Введення
"Маріонетка - різновид театральної ляльки, яку ляльковод приводить у рух за допомогою ниток".
(Радянський Енциклопедичний Словник)
З найдавніших часів в мовах багатьох народів світу існувало порівняння життя людини з маріонеткою, яку смикають за ниточку. Театр ляльок здавна хвилювало людей і своєю дивною схожістю на живих істот, і тим, що постійно давав привід до філософських міркувань: надто очевидний був приклад - керуючий і керований.
Тема маріонетки, ниток, які приводять її в рух, і, нарешті, тема людської волі, яка керує цим рухом, постійні не тільки в античній, але і в середньовічній філософії. Поруч з людиною завжди існував предмет, який він наділяв особливим відношенням: чи був цей предмет символом бога, уособлював він таємницю природи, або просто зображував людини.
Здавна помічена здатність людини до фантазії, порушуємо вражаючим властивістю театру ляльок - дивом оживає прямо на очах глядача мертвого предмета. Напевно, саме тому на зміну нерухомим зображенням богів (які були в стародавні часи в кожному будинку) прийшли рухомі фігурки, які людина наділяв особливим ставленням. Це-то й стало початком театру ляльок.
Свою назву маріонетки отримали в середні століття від найменування фігурок божої матері (Marion, Marionette), зображення якої у вигляді маленьких дерев'яних статуеток продавалися в храмах під час богослужіння.
I. Виникнення театру маріонеток
Перші згадки про ляльковому мистецтві пов'язані з святами в Єгипті.
Жінки ходили з села в село в супроводі флейтиста, несли в руках невеликі статуетки, сантиметрів 30-40 заввишки, і приводили їх у рух за допомогою спеціальних мотузочок. (Такі ляльки зустрічаються і в Сирії, і на території держав Латинської Америки).
Вистави, присвячені життю богів, розігрувалися в Єгипті на рухомих колісницях. Глядачі розташовувалися по обидва боки дороги, і кожна наступна сцена спектаклю показувалася на що йде слідом колісниці (цей принцип був збережений згодом в англійському середньовічному театрі й отримав назву "педжент"). Ролі богів у такому театрі виконувалися тільки з допомогою ляльок. Їх носили на руках і приводили в рух руками. Виконання ролі бога людина взяти на себе не міг.
У Стародавній Греції з дорогоцінних металів і дорогоцінних порід дерева робили величезні фігури, які називалися автоматами. Вони приводилися в рух тільки у найбільш урочисті моменти релігійного дійства. Ці автомати важко назвати театром у повному сенсі цього слова, але елемент театралізації в цих уявленнях все-таки існував.
Грецька традиція зміцнюється і незмірно розширюється в Стародавньому Римі. Тут влаштовуються ходи з величезними ляльками. Карикатурні механічні зображення потішали натовп або наводили на неї страх.
Крім того, в кожному будинку - і в Стародавній Греції, і в античному Римі - обов'язково були свої ляльки, а іноді навіть колекції. Вони складали частину оздоблення кімнат або прикраси столу.
На території Стародавньої Греції виникло мистецтво, яке прийнято називати віфлеємським ящіом. Цей "театр" вперше і дуже своєрідно спробував розповісти про світобудову - в тому вигляді, як це уявлялося древнім. Комусь спало на думку зобразити світ з допомогою ящика, в якому немає передньої стінки і який перегороджений навпіл по горизонталі. Внизу поселили ляльок-людей, а зверху тих, що зображували богів. Стрижнями, просмикнутими в прорізи на дні скриньки, ляльками можна було керувати - так народився рух. А потім придумали сценки, цілі п'єси - і вийшов театр.
Коли античні держави розпалися, а на їх території були створені нові формації, маленькі ящики з невибагливими ляльками дісталися у спадок наступним поколінням. Відлуння цього театру живуть і понині: румунська Віфлеєм, польська шопка, український вертеп, білоруська Батлейка.
Найбільш "лялькової" країною Європи вважається Італія. Історія італійських лялькових вистав більш-менш чітко вимальовується з XVI століття. Її розвиток збіглося з розвитком опери, співу "бель кантува", балету на пуантах і драматичного театру, заснованого на авторській драматургії і завчених репліках. Маріонетки копіювали подання оперних співаків, балетних танцівниць, драматичних артистів. До XVII століття маріонетки стали розлучатися з бродячої життям, у них з'явилися свої маленькі театрика, сцени яких в точності повторювали сцени знаменитих театрів того часу. Ляльки на нитках виконували популярні опери, поєднуючи їх за правилами оперних вистав за балетами. Вони грали довгі п'ятиактні п'єси. І хоча у традиційних італійських маріонеток не було великого числа ниток і руху їх були не дуже різноманітні, ляльководи досягали найвищої точності в імітації людського жесту.
Серед свідчень, що відносяться до XVII століття, зустрічаються лише назви опер і п'єс, які виконувалися в маріонеткових театрах. Більш конкретні описи з'являються у XVIII столітті. Так, з книги історика венеціанського театру Гроппа "Загальні відомості про театри Венеції", виданої в 1766 році, ми дізнаємося про те, що один багатий чоловік побудував в 1746 році в павільйоні біля свого особняка дерев'яний маріонетковий театрик, що відтворював у мініатюрі прославлений у Європі венеціанський театр Сен-Джованні Грісостомо. Цей театр давав вистави протягом двох років, збираючи всю знати Венеції.
Чудове опис маріонеткових театрів Італії склав Стендаль. У 1817 році він подорожував по цій країні, вів щоденники і, повернувшись, опублікував їх під назвою "Рим. Неаполь. Флоренція ". У кожному з цих міст він побував на виставах маріонеток, які незмінно викликали у нього захоплення.
Протягом усього XIX століття маріонетки зберігали симпатії італійської публіки. У пресі постійно миготіли слова захоплення, висловлені на їх адресу. Неодноразово згадувався міланський театр маріонеток "Філандо". Глядачі дивувалися здатності лялькових балерин виконувати всі фіоритури танцівниць знаменитого театру Ла Скала.
Описи XIX століття виявляють характерну рису італійського маріонеткового театру: хоча маріонетки і копіювали вистави оперних і драматичних театрів, вони дозволяли собі й деякі відступу - у вигляді "своїх" маріонеткових п'єс зі "своїми" героями.
І ще одна особливість театру італійських (і європейських взагалі) маріонеток: в їх виставах існувало обов'язкове розділення на акторів, керуючих ляльками, і акторів, які говорять або співають за них. Ця риса збереглася до наших днів, сучасні вистави йдуть під запис музики і акторських голосів.
Театри маріонеток Франції мало відрізнялися від італійських. Вони також були дуже популярні і навіть змагалися в XVII-XVIII століттях з театрами живих акторів. Найбільш відомі з них виступали на паризьких ярмарках. Крім того, народні лялькарі-професіонали давали спектаклі у французьких аристократичних готелях.
Але в XIX столітті ляльковий театр входить в домашню життя французької міської родини, спектаклі починають показувати аматори.
Театр маріонеток набув великого поширення в багатьох європейських країнах, в Бельгії, Англії, Чехії, Німеччини, а завдяки англійським лялькарів - і в Новому Світі. У Чехії, до речі, існує до тисячі постійних лялькових театрів, не рахуючи театрів при школах і кочових.
У Росії перше знайомство з маріонетковими театрами відноситься до початку царювання Анни Іоанівни (1730-1740), коли німецькі "показивателі" невідомих досі ляльок відвідали обидві столиці. Спочатку цих ляльок називали "випускними". Але в другій половині XVIII століття в російську мову остаточно входить слово "маріонетка".
Проте, до середини XIX століття маріонеткові вистави дають тільки іноземці. Вони везуть до Росії своїх ляльок, свій репертуар, що складався в XVIII столітті, в основному, із розмовних п'єс. Вони знімають для своїх виступів зручні приміщення. У Петербурзі в 1749 році був навіть побудований спеціальний "комедіантскій комора" для маріонеткових уявлень. Однак, існувало одна незручність: далеко не вся публіка розуміла іноземні мови. Потрібно було скорочувати і навіть зовсім відмовлятися від тексту в п'єсах. Це і призвело до заміни розмовних п'єс дивертисментом з пантомімічних номерів - трюкових, циркових, жанрових, побутових сценок, у яких можна легко обійтися без тексту.
Крім того, складна техніка маріонеткового театру вимагала роботи декількох ляльководів. Возити з собою велику трупу було невигідно, тому іноземці на місці наймали двох-трьох хлопчиків, довіряючи їм другорядні ролі і навчаючи ляльководіння.
Пізніше ці помічники, освоївши премудрості маріонеткового театру, навчившись керувати маленькими артистами з допомогою ниток, розлучалися зі своїми іноземними вчителями і починали працювати самостійно.
До кінця XIX століття уявлення маріонеткового театру можна було побачити вже на народних гуляннях, на будь-ярмарку не тільки в Москві та Петербурзі, а й в інших великих містах Росії.
Розмовні п'єси практично повністю зникли з репертуару російських маріонеток. Але, постійно виступаючи, народні лялькарі чудово оволоділи складною технікою маріонеткового театру. Постійних приміщень у них не було, вони купували місце на ярмарку чи гуляння і ставили там тимчасовий парусиновий балаган. Такі споруди можна було застати ще на початку 20-х років в московських садах і парках.
Крім того, в Росії, як і за кордоном, велике поширення отримали домашні лялькові театри. Саме з них на початку XX століття стали одна за одною з'являтися любительські студії. Однак, довести роботу до кінця, показати виставу широкій публіці довгий час нікому не вдавалося.
Ближче всіх до створення професійного театру ляльок підійшли Ю. Слонимская і Єфімова. Прем'єра їх спектаклю відбулася в лютому 1916 року. Проте, життя театру виявилася недовгою: Ю. Слонимская і деякі студійці емігрували з Росії, і театр розпався.
Після революції маріонетки майже зовсім пішли з практики російських лялькарів - вони воліли грати з рукавичок і тростинними ляльками. Однак, тепер інтерес до маріонетці знову відроджується, наші лялькарі знову намагаються оволодіти мистецтвом управління найскладнішою, але такою чудовою лялькою.
II. Будова ляльок
Ляльки маріонеткового театру робляться з дерева з рухомими кінцівками, до яких прив'язані нитки, які сходяться в особливому коромислі, так званої Ваге. Вага складається із стрижня, рухомого коромисла, прикріпленого до стрижня на осі в певній точці, і нерухомою планки. Коливання коромисла натягують нитки, прикріплені до країв коромисла - на ляльці вони відповідають колінним ниткам. Піднімання однієї зі сторін коромисла відповідає підіймання ноги ляльки. Основними нитками є також скроневі, спинна, ручні. Ці нитки в стані приводити ляльку тільки в саму елементарну рухливість. Вона може ходити, ставати на коліно, піднімати ту чи іншу руку, повертати голову, нахилятися. Якщо ж ляльці потрібно зробити якесь спеціальне рух, то для кожного такого руху необхідно підв'язати спеціальні нитки. Їх може бути до двадцяти і навіть більше.
Основний недолік, властивий маріонетці, - відчуття площині підлоги. Маріонеточнік (невроспаст) нерідко втрачає це відчуття, особливо якщо маріонетка масивна. Актор спостерігає ляльку в дуже незручних ракурсах, тому навчитися ось цьому відчуттю площині підлоги - завдання досить важке. І спочатку він або садить її на зігнуті ноги, або піднімає занадто високо, і тоді лялька просто зависає в повітрі.
Закони руху маріонетки:
Рух повинні бути точні, визначені і ритмічно ув'язані з вимовним за неї текстом.
Рухи ці повинні бути схематичні, образні і не повинні
копіювати рухів живих істот, а лише синтезувати їх.
Рухи ляльки повинні чергуватися з покійним її станом.
Рухи повинні бути скупі, але гранично насичені. Слід уникати приводити в одночасний рух всі зчленування ляльки.
Невроспаст повинен розвинути в собі почуття "глибини", постійно відчуваючи дотик ляльки до сценічного майданчика.
Маріонетка повинна бути ретельно вивірена в технічному відношенні і вивчена з боку виражальних можливостей, властивих саме даній ляльці.
III. Основні сюжети і герої
Театр ляльок вижив і опинився безсмертним. І це зумовлено не тільки любов'ю до нього глядачів. Справа в тому, що лялькарі придумали таких героїв, які стали - як прислів'я чи приказка - всенародно загальними. Їх самих, а також їхні жарти, колючі слівця знали і любили всі.
У театрах ляльок, починаючи з давніх часів, існували типові образи, які жили століттями. Поряд з героями байок і легенд, персонажами фольклору і давньої літератури діяли і злободенні "популярні фігури", "портретні" ляльки.
Під час розкопок в середні століття вчені часто знаходили фігурку: з головою неправильної форми, гачкуватим носом, горбом на спині і величезним животом. Це був давньоримський персонаж, ляльковий герой народної античної комедії Маккус.
Саме з нього італійці на початку XVI століття "змалювали" свого народного героя - Пульчинелла. Цей "півник" так сподобався глядачам, що скоро він став учасником всіх народних свят, карнавалів і балаганів. А коли з'явився знаменитий італійський театр масок Комедія дель арте, серед інших героїв туди потрапив і Пульчинелла.
Комедія дель арте став одним із родоначальників професійного драматичного європейського театру. Звідси ж на маріонеткову сцену вийшли і багато відомих герої: дурний жадібний купець Панталоне, базіка Доктор, слуги Брігелла, Арлекін, Коломбіна, настирливий Тарталья та інші. Вони кочували з вистави у виставу, незалежно від виконуваної п'єси, і навіть якщо це була дуже відома п'єса, вони знаходили собі місце в її дії.
Лялькарі любили подорожувати. Вони бродили зі своїми виставами по різним селам, містам і країнам. І Пульчинелла з часом так полюбився самим різним народам, що через кілька поколінь у багатьох країнах вже були свої всенародні улюбленці - брати італійського героя. У Франції це Полішинель, в Англії - Панч, в Росії - всім нам знайоме з дитинства Петрушка (або Петро Петрович Уксусов).
Ще один знаменитий французький ляльковий герой - Ляфлер. А також його молодший брат Гиньоль. На згадку про нього будь-яку виставу з ляльками в цій країні до цих пір називається "Гиньоль".
У Німеччині теж був свій образ національного лялькового героя. Його звали по-різному: Касперле, Гансвурсту, Піккельхерінгом. У лялькарів Німеччині, так само, як і у всіх їхніх побратимів по ремеслу, був певний текст однієї або декількох п'єс, сцен, які вони грали за вибором, в залежності від обставин.
Чеський брат Гиньоль і Касперле - Кашпарек. У Празі навіть є пам'ятник із білого мармуру йому і його творцеві Матею Капецкому. Не менш популярні в Чехословаччині ще два персонажі: недалекий міщанин і зануда татусь Спейбл і його синок - веселий, життєрадісний Гурвинек. Їх творець Йосеф скупа ставив зі своїми улюбленими ляльками великі вистави, і театр "Спейбл і Гурвинек" став одним з найпопулярніших в світі.
Щастя придумати всенародно улюбленого героя випало і на долю англійських лялькарів - Енн Хоггарт і Джона Басла. Це ослик Маффін. Незабаром у Маффін з'явилося багато друзів (Страус, Жираф, Пес, Пінгвін) - вони разом робили всякі подорожі. І стали улюбленцями не тільки англійських дітей.
Треба сказати, що деякі з вищеназваних ляльок вважаються традиційно рукавичок, але все ж і вони, як правило, побували маріонетками.
Що ж стосується репертуару маріонеткового театру, то з давніх часів він дуже різноманітний. Вчені Італії, Румунії, Німеччини довели, що сюжети творів "Король Лір", "Ромео і Джульєтта", "Фауст", як і багато інших, що стали гордістю світової літератури, були відомі задовго до Шекспіра і Гете не тільки в усній творчості, але і в уявленнях лялькарів. Вважається, що вирішальне враження від легенди про "Фауста" справив на Гете саме спектакль маріонеток.
Звичайно, в різні часи, в різних країнах лялькарями обігравалися сюжети з давньогрецької міфології, казок, байок, літературних творів найсерйозніших письменників. Це "Червона шапочка", "Красуня і чудовисько", "Попелюшка", "Хлопчик-мізинчик", "Коник-Горбоконик", "Ляльковий місто", "Гулівер у країні ліліпутів", "Петя і вовк", "Маленький принц "," Коломбіна "," Русалонька "і навіть" Граф Монте-Крісто "," Двадцять тисяч льє під водою "і багато, багато іншого.
Але найвідоміші, найулюбленіші видовища - це, напевно, ті, в яких беруть участь нащадки Маккуса - чотири братика: Пульчинелла, Полішинель, Панч, Петрушка. Вони - народні герої, і веселі, відчайдушні, винахідливі і завжди перемагають, залишаючи всіх в дурні. Відомо безліч сцен за участю Петрушки. В одних він зустрічається з нареченою, в інших - купує коня, навчається солдатському справі, б'ється з Чортом і навіть дає стусана Смерті.
Триста з гаком років існує комедія про Петрушці без скільки - небудь значних змін. Артисти з народу знайшли реальний спосіб довести: ідея боротьби за справедливість - безсмертна, вона сильніша, вище, могутніше самої смерті. І Петрушка, як і його лялькові побратими, з інших країн, уособлює саме цю ідею.