Ім'я файлу: Новий Документ Microsoft Word.docx
Розширення: docx
Розмір: 35кб.
Дата: 17.03.2020
скачати
Пов'язані файли:
Новий Документ Microsoft Word (2).docx
Розширення: docx
Розмір: 35кб.
Дата: 17.03.2020
скачати
Пов'язані файли:
Новий Документ Microsoft Word (2).docx
Ужгородська дитяча музична школа №1 ім. П. І. Чайковського
Методична доповідь на тему:
«Ансамбль. Робота над
ансамблем в класі»
Підготувала викладач відділу
«Народні інструменти»
Волошина Марина
Ужгород
2020
АНСАМБЛЬ
Ансамблеве виконання прийшло на Україну з глибики віків, про що свідчать древні літописи. Фрески Софіївського собору вказують на високий рівень музичної культури часів Київської русі і дають уявлення про ансамблеве музикування, основу якого складали, переважно струнні інструменти: гудки, гуслі, кобзи. В «Повісті минулих літ» розповідається про різні види ансамблевого музикування, про темброве різнобарв’я стародавнього музичного інструментарію. За багато століть свого існування народні інструменти пройшли складний і тяжкий шлях свого розвитку, терплячи ігнорування та переслідування. Але, не дивлячись на перепони народні інструменти отримали повне визнання. Оволодіння грою участь в кружках і оркестрах народних інструментів стало служити не тільки засобом проведення вільного часу, а й сприяло залученню народних мас до музичної культури. Отримавши широку популярність народні інструменти стали виразником кращих музичних традицій українського району. Удосконалення народних інструментів наприкінці ХІХ століття привело до створення на їхній основі оркестрів нового типу з домрово-балалаєчним складом. Подальший розвиток української культури не обходиться без народних інструментів. За досить короткий час репертуар від аматорського переростає до академічного рівня, збагачившись численним оригінальним репертуаром, розвиненим освітніми структурами, та науково-методичним репертуаром. З кожним роком народне музичне виконавство, в тому числі і ансамблеве набуває все більшої популярності. Майже у всіх музичних навчальних закладах України існують ансамблі народних інструменті які для української нації є невід’ємною частиною духовної культури. Технічні можливості народних інструментів повністю забезпечують вимоги сучасного виконавства, доповнюю звучання своїм неповторним колоритом та своєрідним тембральним забарвленням. Невеликі ансамблі були поширені у багатьох народів з давніх часів, будучи носіями народної інструментальної культури. Вони займали велике місце в побуті (грали на святах, весіллях тощо). В інструментальних ансамблях ранніх ступенів розвитку суспільства музика, ще не виділилася в самостійне мистецтво, пов'язана зі словом, співом, танцем, дією. Наприклад, бразильські індіанці в мисливському танці під звуки дерев'яних труб, дудок і барабанів зображують кабанів і мисливців (подібні дійства відомі у багатьох народів). У музиці, що виконується африканцями (Гвінея), народами Індії, В'єтнаму та іншими, іноді виділяється мелодія і фон (нерідко ритмічний). Специфічні форми багатоголосся характерні для ансамблю флейт Пана — Гамелана.
У багатьох народів склалися традиційні склади інструментальних ансамблів: в Україні — троїсті музики (скрипка, басоля, цимбали або бубон; іноді скрипка і бас); в Росії — ансамблі ріжечників та виконавців на кувіклах (Кувічка); в Білорусі — ансамблі з скрипки, цимбалів, бубна або зі скрипки, цимбалів, балалайці чи дуди; в Молдові — тараф (кларнет, скрипка, цимбали, барабан); в Узбекистані і Таджикистані — машокля (сурнай, краю, нагора); в Закавказзі і на Північному Кавказі серед стійких інструментальних ансамблів — дудукчі (дует дудук), зурначі (дует зурни, до яких часто додають долі), сазандарі (тар, кема-ча, даф, а також інші склади); у Литві — ансамблі скудучяй і рагасів, в Латвії — стабуле і суомі дуди, в Естонії — сільські капели (напр. Каннель, скрипка, гармоніка).
На Русі ансамблі народних інструментів відомі з 12 століття. Їх склад був змішаним (сопіли, бубни, гуслі; гудок, гуслі) або однорідним (хори гуселициків, гудошників та ін.) У 1870 М. В. Кондратьєв організував хор володимирських ріжечників, в 1886 Н. І. Бєлобородов — оркестр хроматичних гармонік, в 1887 В. В. Андрєєв — «Гурток любителів гри на балалайках» (ансамбль з 8 музикантів), в 1896 перетворений у Великоруський оркестр. Ці колективи виступали по містах Росії і за кордоном. За прикладом оркестру Андрєєва стали виникати аматорські оркестри народних інструментів. У 1902 Гнат Хоткевич, приєднавши до ансамблю троїстих музик бандуристів і лірників, створив перший український оркестр народних інструментів. У Литві в 1906 році був створений ансамбль старовинних канклес. У грузинському фольклорі, де провідну роль відіграють вокальні жанри, інструментальні ансамблі супроводжують танці, спів. У 1888 був організований перший грузинський народний оркестр. У Вірменії ансамблі народних інструментів існували ще до н. е. В кінці 19 століття здобув популярність ансамбль ашуга Джівані.
Ансамбль - група виконавців, які виступають спільно. Мистецтво ансамблевого виконання ґрунтується на вмінні виконавця розміряти свою художню індивідуальність, свій виконавський стиль з індивідуальністю виконання партнера. Ансамбль - це колективна форма гри, в процесі якої кілька музикантів виконавськими засобами спільно розкривають художній зміст твору. Виконання в ансамблі передбачає не тільки уміння грати разом, тут важливе інше - відчувати і творити разом. Робота в колективі безсумнівно пов'язана з певними труднощами: не так легко навчитися відчувати себе частиною цілого. У той же час гра в ансамблі виховує у виконавця ряд цінних професійних якостей - вона дисциплінує щодо ритму, дає відчуття потрібного темпу, сприяє розвитку мелодичного, поліфонічного, гармонійного слуху, виробляє впевненість, допомагає домогтися стабільності у виконанні. Так відомо, коли в сольній грі учень виступає невпевнено, заїкаючись, погравши в ансамблі - він вже впевненіше починає грати. Слабші учні починають підтягуватися до рівня більш сильних, від тривалого спілкування один з одним кожен стає краще як людина, як особистість, оскільки виховуються такі якості, як взаєморозуміння, взаємоповагу, почуття колективізму. Зі сказаного можна зробити висновок - інструменталіст, ніколи не грав у ансамблі, багато чого позбавляє себе, бо користь від цього роду занять очевидна. Одне з найважливіших умов успішної роботи є здатність критично ставитися до себе і до своїх товаришів. Відомо, що слово «самокритика» легше вимовити, ніж звернути його в дію. Але треба не тільки практикувати, але і не скупитися на похвалу, вміти підбадьорити, надихати. Давно вже помічено, що похвала, навіть не цілком заслужена, стимулює активність більшості людей. Дитині необхідна віра в себе. Основне правило ансамблю «Один за всіх, всі за одного», «Успіх чи невдача одного є успіх чи невдача всіх». Ритм як фактор ансамблевого єдності Серед компонентів, які об'єднують учнів в єдиний ансамбль, метро-ритму належить чи не головне місце. Дійсно, що допомагає ансамблістом (а їх може бути два і більше) грати разом, щоб створювалося враження, ніби грає одна людина. Це відчуття метро-ритму. Він, по суті, виконує функції диригента в ансамблі, відчуття кожним учасником сильних часткою є той «прихований диригент», «жест» якого сприяє об'єднанню ансамблістом, а, значить, і їх дій в одне ціле. Відчуття сильних і слабких долей такту, з одного боку, і ритмічна визначеність «всередині такту», з іншого, ось той фундамент, на якому ґрунтується мистецтво ансамблевої гри. Єдність, синхронність його звучання є першим серед інших важливих умов. Якщо при неточності виконання інших компонентів знижується лише загальний художній результат, то при порушенні метроритма руйнується ансамбль. Але не тільки в цьому значення метроритма. Він здатний впливати і на технічну сторону виконання. Ритмічна визначеність робить гру більш впевненою, більш надійною в технічному відношенні. До того ж, учень, який грає неритмічно, більше схильний до всякого роду випадковостей, а від випадковості, як відомо, пряма дорога до втрати психологічної рівноваги, до зародження хвилювання. Як же домогтися того, щоб кожен з учасників, виконуючи свою партію, зміцнював ритмічну основу всього ансамблю? Необхідно систематично і наполегливо працювати в цьому напрямку. В ансамблі, зрозуміло, можуть бути виконавці, у яких по різному розвинене почуття ритму. Починати потрібно з виховання почуття абсолютного точного і «метрономного» ритму: він і стане об'єднуючим началом у загальному колективному ритмі. Необхідно, щоб в ансамблі були ритмічно стійкі виконавці. Тоді й інші почнуть тягнутися до сильніших в ритмічному відношенні.
Динаміка як засіб виразності. Граючи в ансамблі, необхідно бути економним у витрачанні динамічних коштів, розпоряджатися ними розумно. Треба виходити з того, що, як би ансамбль не був би багатий яскравими за тембром інструментами, одним з головних його резервів, які надають звучанню гнучкість і витонченість, є динаміка. Різні елементи музичної фактури повинні звучати на різних динамічних рівнях. Як у живописі, так і в музиці нічого не вийде, якщо все буде мати однакову силу. У музиці, як і в живописі, є передній і задній план. Виховавши таке відчуття динаміки, ансамбліст безпомилково визначить силу звучання свій партії щодо інших. У тому випадку, коли виконавець, у партії якого звучить головний голос, зіграв трохи голосніше або трохи тихіше, його партнер негайно зреагує і виконати свою партію також трохи голосніше або тихіше. Важливо, щоб міра цих «трохи» була б точною. Як практично працювати над динамікою в ансамблі. Спочатку необхідно навчитися грати в межах того чи іншого динамічного відтінку абсолютно рівно. Наприклад, можна запропонувати зіграти всім учасникам одну ноту чи гаму на рівному P (піано), потім на рівному mf, і так слід пройти всі динамічні щаблі. Безумовно, сила звуку - поняття не настільки визначене, як висота звуку mf на гітарі не одно mf на фортепіано, f на балалайці - не одне і те ж, що f на баяні. Виконавець повинен виховувати в собі розвинений слух (мікрослух), доповнивши динаміку поняттям мікро динаміку, що означає здатність реєструвати найменші відхилення в бік збільшення або зменшення сили звуку. Темп як засіб виразності Визначення темпу твори - важливий момент у виконавському мистецтві. Вірно обраний темп сприяє правильній передачі характеру музики, невірний темп у тій чи іншій мірі спотворює цей характер. Хоча й існують авторські вказівки темпу, аж до визначення швидкості по метроному, темп «закладений» у самій музиці. Ще Римський-Корсаков стверджував, що «музикантові метроном не потрібен, він з музики чує темп». Не випадково Бах, як правило, у своїх творах зовсім не вказував темп. У межах одного твору темп може змінюватись. «Немає такого повільного темпу, в якому б не зустрічалися місця, що потребують прискорення ... і навпаки. Для визначення цього в музиці немає відповідних термінів, позначення ці повинні бути закладені у душі» (В. Тольба). Прийоми досягнення синхронності ансамблевого звучання Під синхронністю ансамблевого звучання слід розуміти точність збігу в часі сильних і слабких долей кожного такту, граничну точність при виконанні дрібних тривалостей усіма учасниками ансамблю. При розгляді проблеми синхронного виконання потрібно виділити три моменти: як почати п'єсу разом, як грати разом і як закінчити твір разом. В ансамблі повинен бути виконавець, що виконує функції диригента, він зобов'язаний іноді показувати вступу, зняття, уповільнення. Сигнал до вступу - невеликий кивок голови, що складається з двох моментів: ледь помітного руху вгору (ауфтакт) і потім - чіткого, досить різкого (раз) руху вниз. Остання служить сигналом до вступу. Кивок не завжди робиться однаково, все залежить від характеру і темпу виконання. Коли твір починається через такту, то сигнал, по суті, такий же, з тією різницею, що якщо в першому варіанті при підйомі голови була пауза, то в даному випадку вона заповнюється звучанням затакту. На репетиції можна прораховувати порожній такт, можуть бути слова: «Увага, приготуватися, почали», після слова «почали» повинна бути природна пауза (як би вдих). У досягненні синхронності ансамблевого звучання багато чого залежить від характеру музики. Помічено, що в п'єсах активного, вольового плану це якість досягається швидше, ніж у п'єсах спокійного споглядального характеру. Те ж саме можна сказати і щодо «старту». Навряд чи є необхідність підкреслювати, наскільки важливо закінчити твір разом, одночасно: а) останній акорд - має певну тривалість, - кожен з ансамблістом відраховує «про себе» метричні частки і знімає акорд точно під час. б) акорд - над яким стоїть фермата, тривалість якого необхідно обумовити. Все це відпрацьовується в процесі репетиції. Орієнтиром зняття може також бути і рух - кивок голови. Якщо синхронність виконавця - якість, необхідне в будь-якому ансамблі, то в ще більшою мірою воно необхідне у такій його різновиди як унісон. Адже в унісоні партії не доповнюють один одного, а дублюють, правда, іноді в різних октавах, що не змінює суті справи. Тому недоліки ансамблю в ньому ще помітніші. Виконання в унісон вимагає абсолютної єдності - метроритма, динаміці, штрихах, фразуванню. З цієї точки зору унісон є найскладнішою формою ансамблю. Доказом абсолютної єдності при виконанні в унісон є відчуття, що під час гри разом з іншими учнями ваша партія не прослуховується як самостійна. На жаль, цій формі ансамблевої гри приділяється мало уваги в навчальній практиці. Тим часом в унісоні формуються міцні навички ансамблю, до того ж унісон цікавий зорово і в сценічному відношенні. Коли учень вперше отримає задоволення від спільно виконаної роботи, відчує радість загального пориву, взаємної підтримки - можна вважати, що заняття в класі дали принципововажливий результат. Нехай це виконання ще далеко від досконалості - це не повинно бентежити педагога, все можна виправити подальшою роботою. Коштовне інше, подолано рубіж, який розділяє соліста і ансамблістом, учень відчув своєрідність і інтерес спільного виконавства.
Гітара — найпоширеніший інструмент. На перший погляд може здаватися, що масовість і поширеність — одне й те ж. Це не так. Наприклад, у деяких європейських країнах губну гармоніку можна рахувати масовим і дуже відомим інструментом, але інший світ відноситься до неї прохолодно. А гітара поширена на всіх континентах, включаючи навіть Антарктиду. Гітара встигла побувати навіть у космосі. Напевно, з часом там будуть і інші інструменти, але першість назавжди залишиться за гітарою. І на кінець, гітара — самий різносторонній інструмент. Візьмемо хоча б акомпанемент — він також може бути дуже різним. Супровід туристської і студентської пісні, де від гітариста вимагається в більшості випадків лиш першоначальне вміння, сильно різниться, скажемо, від супроводу стародавнього руського романсу — отут вже треба володіти інструментом професіонально. Гітара - унікальний інструмент. Вона чудово звучить в ансамблі з іншими інструментами: флейтою, домрой, скрипкою, цимбалами. Гра в змішаних ансамблях знайомить гітаристів з можливостями цих інструментів, дозволяє відчути себе як солістом, так і акомпаніатором. Серед моїх збірок є збірник ансамблів «Гітара + ...». Це спільний проект з О. Копенковим. Сольну партію в дуетах з цієї збірки можна виконувати на різних інструментах, все залежить від ваших можливостей і творчих уподобань.
Список використаної літератури: 1) Гайденко А. П. Інструментознавство та основи теорії інструментування / А. П. Гайденко. – Х.: Майдан, 2010. – 234 с. 2) Гуменюк А. Українські народні інструменти / А. Гуменюк. – К.: Муз. Україна, 1967. – 243 с. 3) Гуцал В. Інструментовка для оркестру народних інструментів / В. Гуцал. – К.: Муз. Україна, 1988. – 79 с.