити, якщо шарж сидить в самій моделі, чому винен? Я тільки видивився, помітив".
У портретах Сєрова - не розбір негативних або позитивних властивостей людини, а їдка іронія чи дотепність, виражене в блискучій естетичній формі. Цими рисами відрізняються портрети князів Юсупових (1901-1903, ГРМ), яких Сєров починав писати в Петербурзі в 1901 році, а потім в їх родовому маєтку Архангельському під Москвою, портрет приват-доцента Московського університету, мільйонера М. А. Морозова (1902, ГТГ). Особливо відомий портрет банкіра В. О. Гіршмана (1911, ГТГ), який, за свідченням дочки Сєрова, "все благав прибрати руку, якою він ніби діставав золоті з кишені".
Революція 1905 року залишила помітний слід у творчому доробку і життя художника. Саме в ці роки сформувався образ Сєрова-громадянина, гостро усвідомлює соціальну несправедливість. У Петербурзі Сєров став очевидцем розстрілу робітників на 5-й лінії Василівського острова і це вразило його ... "Він чув постріли, бачив убитих. З тих пір його характер різко змінився - він став похмурий, різкий, запальний і нетерпимий: особливо дивували всіх його крайні політичні переконання", - писав про Сєрову Рєпін. На знак протесту він вийшов зі складу дійсних членів Академії мистецтв. У день звільнення політичних ув'язнених Сєров знаходився біля Таганської в'язниці, був в Університеті, де будувалися барикади, і на похоронах Баумана. В альбомі художника з'явилися малюнки: атаки козаків на беззбройний народ, а потім картина, виконана темперою, "Солдатушкі, браво ребятушки, де ж ваша слава?" (1905, ДРМ), "Барикади, похорон М. Е. Баумана" (1905, Держ. Музей Революції СРСР), гострі політичні карикатури, які викривали Миколи II як ката революції: "1905 рік: Після приборкання", "1905 рік. Види на врожай 1906 року "(1905, ГТГ).
У ці роки ще більше відточується майстерність Сєрова-рисувальника. Портрети-малюнки Ф. І. Шаляпіна, К. С. Станіславського, І. М. Москвіна, В. І. Качалова, М. А. Римського-Корсакова, М. А. Врубеля, Л. М. Андрєєва становлять гордість російського мистецтва .
На рубежі 1890-1900 років художник звертається до минулого російської історії. З'являється цикл малюнків олівцем, гуашів, акварелей, картин темперою, олією. Невеликі композиції здаються надзвичайно життєвими, ніби написані з натури ("Виїзд на полювання Петра II та Єлизавети Петрівни", 1900, ГРМ).
Героїчна епоха Петра 1, сувора й небувала, заволодіває уявою художника. Одна з кращих композицій - темпера "Петро 1" (1907, ГТГ). Петро на "журавлиних" ногах, грізний і стрімкий, рухається назустріч сильному вітрі. Його безглузда карнавальна свита (настільки незвичайні форми приймають їх розвіваються на вітрі одягу) ніяк не просувається за ним. У стрімкому кроці Петра назустріч нової будівництві, в шаленіючій воді, в тоненьких щоглах кораблів, в несущихся хмарах - в усьому відчуття динаміки перетворень, які стали можливими завдяки натиску волі, енергії, вихревому натиску мужніх людей.
У травні 1907 року Сєров їде до Греції, яка справила на нього величезне враження. В античній класиці художник захоплений декоративністю пам'яток, їх домірністю. Він прагне втілити побачене і передати істота легендарної історії, красу міфології Еллади. Художник створює поетичне сказання "Викрадення Європи" (1910, ГТГ) і різні варіанти "Одіссея і Навзикаи" (1910, ГТГ, ГРМ).
Не менш цікава робота В. А. Сєрова в театрі. Його завісу до балету "Шехерезада" мав великий успіх у Парижі і в Лондоні.
Інтересом до монументально-декоративному мистецтву було викликане і особливе рішення портрета танцівниці Іди Рубінштейн (1910, ГРМ). Сєров знаходив у образі актриси риси справжнього Сходу, і порівнював її з постатями античних барельєфів.
У портретах останніх років - О. К. Орлової (1911, ДРМ), В. О. Гіршмана (1911, ГТГ) - художник прагне до загостреної виразності форми. Це особливо помітно в портреті Г. Л. Гіршман (1911, ГТГ) і в незакінченому портреті П. І. Щербатової.
Рано ранку 22 листопада 1911 року В. А. Сєров поспішав на портретний сеанс до Щербатовим ... впав і помер від нападу стенокардії ... Помер у самому розквіті творчості, у віці сорока шести років ...
Смерть художника вразила його сучасників. Преклонявшийся перед талантом майстра поет В. Брюсов писав: "Сєров був реалістом у кращому значенні цього слова. Він бачив безпомилково таємну правду життя, і те, що він писав, виявляло саму сутність явищ, іншими очі побачити не вміють".