Муніципальний загальноосвітній заклад
СЕРЕДНЯ ЗАГАЛЬНООСВІТНЯ ШКОЛА № 13
с. СВЕТЛОГОРЬЕ ПОЖАРСКОГО району Приморського краю
Тема:
Музика України ХХ століття
Виконали: Ляхов Іван
Ляхов Павло
учні 11 А класу
с. Светлогорье
2009
Російська музика ХХ ст., Успішно розвивала традиції зарубіжних і вітчизняних композиторів, в той же час прокладала нові шляхи і здійснювала сміливі експерименти. Незважаючи на революційні потрясіння та соціальні катаклізми Новітнього часу, в ній органічно з'єднувалися різні стилі і напрямки, представлені творчістю найталановитіших композиторів-класиків. Багато творів А. Н. Скрябіна, С. В. Рахманінова, І. Ф. Стравінського, С. С. Прокоф 'єва, Д. Д. Шостаковича, Г. В. Свиридова належать до шедеврів світової музичної культури. Досягнення композиторів російського авангарду також мають неминуще значення і до цих пір привертають увагу слухачів у багатьох країнах світу.
Самобутній шлях вітчизняної музичної культури ХХ ст. визначає і унікальне явище масової пісні, що не має аналогів у світі.
Музика рубежу століть успішно розвивала кращі традиції вітчизняних композиторів-романтиків і композиторів «Могутньої купки». Разом з тим вона продовжувала сміливі пошуки в галузі форми і змісту, представляючи на суд слухачів оригінальні твори, що вражають новизною задуму і його втілення.
Творчість Олександра Миколайовича Скрябіна (1872-1915), одного з найталановитіших композиторів початку ХХ ст., Нерідко пов'язують з символізмом. Дійсно, художні пошуки Скрябіна багато в чому визначили поети-символісти, а також сучасні йому філософські та містичні вчення. У своїх творах він прагнув передати світ хитких і витончених переживань людини. Душевний порив, захоплення і сумнів, ловлення вітру і силу пристрасті він міг втілити у прекрасні образи-символи, надовго запам'ятовуються слухачам. Не випадково його творчим девізом стали слова, вимовлені ще в юності: «Іду сказати людям, що вони сильні і могутні».
Він був мрійником. Протягом усього творчого шляху Скрябіна приваблювала ідея синтезу мистецтв. У «Поемі вогню», відомої також під назвою «Прометей» (1910), він мріяв поєднати звук і колір. Його ніколи не покидала мрія про загальне «діонісійського танці». Навіть оркестр, на його думку, повинен був знаходитися в постійному русі - танцювати. Гостро відчуваючи протиріччя свого складного часу, він мріяв про всесвітню гармонії людства. Його заповітною мрією став храм в Індії на березі гірського озера для постановки нездійсненого твори «Містерії».
Він не шукав - минутно потішити,
Наспівами втішити і полонити;
Мріяв про вищу: Божество прославити
І безодні духу в звуках осяяти.
В. Я. Брюсов
Він невпинно вірив в особливу силу мистецтва, здатну змінити, перетворити світ і людину. Не випадково Перша симфонія (1900) закінчувалася його власними віршами:
Прийдіть всі народи світу,
Мистецтву славу співаймо!
Скрябін є автором дев'ятнадцяти фортепіанних поем, трьох симфоній, концерту для фортепіано з оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсів і етюдів. У кожному творі позначилися неперевершений талант і майстерність композитора.
До вершинним творам Скрябіна можна віднести «Поему екстазу» (1907). Це великий твір, написаний у сонатної формі, являє собою своєрідний гімн всеперемагаючої могутності людського духу. Воно розповідає про те, як душа людини проходить важкий шлях від неясних передчуттів і тривоги до вищої духовної радості, знаходячи величезну силу і енергію. У «ритмах тривожних» в ньому передана напружена атмосфера першої російської революції, напружене передчуття майбутніх катастроф. Не випадково у віршованому тексті програми Скрябін згадував про Всесвіт, охоплені «пожежею загальним».
Вперше «Поема екстазу» пролунав у Росії в 1909 р . Вона мала колосальний успіх. В одинадцятий раз випускнику Московської консерваторії була присуджена премія імені М. І. Глінки. Блискучий шлях у музиці продовжила добре відома «Поема вогню» («Прометей»), що прославляє духовну міць людини-творця, який переміг сили мороку й темряви.
Музика Скрябіна звучала на багатьох концертних майданчиках світу, в тому числі і на знаменитих Російських сезонах С. П. Дягілєва. Подальша доля композитора склалася трагічно: в 44 роки він несподівано помер від зараження крові. На смерть Скрябіна відгукнулися багато сучасників, в тому числі і відомий поет В. Я. Брюсов:
Метал мелодій він посмів розплавити
І в форми нові хотів вилити;
Він невпинно прагнув жити і жити,
Щоб завершеним пам'ятник поставити ...
На щастя, словами поета було призначено збутися: Скрябін був і залишається «зіркою першої величини» (Н. А. Римський-Корсаков).
Не меншу популярність придбало творчість Сергія Васильовича Рахманінова (1873-1943), також випускника Московської консерваторії, закінчив її з золотою медаллю. На відміну від Скрябіна, багато в чому зв'язав свій творчий шлях з символізмом, Рахманінов дотримувався романтичного напряму в музиці. Не визнаючи модерністських новацій, він писав:
«У мистецтві що-небудь зрозуміти - значить полюбити. Модернізм мені органічно незрозумілий, і я не боюся відкрито в цьому зізнатися. Для мене це просто китайська грамота ...
Виразний дисонанс гарний, але нескінченна какофонія, доведена до безжалісних крайнощів, ніколи не буває і не може бути мистецтвом ».
Музична творчість С. В. Рахманінова відрізняють ритмічна енергія, схвильованість, що досягають сильного напруження, і одночасно лірична мрійливість і емоційність. Найважливішим елементом його стилю є мелодія, якій він надавав першорядне значення.
«Мелодія - це музика. Головна основа всієї музики, оскільки досконала мелодія має на увазі і викликає до життя своє гармонійне оформлення ... Мелодична винахідливість у вищому сенсі цього слова - головна життєва мета композитора ».
У дев'ятнадцять років він створив одноактну оперу «Алеко» (1892) на сюжет поеми О. С. Пушкіна «Цигани», яка була високо оцінена П. І. Чайковським. Це була вища нагорода дипломної роботі початківця композитора. У двадцять років у концертних залах йому аплодувала захоплена публіка. У коло його прихильників входили найвідоміші діячі культури того часу: Л. М. Толстой, А. П. Чехов, І. Є. Рєпін, К. С. Станіславський, Ф. І. Шаляпін, М. Горький, багато поетів Срібного століття. І все ж життя Рахманінова не представляється спокійній і безтурботним: він знав не тільки злети, але і падіння. Рахманінов став свідком двох світових воєн і двох російських революцій. Він захоплено вітав крах царського режиму, але не прийняв Жовтень. Майже половину життя він провів далеко від батьківщини, але до останнього дня відчував себе росіянином людиною:
«Я російський композитор, і моя батьківщина наклала відбиток на мій характер і на мої погляди. Моя музика - це плід мого характеру, і тому це російська музика ...
Музика композитора повинна виражати дух країни, в якій він народився, його любов, його віру і думки, які виникли під враженням книг, картин, які він любить. Вона повинна стати узагальненням всього життєвого досвіду композитора ».
Багатогранний талант Рахманінова проявився у багатьох музичних жанрах. Їм створені дві опери («Скупий лицар» і «Франческа да Ріміні»), вокально-симфонічна поема «Дзвони» (1913), сонати, експромти, прелюдії. Для хору він складав і духовну музику, висхідну до давньоруських знаменним розспівуючи («Літургія Іоанна Златоуста», 1909, і «Всенічне бдіння», 1915). Він є автором близько вісімдесяти романсів на вірші російських і зарубіжних поетів.
Особливу популярність принесли Рахманінову фортепіанні твори. Створений ним особливий стиль фортепіанної музики відрізняють дивовижне розмаїття і повнота звучання. Здавалося, що за багатством фарб він прагнув уподібнити фортепіано всьому симфонічному оркестру. Найбільш відомим твором є Другий фортепіанний концерт (1901), в якому розкрилися кращі риси його композиторського таланту. Твір «надзвичайною, дивовижної краси» (С. С. Прокоф 'єв) разюче точно передавало суперечливість нової епохи і підтверджувало справедливість оцінки його суворого вчителя С. І. Танєєва: «Це геніально». За цей твір Рахманінову в 1904 р . була присуджена премія імені М. І. Глінки.
Всесвітньо відомий Рахманінов не тільки як композитор, але і як видатний піаніст і диригент. «Божество в трьох особах» так сказав про нього один із сучасників. Швидко опанувавши технікою виконавської майстерності, Рахманінов виявив неабиякий талант блискучого інтерпретатора музичних творів. Його потужна гра за своєю силою могла рівнятися цілого оркестру і виробляла колосальне враження на слухачів.
В кінці 1917 р . Рахманінов виїхав на гастролі до Європи, а потім у СIIIА. У Росію він не повернувся. Всі 25 років еміграції він жваво цікавився тим, що відбувалося на Батьківщині. У роки Великої Вітчизняної війни композитор не раз перераховував кошти від своїх концертів на підтримку Червоної Армії. Сьогодні твори Рахманінова звучать у багатьох концертних залах нашої країни, неодноразово в його честь проводилися музичні конкурси та фестивалі.
Важко уявити музичну картину ХХ ст. без творчості Ігоря Федоровича Стравінського (1882-1971) - одного з найбільш яскравих представників світової класики. За шість десятиліть творчого шляху їм було створено близько 150 творів у різних музичних жанрах, і в кожному позначився оригінальний талант композитора. Серед них музика для балетного та оперного театрів, інструментальні твори, хорові та вокальні твори.
В історію світової музичної культури він увійшов як сміливий новатор, невтомно кладе власні шляхи в мистецтві. У рідкісних випадках він залишався байдужим до нових віянь в музиці. Навпаки, він завжди відгукувався на те, що видавалося йому самобутнім і цікавим. Шлях Стравінського в музиці - це шлях від романтизму та імпресіонізму до неокласицизму, додекафонії, музиці авангарду. В останні роки життя він жваво цікавився мистецтвом джазу та досягненнями в галузі електронної музики.
У рамках одного твору він міг вільно з'єднати стилістику різних музичних епох (бароко, класицизму, романтизму). Звернення до музичних традицій минулого аж ніяк не заважало йому експериментувати, наповнюючи твори духом сучасності. Ось що він говорив з цього приводу:
«Традиція ... не просто «передається» від батьків до дітей, але зазнає життєвий процес: народжується, зростає, досягає зрілості, йде на спад і, буває, відроджується ...
Говорити мовою минулих поколінь не є творчість, це - не мистецтво, а рутина ».
Зустріч з С. П. Дягілєвим у 1909 р . багато в чому визначила подальшу особисту і творчу долю композитора. Йому було запропоновано написати музику до балету «Жар-птиця» на тему казки про злом Кащее і падінні його темного царства.
25 червня 1910 р ., Дата прем'єри балету на сцені паризької «Гранд-опера», стає початком світової слави Стравінського. Музика вражала пишнотою оркестрових звучань, незвичністю ритмів, великою кількістю казкової символіки. Особливий інтерес викликав «Поганий танок Кащеєва царства» - гротескний образ зла і насильства.
Через рік - нова, не менш блискуча прем'єра балету «Петрушка». Головну увагу Стравінський зосередив на глибокій психологічній драмі улюбленого народного героя Петрушки, безнадійно закоханого в дурненьку Балерина, що віддає перевагу самовдоволеному Арапу. Про страждання головного героя, доброго, пустотливого і ніколи не сумує, Стравінський геніально розповів мовою музики. Особливо вражала фінальна сцена прощання Петрушки з життям. Дивною знахідкою композитора став уривчастий «схлип», «видихаючи» флейт і дивний звук від кинутого на підлогу бубна. Ще недавно нестримно танцював натовп застигає перед вмираючим. У трагічний момент відльоту душі Петрушки в кращий світ лине дивовижна музика, передає трепет минає життя. Відлуння масляного балагану і пронизлива фанфара ожилого Петрушки завершують дію.
Співавторами Стравінського в цій роботі виступили балетмейстер М. М. Фокін (1880-1942) і лібретист, художник А. Н. Бенуа. Головні ролі виконували Тамара Карсавіна і Вацлав Ніжинський. Балет «Петрушка» став яскравою подією Російських сезонів С. П. Дягілєва. Прем'єра третього, не менш знаменитого балету Стравінського «Весна священна» (1913) викликала в Парижі нечуваний скандал. Пізніше автор згадував:
«Коли піднялася завіса і на сцені виявилася група стрибаючих Лоліт з вивернутими всередину колінами і довгими косами ... вибухнула буря. Позаду мене лунали крики «Заткни пельку! ..» Я в люті покинув зал ».
Зніжене вухо слухачів, яке звикло до солодких і млосним звуків, почуло чужу язичницьку стихію. Не випадково балет мав підзаголовок «Картини язичницької Русі». Стравінський намагався відтворити в музиці первозданну суворість звичаїв язичницьких племен, очолюваних Найстаршим-мудрий. Напружені дисонанси, складні ритми і несподівані контрасти покликані були передати магічну силу заклинань природи, весняних ворожінь, найдавніший обряд Поцілунку землі, величання Вибраною. Рухи та жести акторів, які відмовилися від прийомів класичного балету, були важкими і незграбними. У ті дні один з критиків писав:
«Паризька прем'єра« Весни священної »згадується як щось дуже значне, як битва під Ватерлоо, як перший політ повітряної кулі».
Через кілька років «Весна священна», виконана як симфонічний твір, викликала бурхливі овації слухачів.
ü Композитори радянської епохи
У 1937 р . відомий композитор Сергій Сергійович Прокоф'єв (1891-1953) заніс ці слова в свою записну книжку:
«Зараз не ті часи, коли музика писалася для крихітного гуртка естетів. Зараз величезні натовпи народу стали обличчям до обличчя з серйозною музикою і запитально чекають. Композитори, уважно поставтеся до цього моменту: якщо ви відштовхнете ці натовпи, вони підуть ... якщо ж ви їх утримаєте, то вийде така аудиторія, якої не було ніде і ні в які часи ... »
Дійсно, радянська епоха висунула перед композиторами цілком певні завдання. Творчість, орієнтоване на широкі маси слухачів, повинно було відповідати духу свого часу. Незважаючи на явно виражене прагнення поєднати творчість з ідеологією радянської держави, Прокоф'єв, лауреат шести Сталінських премій, завжди залишався самим собою, людиною твердого і незалежного характеру. Саме так починався його творчий шлях у музиці. Закінчуючи в 1914 р . Петербурзьку консерваторію, він вирішив зіграти перед екзаменаційною комісією свій власний Перший концерт. Музика захопила слухачів, і Прокоф'єв отримав диплом з відзнакою і премію імені Антона Рубінштейна (прекрасний рояль у подарунок).
Він ніколи нікому не наслідував, хоча у нього були свої улюблені композитори і вчителі. Анітрохи, наприклад, не збентежило Прокоф'єва те, як погано був сприйнятий слухачами його Другий фортепіанний концерт.
Вісім опер, сім балетів, по сім симфоній і концертів, велика кількість камерних, фортепіанних і вокальних творів, музика до кінофільмів - такий шлях Прокоф'єва в музиці.
Одним із шедеврів композитора став балет «Ромео і Джульєтта» (1936). Ідея створення балету багатьом здалася приреченою на невдачу, але Прокоф'єв був вже цілком у владі Шекспіра: нестримна фантазія народжувала перші музичні теми; обговорювалися деталі сценарію і драматургія майбутнього твору. Коли все було готове, то замість загальноприйнятих сольних танців, дуетів, тріо, адажіо і вальсів в партитурі значилися незвичні для слуху назви: «Ромео», «Наказ герцога», «Джульєтта-дівчинка», «Тібальд б'ється з Меркуціо», «Ромео і Джульєтта перед розлукою »... Все було несподівано і незвично. Далеко не відразу було прийнято рішення ставити спектакль. Композитор навідріз відмовлявся переробляти що-небудь.
Прем'єра відбулася в Ленінграді в 1940 р . в знаменитому Маріїнському (у радянські роки Кіровському) театрі. Головну партію у виставі виконувала незрівнянна Г. С. Уланова. Музика дуже точно передавала драматизм подій, що відбуваються, почуття і переживання героїв. Натхненний і поетичний образ юної Джульєтти потрясав публіку до сліз. Ось вона, вся покірність і слухняність, танцює на балу з Парісом, майбутнім нареченим. Зворушливо-лірична і ніжна Джульєтта в любовних сценах ... Мелодії ллються неспішно й плавно, вони ніби світяться, дихають ... Ось вона вирішується випити смертельний напій ... Скорботні передчуття, страх і невгасима любов надають Джульєтті сили зробити цей фатальний крок.
Прекрасні були і масові сцени балету. У них автор зумів передати гучну енергію веселої вуличної юрби, манірність в танцях знаті на балу у Капулетті, витонченість трохи уповільненої танцю дівчат з ліліями біля ліжка заснула Джульєтти. Через жест, міміку, ходу і манеру рухатися композитор блискуче передав суть характерів кожного з героїв. Балет Прокоф'єва «Ромео і Джульєтта» до цих пір залишається одним з найбільш репертуарних в театрах світу.
Серед оперних творів композитора слід виділити оперу «Війна і мир», над якою він працював більше, ніж над будь-яким іншим твором. Протягом кількох років (з 1943 по 1952 р .) Він знову і знову повертався до «Війни і миру», вносив корективи у драматургію, дописував, змінював або виключав епізоди. Неймовірною здавалася сама задача співвіднесення опери з літературним першоджерелом. Більш того, за задумом автора, у ній повинен був звучати ... справжній текст роману Л. М. Толстого ...
Перша редакція вистави була розрахована на два вечори, але згодом опера отримала жанрові рамки звичних оперних вистав. Понад шістдесят персонажів, не рахуючи гостей на балу, солдатів, селян і партизанів ...
Найкращі картини опери - це перший бал Наташі Ростової, в якому звучить дивовижний за красою вальс, передавальний наївне чарівність і витончену грацію юної дівчини; це сцени у Відрадному і зустріч Наташі зі смертельно пораненим Андрієм Болконским в Митіщах.
Прокоф'єв приділяв велику увагу народним і героїчним темами у опері, особливо образу народного полководця Кутузова. Його чудова арія «Незрівнянний народ!», Нагадує розспіви народних пісень, надавала дії епічний розмах і велич.
Велике місце в творчості Прокоф'єва займає музика до кінофільмів С. М. Ейзенштейна «Олександр Невський» (1938) та «Іван Грозний» (1942-1945).
Серед композиторів радянської епохи творчість Дмитра Дмитровича Шостаковича (1906-1975) багато в чому визначає класичний напрям в російській музиці ХХ ст. Написана дев'ятнадцятирічним випускником Ленінградської консерваторії Перша симфонія (1926) вразила слухачів оптимізмом і свіжістю звучання. Вона відразу ж увійшла до репертуару вітчизняних і зарубіжних диригентів.
За піввіковий період творчості до Першої симфонії додадуться ще чотирнадцять. Шостакович писав твори майже у всіх музичних жанрах: п'ятнадцять квартетів, дві опери («Ніс» і «Леді Макбет Мценського повіту»), три балету («Золотий вік», «Болт» і «Світлий струмок»), шість інструментальних концертів, цикли романсів, збірники фортепіанних прелюдій і фуг, кантати, ораторія («Пісня про ліси»), музика до кінофільмів та драматичних вистав.
Чималу популярність композиторові принесла постановка опери «Ніс» (1927-1928) за повістю М. В. Гоголя. У музиці перед здивованою публікою розгорталася «неймовірне подія» з носом майора Ковальова. Сатиричний лад гоголівської повісті, здавалося, підказував композитору новий шлях, в корені ламає традиції оперного мистецтва. Все в ній було на межі шаржу і гротеску, все поверталося назад, вивертав навиворіт. Замість звичного співу чулася судомна скоромовка, безладний ансамбль з восьми двірників перебивав і не чув один одного. У фантастичне дію виявилися втягнутими поліцейські, цирульник, перський принц, бублики і парасольки ... Веселі канкани змінювали галопи і польки. Порушено сопів хор роззяв.
Незважаючи на те що опера відтворювала події гоголівської Росії ХІХ століття, в ній легко вгадувалася сатира на міщанський побут радянської доби. Прем'єра відбулася в січні 1930 р . Кіно-режисер Г. М. Козінцев (1905-1973) зазначав:
«Під хвацькі галопи і хвацько польки крутилися, крутилися декорації В. Дмитрієва: гоголівська фантасмагорія стала звуком і кольором ... Вирував гоголівський гротеск: що тут було фарсом, що пророцтвом?
Неймовірні оркестрові поєднання, тексти, немислимі для співу ... незвичні ритми ... освоєння всього того, що колись здавалося антіпоетічним, антимузичні, вульгарним, а було на ділі живої інтонацією, пародією - боротьбою з умовністю ... Це був дуже веселий спектакль ».
Опера «Ніс» витримала шістнадцять вистав за два роки, після чого надовго зникла зі сцени.
Зовсім інакше склалася доля другої опери Шостаковича «Леді Макбет Мценського повіту» («Катерина Ізмайлова», 1930-1932) за однойменною повістю М. С. Лєскова. Але тепер це була вже не пародія на оперу, а висока трагедія з безліччю гротескових і сатиричних сцен. Головна героїня, Катерина Ізмайлова, пройшовши через важкі випробування, кидала виклик нашому житті.
Опера була тепло прийнята публікою, але в січні 1936 р . газета «Правда» опублікувала анонімну статтю «Сумбур замість музики», в якій проти композитора висувалися звинувачення у «крайньому формалізмі», «грубому натуралізмі» і «мелодійному убозтві».
Через кілька днів з'явилася друга замовна стаття «Балетна фальш», спрямована проти музики до балету «Світлий струмок». На цей раз Шостаковичу ставили в провину «лялькове зображення життя» і «формалістичний підхід до фольклору». Оперу і балет негайно зняли з репертуару. Проти композитора була розгорнута безпрецедентна цькування. У нього надовго була віднята можливість складати те, що хочеться. Мало хто тоді могли сміливо простягнути руку допомоги опальному композитору. Серед них була А. А. Ахматова, присвятила йому ці рядки вірша «Музика»:
У ній щось чудотворне горить,
І на очах її краю гранятся,
Вона одна зі мною говорить,
Коли інші підійти бояться.
Коли останній один відвів очі,
Вона була зі мною в моїй могилі.
І співала, наче перша гроза
Іль ніби всі квіти заговорили.
В кінці 30-х років Шостакович звернувся до інструментальної та симфонічної музики. Одним з найбільших творів цього часу стала П'ята симфонія (1937), яку багато хто назвав «оптимістичній трагедією» композитора. Це була симфонія-монолог, щиро розповідає про важких пошуках життєвого шляху. У ній часто звучали монологи соло інструментів: флейти, скрипки, арфи і челести. Твір було одностайно визнано однією з вершин російської і світової симфонізму.
Всесвітню популярність Шостаковичу принесла знаменита Сьома симфонія («Ленінградська», 1942), вперше виконана в обложеному Ленінграді.
Великий інтерес представляє камерна та вокальна музика Шостаковича. За силою майстерності та виразності його струнні квартети не поступалися кращим симфоній. У вокальних циклах він звертався до поетичної творчості Мікеланджело, О. Пушкіна, М. Лермонтова, А. Ахматової, О. Блока, М. Цвєтаєвої, Саші Чорного, японських, іспанських і французьких поетів.
Особливе місце у творчості композитора займала музика до кінофільмів та драматичних вистав. Ще в післяреволюційному Петрограді Шостакович працював тапером у маленьких кінозалах, імпровізуючи на фортепіано під час демонстрації німих кінострічок. Коли з 1928 р . починається ера кіномузики, він із задоволенням приходить у кінематограф, де створює ряд блискучих музичних творів до фільмів «Трилогія про Максима», «Іван Мічурін», «Зустріч на Ельбі», «Молода гвардія», «Падіння Берліна», «Овід», «Гамлет», «Король Лір». Пісня з кінофільму «Зустрічний» («Нас ранок зустрічає прохолодою») одразу ж полюбилася слухачам. Після Великої Вітчизняної війни вона була прийнята в якості офіційного гімну ООН. Музику для кіно Шостакович ніколи не розглядав як прикраса фільму. Навпаки, вона була найважливішим засобом розкриття внутрішнього сенсу екранної дії.
У цей же час плідно працювали композитори М. Я. Мясковський (1881-1950), Р. М. Глієр (1875-1956), А. І. Хачатурян (1903-1978), Г. В. Свиридов (1915-1998) , Д. В. Кабалевський (1904-1987), Т. М. Хренніков (р. 1913), Р. К. Щедрін (нар. 1932).
Помітним явищем вітчизняної музичної культури став музичний авангард, що виник на рубежі 60-70-х років. Його талановитими представниками є А. Г. Шнітке (1934-1999), С. А. Губайдуліна (нар. 1931), Е. В. Денисов (1929 - 1996). Творчість кожного з них - це новаторський пошук, сміливість та оригінальність у вирішенні музичних тем, емоційність виконавської манери.
ü Феномен масової пісні
Масова пісня - унікальний жанр музичної творчості, своєрідний літопис історії нашої держави. Широко відомі слова про те, що «нам пісня будувати і жити допомагає», виявилися необхідними для життя кількох поколінь радянських людей.
Пісні, створені після Жовтневої революції та Громадянської війни, найчастіше мали яскраво виражений революційний характер. Багато хто з них стихійно народжувалися в середовищі червоноармійців і перших комсомольців. До їх числа можна віднести пісні «Сміливо ми в бій підемо», «Молода гвардія» («Вперед, зорі назустріч ...»),« Там, далеко, за рікою »,« Тачанка »,« Марш Будьонного ».
На зміну їм у роки перших п'ятирічок прийшли пісні, які надихали людей на трудові подвиги. Кращі з них були створені в співдружності композитора Ісаака Дунаєвського Йосиповича (1900-1955) і поета В. І. Лебедєва-Кумача до кінофільмів «Веселі хлопці» («Марш веселих хлоп'ят»), «Діти капітана Гранта» («Пісня про веселий вітрі »),« Цирк »(« Пісня про Батьківщину »). Дунаєвський по праву вважається творцем жанру пісні-маршу («Марш ентузіастів», «Спортивний марш», «Марш трактористів», «Весняний марш»). Він багато в чому збагатив жанр пісні, внісши в неї елементи оперети та джазу. Пісні, що прозвучали в кінофільмах «Волга-Волга», «Кубанські козаки», «Весна», «Три товариші», ставали улюбленими народом і незабаром починали жити власним життям.
У важкі роки Великої Вітчизняної війни пісня об'єднувала людей, що жили одними тривогами і почуттями, мрією про Перемогу. З перших же днів війни пісня виявилася чи не найбільш потрібним музичним жанром. Одна з найвідоміших - «Священна війна» А. В. Александрова і В. І. Лебедєва-Кумача, вперше виконана ансамблем Червоної Армії на пероні Білоруського вокзалу в Москві. Бійці, що йшли на фронт, відразу ж запам'ятовували її слова:
Вставай, страна огромная,
Вставай на смертний бій ...
«Музика з її призовних звучанням буквально приголомшила нас. Від хвилювання перехопило горло, в очах стояли сльози. Інтонації кличу, мужнього зона викликали у слухачів резолюція тут же йти в бій на ворога »(В. О. Александров).
Пісня, створена за лічені години 24 червня 1941 р ., Висловила те, про що в ті дні думав кожен. Вона стала символом, бойовим гімном Великої Вітчизняної війни.
У суворі роки випробувань люди потребували не тільки в героїчних піснях, здатних піднімати бойовий дух. Особливою любов'ю користувалися пісні про рідний дім, про залишені там близьких. Пісні композиторів В. Соловйова-Сєдого, М. Блантера, М. Богословського, А. Новікова, Т. Хреннікова проникливо розповідали про любов і вірність. Це «Вечір на рейді», «Землянка», «У лісі прифронтовому», «Катюша», «Темна ніч», «Солов'ї».
Військова тематика в пісенному жанрі виявилася невичерпною. Через 30 років після війни буде написана пісня «День Перемоги» Д. Тухманова і В. Харитонова. «Радість зі сльозами на очах» і одночасно гіркоту великих втрат в ній були виражені з граничною щирістю.
Після Великої Вітчизняної війни в музику прийшли нові теми й інтонації. У дні Шостого Всесвітнього фестивалю молоді та студентів у Москві 1957 р . з'явилася одна з улюблених народних пісень "Підмосковні вечори» на музику В. Соловйова-Сєдого і слова М. Матусовського. Замість маршових ритмів і агітаційних рядків у ній прозвучали задушевна сердечність і чуйність російської людини. Чарівна, лірична мелодія виявилася здатною підкорити будь-яку аудиторію. Її позивні досі звучать в радіопрограмі «Маяк».
В кінці 50-х - початку 80-х років широко звучали пісні Олександри Миколаївни Пахмутової. Молодіжний запал, романтика доріг та освоєння нових земель, дух спортивних змагань і лірична ніжність визначають головний зміст пісень Пахмутової. «Пісня про тривожну молодість», «Геологи», «Знаєте, яким він хлопцем був», «Трус не грає в хокей», «Шалений будзагін», «Як молоді ми були», «Ніжність», «Мелодія», «Надія »давно увійшли в число найулюбленіших і виконуваних творів композитора. Пісня "До побачення, Москва» на слова М. Добронравова, написана в дні прощання з Московською Олімпіадою 1980 р ., Стала однією з улюблених народом пісень.
Інший потужний пласт музики складає бардівська, чи авторська, пісня, представлена творчістю О. Галича, Б. Окуджави, В. Висоцького, Ю. Візбора, А. Городницького, Ю. Кіма, Н. Матвєєвої, В. Доліної.
Бардівська пісня - це особливий музично-поетичний жанр міського фольклору, розрахований на безпосереднє спілкування слухачів з автором. Сучасна бардівська пісня частіше за все є живим відгуком на хвилюючі всіх події. Що в такому жанрі важливіше: слова чи музика? Ось як на це питання відповідає один з її авторів і виконавців Юлій Кім:
«Кращі з наших пісень ті, в яких знайдено своєрідне нерозкладне ціле. Надруковані у вигляді віршів, наші пісні багато втрачають, вони неодмінно повинні звучати. І тим не менше ми маємо справу з поезією, тому що і сюжет, і рима, і ритм, і мелодія служать перш за все виявлення сенсу. Однак це особлива, пісенна поезія, образ якої одночасно музичний і словесний. Ось чому я кажу про нерозкладне цілому. Воно і є наше виразне засіб ».
Масова пісня в наші дні сильно змінилася за своєю суттю. В основному це поп-музика сучасних груп та виконавців. Серед них важко віддати комусь особливу перевагу, тому що у кожного слухача свої смаки і пристрасті, які не завжди поділяє більшість. Звичайно, це вже зовсім інші пісні, у яких своя життя на естраді.
СЕРЕДНЯ ЗАГАЛЬНООСВІТНЯ ШКОЛА № 13
с. СВЕТЛОГОРЬЕ ПОЖАРСКОГО району Приморського краю
Тема:
Музика України ХХ століття
Виконали: Ляхов Іван
Ляхов Павло
учні 11 А класу
с. Светлогорье
2009
Російська музика ХХ ст., Успішно розвивала традиції зарубіжних і вітчизняних композиторів, в той же час прокладала нові шляхи і здійснювала сміливі експерименти. Незважаючи на революційні потрясіння та соціальні катаклізми Новітнього часу, в ній органічно з'єднувалися різні стилі і напрямки, представлені творчістю найталановитіших композиторів-класиків. Багато творів А. Н. Скрябіна, С. В. Рахманінова, І. Ф. Стравінського, С. С. Прокоф 'єва, Д. Д. Шостаковича, Г. В. Свиридова належать до шедеврів світової музичної культури. Досягнення композиторів російського авангарду також мають неминуще значення і до цих пір привертають увагу слухачів у багатьох країнах світу.
Самобутній шлях вітчизняної музичної культури ХХ ст. визначає і унікальне явище масової пісні, що не має аналогів у світі.
Музика рубежу століть успішно розвивала кращі традиції вітчизняних композиторів-романтиків і композиторів «Могутньої купки». Разом з тим вона продовжувала сміливі пошуки в галузі форми і змісту, представляючи на суд слухачів оригінальні твори, що вражають новизною задуму і його втілення.
Творчість Олександра Миколайовича Скрябіна (1872-1915), одного з найталановитіших композиторів початку ХХ ст., Нерідко пов'язують з символізмом. Дійсно, художні пошуки Скрябіна багато в чому визначили поети-символісти, а також сучасні йому філософські та містичні вчення. У своїх творах він прагнув передати світ хитких і витончених переживань людини. Душевний порив, захоплення і сумнів, ловлення вітру і силу пристрасті він міг втілити у прекрасні образи-символи, надовго запам'ятовуються слухачам. Не випадково його творчим девізом стали слова, вимовлені ще в юності: «Іду сказати людям, що вони сильні і могутні».
Він був мрійником. Протягом усього творчого шляху Скрябіна приваблювала ідея синтезу мистецтв. У «Поемі вогню», відомої також під назвою «Прометей» (1910), він мріяв поєднати звук і колір. Його ніколи не покидала мрія про загальне «діонісійського танці». Навіть оркестр, на його думку, повинен був знаходитися в постійному русі - танцювати. Гостро відчуваючи протиріччя свого складного часу, він мріяв про всесвітню гармонії людства. Його заповітною мрією став храм в Індії на березі гірського озера для постановки нездійсненого твори «Містерії».
Він не шукав - минутно потішити,
Наспівами втішити і полонити;
Мріяв про вищу: Божество прославити
І безодні духу в звуках осяяти.
В. Я. Брюсов
Він невпинно вірив в особливу силу мистецтва, здатну змінити, перетворити світ і людину. Не випадково Перша симфонія (1900) закінчувалася його власними віршами:
Прийдіть всі народи світу,
Мистецтву славу співаймо!
Скрябін є автором дев'ятнадцяти фортепіанних поем, трьох симфоній, концерту для фортепіано з оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсів і етюдів. У кожному творі позначилися неперевершений талант і майстерність композитора.
До вершинним творам Скрябіна можна віднести «Поему екстазу» (1907). Це великий твір, написаний у сонатної формі, являє собою своєрідний гімн всеперемагаючої могутності людського духу. Воно розповідає про те, як душа людини проходить важкий шлях від неясних передчуттів і тривоги до вищої духовної радості, знаходячи величезну силу і енергію. У «ритмах тривожних» в ньому передана напружена атмосфера першої російської революції, напружене передчуття майбутніх катастроф. Не випадково у віршованому тексті програми Скрябін згадував про Всесвіт, охоплені «пожежею загальним».
Вперше «Поема екстазу» пролунав у Росії в
Музика Скрябіна звучала на багатьох концертних майданчиках світу, в тому числі і на знаменитих Російських сезонах С. П. Дягілєва. Подальша доля композитора склалася трагічно: в 44 роки він несподівано помер від зараження крові. На смерть Скрябіна відгукнулися багато сучасників, в тому числі і відомий поет В. Я. Брюсов:
Метал мелодій він посмів розплавити
І в форми нові хотів вилити;
Він невпинно прагнув жити і жити,
Щоб завершеним пам'ятник поставити ...
На щастя, словами поета було призначено збутися: Скрябін був і залишається «зіркою першої величини» (Н. А. Римський-Корсаков).
Не меншу популярність придбало творчість Сергія Васильовича Рахманінова (1873-1943), також випускника Московської консерваторії, закінчив її з золотою медаллю. На відміну від Скрябіна, багато в чому зв'язав свій творчий шлях з символізмом, Рахманінов дотримувався романтичного напряму в музиці. Не визнаючи модерністських новацій, він писав:
«У мистецтві що-небудь зрозуміти - значить полюбити. Модернізм мені органічно незрозумілий, і я не боюся відкрито в цьому зізнатися. Для мене це просто китайська грамота ...
Виразний дисонанс гарний, але нескінченна какофонія, доведена до безжалісних крайнощів, ніколи не буває і не може бути мистецтвом ».
Музична творчість С. В. Рахманінова відрізняють ритмічна енергія, схвильованість, що досягають сильного напруження, і одночасно лірична мрійливість і емоційність. Найважливішим елементом його стилю є мелодія, якій він надавав першорядне значення.
«Мелодія - це музика. Головна основа всієї музики, оскільки досконала мелодія має на увазі і викликає до життя своє гармонійне оформлення ... Мелодична винахідливість у вищому сенсі цього слова - головна життєва мета композитора ».
У дев'ятнадцять років він створив одноактну оперу «Алеко» (1892) на сюжет поеми О. С. Пушкіна «Цигани», яка була високо оцінена П. І. Чайковським. Це була вища нагорода дипломної роботі початківця композитора. У двадцять років у концертних залах йому аплодувала захоплена публіка. У коло його прихильників входили найвідоміші діячі культури того часу: Л. М. Толстой, А. П. Чехов, І. Є. Рєпін, К. С. Станіславський, Ф. І. Шаляпін, М. Горький, багато поетів Срібного століття. І все ж життя Рахманінова не представляється спокійній і безтурботним: він знав не тільки злети, але і падіння. Рахманінов став свідком двох світових воєн і двох російських революцій. Він захоплено вітав крах царського режиму, але не прийняв Жовтень. Майже половину життя він провів далеко від батьківщини, але до останнього дня відчував себе росіянином людиною:
«Я російський композитор, і моя батьківщина наклала відбиток на мій характер і на мої погляди. Моя музика - це плід мого характеру, і тому це російська музика ...
Музика композитора повинна виражати дух країни, в якій він народився, його любов, його віру і думки, які виникли під враженням книг, картин, які він любить. Вона повинна стати узагальненням всього життєвого досвіду композитора ».
Багатогранний талант Рахманінова проявився у багатьох музичних жанрах. Їм створені дві опери («Скупий лицар» і «Франческа да Ріміні»), вокально-симфонічна поема «Дзвони» (1913), сонати, експромти, прелюдії. Для хору він складав і духовну музику, висхідну до давньоруських знаменним розспівуючи («Літургія Іоанна Златоуста», 1909, і «Всенічне бдіння», 1915). Він є автором близько вісімдесяти романсів на вірші російських і зарубіжних поетів.
Особливу популярність принесли Рахманінову фортепіанні твори. Створений ним особливий стиль фортепіанної музики відрізняють дивовижне розмаїття і повнота звучання. Здавалося, що за багатством фарб він прагнув уподібнити фортепіано всьому симфонічному оркестру. Найбільш відомим твором є Другий фортепіанний концерт (1901), в якому розкрилися кращі риси його композиторського таланту. Твір «надзвичайною, дивовижної краси» (С. С. Прокоф 'єв) разюче точно передавало суперечливість нової епохи і підтверджувало справедливість оцінки його суворого вчителя С. І. Танєєва: «Це геніально». За цей твір Рахманінову в
Всесвітньо відомий Рахманінов не тільки як композитор, але і як видатний піаніст і диригент. «Божество в трьох особах» так сказав про нього один із сучасників. Швидко опанувавши технікою виконавської майстерності, Рахманінов виявив неабиякий талант блискучого інтерпретатора музичних творів. Його потужна гра за своєю силою могла рівнятися цілого оркестру і виробляла колосальне враження на слухачів.
В кінці
Важко уявити музичну картину ХХ ст. без творчості Ігоря Федоровича Стравінського (1882-1971) - одного з найбільш яскравих представників світової класики. За шість десятиліть творчого шляху їм було створено близько 150 творів у різних музичних жанрах, і в кожному позначився оригінальний талант композитора. Серед них музика для балетного та оперного театрів, інструментальні твори, хорові та вокальні твори.
В історію світової музичної культури він увійшов як сміливий новатор, невтомно кладе власні шляхи в мистецтві. У рідкісних випадках він залишався байдужим до нових віянь в музиці. Навпаки, він завжди відгукувався на те, що видавалося йому самобутнім і цікавим. Шлях Стравінського в музиці - це шлях від романтизму та імпресіонізму до неокласицизму, додекафонії, музиці авангарду. В останні роки життя він жваво цікавився мистецтвом джазу та досягненнями в галузі електронної музики.
У рамках одного твору він міг вільно з'єднати стилістику різних музичних епох (бароко, класицизму, романтизму). Звернення до музичних традицій минулого аж ніяк не заважало йому експериментувати, наповнюючи твори духом сучасності. Ось що він говорив з цього приводу:
«Традиція ... не просто «передається» від батьків до дітей, але зазнає життєвий процес: народжується, зростає, досягає зрілості, йде на спад і, буває, відроджується ...
Говорити мовою минулих поколінь не є творчість, це - не мистецтво, а рутина ».
Зустріч з С. П. Дягілєвим у
25 червня
Через рік - нова, не менш блискуча прем'єра балету «Петрушка». Головну увагу Стравінський зосередив на глибокій психологічній драмі улюбленого народного героя Петрушки, безнадійно закоханого в дурненьку Балерина, що віддає перевагу самовдоволеному Арапу. Про страждання головного героя, доброго, пустотливого і ніколи не сумує, Стравінський геніально розповів мовою музики. Особливо вражала фінальна сцена прощання Петрушки з життям. Дивною знахідкою композитора став уривчастий «схлип», «видихаючи» флейт і дивний звук від кинутого на підлогу бубна. Ще недавно нестримно танцював натовп застигає перед вмираючим. У трагічний момент відльоту душі Петрушки в кращий світ лине дивовижна музика, передає трепет минає життя. Відлуння масляного балагану і пронизлива фанфара ожилого Петрушки завершують дію.
Співавторами Стравінського в цій роботі виступили балетмейстер М. М. Фокін (1880-1942) і лібретист, художник А. Н. Бенуа. Головні ролі виконували Тамара Карсавіна і Вацлав Ніжинський. Балет «Петрушка» став яскравою подією Російських сезонів С. П. Дягілєва. Прем'єра третього, не менш знаменитого балету Стравінського «Весна священна» (1913) викликала в Парижі нечуваний скандал. Пізніше автор згадував:
«Коли піднялася завіса і на сцені виявилася група стрибаючих Лоліт з вивернутими всередину колінами і довгими косами ... вибухнула буря. Позаду мене лунали крики «Заткни пельку! ..» Я в люті покинув зал ».
Зніжене вухо слухачів, яке звикло до солодких і млосним звуків, почуло чужу язичницьку стихію. Не випадково балет мав підзаголовок «Картини язичницької Русі». Стравінський намагався відтворити в музиці первозданну суворість звичаїв язичницьких племен, очолюваних Найстаршим-мудрий. Напружені дисонанси, складні ритми і несподівані контрасти покликані були передати магічну силу заклинань природи, весняних ворожінь, найдавніший обряд Поцілунку землі, величання Вибраною. Рухи та жести акторів, які відмовилися від прийомів класичного балету, були важкими і незграбними. У ті дні один з критиків писав:
«Паризька прем'єра« Весни священної »згадується як щось дуже значне, як битва під Ватерлоо, як перший політ повітряної кулі».
Через кілька років «Весна священна», виконана як симфонічний твір, викликала бурхливі овації слухачів.
ü Композитори радянської епохи
У
«Зараз не ті часи, коли музика писалася для крихітного гуртка естетів. Зараз величезні натовпи народу стали обличчям до обличчя з серйозною музикою і запитально чекають. Композитори, уважно поставтеся до цього моменту: якщо ви відштовхнете ці натовпи, вони підуть ... якщо ж ви їх утримаєте, то вийде така аудиторія, якої не було ніде і ні в які часи ... »
Дійсно, радянська епоха висунула перед композиторами цілком певні завдання. Творчість, орієнтоване на широкі маси слухачів, повинно було відповідати духу свого часу. Незважаючи на явно виражене прагнення поєднати творчість з ідеологією радянської держави, Прокоф'єв, лауреат шести Сталінських премій, завжди залишався самим собою, людиною твердого і незалежного характеру. Саме так починався його творчий шлях у музиці. Закінчуючи в
Він ніколи нікому не наслідував, хоча у нього були свої улюблені композитори і вчителі. Анітрохи, наприклад, не збентежило Прокоф'єва те, як погано був сприйнятий слухачами його Другий фортепіанний концерт.
Вісім опер, сім балетів, по сім симфоній і концертів, велика кількість камерних, фортепіанних і вокальних творів, музика до кінофільмів - такий шлях Прокоф'єва в музиці.
Одним із шедеврів композитора став балет «Ромео і Джульєтта» (1936). Ідея створення балету багатьом здалася приреченою на невдачу, але Прокоф'єв був вже цілком у владі Шекспіра: нестримна фантазія народжувала перші музичні теми; обговорювалися деталі сценарію і драматургія майбутнього твору. Коли все було готове, то замість загальноприйнятих сольних танців, дуетів, тріо, адажіо і вальсів в партитурі значилися незвичні для слуху назви: «Ромео», «Наказ герцога», «Джульєтта-дівчинка», «Тібальд б'ється з Меркуціо», «Ромео і Джульєтта перед розлукою »... Все було несподівано і незвично. Далеко не відразу було прийнято рішення ставити спектакль. Композитор навідріз відмовлявся переробляти що-небудь.
Прем'єра відбулася в Ленінграді в
Прекрасні були і масові сцени балету. У них автор зумів передати гучну енергію веселої вуличної юрби, манірність в танцях знаті на балу у Капулетті, витонченість трохи уповільненої танцю дівчат з ліліями біля ліжка заснула Джульєтти. Через жест, міміку, ходу і манеру рухатися композитор блискуче передав суть характерів кожного з героїв. Балет Прокоф'єва «Ромео і Джульєтта» до цих пір залишається одним з найбільш репертуарних в театрах світу.
Серед оперних творів композитора слід виділити оперу «Війна і мир», над якою він працював більше, ніж над будь-яким іншим твором. Протягом кількох років (з 1943 по
Перша редакція вистави була розрахована на два вечори, але згодом опера отримала жанрові рамки звичних оперних вистав. Понад шістдесят персонажів, не рахуючи гостей на балу, солдатів, селян і партизанів ...
Найкращі картини опери - це перший бал Наташі Ростової, в якому звучить дивовижний за красою вальс, передавальний наївне чарівність і витончену грацію юної дівчини; це сцени у Відрадному і зустріч Наташі зі смертельно пораненим Андрієм Болконским в Митіщах.
Прокоф'єв приділяв велику увагу народним і героїчним темами у опері, особливо образу народного полководця Кутузова. Його чудова арія «Незрівнянний народ!», Нагадує розспіви народних пісень, надавала дії епічний розмах і велич.
Велике місце в творчості Прокоф'єва займає музика до кінофільмів С. М. Ейзенштейна «Олександр Невський» (1938) та «Іван Грозний» (1942-1945).
Серед композиторів радянської епохи творчість Дмитра Дмитровича Шостаковича (1906-1975) багато в чому визначає класичний напрям в російській музиці ХХ ст. Написана дев'ятнадцятирічним випускником Ленінградської консерваторії Перша симфонія (1926) вразила слухачів оптимізмом і свіжістю звучання. Вона відразу ж увійшла до репертуару вітчизняних і зарубіжних диригентів.
За піввіковий період творчості до Першої симфонії додадуться ще чотирнадцять. Шостакович писав твори майже у всіх музичних жанрах: п'ятнадцять квартетів, дві опери («Ніс» і «Леді Макбет Мценського повіту»), три балету («Золотий вік», «Болт» і «Світлий струмок»), шість інструментальних концертів, цикли романсів, збірники фортепіанних прелюдій і фуг, кантати, ораторія («Пісня про ліси»), музика до кінофільмів та драматичних вистав.
Чималу популярність композиторові принесла постановка опери «Ніс» (1927-1928) за повістю М. В. Гоголя. У музиці перед здивованою публікою розгорталася «неймовірне подія» з носом майора Ковальова. Сатиричний лад гоголівської повісті, здавалося, підказував композитору новий шлях, в корені ламає традиції оперного мистецтва. Все в ній було на межі шаржу і гротеску, все поверталося назад, вивертав навиворіт. Замість звичного співу чулася судомна скоромовка, безладний ансамбль з восьми двірників перебивав і не чув один одного. У фантастичне дію виявилися втягнутими поліцейські, цирульник, перський принц, бублики і парасольки ... Веселі канкани змінювали галопи і польки. Порушено сопів хор роззяв.
Незважаючи на те що опера відтворювала події гоголівської Росії ХІХ століття, в ній легко вгадувалася сатира на міщанський побут радянської доби. Прем'єра відбулася в січні
«Під хвацькі галопи і хвацько польки крутилися, крутилися декорації В. Дмитрієва: гоголівська фантасмагорія стала звуком і кольором ... Вирував гоголівський гротеск: що тут було фарсом, що пророцтвом?
Неймовірні оркестрові поєднання, тексти, немислимі для співу ... незвичні ритми ... освоєння всього того, що колись здавалося антіпоетічним, антимузичні, вульгарним, а було на ділі живої інтонацією, пародією - боротьбою з умовністю ... Це був дуже веселий спектакль ».
Опера «Ніс» витримала шістнадцять вистав за два роки, після чого надовго зникла зі сцени.
Зовсім інакше склалася доля другої опери Шостаковича «Леді Макбет Мценського повіту» («Катерина Ізмайлова», 1930-1932) за однойменною повістю М. С. Лєскова. Але тепер це була вже не пародія на оперу, а висока трагедія з безліччю гротескових і сатиричних сцен. Головна героїня, Катерина Ізмайлова, пройшовши через важкі випробування, кидала виклик нашому житті.
Опера була тепло прийнята публікою, але в січні
Через кілька днів з'явилася друга замовна стаття «Балетна фальш», спрямована проти музики до балету «Світлий струмок». На цей раз Шостаковичу ставили в провину «лялькове зображення життя» і «формалістичний підхід до фольклору». Оперу і балет негайно зняли з репертуару. Проти композитора була розгорнута безпрецедентна цькування. У нього надовго була віднята можливість складати те, що хочеться. Мало хто тоді могли сміливо простягнути руку допомоги опальному композитору. Серед них була А. А. Ахматова, присвятила йому ці рядки вірша «Музика»:
У ній щось чудотворне горить,
І на очах її краю гранятся,
Вона одна зі мною говорить,
Коли інші підійти бояться.
Коли останній один відвів очі,
Вона була зі мною в моїй могилі.
І співала, наче перша гроза
Іль ніби всі квіти заговорили.
В кінці 30-х років Шостакович звернувся до інструментальної та симфонічної музики. Одним з найбільших творів цього часу стала П'ята симфонія (1937), яку багато хто назвав «оптимістичній трагедією» композитора. Це була симфонія-монолог, щиро розповідає про важких пошуках життєвого шляху. У ній часто звучали монологи соло інструментів: флейти, скрипки, арфи і челести. Твір було одностайно визнано однією з вершин російської і світової симфонізму.
Всесвітню популярність Шостаковичу принесла знаменита Сьома симфонія («Ленінградська», 1942), вперше виконана в обложеному Ленінграді.
Великий інтерес представляє камерна та вокальна музика Шостаковича. За силою майстерності та виразності його струнні квартети не поступалися кращим симфоній. У вокальних циклах він звертався до поетичної творчості Мікеланджело, О. Пушкіна, М. Лермонтова, А. Ахматової, О. Блока, М. Цвєтаєвої, Саші Чорного, японських, іспанських і французьких поетів.
Особливе місце у творчості композитора займала музика до кінофільмів та драматичних вистав. Ще в післяреволюційному Петрограді Шостакович працював тапером у маленьких кінозалах, імпровізуючи на фортепіано під час демонстрації німих кінострічок. Коли з
У цей же час плідно працювали композитори М. Я. Мясковський (1881-1950), Р. М. Глієр (1875-1956), А. І. Хачатурян (1903-1978), Г. В. Свиридов (1915-1998) , Д. В. Кабалевський (1904-1987), Т. М. Хренніков (р. 1913), Р. К. Щедрін (нар. 1932).
Помітним явищем вітчизняної музичної культури став музичний авангард, що виник на рубежі 60-70-х років. Його талановитими представниками є А. Г. Шнітке (1934-1999), С. А. Губайдуліна (нар. 1931), Е. В. Денисов (1929 - 1996). Творчість кожного з них - це новаторський пошук, сміливість та оригінальність у вирішенні музичних тем, емоційність виконавської манери.
ü Феномен масової пісні
Масова пісня - унікальний жанр музичної творчості, своєрідний літопис історії нашої держави. Широко відомі слова про те, що «нам пісня будувати і жити допомагає», виявилися необхідними для життя кількох поколінь радянських людей.
Пісні, створені після Жовтневої революції та Громадянської війни, найчастіше мали яскраво виражений революційний характер. Багато хто з них стихійно народжувалися в середовищі червоноармійців і перших комсомольців. До їх числа можна віднести пісні «Сміливо ми в бій підемо», «Молода гвардія» («Вперед, зорі назустріч ...»),« Там, далеко, за рікою »,« Тачанка »,« Марш Будьонного ».
На зміну їм у роки перших п'ятирічок прийшли пісні, які надихали людей на трудові подвиги. Кращі з них були створені в співдружності композитора Ісаака Дунаєвського Йосиповича (1900-1955) і поета В. І. Лебедєва-Кумача до кінофільмів «Веселі хлопці» («Марш веселих хлоп'ят»), «Діти капітана Гранта» («Пісня про веселий вітрі »),« Цирк »(« Пісня про Батьківщину »). Дунаєвський по праву вважається творцем жанру пісні-маршу («Марш ентузіастів», «Спортивний марш», «Марш трактористів», «Весняний марш»). Він багато в чому збагатив жанр пісні, внісши в неї елементи оперети та джазу. Пісні, що прозвучали в кінофільмах «Волга-Волга», «Кубанські козаки», «Весна», «Три товариші», ставали улюбленими народом і незабаром починали жити власним життям.
У важкі роки Великої Вітчизняної війни пісня об'єднувала людей, що жили одними тривогами і почуттями, мрією про Перемогу. З перших же днів війни пісня виявилася чи не найбільш потрібним музичним жанром. Одна з найвідоміших - «Священна війна» А. В. Александрова і В. І. Лебедєва-Кумача, вперше виконана ансамблем Червоної Армії на пероні Білоруського вокзалу в Москві. Бійці, що йшли на фронт, відразу ж запам'ятовували її слова:
Вставай, страна огромная,
Вставай на смертний бій ...
«Музика з її призовних звучанням буквально приголомшила нас. Від хвилювання перехопило горло, в очах стояли сльози. Інтонації кличу, мужнього зона викликали у слухачів резолюція тут же йти в бій на ворога »(В. О. Александров).
Пісня, створена за лічені години 24 червня
У суворі роки випробувань люди потребували не тільки в героїчних піснях, здатних піднімати бойовий дух. Особливою любов'ю користувалися пісні про рідний дім, про залишені там близьких. Пісні композиторів В. Соловйова-Сєдого, М. Блантера, М. Богословського, А. Новікова, Т. Хреннікова проникливо розповідали про любов і вірність. Це «Вечір на рейді», «Землянка», «У лісі прифронтовому», «Катюша», «Темна ніч», «Солов'ї».
Військова тематика в пісенному жанрі виявилася невичерпною. Через 30 років після війни буде написана пісня «День Перемоги» Д. Тухманова і В. Харитонова. «Радість зі сльозами на очах» і одночасно гіркоту великих втрат в ній були виражені з граничною щирістю.
Після Великої Вітчизняної війни в музику прийшли нові теми й інтонації. У дні Шостого Всесвітнього фестивалю молоді та студентів у Москві
В кінці 50-х - початку 80-х років широко звучали пісні Олександри Миколаївни Пахмутової. Молодіжний запал, романтика доріг та освоєння нових земель, дух спортивних змагань і лірична ніжність визначають головний зміст пісень Пахмутової. «Пісня про тривожну молодість», «Геологи», «Знаєте, яким він хлопцем був», «Трус не грає в хокей», «Шалений будзагін», «Як молоді ми були», «Ніжність», «Мелодія», «Надія »давно увійшли в число найулюбленіших і виконуваних творів композитора. Пісня "До побачення, Москва» на слова М. Добронравова, написана в дні прощання з Московською Олімпіадою
Інший потужний пласт музики складає бардівська, чи авторська, пісня, представлена творчістю О. Галича, Б. Окуджави, В. Висоцького, Ю. Візбора, А. Городницького, Ю. Кіма, Н. Матвєєвої, В. Доліної.
Бардівська пісня - це особливий музично-поетичний жанр міського фольклору, розрахований на безпосереднє спілкування слухачів з автором. Сучасна бардівська пісня частіше за все є живим відгуком на хвилюючі всіх події. Що в такому жанрі важливіше: слова чи музика? Ось як на це питання відповідає один з її авторів і виконавців Юлій Кім:
«Кращі з наших пісень ті, в яких знайдено своєрідне нерозкладне ціле. Надруковані у вигляді віршів, наші пісні багато втрачають, вони неодмінно повинні звучати. І тим не менше ми маємо справу з поезією, тому що і сюжет, і рима, і ритм, і мелодія служать перш за все виявлення сенсу. Однак це особлива, пісенна поезія, образ якої одночасно музичний і словесний. Ось чому я кажу про нерозкладне цілому. Воно і є наше виразне засіб ».
Масова пісня в наші дні сильно змінилася за своєю суттю. В основному це поп-музика сучасних груп та виконавців. Серед них важко віддати комусь особливу перевагу, тому що у кожного слухача свої смаки і пристрасті, які не завжди поділяє більшість. Звичайно, це вже зовсім інші пісні, у яких своя життя на естраді.