ПЛАН
Введення
1. Мистецтво Індії
2. Мистецтво Китаю
3. Мистецтво Японії
Список літератури
ВСТУП
Мистецтво країн Південно-Східної Азії вражає пишністю і неісчісляемим багатством форм. За багато століть склався неповторно самобутній художній вигляд Індії, Китаю і Японії.
Три великі релігії, сповідуються в Індії, дали світові чудові пам'ятки архітектури і скульптури: буддійські печерні храми з фресковими розписами, індуїстські храми, прикрашені скульптурами, і пам'ятники ісламської архітектури.
Священна книга ісламу - Коран - не містить великої кількості рекомендацій з приводу взаємин релігії і мистецтва. У міру поширення ісламу в різних країнах - від Іспанії до Індії, його мистецтво вбирало місцеві традиції цих країн.
Безкрайній Китай - одна з найдревніших і найбільш блискучих цивілізацій світу. Перше джерело китайської культури - природа, представлена в живописі і оформленні кераміки.
Мистецтво Японії має поруч дуже складних і трудомістких технік. Довгі століття, і особливо близько 1000 року в придворних колах Японії було модно наслідування всьому китайському; цього вимагали і від художників. Не дивно, що дуже довго придворне мистецтво Японії залишалося лише слабким відгомоном китайського. Але вирішальний вплив на становлення національної японської культури в кінцевому рахунку надав не Китай, а стародавня культура епохи Дзьомон, коли була винайдена кераміка і розпис по ній.
1. МИСТЕЦТВО ІНДІЇ
Першою цивілізацією на індійській землі була Хараппская культура в долині Інду, що процвітала за 2500 років до н.е. Перш ніж зникнути під натиском арійських племен, вона увічнила себе поряд чудових шедеврів скульптури та містобудування. Згодом арії заволоділи всій Північній Індією, але за тисячолітнє панування не залишили після себе ніяких пам'ятників мистецтва. Основи індійської художньої традиції були закладені лише в III столітті до н.е.
Індійське мистецтво спочатку носило релігійний характер, відображаючи світогляду індуїзму, джайнізму і буддизму. Індуси здавна відрізнялися загостреним сприйняттям навколишнього світу, і головне місце в їх мистецтві по праву займала архітектура.
У древніх скульптурах, що вийшли з-під різця представників аскетичного буддизму, ще немає і сліду того, що б'є через край життєлюбства. У свій час було навіть заборонено створювати портретні зображення Будди. Однак після скасування заборони в північно-східній провінції Гандхара почали з'являтися статуї Будди в образі людини, створені в еллінічеського «греко-буддійським» стилі, що зробив помітний вплив на мистецтво всього регіону.
У провінції Гандхара в перші століття н.е. з'явилася нова художня школа, яка поєднала традиційні буддійські канони з деякими рисами грецького мистецтва, принесеного в Індію військами Олександра Македонського (кінець IV століття до н.е.). Так, незліченні зображення Будди з каменю і стуку (суміш гіпсу, мармурової крихти і клею) придбали характерно довгасте обличчя, широко відкриті очі і тонкий ніс.
Порівняно стриманий стиль переважав і в класичну епоху Гупта (320-600 рр.. Н.е.), хоча до цього часу буддизм ввібрав багато елементів індуїстських міфів. Приміром, якшини - лісові божества жіночого роду - буддистськими скульптори зображувалися у вигляді пишнотілих танцівниць в манері, дуже далекою від аскетизму.
У будь-якому з творів індійського мистецтва - буддійському або індуїстському - спочатку закладена в закодованому вигляді релігійно-філософська інформація. Так, надзвичайно важлива поза, в якій зображений Будда: медитація або повчання. Існують канонічні особливості вигляду Будди: подовжені мочки вух, деформовані прикрасами, які він носив у молодості, коли був принцом, волосся, зібрані в спіралеподібні пучки на голові, і т.д. Такі деталі дають глядачеві ключ, який допомагає визначити ідею і, відповідно, необхідний для спілкування з божеством ритуал. Індуїстська мистецтво також значною мірою закодовано. Тут важлива будь-яка, навіть дрібна, деталь - поворот голови божества, становище і кількість рук, система прикрас. Знаменита статуетка танцюючого бога Шиви - ціла енциклопедія індуїзму. Кожним стрибком свого танцю він створює чи руйнує Світи; чотири руки означають нескінченне могутність; дуга з язичками полум'я - символ космічної енергії; маленька жіноча фігурка у волоссі - богиня річки Ганг і т.д. Зашифрованность сенсу властива мистецтву ряду країн Південно-Східної Азії, що входять в ареал індуїстської культури.
Яскраву картинку життя Стародавньої Індії відтворюють настрій розпису печерних храмів Аджанти, що вражають барвистістю і гармонією багатофігурних композицій.
Аджанта - це своєрідний монастир - університет, де живуть і навчаються ченці. Храми Аджанти витесані в 29 скелях, які знаходяться поруч з барвистими берегами річки Вагхаро. Фасади цих скельних храмів ставляться до Гупта - періоду розкішних декоративних скульптур.
Скульптурні пам'ятники Аджанти продовжують старі традиції, але форми набагато вільні, вдосконалені. Усередині храму майже всі списано. Сюжети живопису взяті з життя Будди і пов'язані з міфологічними сценами Старої Індії. Тут майстерно зображені люди, птахи, звірі, рослини і квіти.
Індійську архітектуру можна назвати різновидом скульптури, так як багато святилища не зводилися з окремих орнаментів, а висікалися з кам'яного моноліту і по ходу робіт покривалися найбагатшим килимом скульптурних прикрас.
З особливою силою ця риса проявилася в тисячах храмів, які виросли в період відродження індуїзму між 600 і 1200 роками н.е. Схожі на гори багатоярусні башти вкриті різьбленими барельєфами і статуями, що додають храмам Мамаллапурама і Еллори на рідкість органічний вигляд.
Вплив буддійського і індуїстського мистецтва відчувається далеко за межами Індії. Ангкор Ват - найбільший з безлічі індуїстських храмів, зведених у Калебодже в Х - ХІІ століттях. Це величезний, обнесений ровом комплекс з п'яти різьблених конічних веж, центральна з яких зметнулася у височінь на 60 метрів. Серед буддійських храмів не знає собі рівних унікальне святилище на пагорбі. Боробудур, що на острові Ява, в якому багатство скульптурного декору підпорядковане суворому архітектурному задуму. В інших краях - Тибеті, Китаї і Японії - буддизм теж дав початок високорозвиненим і самобутнім художнім традиціям.
Значні зміни в традиціях художньої творчості відбулися з розповсюдженням нової релігії - ісламу, принесеного в Індію арабськими завойовниками ще у VIII столітті. Свого апогею вплив ісламської культури досягло при Великих Моголів, що правили більшою частиною Індії з XVI століття. Зведенням чудових мечетей та усипальницю прославилися султан Акбар (1556 - 1605) і його приймачі - Джан-Ігор і Шах-Джахан.
Тадж-Махал - перлина індійської архітектури. Уболіваючи за померлою при пологах дружині, імператор Шах-Джахан звів в Агрі цей біломармуровий мавзолей, майстерно прикрашений мозаїкою з коштовних каменів. Оточена садом царська усипальниця розташована на березі річки Джамни. Біломармуровий будинок піднято на семиметровому постаменті. За планом вона являє восьми косинець, точніше квадрат зі зрізаними кутами. Усі фасади прорізані високими і глибокими нішами. Мавзолей увінчаний круглим «цибулинним» куполом, за легкість і стрункість порівнює поета з «хмарою, що спирається на повітряний трон». Його значний обсяг підкреслюється чотирма невеликими куполами мінаретів, що стоять по краях платформи. Внутрішній простір невелике і зайнято двома кенотафа (помилковими гробницями) Мумтаз і самого Шах-Джахана. Самі поховання в склепі під будівлями.
При Могола настав розквіт прийшов з Персії мистецтва мініатюри. Терміном «мініатюра» прийнято називати мальовничі книжкові ілюстрації будь-якого формату. До їх створення султан Акбар привернув художників зі всієї Індії, в тому числі індусів. У придворних майстерень склався енергійний світський стиль, багато в чому відрізнявся від декоративної перської традиції. Блискучі, немов самоцвіти, повні динамізму мініатюри епохи Моголів відкривають перед нами разюче живу картину індійського життя до воцаріння фанатичного Аурангзеба (1658-1707).
До цього що триває 500 років періоду відносяться велике різноманіття масивних, похмурими бронзових посудин для жертвоприношень предкам, прикрашений абстрактними символами. Насправді це гранично стилізовані зображення міфічних істот, у тому числі драконів. Властивий багатьом цивілізаціям культ предків зайняв головне місце у віруваннях китайців. Однак у мистецтві пізніших століть дух магічною таємничості поступово поступився місцем холодної споглядальності.
В епоху Шан-Інь почав формуватися старий опаясивающій план міст (Аньян), в центрі яких будували палац владики і храм. Житлові будинки та палац будували з твердої суміші землі (лес) і дерев'яної добавки без каменів. З'явилися піктографія і ієрогліфічні записи, основи місячного календаря. Саме в цей час сформувався стиль орнаменту, що зберігся ще довгі століття. Проста бронзовий посуд зовні прикрашалася символічними образами, а всередині - ієрогліфічними записами, з іменами знатних людей або дарчими написами. У цей період символічні образи далекі від реальності і відрізнялися абстрактною формою.
Традиції епохи Шан-Інь збереглися і з приходом нової династії Чжоу, і в епоху Воюючих царств (1027-221 рр.. До н.е.). До того часу з'явилися реалістичні бронзові статуетки людей і тварин, удосконалилося мистецтво лакової живопису та ювелірної обробки нефриту. Розписні і нефритові вироби цінувалися дуже дорого, тому що нефрит ввозився з-за кордону і був складний в обробці, а лакова живопис була надзвичайно трудомістким процесом.
Система релігійно - філософського даосизму і конфуціанства зробили великий внесок у культуру та мистецтво. У середині першого тисячоліття до н.е. сформувалися основні принципи архітектури та планування міст. Будували багато фортифікаційних споруд, окремі захисні стіни з півночі імперії стали об'єднуватися в одну суцільну Велику китайську стіну (3 століття до н.е. - 15 століття, висота від 5 до 10 метрів, ширина від 5 до 8 метрів і довжина 5000 км.) з чотирикутними охоронними вежами. Формуються каркасні конструкції, дерев'яна (пізніше цегляна) типи прямокутного плану будови. Двосхилі дахи будівель вкрилися соломою (пізніше черепицею). Розповсюджуються підземні двоповерхові мавзолеї. Їхні стіни і стелі прикрашалися стінний живописом, інкрустацією, близько ставилися кам'яні статуї фантастичних тварин. З'явилися характерні види китайського живопису.
Після багатовікових міжусобиць Китай був об'єднаний імператором династії Цінь (бл. 221 - 209 рр.. До н.е.). Про маніакальною жадобі самовозвеліченія цього владики говорить унікальна археологічна знахідка. Зроблена в 1974 р.: у гробниці імператора виявили цілу армію теракотових (з неглазурованої кераміки) воїнів у людський зріст, покликаних служити йому в загробному житті.
За роки правління династії Хань (209 р. до н.е. - 270 р. н.е.) Китай перетворився у величезну імперію зі складною соціальною структурою. Конфуціанство - етичне вчення, які проповідували поміркованість і вірність сімейному та громадянському обов'язку, справило глибокий вплив на світогляд китайців, особливо на касту вчених чиновників, сформовану системою іспитів на допуск до державної служби. Чиновники, часто будучи художниками і поетами, відігравали помітну роль у розвитку китайського мистецтва. Нові елементи були привнесені даосизмом - близьким до природи інтуїтивно - магічним вченням, що виникли в епоху Хань.
Ханьських мистецтво дійшло до нас перш за все у вигляді похоронних дарів - одягу, прикрас і косметики, а також бронзових і керамічних статуеток, барельєфів і фігурної черепиці. Що прийшла з Індії буддизм надихнув китайських майстрів на пошук нових форм і художніх прийомів, що проявилися у висічених на індійський манер печерних храмах і статуях Юнигана.
Судячи по нечисленних що дійшли до нас пам'ятників, в епоху Хань склалися міцні традиції живопису, що вирізнялася дивовижною легкістю і свободою кисті. Згодом живопис став воістину масовим мистецтвом, і за багато століть Китай дав світові чимало видатних художників, шкіл і течій. Тонке сприйняття краси навколишньої природи вивело на перший план жанр пейзажу, особливо гірського, значення якого в китайському мистецтві дуже велике - даний жанр не має аналогів в культурах. Картини нерідко створювалися як ілюстрації до поем або інших творів, а бездоганна каліграфія написів сама по собі шанувалася як мистецтво.
Хоча кераміка вироблялася в Китаї не одну тисячу років, в епоху Тан (618-906) дане ремесло набула рис справжнього мистецтва. Саме в цей час з'явилися нові форми і кольорова глазур, додавала виробам барвистий вигляд. До числа найбільш відомих пам'яток цієї династії належать похоронні керамічні статуетки людей і тварин, що не поступалися за виразністю великим структурним формам. Особливою красою і експресією відрізняються прекрасні кінні фігурки епохи Тан.
На зорі епохи Тан китайці опанували секрет виготовлення фарфору. Цей тонкий, твердий, напівпрозорий, білосніжний матеріал не мав собі рівних по витонченості, яке було доведено до досконалості вишуканою обробкою в епоху Сун (960-1260) і при наступних династіях. Знаменитий біло-блакитний фарфор виготовлявся в епоху монгольської династії Юань (1260-1368).
Велику роль в історії китайської культури зіграла давня китайська книга мудрості і передбачення долі, звана «книга змін». Тут світ розуміється як своєрідний зародок, всередині якого з'єднувалися чоловіча світла сила - янь і жіноча темна - інь. Ці два начала не існують один без іншого. «Книга змін» мала великий вплив на подальший розвиток естетичної думки і китайського мистецтва.
На початку епохи Сун китайці стали колекціонувати твори мистецтва минулих династій, а художники нерідко відроджували стилі стародавніх часів. Втім, мистецтво епохи Мін (1368-1644) і ранньої епохи Цин (1644-1912) цінний сам по собі, незважаючи на поступове згасання творчої енергії.
У період династії Мін і Цін формувалися симетричні, правильного плану міста з внутрішньої і зовнішньої частиною. Майже заново перебудована столиця Пекін. Прикладне мистецтво досягло такого рівня, що створило образ Китаю в Європі.
3. МИСТЕЦТВО ЯПОНІЇ
Зі століття в століття Японія розвивалася відокремлено від всіх цивілізацій, за винятком Китаю. Зростання китайського впливу почався в V-VI ст., Коли разом з новою системою державного правління в Японію з континенту прийшли писемність, буддизм і різні мистецтва. Японці завжди вміли вбирати іноземні нововведення, надаючи їм національні риси. Наприклад, японська скульптура надавала куди більше значення портретному подібністю, ніж китайська.
Розвитку японської живопису сприяли контакти з континентом, звідки на початку VII століття була запозичена мистецтво виготовлення фарб, паперу і туші.
Велике значення для доль японської живопису, як і скульптури, мало поширення в країні буддизму, оскільки потреби буддійської культової практики створювали певний попит на твори цих видів мистецтва. Так, з Х століття з метою поширення серед віруючих знань про події буддійської священної історії в масовому порядку створювалися так звані емакімоно (довгі горизонтальні сувої), на яких зображалися сцени з буддійської священної історії або з пов'язаних з нею притч.
Японський живопис в VII столітті була дуже ще проста і невигадлива. Уявлення про неї дають розписи на ковчезі Тамамусі з храму Хорюдзі, що відображали ті ж сцени, які відтворювалися на емакімоно. Розписи виконані червоною, зеленою і жовтою фарбою на чорному тлі. Деякі розписи на стінах храмів, які до VII століття, мають багато спільного з аналогічними розписами в Індії.
З VII століття в Японії починається розвиток жанрової та пейзажного живопису. До наших днів дійшла ширма під умовною назвою «Жінка з пташиним пір'ям». На ширмі зображена жінка, що стояла під деревом, волосся і кімоно її прикрашені пір'ям. Малюнок виконаний легкими, струмуючими лініями.
Спочатку японські художники, від частини у зв'язку з характером тематики, над якою вони працювали (буддійська живопис), знаходилися під сильним китайським впливом: писали в китайському стилі, або стилі кара-е. Але згодом на противагу картинам в китайському стилі кара-е стали з'являтися світські за тематикою картини японському силі, чи стилі ямато-е (живопис Ямато). У X-XII століттях стиль ямато-е став панівним у живописі, хоча твори суто релігійного характеру все ще писалися в китайському стилі. У цей період набула поширення техніка нанесення контурів малюнка щонайменшої золотою фольгою.
Одним із зразків історичного живопису епохи Камакура є знаменитий сувій XIII століття «Хейдзі-моногатарі», на якому відбито повстання, підняте в 1159 р. главою великого самурайського клану Йосімото Мінамото. Як і мініатюри в давньоруських літописах, сувої, подібні «Хейдзі-моногатарі», є не лише видатними пам'ятниками мистецтва, а й історичними свідченнями. Поєднуючи і зображення, вони відтворювали по гарячих слідах бурхливі події князівських усобиць другої половини XII століття, оспівували військові подвиги і високі моральні якості вийшов на арену історії нового військово-дворянського стану - самураїв.
Найбільшим художником періоду Муроматі є Сессю (1420-1506), який створив свій власний стиль. Йому належить видатне твір японської живопису «Довгий пейзажний сувій», датований 1486 р., що має в довжину 17 м при ширині 4 м. На свиті зображені чотири пори року. Сессю був чудовий портретист, про що свідчить написаний ним портрет Масуда Канетака.
В останні десятиліття періоду Муроматі відбувається процес інтенсивної професіоналізації живопису. На початку XVI століття виникає знаменита школа Кано, заснована Кано Масанобу (1434-1530), який заклав основи декоративного напрямку в живописі. Одним з ранніх творів жанрового живопису школи Кано є розпис художником Хідзері ширми на тему «Милування кленами в Такао».
З кінця XVI століття основними формами живопису стають стінопис, картини на складних ширмах. Твори живопису прикрашають палаци аристократів, будинки городян, монастирі та храми. Розвивається стиль декоративних панно - так-ми-е. Такі панно писали соковитими фарбами на золотій фользі.
Ознакою високого рівня розвитку живопису є існування в кінці XVI століття ряду живописних шкіл, в тому числі Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасегава, Кайхо.
Протягом XVII-XIX століть зникає ряд колись прославлених шкіл, але їх місце займають нові, такі як школа гравюри на дереві укійо-е, школи Маруяма-СІДЗЕН, Нанга, європейського живопису. Центрами культури і мистецтва пізнього середньовіччя (воно затягнувся в Японії практично до XIX століття) стають поруч з древніми містами Нара та Кіото нова столиця Едо (сучасний Токіо), Осака, Нагасакі та ін
Мистецтво епохи Едо (1615-1868) характеризується особливим демократизмом і поєднанням художнього і функціонального. Прикладом такого поєднання є живопис на ширмах. На парних ширмах написані «Червоні і білі квіти сливи» - найбільше і знамените зі збережених творів великого художника Огата Коріна (1658-1716), шедевр, по праву зараховується до кращих створінням як японської, але й світового живопису.
Одним з найбільш популярних жанрів японської дрібної пластики були нецке. У нецке заломився художній канон середньовіччя в поєднанні з ренесеансной розкутістю мистецтв в епоху Едо. Ці твори мініатюрної пластики як би сфокусували в собі тисячоліття пластичного досвіду Японії: від диким догу Дзьомон, ханіва Пізніх Курганов до канонічної культури середньовіччя, кам'яних будд і живого дерева Енку. З класичної спадщини запозичували майстри нецке багатство експресії, почуття міри, завершеність і точність композиції, досконалість деталей.
Матеріал для нецке був самим різним: дерево, слонова кістка, метал, бурштин, лак, фарфор. Над кожною річчю майстер трудився іноді цілі роки. Тематика їх варіювалася безмежне: зображення людей, тварин, богів, історичних осіб, персонажів народних повір'їв. Розквіт того чисто міського прикладного мистецтва припадає на другу половину XVIII століття.
Свого часу в минулому сторіччі, Європа, а потім і Росія через гравюру вперше познайомилася з феноменом японського мистецтва. Майстри укійо-е домагалися максимально простоти й дохідливості як у виборі сюжетів, так і в їх втіленні. Сюжетами гравюр були переважно жанрові сценки з повсякденного життя міста та його мешканців: торговців, артистів, гейш.
Укійо-е, як особлива художня школа, висунула низку першокласних майстрів. Початковий етап у розвитку сюжетної гравюри пов'язаний з ім'ям Хісікава Моронобу (1618-1694). Першим майстром багатобарвної гравюри був Судзукі Харанобу, творив у середині XVIII століття. Головні мотиви його творчості - ліричні сцени з переважним впливом не до дії, а до передачі почуттів і настроїв: ніжності, смутку, любові.
Подібно древньому вишуканому мистецтву епохи Хейан, майстри укійо-е відроджували в новій міському середовищі своєрідний культ витонченої жіночої краси, з тією тільки різницею, що замість гірських хейанскіх аристократок героїнями гравюр стали витончені гейші з розважальних кварталів Едо.
Художник Утамаро (1753-1806) представляє собою, може бути, унікальний в історії світового живопису приклад майстра, безроздільно присвятив свою творчість зображенню жінок - в різних життєвих обставин, у різних позах і туалетах. Одна з кращих його робіт - «Гейша Осама».
Найвищого рівня жанр японської гравюри досяг у творчості Кацусіка Хокусая (1760-1849). Йому властиві невідомі в японському мистецтві повнота охоплення життя, інтерес до всіх її сторонам - від випадкової вуличної сцени до величних явищ природи.
У віці 70 років Хокусай створює свою найвідомішу серію гравюр «36 видів Фудзі», за нею послідували серії «Мости», «Великі квіти», «Подорожі по водоспадів країни», альбом «100 видів Фудзі». Кожна гравюра - цінна пам'ятка живописного мистецтва, а серії в цілому дають глибоку своєрідну концепцію буття, світобудови, місця людини в ньому, традиційну в кращому сенсі слова, тобто укорінену в тисячолітній історії японського художнього мислення, і абсолютно новаторську, часом зухвалу, із засобів виконання.
Творчість Хокусая гідно пов'язує багатовікові художні традиції Японії з сучасними установками художньої творчості і його сприйняття. Блискуче відновлюючи пейзажний жанр, який дав у середні століття такі шедеври, як «Зимовий пейзаж» Сессю, Хокусай вивів його з канону середньовіччя просто в художню практику XIX-XX століть, надавши і роблячи вплив не тільки на французьких імпресіоністів і постімпресіоністів (Ван Гога, Гогена , Матісса), але й у російських художників "Світу мистецтва» та інші, вже сучасні школи.
Мистецтво кольорової гравюри укійо-е з'явилося в цілому прекрасним результатом, і, може бути, навіть своєрідним завершенням неповторних шляхів японського образотворчого мистецтва.
СПИСОК ЛІТЕРАТУРИ
1. Хрестоматія з історії стародавнього Сходу. М., 1980
2. Література Стародавнього Сходу. Іран, Індія, Китай. М., Видавництво МДУ., 1984.
3. Історія Сходу. М.: Вищ. Шк. 1994
4. Культурологія. Історія світової культури. Навчальний посібник. Під ред. Т.Ф. Кузнєцової. М.: Видавничий центр «Академія», 2003
5. Історія мистецтва: Мистецтво Ісламу [електронний ресурс] - режим доступу: http://www.artprojekt/ru/Civilization/014/html.
Введення
1. Мистецтво Індії
2. Мистецтво Китаю
3. Мистецтво Японії
Список літератури
ВСТУП
Мистецтво країн Південно-Східної Азії вражає пишністю і неісчісляемим багатством форм. За багато століть склався неповторно самобутній художній вигляд Індії, Китаю і Японії.
Три великі релігії, сповідуються в Індії, дали світові чудові пам'ятки архітектури і скульптури: буддійські печерні храми з фресковими розписами, індуїстські храми, прикрашені скульптурами, і пам'ятники ісламської архітектури.
Священна книга ісламу - Коран - не містить великої кількості рекомендацій з приводу взаємин релігії і мистецтва. У міру поширення ісламу в різних країнах - від Іспанії до Індії, його мистецтво вбирало місцеві традиції цих країн.
Безкрайній Китай - одна з найдревніших і найбільш блискучих цивілізацій світу. Перше джерело китайської культури - природа, представлена в живописі і оформленні кераміки.
Мистецтво Японії має поруч дуже складних і трудомістких технік. Довгі століття, і особливо близько 1000 року в придворних колах Японії було модно наслідування всьому китайському; цього вимагали і від художників. Не дивно, що дуже довго придворне мистецтво Японії залишалося лише слабким відгомоном китайського. Але вирішальний вплив на становлення національної японської культури в кінцевому рахунку надав не Китай, а стародавня культура епохи Дзьомон, коли була винайдена кераміка і розпис по ній.
1. МИСТЕЦТВО ІНДІЇ
Першою цивілізацією на індійській землі була Хараппская культура в долині Інду, що процвітала за 2500 років до н.е. Перш ніж зникнути під натиском арійських племен, вона увічнила себе поряд чудових шедеврів скульптури та містобудування. Згодом арії заволоділи всій Північній Індією, але за тисячолітнє панування не залишили після себе ніяких пам'ятників мистецтва. Основи індійської художньої традиції були закладені лише в III столітті до н.е.
Індійське мистецтво спочатку носило релігійний характер, відображаючи світогляду індуїзму, джайнізму і буддизму. Індуси здавна відрізнялися загостреним сприйняттям навколишнього світу, і головне місце в їх мистецтві по праву займала архітектура.
У древніх скульптурах, що вийшли з-під різця представників аскетичного буддизму, ще немає і сліду того, що б'є через край життєлюбства. У свій час було навіть заборонено створювати портретні зображення Будди. Однак після скасування заборони в північно-східній провінції Гандхара почали з'являтися статуї Будди в образі людини, створені в еллінічеського «греко-буддійським» стилі, що зробив помітний вплив на мистецтво всього регіону.
У провінції Гандхара в перші століття н.е. з'явилася нова художня школа, яка поєднала традиційні буддійські канони з деякими рисами грецького мистецтва, принесеного в Індію військами Олександра Македонського (кінець IV століття до н.е.). Так, незліченні зображення Будди з каменю і стуку (суміш гіпсу, мармурової крихти і клею) придбали характерно довгасте обличчя, широко відкриті очі і тонкий ніс.
Порівняно стриманий стиль переважав і в класичну епоху Гупта (320-600 рр.. Н.е.), хоча до цього часу буддизм ввібрав багато елементів індуїстських міфів. Приміром, якшини - лісові божества жіночого роду - буддистськими скульптори зображувалися у вигляді пишнотілих танцівниць в манері, дуже далекою від аскетизму.
У будь-якому з творів індійського мистецтва - буддійському або індуїстському - спочатку закладена в закодованому вигляді релігійно-філософська інформація. Так, надзвичайно важлива поза, в якій зображений Будда: медитація або повчання. Існують канонічні особливості вигляду Будди: подовжені мочки вух, деформовані прикрасами, які він носив у молодості, коли був принцом, волосся, зібрані в спіралеподібні пучки на голові, і т.д. Такі деталі дають глядачеві ключ, який допомагає визначити ідею і, відповідно, необхідний для спілкування з божеством ритуал. Індуїстська мистецтво також значною мірою закодовано. Тут важлива будь-яка, навіть дрібна, деталь - поворот голови божества, становище і кількість рук, система прикрас. Знаменита статуетка танцюючого бога Шиви - ціла енциклопедія індуїзму. Кожним стрибком свого танцю він створює чи руйнує Світи; чотири руки означають нескінченне могутність; дуга з язичками полум'я - символ космічної енергії; маленька жіноча фігурка у волоссі - богиня річки Ганг і т.д. Зашифрованность сенсу властива мистецтву ряду країн Південно-Східної Азії, що входять в ареал індуїстської культури.
Яскраву картинку життя Стародавньої Індії відтворюють настрій розпису печерних храмів Аджанти, що вражають барвистістю і гармонією багатофігурних композицій.
Аджанта - це своєрідний монастир - університет, де живуть і навчаються ченці. Храми Аджанти витесані в 29 скелях, які знаходяться поруч з барвистими берегами річки Вагхаро. Фасади цих скельних храмів ставляться до Гупта - періоду розкішних декоративних скульптур.
Скульптурні пам'ятники Аджанти продовжують старі традиції, але форми набагато вільні, вдосконалені. Усередині храму майже всі списано. Сюжети живопису взяті з життя Будди і пов'язані з міфологічними сценами Старої Індії. Тут майстерно зображені люди, птахи, звірі, рослини і квіти.
Індійську архітектуру можна назвати різновидом скульптури, так як багато святилища не зводилися з окремих орнаментів, а висікалися з кам'яного моноліту і по ходу робіт покривалися найбагатшим килимом скульптурних прикрас.
З особливою силою ця риса проявилася в тисячах храмів, які виросли в період відродження індуїзму між 600 і 1200 роками н.е. Схожі на гори багатоярусні башти вкриті різьбленими барельєфами і статуями, що додають храмам Мамаллапурама і Еллори на рідкість органічний вигляд.
Вплив буддійського і індуїстського мистецтва відчувається далеко за межами Індії. Ангкор Ват - найбільший з безлічі індуїстських храмів, зведених у Калебодже в Х - ХІІ століттях. Це величезний, обнесений ровом комплекс з п'яти різьблених конічних веж, центральна з яких зметнулася у височінь на 60 метрів. Серед буддійських храмів не знає собі рівних унікальне святилище на пагорбі. Боробудур, що на острові Ява, в якому багатство скульптурного декору підпорядковане суворому архітектурному задуму. В інших краях - Тибеті, Китаї і Японії - буддизм теж дав початок високорозвиненим і самобутнім художнім традиціям.
Значні зміни в традиціях художньої творчості відбулися з розповсюдженням нової релігії - ісламу, принесеного в Індію арабськими завойовниками ще у VIII столітті. Свого апогею вплив ісламської культури досягло при Великих Моголів, що правили більшою частиною Індії з XVI століття. Зведенням чудових мечетей та усипальницю прославилися султан Акбар (1556 - 1605) і його приймачі - Джан-Ігор і Шах-Джахан.
Тадж-Махал - перлина індійської архітектури. Уболіваючи за померлою при пологах дружині, імператор Шах-Джахан звів в Агрі цей біломармуровий мавзолей, майстерно прикрашений мозаїкою з коштовних каменів. Оточена садом царська усипальниця розташована на березі річки Джамни. Біломармуровий будинок піднято на семиметровому постаменті. За планом вона являє восьми косинець, точніше квадрат зі зрізаними кутами. Усі фасади прорізані високими і глибокими нішами. Мавзолей увінчаний круглим «цибулинним» куполом, за легкість і стрункість порівнює поета з «хмарою, що спирається на повітряний трон». Його значний обсяг підкреслюється чотирма невеликими куполами мінаретів, що стоять по краях платформи. Внутрішній простір невелике і зайнято двома кенотафа (помилковими гробницями) Мумтаз і самого Шах-Джахана. Самі поховання в склепі під будівлями.
При Могола настав розквіт прийшов з Персії мистецтва мініатюри. Терміном «мініатюра» прийнято називати мальовничі книжкові ілюстрації будь-якого формату. До їх створення султан Акбар привернув художників зі всієї Індії, в тому числі індусів. У придворних майстерень склався енергійний світський стиль, багато в чому відрізнявся від декоративної перської традиції. Блискучі, немов самоцвіти, повні динамізму мініатюри епохи Моголів відкривають перед нами разюче живу картину індійського життя до воцаріння фанатичного Аурангзеба (1658-1707).
2. МИСТЕЦТВО КИТАЮ
Китайська цивілізація єдина з усіх зберегла багатовікову наступність культурних традицій. Деякі типово китайські риси - пристрасть до гри півтонів і шовковистою фактурі нефриту - сягають корінням ще в доісторичні часи. Велике китайське мистецтво зародилося приблизно за 1500 років до н.е., в епоху династії Шан-Інь, з виникненням ієрогліфічного листи і придбанням верховним правителем божественного статусу «сина неба».До цього що триває 500 років періоду відносяться велике різноманіття масивних, похмурими бронзових посудин для жертвоприношень предкам, прикрашений абстрактними символами. Насправді це гранично стилізовані зображення міфічних істот, у тому числі драконів. Властивий багатьом цивілізаціям культ предків зайняв головне місце у віруваннях китайців. Однак у мистецтві пізніших століть дух магічною таємничості поступово поступився місцем холодної споглядальності.
В епоху Шан-Інь почав формуватися старий опаясивающій план міст (Аньян), в центрі яких будували палац владики і храм. Житлові будинки та палац будували з твердої суміші землі (лес) і дерев'яної добавки без каменів. З'явилися піктографія і ієрогліфічні записи, основи місячного календаря. Саме в цей час сформувався стиль орнаменту, що зберігся ще довгі століття. Проста бронзовий посуд зовні прикрашалася символічними образами, а всередині - ієрогліфічними записами, з іменами знатних людей або дарчими написами. У цей період символічні образи далекі від реальності і відрізнялися абстрактною формою.
Традиції епохи Шан-Інь збереглися і з приходом нової династії Чжоу, і в епоху Воюючих царств (1027-221 рр.. До н.е.). До того часу з'явилися реалістичні бронзові статуетки людей і тварин, удосконалилося мистецтво лакової живопису та ювелірної обробки нефриту. Розписні і нефритові вироби цінувалися дуже дорого, тому що нефрит ввозився з-за кордону і був складний в обробці, а лакова живопис була надзвичайно трудомістким процесом.
Система релігійно - філософського даосизму і конфуціанства зробили великий внесок у культуру та мистецтво. У середині першого тисячоліття до н.е. сформувалися основні принципи архітектури та планування міст. Будували багато фортифікаційних споруд, окремі захисні стіни з півночі імперії стали об'єднуватися в одну суцільну Велику китайську стіну (3 століття до н.е. - 15 століття, висота від 5 до 10 метрів, ширина від 5 до 8 метрів і довжина 5000 км.) з чотирикутними охоронними вежами. Формуються каркасні конструкції, дерев'яна (пізніше цегляна) типи прямокутного плану будови. Двосхилі дахи будівель вкрилися соломою (пізніше черепицею). Розповсюджуються підземні двоповерхові мавзолеї. Їхні стіни і стелі прикрашалися стінний живописом, інкрустацією, близько ставилися кам'яні статуї фантастичних тварин. З'явилися характерні види китайського живопису.
Після багатовікових міжусобиць Китай був об'єднаний імператором династії Цінь (бл. 221 - 209 рр.. До н.е.). Про маніакальною жадобі самовозвеліченія цього владики говорить унікальна археологічна знахідка. Зроблена в 1974 р.: у гробниці імператора виявили цілу армію теракотових (з неглазурованої кераміки) воїнів у людський зріст, покликаних служити йому в загробному житті.
За роки правління династії Хань (209 р. до н.е. - 270 р. н.е.) Китай перетворився у величезну імперію зі складною соціальною структурою. Конфуціанство - етичне вчення, які проповідували поміркованість і вірність сімейному та громадянському обов'язку, справило глибокий вплив на світогляд китайців, особливо на касту вчених чиновників, сформовану системою іспитів на допуск до державної служби. Чиновники, часто будучи художниками і поетами, відігравали помітну роль у розвитку китайського мистецтва. Нові елементи були привнесені даосизмом - близьким до природи інтуїтивно - магічним вченням, що виникли в епоху Хань.
Ханьських мистецтво дійшло до нас перш за все у вигляді похоронних дарів - одягу, прикрас і косметики, а також бронзових і керамічних статуеток, барельєфів і фігурної черепиці. Що прийшла з Індії буддизм надихнув китайських майстрів на пошук нових форм і художніх прийомів, що проявилися у висічених на індійський манер печерних храмах і статуях Юнигана.
Судячи по нечисленних що дійшли до нас пам'ятників, в епоху Хань склалися міцні традиції живопису, що вирізнялася дивовижною легкістю і свободою кисті. Згодом живопис став воістину масовим мистецтвом, і за багато століть Китай дав світові чимало видатних художників, шкіл і течій. Тонке сприйняття краси навколишньої природи вивело на перший план жанр пейзажу, особливо гірського, значення якого в китайському мистецтві дуже велике - даний жанр не має аналогів в культурах. Картини нерідко створювалися як ілюстрації до поем або інших творів, а бездоганна каліграфія написів сама по собі шанувалася як мистецтво.
Хоча кераміка вироблялася в Китаї не одну тисячу років, в епоху Тан (618-906) дане ремесло набула рис справжнього мистецтва. Саме в цей час з'явилися нові форми і кольорова глазур, додавала виробам барвистий вигляд. До числа найбільш відомих пам'яток цієї династії належать похоронні керамічні статуетки людей і тварин, що не поступалися за виразністю великим структурним формам. Особливою красою і експресією відрізняються прекрасні кінні фігурки епохи Тан.
На зорі епохи Тан китайці опанували секрет виготовлення фарфору. Цей тонкий, твердий, напівпрозорий, білосніжний матеріал не мав собі рівних по витонченості, яке було доведено до досконалості вишуканою обробкою в епоху Сун (960-1260) і при наступних династіях. Знаменитий біло-блакитний фарфор виготовлявся в епоху монгольської династії Юань (1260-1368).
Велику роль в історії китайської культури зіграла давня китайська книга мудрості і передбачення долі, звана «книга змін». Тут світ розуміється як своєрідний зародок, всередині якого з'єднувалися чоловіча світла сила - янь і жіноча темна - інь. Ці два начала не існують один без іншого. «Книга змін» мала великий вплив на подальший розвиток естетичної думки і китайського мистецтва.
На початку епохи Сун китайці стали колекціонувати твори мистецтва минулих династій, а художники нерідко відроджували стилі стародавніх часів. Втім, мистецтво епохи Мін (1368-1644) і ранньої епохи Цин (1644-1912) цінний сам по собі, незважаючи на поступове згасання творчої енергії.
У період династії Мін і Цін формувалися симетричні, правильного плану міста з внутрішньої і зовнішньої частиною. Майже заново перебудована столиця Пекін. Прикладне мистецтво досягло такого рівня, що створило образ Китаю в Європі.
3. МИСТЕЦТВО ЯПОНІЇ
Зі століття в століття Японія розвивалася відокремлено від всіх цивілізацій, за винятком Китаю. Зростання китайського впливу почався в V-VI ст., Коли разом з новою системою державного правління в Японію з континенту прийшли писемність, буддизм і різні мистецтва. Японці завжди вміли вбирати іноземні нововведення, надаючи їм національні риси. Наприклад, японська скульптура надавала куди більше значення портретному подібністю, ніж китайська.
Розвитку японської живопису сприяли контакти з континентом, звідки на початку VII століття була запозичена мистецтво виготовлення фарб, паперу і туші.
Велике значення для доль японської живопису, як і скульптури, мало поширення в країні буддизму, оскільки потреби буддійської культової практики створювали певний попит на твори цих видів мистецтва. Так, з Х століття з метою поширення серед віруючих знань про події буддійської священної історії в масовому порядку створювалися так звані емакімоно (довгі горизонтальні сувої), на яких зображалися сцени з буддійської священної історії або з пов'язаних з нею притч.
Японський живопис в VII столітті була дуже ще проста і невигадлива. Уявлення про неї дають розписи на ковчезі Тамамусі з храму Хорюдзі, що відображали ті ж сцени, які відтворювалися на емакімоно. Розписи виконані червоною, зеленою і жовтою фарбою на чорному тлі. Деякі розписи на стінах храмів, які до VII століття, мають багато спільного з аналогічними розписами в Індії.
З VII століття в Японії починається розвиток жанрової та пейзажного живопису. До наших днів дійшла ширма під умовною назвою «Жінка з пташиним пір'ям». На ширмі зображена жінка, що стояла під деревом, волосся і кімоно її прикрашені пір'ям. Малюнок виконаний легкими, струмуючими лініями.
Спочатку японські художники, від частини у зв'язку з характером тематики, над якою вони працювали (буддійська живопис), знаходилися під сильним китайським впливом: писали в китайському стилі, або стилі кара-е. Але згодом на противагу картинам в китайському стилі кара-е стали з'являтися світські за тематикою картини японському силі, чи стилі ямато-е (живопис Ямато). У X-XII століттях стиль ямато-е став панівним у живописі, хоча твори суто релігійного характеру все ще писалися в китайському стилі. У цей період набула поширення техніка нанесення контурів малюнка щонайменшої золотою фольгою.
Одним із зразків історичного живопису епохи Камакура є знаменитий сувій XIII століття «Хейдзі-моногатарі», на якому відбито повстання, підняте в 1159 р. главою великого самурайського клану Йосімото Мінамото. Як і мініатюри в давньоруських літописах, сувої, подібні «Хейдзі-моногатарі», є не лише видатними пам'ятниками мистецтва, а й історичними свідченнями. Поєднуючи і зображення, вони відтворювали по гарячих слідах бурхливі події князівських усобиць другої половини XII століття, оспівували військові подвиги і високі моральні якості вийшов на арену історії нового військово-дворянського стану - самураїв.
Найбільшим художником періоду Муроматі є Сессю (1420-1506), який створив свій власний стиль. Йому належить видатне твір японської живопису «Довгий пейзажний сувій», датований 1486 р., що має в довжину 17 м при ширині 4 м. На свиті зображені чотири пори року. Сессю був чудовий портретист, про що свідчить написаний ним портрет Масуда Канетака.
В останні десятиліття періоду Муроматі відбувається процес інтенсивної професіоналізації живопису. На початку XVI століття виникає знаменита школа Кано, заснована Кано Масанобу (1434-1530), який заклав основи декоративного напрямку в живописі. Одним з ранніх творів жанрового живопису школи Кано є розпис художником Хідзері ширми на тему «Милування кленами в Такао».
З кінця XVI століття основними формами живопису стають стінопис, картини на складних ширмах. Твори живопису прикрашають палаци аристократів, будинки городян, монастирі та храми. Розвивається стиль декоративних панно - так-ми-е. Такі панно писали соковитими фарбами на золотій фользі.
Ознакою високого рівня розвитку живопису є існування в кінці XVI століття ряду живописних шкіл, в тому числі Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасегава, Кайхо.
Протягом XVII-XIX століть зникає ряд колись прославлених шкіл, але їх місце займають нові, такі як школа гравюри на дереві укійо-е, школи Маруяма-СІДЗЕН, Нанга, європейського живопису. Центрами культури і мистецтва пізнього середньовіччя (воно затягнувся в Японії практично до XIX століття) стають поруч з древніми містами Нара та Кіото нова столиця Едо (сучасний Токіо), Осака, Нагасакі та ін
Мистецтво епохи Едо (1615-1868) характеризується особливим демократизмом і поєднанням художнього і функціонального. Прикладом такого поєднання є живопис на ширмах. На парних ширмах написані «Червоні і білі квіти сливи» - найбільше і знамените зі збережених творів великого художника Огата Коріна (1658-1716), шедевр, по праву зараховується до кращих створінням як японської, але й світового живопису.
Одним з найбільш популярних жанрів японської дрібної пластики були нецке. У нецке заломився художній канон середньовіччя в поєднанні з ренесеансной розкутістю мистецтв в епоху Едо. Ці твори мініатюрної пластики як би сфокусували в собі тисячоліття пластичного досвіду Японії: від диким догу Дзьомон, ханіва Пізніх Курганов до канонічної культури середньовіччя, кам'яних будд і живого дерева Енку. З класичної спадщини запозичували майстри нецке багатство експресії, почуття міри, завершеність і точність композиції, досконалість деталей.
Матеріал для нецке був самим різним: дерево, слонова кістка, метал, бурштин, лак, фарфор. Над кожною річчю майстер трудився іноді цілі роки. Тематика їх варіювалася безмежне: зображення людей, тварин, богів, історичних осіб, персонажів народних повір'їв. Розквіт того чисто міського прикладного мистецтва припадає на другу половину XVIII століття.
Свого часу в минулому сторіччі, Європа, а потім і Росія через гравюру вперше познайомилася з феноменом японського мистецтва. Майстри укійо-е домагалися максимально простоти й дохідливості як у виборі сюжетів, так і в їх втіленні. Сюжетами гравюр були переважно жанрові сценки з повсякденного життя міста та його мешканців: торговців, артистів, гейш.
Укійо-е, як особлива художня школа, висунула низку першокласних майстрів. Початковий етап у розвитку сюжетної гравюри пов'язаний з ім'ям Хісікава Моронобу (1618-1694). Першим майстром багатобарвної гравюри був Судзукі Харанобу, творив у середині XVIII століття. Головні мотиви його творчості - ліричні сцени з переважним впливом не до дії, а до передачі почуттів і настроїв: ніжності, смутку, любові.
Подібно древньому вишуканому мистецтву епохи Хейан, майстри укійо-е відроджували в новій міському середовищі своєрідний культ витонченої жіночої краси, з тією тільки різницею, що замість гірських хейанскіх аристократок героїнями гравюр стали витончені гейші з розважальних кварталів Едо.
Художник Утамаро (1753-1806) представляє собою, може бути, унікальний в історії світового живопису приклад майстра, безроздільно присвятив свою творчість зображенню жінок - в різних життєвих обставин, у різних позах і туалетах. Одна з кращих його робіт - «Гейша Осама».
Найвищого рівня жанр японської гравюри досяг у творчості Кацусіка Хокусая (1760-1849). Йому властиві невідомі в японському мистецтві повнота охоплення життя, інтерес до всіх її сторонам - від випадкової вуличної сцени до величних явищ природи.
У віці 70 років Хокусай створює свою найвідомішу серію гравюр «36 видів Фудзі», за нею послідували серії «Мости», «Великі квіти», «Подорожі по водоспадів країни», альбом «100 видів Фудзі». Кожна гравюра - цінна пам'ятка живописного мистецтва, а серії в цілому дають глибоку своєрідну концепцію буття, світобудови, місця людини в ньому, традиційну в кращому сенсі слова, тобто укорінену в тисячолітній історії японського художнього мислення, і абсолютно новаторську, часом зухвалу, із засобів виконання.
Творчість Хокусая гідно пов'язує багатовікові художні традиції Японії з сучасними установками художньої творчості і його сприйняття. Блискуче відновлюючи пейзажний жанр, який дав у середні століття такі шедеври, як «Зимовий пейзаж» Сессю, Хокусай вивів його з канону середньовіччя просто в художню практику XIX-XX століть, надавши і роблячи вплив не тільки на французьких імпресіоністів і постімпресіоністів (Ван Гога, Гогена , Матісса), але й у російських художників "Світу мистецтва» та інші, вже сучасні школи.
Мистецтво кольорової гравюри укійо-е з'явилося в цілому прекрасним результатом, і, може бути, навіть своєрідним завершенням неповторних шляхів японського образотворчого мистецтва.
СПИСОК ЛІТЕРАТУРИ
1. Хрестоматія з історії стародавнього Сходу. М., 1980
2. Література Стародавнього Сходу. Іран, Індія, Китай. М., Видавництво МДУ., 1984.
3. Історія Сходу. М.: Вищ. Шк. 1994
4. Культурологія. Історія світової культури. Навчальний посібник. Під ред. Т.Ф. Кузнєцової. М.: Видавничий центр «Академія», 2003
5. Історія мистецтва: Мистецтво Ісламу [електронний ресурс] - режим доступу: http://www.artprojekt/ru/Civilization/014/html.