Стиль модерн

[ виправити ] текст може містити помилки, будь ласка перевіряйте перш ніж використовувати.

скачати

МІНІСТЕРСТВО ОСВІТИ І НАУКИ УКРАЇНИ
ПІВДЕННОУКРАЇНСЬКІЙ педагогічний УНІВЕРСИТЕТ
ІМ. К.Д. Ушинського
ХУДОЖНЬО-графічний ФАКУЛЬТЕТ
Кафедри живопису ТА Історії МІСТЕЦВ
КУРСОВА РОБОТА

З истории мистецтв

За темою:

"СТИЛЬ МОДЕРН"

Виконала: студентка ІІІ курсу
Науковий Керівник:
професор Тарасенко О.А.
Одеса-200 8 р..

Зміст
Введення

Глава 1. Стиль і формування нової картини світу і ідеалу особистості

1.1 Загальна характеристика стилю «модерн»: поняття і зародження
1.2 Модерн у закордонному і російською мистецтві рубежу ХІХ-ХХ століть

Глава 2. Стиль і модерн у творчості Михайла Врубеля

2.1 Казкова тема і її роль у формуванні нового стилю
2.2 Роль сценографії у виробленні умовного мови мистецтва М. Врубеля
2.3 Особливості портретного творчості художника

Висновок

Література

Додаток

Введення

Мистецтво з давніх років є невід'ємною частиною життя людей. У ньому консолідувалися духовні цінності і зусилля людей різних епох і часів.
Твори мистецтва сприймаються не тільки свідомістю, вони роблять великий емоційний вплив на особистість у цілому, пробуджуючи естетичні потреби. Характер художньої культури залежить, перш за все, від соціально-політичного ладу суспільства. Ним визначаються не тільки ідейний зміст художніх творів, а й спрямованість самих художників, а, отже, і долі мистецтва даної суспільної формації.
Мистецтво як форма суспільної свідомості тісно пов'язана з ідеологією. Але оскільки ідейний лад творів мистецтва виражається, як правило, не безпосередньо, а опосередковано, специфічно властивим мистецтву художньою мовою, то ідейний їх зміст не завжди розкривається відразу.
На рубежі ХІХ-ХХ ст. філософи і художники зруйнували «музейні стіни», вивели твори мистецтва в реальне життя, наповнили ними оточення. На Заході образотворче мистецтво поступово охопило сферу дизайну, перетворюючи кожну промислову річ в естетично досконалу. Роботи модерністів помітно відрізнялися від творів мистецтва, раніше створених людством: «чисте» творчість проявило себе у творах станкових, які матеріалізували підсвідомі, інтуїтивні рухи, виявляючи ірраціональне на противагу логізірованному створення речей.
Мистецтво модернізму не створювалося будь-якої певної групою художників, його напрямки виникали в різні роки, в різних країнах; в лавах модерністів виявлялися художники, письменники, поети, часом не знали один одного і не пов'язані між собою спільними прагненнями та ідеалами. Численні модерністські напрями не були пов'язані і національними традиціями мистецтва своїх країн. Розкидані по різних країнах, розділені десятиліттями, модерністські течії пов'язані між собою одним: їх об'єднує антиреалістичні метод. Це в свою чергу визначає спільність вирішення естетичних проблем у різних напрямах модернізму. Модерн як стиль проіснував недовго і був забутий на багато років. Останнім часом, протест проти засилля техніцизму, рутинності, практицизму привів до появи нової хвилі інтересу до модерну, що обумовлює актуальність теми роботи.
Основна мета розпочатої роботи - проаналізувати характерні риси стилю «модерн» і показати його вплив на всі види художньої діяльності кінця ХІХ - початку ХХ століття на основі творчості М. Врубеля, як найяскравішої представника російського модерну.
- В якості окремих завдань будуть розглянуті наступні питання:
- Модерн у закордонному і російською мистецтві ХІХ - поч. ХХ ст.;
- Роль казкової теми у творчості Врубеля у формуванні нового стилю;
- Роль сценографії у творчості М. Врубеля у виробленні умовного мови;
- Особливості портретного творчості М. Врубеля.
Вивченню модерну взагалі і творчості М. Врубеля зокрема, присвячена робота І. Куликової, де модерн представлений з позицій радянського реалізму і характеризується як один з видів не зовсім зрозумілого буржуазного мистецтва. Така ж точка зору представлена ​​в книзі Н. Малахова «Про модернізм». Іншу точку зору висловлює про модерні В. Серебровський, який з великим розумінням і любов'ю пише про прекрасне своєрідності модерну і його вплив на всі види мистецтва. Вивченню творчості М. Врубеля, його зв'язки з музичним театром і літературою, і про їх взаємовплив пише свої робіт П. Суздалев. Модерну присвячено ряд статей в періодичних виданнях.

1. Стиль і формування нової картини світу і ідеалу людини
1.1 Загальна характеристика стилю «модерн»: поняття і зародження
«Модерн» (від французького moderne, новітній, сучасний) в літературі довідкового характеру визначається як «стильовий напрям у європейському та американському мистецтві кінця 19 - початку 20 століть.» .1
Як зазначає В. Серебровський, - поява цього стилю пояснюють різними причинами: і «вольовим зусиллям» кількох художників, і об'єктивними причинами - втомою минає 19 століття, і загальним декадансом європейської культури («Занепад Європи»), та пов'язаної з цим втратою «великого стилю ». Проте самі представники цього напряму і що прилягали до них критики називали свій стиль арнуво у Франції, югенд штиль - в Німеччині, тобто - Молодим іскусством.2
У Росії слово «новий» було, із властивим російським повагою до Заходу, переведено на іноземне - модерн - і так і залишилося в історії російського мистецтва.
Характерним для представників цього стилю було їх впевненість, що вони спрямовані в майбутнє і як би поривають із традицією 19 століття і, перш за все, з побутовим реалізмом, салонним класицизмом. Вони сумували за «стилю», і вони створили його. Ці художники мріяли покинути вежу зі слонової кістки «чистого» мистецтва, зруйнувати стіну, що розділяє мистецтво «високе» і прикладне, що оточує повсякденний побут людини, і зробити останнє красивим і стильним. Вони хотіли вийти на вулиці, побудувати нові будинки, розписати стіни небаченими досі фресками, прикрасити мозаїкою. І це їм вдалося.
Хоча за тривалістю модерн проіснував недовго (всього 20-30 років), вплив його на той час на всі види художньої діяльності величезна. Сліди модерну можна знайти в усьому: в архітектурі, в живописі, в монументальному мистецтві, в книжковій графіці, плакаті, рекламі, дизайні, одязі. Від величезної громадської будівлі до дверної ручки, від монументальної мозаїки до витонченої вази на столі, від живописного полотна до ложки та виделки - все це носило на собі відбиток цього стилю, якщо за справу бралися художники, архітектори, дизайнери модерну. Їм було діло до всього. Для них не існувало нічого низького, що не змогли б вони з допомогою своєї невгамовної фантазії перетворити на витвір мистецтва. Все до чого торкалася рука художника, повинно було стати прекрасним, яким є природні форми, перед якими ці художники схилялися.
Кінець 19 століття характерний значно збільшеним інтересом Заходу до Сходу у відношенні культурних цінностей останнього. Багато східних речі стають предметами колекціонування, вивчення і навіть наслідування. З'являються перші наукові переклади східних філософських та релігійних трактатів, виникають химерні східно-західні релігії. Європейські філософи починають вживати такі поняття як «нірвана», «карма» і т.д. Загалом, захоплення Сходом носило поверховий характер. Європейці не до кінця розуміли своєрідність східної культури, її музику, театр. Але були люди, які настільки закохалися в мистецтво Сходу, що їх захоплення перейшло в практику, у справу їхнього життя. Японські гравюри, які вперше з'явилися в Парижі у вигляді обгорткового паперу для різних японських дрібничок, викликали справжній переворот у свідомості деяких молодих художників. Вони зрозуміли і прийняли сам принцип східної живопису та графіки. Багато в чому це визначило виникнення такого несподіваного стилю як модерн, який, за образним визначенням В. Серебровського, - вийшов з кокона європейських традицій у вигляді екзотичної європейської метелики. Цей метелик облетіла всі країни Європи і, перелетівши океан, дісталася навіть до Амерікі.1
Кожна національна школа надавала обличчю модерну різний вираз, оскільки немає європейської країни, де не було б свого власного стилю модерн. І в той же час є щось спільне, що об'єднує всі ці «модерн» і робить їх майже нерозрізненними, що дозволяє говорити про загальноєвропейський мистецькому напрямку.
Цим «загальним» є ряд рис, які і зробили його таким привабливим. Умовно це риси такі: еклектизм, романтизм, чуттєвість, декоративність. Перші три ознаки успадковані в основному від Європи, останній - з Азії.
1.2 Модерн у закордонному і російською мистецтві рубежу Х І Х-ХХ століть
У кінці 19 століття блискуча плеяда французьких живописців-імпресіоністів здійснила справжній переворот в європейському живописі. Серед видатних художників - Ренуар, К. Моне, Е. Мане, Дега, Базіль, Піссарро, Сіслей, Сезан та інші. У групі імпресіоністів була навіть одна жінка - Берта Морізо.
Полотна майбутніх імпресіоністів спочатку мало відрізнялися від традиційного реалістичного мистецтва. Франко-прусська війна 1870 року розкидала молодих живописців тільки початківців виробляти свій стиль. Ренуар, Моне, Дега, Базиль були призвані в армію; Сезан їде до естакади, де захоплено пише пейзажі, поступово висвітлюючи свою палітру. Сіслей, Піссарро, а пізніше Моне створюють цікаві пейзажі в Англії, а потім у Голландіі.1 Якщо раніше у творчості Моне і Ренуара відчувалося помітний вплив Курбе, то в цей період у їхній творчості вгадуються риси, які незабаром будуть визначені як імпресіонізм.
Приблизно у 1872 художники знову збираються у Франції і працюють в околицях Парижа і повністю присвячують себе пошукам яскравих і чистих поєднань кольору. Пленер був справжньою насолодою для живописців. Вони, перш за все, прагнули передати враження гри кольору і світла, якими сповнена природа.
Приблизно через два роки пошуків, захопленою, напруженої роботи настає період об'єднання. Новий напрям живопису знаходить повне розвиток, який завершується першою публічною демонстрацією робіт цих художників. Перша виставка імпресіоністів познайомила глядачів з їхнім мистецтвом, але принесла їм ні моральної підтримки, ні очікуваного матеріального успіху. Засмучені невдачею деякі художники перестали виставлятися в наступних виставках імпресіоністів.
Десятиліття з 1870 по 1880 рік - найбільш плідний період розвитку імпресіонізму. Після довгих пошуків настала пора радісної творчості, що розкривається у всій широті. У цей період гармонійного розвитку імпресіонізму Моне, Ренуар, Каміль Піссарро, Сіслей створили картини, які свідчать про тонку передачі навколишнього світу. Художники черпали своє натхнення в самих різних картинах природи: у потоках води, в шумі листя дерев, в красі квітів, в мерехтінні фарб неба, в залитих сонцем фігурах сучасників, зайнятих повсякденними справами. Пейзажі імпресіоністів прозорі, світлі і разюче дзвінки в колірній характеристиці природи. Вони знайшли те дивовижне поєднання фарб, коли останні накладалися одна на іншу, місцями просвічуючи крізь наступний шар, накладений на поверхні просохлої фактури полотна, створювали неповторну гармонію кольору, найбільш виразну для розкриття саме такого стану природи.
Як вже зазначалося раніше, у 90-х роках в мистецтві Німеччини виникає югендстіль. Засновники німецького модерну - художники новатори Отто Екман, Петер Беренс, Август Ендель. Вони вважали, що все створене людиною, є мистецтвом. Основні риси югендстіля полягають у показі людських пристрастей (наприклад, вельми популярним був мотив поцілунку. Знаменитий «Поцілунок» П. Беренса (1898) став одним з перших рішень цього мотіва.1 Помістивши в центрі дві головии, що злилися воєдино, художник огорнув їх волоссям , перетворивши їх у візерунок, орнамент. Дуже часто художники зображують юних героїв (Ф. Ходлер, «Весна», підкреслюючи мотив пробудження почуттів і становлення життєвих сил. Об'єднання різних «живих» форм проявляється в частому зображенні сатирів, кентаврів, сфінксів. Цьому стилю притаманне і зображення окремих частин природи (квітка, листок, пташка, метелик, які виступають як певне поняття, символ. Особливо улюбленими птахами були лебідь і фазан: один символ приреченості, другий - сонячності. Вхідні в орнамент стилізовані квіти, птахи, поверхні води, дзеркал і ін були дуже поширеними.
Югендстіль не обмежився одним жанром. Активно зводяться нові будівлі, вокзали з декором у югендстіль. Архітектура цих будов тяжіє до відкритості і «виставкового». Це було початком шляху до сучасної архітектури й мистецтва побутових речей. Саме югендстіль прагнув об'єднати корисність і художню форму. Побутові «дрібниці», одяг, меблі, саквояжі, гаманці - все це оновлювалося. Поширюється мода і на металеві предмети: меблі, посуд, жіночі прикраси, які на слухняних руках майстра передають гру тіней, поєднують в собі східний орнамент і європейську форму.
Художники модерну нічого не знали про глибинну суті східного мистецтва. Вони нічого не розуміли в східній філософії, але якимось інтуїтивним чином відчули саму суть східного мистецтва. Саме як художники. Заслуга художників модерну полягає в тому, що вони побачили східну красу, що було доступне далеко не всім.
Відомо досить багато презирливих висловлювань того часу про східному мистецтві, яке трактувалося часом як потворне. Відомо, що навіть великий Сезан, намагаючись мабуть принизити живопис Гогена, назвав його картини «плоскими китайськими картинками» .1 Слід сказати, що багато художників модерну, заворожені Сезанна, пішли саме за ним, а модерн з його східними прихильностями був витіснений кубізмом, конструктивізмом , футуризмом.
Зупинимося тепер російською модерні, бо він має свою, яскраво виражену російську «фізіономію». Примат художніх образів і форм, побічно виражають зміст сучасності, над формами її безпосереднього відображення - основна відмінна риса мистецтва кінця ХІХ - початку ХХ ст.
Вступ російського капіталізму в імперіалістичну стадію свого розвитку, яке падає на 90-і роки, зробило вирішальний вплив на всі сфери духовного життя суспільства. Критичне ставлення митців до дійсності трансформується, набуваючи форму пошуку краси і гармонії. Свідомість же того, що ця краса не є породженням цього буржуазного світу «користі», а створена талантом і художньою фантазією художника, позначилася не тільки в тяжінні до казкових, алегоричним або міфологічним сюжетам, але і в самій структурі художньої форми, що переводив образи зовнішньої реальності в область фольклорних уявлень, спогадів про минуле чи непередбачених передчуття будущего.2
Опозиційність мистецтва прозі буржуазних відносин набуває не стільки морально-естетичну та соціальне забарвлення, скільки власне естетичну: головне зло, яке приносить із собою буржуазний світ - байдужість до краси, атрофія почуття прекрасного. У вихованні цього почуття всіма доступними засобами мистецтва бачиться тепер гуманістична місія художника. Велика роль у цьому процесі належала групам художників «Світ мистецтва», яскравими представниками якої були художники А. Бенуа, В. Сєров, М. Врубель та ін і «Блакитна троянда» (Борисов-Мусатов, Сарьян, Кузнєцов, Судейкін). Взагалі російський модерн не відрізняється такою чистотою стилю як західноєвропейський, і тому досить важко визначити, хто є хто серед художників, навіть об'єднаних в окремі групи. Більш чітко модерн представлений у творчості Сомова, Головіна, Бакста, Борисова-Мусатова, Реріха і Врубеля. Правда, що стосується книжкової і журнальної графіки, то тут наші художники були набагато ближче до класичного модерну.
Важливою особливістю даного періоду є вирівнювання перш нерівномірного розвитку окремих видів мистецтва: поряд з живописом стає архітектура, декоративно-прикладне мистецтво, книжкова графіка, скульптура, театральна декорація.
В архітектурі, в короткий період панування стилю модерн, найбільш повно втілив основні тенденції, жанри, напрямки розвитку російського модерну, був Ф.О. Шехтель. Творчість цього майстра охоплює, по суті всі види архітектурного будівництва - приватні особняки, дохідні будинки, будинки торговельних фірм, вокзалів.
Типовим і найбільш зробленим зразком раннього модерну в Росії є особняк Рябушинского в Москві, побудований Шехтелем в 1900-1902 рр.. Архітектор йде від традиційних заданих схем побудови, стверджуючи в плануванні будинку принцип вільної асиметрії. Кожний з фасадів особняка скомпонований по-своєму. Будинок являє собою сполучення пластично, скульптурно трактованих обсягів, що утворюють поступливу композицію. Це вільний розвиток обсягів у просторі демонструє властивий модерну принцип уподібнення архітектурної споруди органічній формі. Характерним прийомом модерну є застосування в засклінні вікон кольорових вітражів. Будівля оперізує широкий мозаїчний фриз із стилізованими зображеннями ірисів, що об'єднує різнохарактерні за композицією фасади.
Примхливо-примхливі вигини ліній є одним з найпоширеніших орнаментальних мотивів модерну. Багаторазово повторюючи в малюнку мозаїчного фриза, в ажурних плетіннях віконних вітражів, у візерунку вуличної огорожі і балконних грат, цей мотив особливо багато розіграний у декоративному оздобленні інтер'єра, досягаючи свого апогею в химерній формі мармурових поручнів, мармурової ж сходи, трактованих у вигляді зметнулася і опадаючої хвилі.
Оформлення інтер'єрів - меблі і декоративне оздоблення також виконані по проектах Шехтеля. Чергування похмуро-затінених і світлих просторів, різноманітність фактурних контрастів, велика кількість матеріалів, що дають химерну гру відбитого світла (мармур, скло, поліроване дерево), пофарбований світло віконних вітражів, нарешті, химерна конфігурація просторових осередків і асиметричне розташування дверних прорізів, багаторазово змінює напрямок світлового потоку - все це свідчить про прагнення до преображення реальності в особливий романтичний світ.
Сферою найбільш ефективного, вже не тільки візуального, а універсального перетворення дійсності стає у той час театр. Театр просто потребував модерні, а модерн потребував театрі. Модерн наскрізь театральний, якщо під театральністю розуміти ілюзію життя. І театр, у свою чергу - це завжди гра, невсамделішность, - те, що лежить в основі модерну. Обидва вони - і театр, і модерн - схильні до романтизму, синтетичні. Театр поєднує музику, живопис, актора, а модерн прагнути звести воєдино архітектуру, живопис, прикладне мистецтво.
Російські художники першими відчули цю спорідненість і кинулися на підмостки, заповнивши сцену не тільки своїми розкішними декораціями, але і своїм людським, особистісним началом.
Вершиною досягнення модерну - класичним виразом його ідеї - стала постановка «Маскараду» Лермонтова в оформленні Головіна: барвисто орнаментальне, романтичне, загадкове - воно втілювало основну ідею модерну: світ - театр, світ - маскарад. Але ця ж постановка стала і останнім, найзначнішим явищем модерну на сцені. Після чого прийшло інше - революційний час, якому естетика модерну був вільний. І так само, як і на Заході, його змінили урбаністичні течії.
Таким чином, протягом другої половини ХІХ - початку ХХ століть, всього протягом 20-30 років народився, розцвів і згас модерн - стиль, що розвиває ідей символізму, який прагне створити навколо людей естетично наповнену предметне середовище. Ні європейської країни, де так чи інакше, не виявився б модерн. Маючи власні національні назви, модерн проте має багато спільного, що дозволяє говорити про загальноєвропейський мистецькому напрямку.
Модерн не вписався в технічну цивілізацію, тому що дуже боявсь перед природою, малюючи свої картини і будуючи свої будинки за її законами, за законами органічних природних форм. Крім того, він був невиправним романтиком.
В умовах існування модерну, коли сфери прикладання образотворчого творчості надзвичайно розширюються, формується новий тип універсального художника, який «уміє все» - написати картину і декоративне панно, виконати віньєтку для книги і монументальну розпис, виліпити скульптуру і «скласти» театральний костюм. Рисами такого універсалізму зазначено творчість Михайла Врубеля.
Неординарність художнього мислення, новизна форми дала можливість художнику відкрити нову епоху в мистецтві.
2. Стиль і модерн у творчості Михайла Врубеля
2.1 Казкова тема і її роль у формуванні нового стилю
Врубель - художник фантастичного, казкового, ірреального. З його приходом у мистецтво в російській живопису закінчився ХІХ століття з його мирним, домашнім і якимось патріархальним ставленням до світу і людини, і почалося щось нове, небувале. Поруч з тривожно-ліловими світами Врубеля, з заломленими руками Демона чарівний і теплий «Московський дворик» Полєнова представляється якимось раєм, чимось назавжди і безповоротно втраченим. І хоча як і раніше продовжують ще писати і Рєпін, і Полєнов, і Суриков, і багато передвижники, але вже з'явилася перша тріщина, розлом, пролунав перший, красивий, трагічний звук, що передбачив початок ХХ століття, - пише Л. Байрамова .1
Вже в ескізах до розписів у Володимирському Соборі в Києві проявилася ця романтична безпритульність Врубеля, його туга: йому ніби тісно й душно в плоскому світі християнської моралі, його душа прагне чогось величезного, вільного, безмежного. Тоді ж у Києві на замовлення багатія Терещенко він пише чудову «Східну казку». Кажуть, він почав її, наслухавшись в будинку Терещенко казок з «Тисячі і однієї ночі». Його батько, що вперше побачив цю роботу, розчароване писав, що сюжет її «небагатий». Проте, він все ж правильно вгадав дивну незвичайність картини: якщо б на цей же сюжет писали Рєпін чи Верещагін, то вийшло б все як у житті, а тут - все так дивно грає, переливається і зибітся, як ніби це і нереальність, а чарівний калейдоскоп: поверни чуть-чуть, і жіноча рука стане частиною орнаменту, ще трохи, і з перського килима проступить чиєсь загадкове обличчя ...
Робота являє собою ювелірну по ретельності і тонкощі листа акварельну мініатюру. Художник прокладав великі поверхні широкими заливками фарби. Потім кінчиком тонкої кисті покривав їх точками або дрібними різнокольоровими цятками, домагаючись ефекту мозаїчного мерехтіння кольору у візерунку східних килимів, одягу, речей, освітлених складним світлом місяця і палаючого масла або занурених у глибину тіні. Врубель урізноманітнює форму барвистих цяток, перетворюючи їх то в трикутники, то в ромби, то в смужки, які як у калейдоскопі утворюють найнесподіваніші комбінації і створюють незвичайні декоративні ефекти. Завдяки цьому різноманітності, лист наповнюється рухом, або плавно поточним, або напружено-беспокойним.1
Врубель взагалі обожнював фантастику, казковість, незвичність. Здається, жоден інший художник не був так трохи і сприйнятливий до всього таємничого, загадкового та містичного. Він умів не тільки відчувати присутність незримого, але і прекрасно зображати його.
У 1898 році на хуторі Ге, де Врубель відпочивав з дружиною, він написав твір «Садко», яке бачили сучасники, але яке поки нікому не вдалося виявити. Там же почав писати велике полотно «Богатир» за своїм смаком на тему російських билин як станкове твір, без розрахунку на якусь певну його розміщення в інтер'єрі. За звичаєм Врубель почав писати прямо з голови, без натури, користуючись лише маленьким попередніми акварельним ескізом. На картині - стихійна первозданність і билинна монументальність образу богатиря доведені, здається, до можливих меж, тут і вершник, і кінь, і ліс нічого спільного не мають ні з богатирями В. Васнецова, із їх цілком допустимими формами і розмірами в просторі реально існуючої природи , з буденністю її людського сприйняття, ні з Вольга самого Врубеля, зображеного раніше на нижегородському панно.1 Велетенський кінь, виростає над вершинами ялин, такий могутній і величезний, що в порівнянні з ним найбільший ломовік здається дитячою конячкою. Під стать коневі і богатир, не те що сидить в сідлі, не те зрощений воєдино зі своїм фантастичним тваринам. Важка, огрядна фігура богатиря, в якій як би сконцентрувалася вся незмірна міць і сила російської землі, російського народу, величаве спокій і якась глибока мудрість у погляді вершника - все це справляє величезне враження. Особа богатиря, його відкритий погляд синьо-небесних очей, рудуваті завитки волосся, борода, - у всьому цьому розкривається аж ніяк не фантастична людська природа богатиря. Так цілком реальний очей коня і його роздуваються ніздрі в єдності з незламністю всієї маси тіла виражають впевненість і велич сили.
Пейзаж на полотні побудований в повній декоративно-пластичної гармонії з фігурами і виглядає як їх продовження, як розвиток їх ритмічної основи. Сам Врубель, по - приводу маленьких ялинок на картині, сказав, що ними він хоче натякнути на слова билини:
Трохи вище лісі стоячого,
Трохи нижче хмари ходячого.
Це не означає, що декоративність всієї композиції, орнаментальність у фігурах в пейзажі Врубель розумів як підвищену виразність у засобах символічно поглиблення образу - вони органічно притаманні його естетичному та художньо-образного розуміння мистецтва, його методом в монументально-декоративної, декораційного живопису.
Улітку 1899 року Врубель написав знаменитого «Пана». (Див. Додаток 1)
«Пан» - це не античне божество, а російська лісовик. Від грецького бога художник взяв «козлоногого», роги на лисому лобі і сопілка. Голова з сивої кучерявої зарості волосся, вусів і бороди, добрий, чистий погляд бірюзово-синіх очей перетворюють Пана в персонажа російських казок. Породжений врубелівську фантазією, він зображений на фоні цілком реального, написаного з натури пейзажу - лісова болотиста галявина, викривлені берези, побачені їм з тераси хотилевского будинку.
Образ людини у Врубеля завжди дієвий, що розвивається, мінливий, поривчастий. «Ось особа виникає з мережив», - писав О. Блок, і ці слова влучно вловлюють істотне властивість його улюбленого художника. У чудової раковині Врубель помічає, як з переливів перламутру народжуються як перлини, стрункі постаті жінок. В складках недбало скинутої одягу він вгадує обрис живого людського тіла. Пристрасні пошуки досконалого людини не відводять Врубеля зі світу, але розкривають його очі на життя природи, на красу візерунків квітів, раковин, хмар і особливо на кристалічну красу скель. Все це призводить до однієї з головних тем Врубеля - народження думки з хаосу, одухотвореного живої істоти - з абстрактній краси кристала і рослинного візерунка. Це зближує Врубеля з російськими символістами і, зокрема з Блоком, у якого вірші нерідко народжувалися з музики слів.
У народному, російською, Врубель вловлював ту своєрідний, яка так вражає в його полотнах. Він знайшов у серці народу «музику цільної людини, не займаного абстрагованістю, упорядкованого, диференційованого та блідого Заходу» 1.
Творчість Врубеля до кінця 1890-х років відзначено пильним інтересом до фольклорних і казковим образам. Тут також присутня певна естетична призма - це музика. Особливо Врубель відчував близькість казково-поетичного колориту музики Римського-Корсакова.

2.2 Роль сценографії у виробленні умовного мови мистецтва М. Врубеля
Ідея синтезу як панацеї від буржуазного здрібніння мистецтв охопили в кінці 19 - початку 20 століття творців різних галузей культури. У сфері видовищно-музичних широке поширення набула теорія і діяльність Ріхарда Вагнера, який мріяв перетворити оперу в музичну драму, про посилення музичної мощі мистецтв мріяли Гофман - Крейслер, здогадуючись про потаємної зв'язку кольорів, звуків і ароматів, про перетворення почуттів, злитих воедіно.1 У Росії ідея синтезу мистецтв, створення нового стилю, реформа оперного, а потім і драматичного театру отримали особливо широкий відгук у художній творчості та естетичної теорії. У Росії процес оновлення мистецтва містив свій романтико-утопічний варіант, обумовлений не тільки відродженням слов'яно-фільскіх ідей, а й освободітельскіх ідей, і визвольних прагнень, бунтарно-естетичних хвиль. Не уникло загальної долі пошуку та творчість великих художників цієї епохи, і серед них Врубеля.
Захоплення народністю російської билини і казкою, музично-поетичним ліризмом оперної та романсово музики Римського-Корсакова, ліричної вокальної проникливістю виконання партій Волхова, Снігуроньки надихнуло митця на створення не тільки декорацій та ескізів костюмів, а й на створення двох майолікових циклів скульптур на теми «Садко »і« Снігуроньки ».
У постановці «Садко» (прем'єра відбулася 26 грудня 1897) Врубель брав участь як автор костюмів Волхова і Варяга і допомагав К. Коровіна і С. Малютіна в ескізах та виконанні деяких декорацій. У цілому на сцені приватної опери в Солодовніковском театрі Врубель поставив повністю або частково десять опер: «Царська наречена», «Кавказький полонений», «Громсбой» «Чародійка» та ін
Великий успіх мала «Царська наречена». Про декораціях Врубеля говорилося, що «декорації стильні та художні», що вони «вражали правдивістю загального тону, особливо в другому акті». Ескізи другого і четвертого актів і дійшли до нас і дозволяють судити про те, що задумані вони були в тому неорусском стилі, який Врубель розробляв у своїх архітектурних і декоративних проектах і ескізах 1899-1900 років. Це малюнки камінів і декоративних страв на теми «Садко» і «Микули Селяниновича». Тонкий смак і відчуття стилю Врубеля позначилися у найкращих творах кераміки і майоліки, наприклад, в деяких декоративних стравах на тему «Садко», в декорі каміну «Микула Селянинович», який був удостоєний «Grand Prix» на Всесвітній паризькій виставці, в ескізах до постановки опер «Казка про царя Салтана» та «Чародійка».
У фантазії театрально-декораційного живопису Врубеля, з її чисто зоровими аспектами, у синтезі з музикою, співом, світлом центральне місце відводилося ілюзорною архітектурі казкових міст і царських палат .. Дослідники архітектури російського модерну початку ХХ століття, в його загальноєвропейському та національному варіантах, визнали помітний вплив театрального живопису на декоративний стиль зодчих і художників. Так, Врубелівський архітектурні і декоративні проекти, театральні ескізи передували спорудження фасаду галереї Третьякових, Ярославського вокзалу, тереми і церкви в Талашкине.
Можливо у граничній барвистої казковості декоративного стилю, умовності зображення Врубеля у названих проектах і ескізах почасти позначилося вплив на уяву художника поетично-пейзажної і пісенно-варіаційної музики Римського-Корсакова в «Снігуроньці», «Садко» і «Казці про царя Салтана». У свою чергу, і на творчість Римського-Корсакова вплинуло мистецтво Врубеля. У своїх наступних операх - «Кощій Безсмертний» і «Золотий півник» він ще більш сміливо йде по шляху художньої умовності.
Самим яскравим «театральним» творінням Врубеля дослідники називають декорації і костюми до постановки опери «Казка про царя Салтана» Римського-Корсакова, прем'єра якої відбулася в 1900 році. Оформлення вистави принесло Врубелю популярність і мало великий успіх - навіть у тих, хто раніше ставився до творчості майстра зневажливо.
Під враженням опери Врубель пише картину «Царівна-Лебідь» - сценічний портрет Надії Забіли-Врубель. (См.Приложение 2) На полотні постає не сама співачка, а таємничий образ Царівни, навіяний її ліричним і задушевним співом. За словами сучасників, голос і зовнішність співачки повністю відповідали казковим і фантастичним образам, які вона втілювала на сцені.
Врубель зображує дружину на тлі власних декорацій до «Казки про царя Салтана», в костюмі, складеної для вистави. Але сценічна умовність запроваджена в казкову, пейзаж - це не фон-задник, а реальний простір, де відбуваються чудові перетворення. Момент перевтілення лебедя в тендітну і загадкову красуню-царівну немов зупинений і тривати, а світло заходу перетворює реальність, робить її хиткою і багатозначною.
Мерехтять бірюзові, блакитні, смарагдові самоцвітні камені візерункового вінця-кокошника, і уявляти, що це трепетне сяйво зливається з відблиском зорі на гребенях морських хвиль і своїм примарним світлом наче огортає тонкі риси блідого обличчя, змушує оживати шелесткі складки полувоздушна білої фати. Перламутровий світло випромінюють величезні білосніжні, але теплі крила.
Чаклунське мерехтіння перлів і дорогоцінного каміння, трепету зорі і відблисків полум'я вогнів острова і створює ту казкову атмосферу, якою пронизана картина, дає можливість відчути гармонію високої поезії, що звучить в народній легенде1.
Потужне внутрішнє вплив музичного театру на мистецтво Врубеля, як і на всю художню культуру кінця 19 початку 20 століття, - було знаменням часу, наслідком пошуків єдності, синтезу мистецтва на шляхах символіко-образотворчої одухотвореності, видовищності, декоративності.
2.3 Особливості портретного творчості художника
Хоча в Росії в кінці 19 століття було багато чудових портретистів, і серед них такий портретист, як Сєров, портрети Врубеля займають визначне місце в історії російського живопису.
Перші портрети Врубель пише в реалістичній формі, але нестримний мрійник, романтик фантазер - Врубель - також проявляє себе у портретах. Йому нудна буденність, його нудить від дріб'язкової прози життя, і він вихоплює своїх персонажів з нудьги буднів і створювати з них легенду, міфи, казку. Така його «Дівчинка на тлі персидського килима» (див. Додаток 3). Не просто дівчинка з гарненьким личком, дочка знайомого лихваря, а - маленька принцеса, звабливе, чудове істота, що з'явилося з казки.
«Дівчинка на тлі персидського килима» - перший у Врубеля написаний маслом портрет з натури. Тут немає ще жодного прагнення до індивідуальної психологічної характеристиці. У картині відбилося пристрасть Врубеля до тонких нюансів кольору і переливами каменів (відомо, що Врубель просто був закоханий у камені та спеціально приходив помилуватися ними), блиску металів. У цій картині Врубель вперше знайшов свій колористичний тембр - звучання густих похмурих тонів зі зрушенням в холодну частину спектру.
Працюючи над картиною, Врубель прагнути винайти нові складні прийоми техніки олійного живопису, яка була б непростий імітацією мозаїки, а перетворювала зображення в коштовність, мерехтливу з глибини чистим повнозвучним кольором. Ця робота є практично підтвердженням висловлювання Врубеля про необхідність у роботі «орнаментальності». Під орнаментальністю він розумів такий метод роботи, коли художник, пишучи або малюючи з натури, повинен стежити не тільки за зовнішнім контуром предмета, його абрисом, межею, фоном, а і за обрисами самого фону, піклуватися про його пов'язаності з основним предметом зображення, щоб всі елементи композиції були міцно пов'язані між собою. Сам Врубель завжди прагнув проникнути «в глиб» предмета, зобразити його в декількох планах, взаємозалежних один з одним.
Незвичайним є і знаменитий портрет Сави Івановича Мамонтова. Він постає настовбурчився, напружінівшімся, напруженим, немов хижий птах, або немов заводна, механічна іграшка. Щось недобре, демонічне і бездушно-механічне є і в його опуклих і неживих, як кістяні кулі, очах, і в різких, владних, як у маленького тирана, рухах рук. Так Саву Івановича ніхто не писав. Цьому психологічному враженню добре відповідає напружений контраст його білою тугий манишки і чорного костюма. У цьому портреті Врубель досягає сили впливу монументальної фрескі1.
Вражаєшся рідкісного таланту художника, майже проник в веласкесовский секрет використання чорного кольору. Дивує такт, з яким Врубель-живописець, який володів рідкісним талантом декоратора, що оперує всій веселкою кольору, в цих своїх портретах хіба що збирає, навмисне гасить яскравість гами полотен, підпорядковуючи все розкриттю психології портретованих.
Портрет дружини Врубеля носить характер невибагливого етюду з натури. У цій привітно дивиться на глядача жінки в мереживній капорі та в літньому нарядному платті не помітно звичайного душевного сум'яття Врубеля. Портрет був написаний в один-два сеанси: фарби покладені легко, без подмалевка, подекуди просвічує полотно. Разом з тим в картині чудово переданий обсяг, вміло розставлені колірні акценти, на волоссі і в чорному лорнет, і, головне, весь портрет з його оливково-зеленими і бузковими тонами утворюють чудову барвисту гармонію. Фон написаний легко і повітряно, як тільки в картинах найбільших живописців. Нервовий почерк майстра, його кучеряве штрихи і удари пензля надають особливої ​​безпосередність цьому образу. (Див. Додаток 4).
Одні тільки ці чудові портретні полотна могли вже створити художнику безсмертну славу, в них він постає перед нами як чудовий майстер, який володіє всіма таємницями станкового живопису, що володіє даром припадати в сокровенні глибини людської душі.
У його численних автопортретах є та бездоганна точність, яка є законом цього виду живопису, і, разом з тим, та душевна глибина, якої в кінці 19 століття цуралися кращі майстри портрета на Заході, за виключення хіба одне лише Ван Гога.
Іноді сучасники бачили портретну схожість уявних персонажів, відтворених художником, з його знайомих, і це подібність бувало насправді, хоча автор і не підозрював про нього, створюючи не портрети, а ті образи, які йому були потрібні: богоматір або Тамару з «Демона », іспанку або ворожку. Щоправда, траплялися і навмисні уособлення, в реальному вигляді він раптом бачив алегорію, уособлення чи історичний образ. Так з'явилися його рудоволоса Муза, Валькірія - княгиня М.К. Тенішева, співачка Забела, яку він перетворював на Морську царівну, Снігуроньку, Царівну-Лебідь, Царівну Атму і багато інших образів. У той же час, глядачі не завжди впізнавали прототип або джерело образу і знаходили в його мальовничих уособлення інші риси. Це свідчить про багатогранність творчої уяви Врубеля, яке ніколи не вкладалося в рамки якогось одного, раз назавжди знайденого портретного методу і стилю.

Висновок
На рубежі ХІХ - ХХ століть в історії світової культури і мистецтва виник новий напрям, що отримало назву модерн. Його зародження пояснюється прагненням художників вийти за межі замкнутого класичного мистецтва і створити стиль, який би оточував людей естетично наповненою предметної середовищем. Виникнувши на Заході, модерн незабаром був сприйнятий передовими шарами культурного товариства і в інших країнах, у тому числі в Америці та Росії.
Характерними рисами нового стилю стало - гармонійне з'єднання (як у природі) найрізноманітніших речей і в цьому його принадність і унікальність. Епоха потребувала художників універсального обдарування, яким би можна було довірити втілення найзаповітнішої мрії про злиття - синтезі мистецтв.
Найбільшим виразником російського та європейського модерну в цілому став Михайло Врубель - найбільший живописець і декоратор, але який міг би стати і не менш значним архітектором, скульптором, костюмером, меблярем, ювеліром, гончарем.
Михайло Врубель - фігура величезна. Його мистецтво сягає воістину грандіозного звучання. Звичайно, багато в чому середа, епоха, в якій живе майстер, формує і відточує його талант. Але, з іншого боку, цей художник, як би переломив крізь серце світ свого часу, сам висловлює століття, в якому йому випало народитись і творити.
Його мистецтво, в якій виявилися риси символізму і пов'язаного з ним модерну, стало своєрідним прологом нових художніх процесів у російській культурі рубежу ХІХ-ХХ століть.
Своєрідність формування Врубеля як художника полягала в тому, що він прийшов до символізму, минувши реалізм і імпресіонізм, виходячи безпосередньо з академічної основи.
Особистість Врубеля унікальна своїм творчим універсалізмом навіть на тлі виняткового розквіту мистецтва Росії наприкінці ХІХ століття: він займався станкового і монументального живописом, графікою, скульптурою, створював театральні декорації та костюми, архітектурні проекти, предмети декоративно-прикладного мистецтва.
Винайдений Врубелем художній метод - побудова зображення як кристалічних структур, виблискуючих різними гранями, допоміг висловити внутрішнє напруження образів, надати їм таємничість і «нетутешню» красу.
Художник полонить нас магією своєї чарівної музи. І ми, жителі ХХІ століття, на мить опиняємося в невідомому царстві мрій. Живописець-чарівник змушує нас забути про скепсис, властивому нашого ставлення до чудес. Його твори викликають в серцях наших почуття віри в добро, прекрасне.
Як би коротке не була біографія того або іншого великого живописця, але полотна, залишені ним, дозволяють, як би впізнавати його не схожий ні на кого лик. Ми мимоволі відчуваємо приховану від нас внутрішню напружену роботу художника, і чим більше талант, ті неповторні і яскравіше горить зірка його дару, тим гостріше і чіткіше ми відчуваємо незбориму, притягальну силу творчої одержимості живописця, який віддав усього себе вираження своєї мрії про прекрасне.
Таким був Врубель.

Література
1. Андрєєв А.А. Мистецтво, культура, сверхкультура. - М.: Знание, 1991. - 64с.
2. Байрамова Л. Михайло Врубель / / Зміна. - 1998. - № 2. - С. 92.
3. Батракова С.П. Художник ХХ століття і мову живопису. - М.: Мистецтво, 1996.-116с.
4. Долгополов І. Майстри і шедеври. У 3-х т. Т.2. - М.: Образотворче мистецтво, 1987. - 750 с.
5. Західне мистецтво ХХ століття. Класична спадщина і сучасність. - М., 1992.
6. Мистецтво. Книга для читання. Живопис. Графіка. Архітектура. - М.: Просвещение, 1969. - 544 с.
7. Історія російського і радянського мистецтва / Под ред. Д. Саробьянова. - М.: Вища школа, 1979. - 383 с.
8. Куликова І.С. Філософія і мистецтво модернізму: Политиздат, 1980.-272с.
9. Логутенко О. Мистецтво на перехресті / / АРТпанорама. - 2001. - № 11. - С.8-10.
10. Малахов М. Про модернізм. - М.: Образотворче мистецтво, 1975. - 275с.
11. Мєднікова Г.С. Українська І Зарубіжна культура ХХ століття.-К.: Знання, 2002. - 214 с.
12. Миропольська Н., Бєлкіна Е. Художня культура СВІТУ: Європейський регіон. - К.: Вища школа, 2001. - 191 с.
13. Михайло Врубель: Колекція «Великі митці» ч.77. - 31 с.
14. Серебровський В. Що таке «модерн» / / Наука і життя. - 1992. - № 2. - С.74-81.
15. Суздалев П.К. Врубель. Музика. Театр. - М.: Образотворче мистецтво, 1983.-368с.
16. Суздалев П.К. Врубель і Лермонтов. - М.: Образотворче мистецтво, 1980. - 240 с.


1 Радянський енциклопедичний словарь.-М., 1985.-С.817.
2 Серебровський В. Що таке «модерн»? / / Наука і жізнь.-1992 .- № 2.-С.74.
1 Цит. вид.-С77.
1 Малахов М. Про модернізме.-М., 1975.-С.13.
1 Миропольська Н., Бєлкіна Е. Художня культура СВІТУ: Європейський культурний регіон.-К., 2001.-С.115.
1 Серебровський В. Цит. вид.-С.78.
2 Історія російського і радянського мистецтва / Под ред. Сараб'янова .- М., 1979.-С.243.
1 Байрамова Л. Михайло Врубель / / Смена.-1998 .- № 2.-С.85.
1 Михайло Врубель: Колекція «Великі художнік.-Ч.77.-С.26.
2Суздалев П. Врубель. Музика. Театр.-М., 1983.-С.203.
1 Долгополов І. Майстри і шедеври. У 3-х т. Т.2.-М., 1987.-С. 528.
1 Суздалев П. Цит. вид.-с.289.
1 Долгополов І. Цит. вид.-С.532.
1 Алпмтов М. Врубель / / Ісксство. Книга для читання. -М., 1969.-с.451.
Додати в блог або на сайт

Цей текст може містити помилки.

Культура і мистецтво | Курсова
91.9кб. | скачати


Схожі роботи:
Архітектурний стиль Модерн
Дизайн квартири - стиль модерн
Дизайн квартири стиль модерн
Модерн і постмодерн
Модерн як явище культури
Історія розвитку танцю модерн
Модерн від світанку до кризи
Модерн в російській культурі Срібного століття
Система кадрової документації ТОВ Модерн
© Усі права захищені
написати до нас