Міністерство праці і соціального розвитку РФ

Московський державний соціальний університет

Філія в м. Чебоксари

Юридичний факультет

Контрольна робота

на уроках: Вітчизняна історія

на тему: Світочі Росії і Чувашії

Виконала:

студент 1курс заочного відділення

групи зю-11

Науковий керівник:

професор

Васильєв Єгор Васильович

м. Чебоксари 2004р.

Зміст

Введення з 3 - 4

I Світочі Росії з 4 - 19

II Художник Рєпін І.Є. з 19 - 22

III Світочі Чувашії з 22 - 27

IV Художник Овчинников Н.В. з 27 - 29

Висновок з 29

Список використаної літератури з 30

Введення

XIX століття називають «Золотим століттям" російської культури. Це час культурного і духовного піднесення в Росії. Якщо в економічному та соціально-політичному розвитку Росія відставала від передових європейських держав, то в досягненнях культури вона не тільки йшла врівень з ними, але й часто випереджала.

На початку XIX століття в живопис поряд з класицизмом з його міфологічними і біблійними сюжетами прийшло романтичний напрям, представники якого виявляли великий інтерес до особистості та внутрішнього світу людини. Це обставина зумовила розвиток портретного жанру.

Культура цього часу розвивалася на тлі все зростаючого національної самосвідомості російського народу і в зв'язку з цим мала яскраво виражений національний характер. Величезний вплив на живопис, літературу, театр, музику справила Вітчизняна війна 1812 року, яка прискорила зростання національної самосвідомості російського народу. Однак консервативні тенденції в політиці стримували розвиток культури. Уряд явно боровся з проявами передової суспільної думки.

Соціально-економічні зміни в країні, що викликали проведення радикальних ліберальних перетворень, зумовили формування нових суспільних відносин, виробили справжній переворот не тільки в соціальній, а й духовного життя всіх росіян, охопивши широкі маси народу. Друга половина XIX століття була закономірним продовженням «Золотого століття» вітчизняної науки і культури. Творіння російських вчених і мислителів, письменників, художників і музикантів, які стали визнаними корифеями світової класики, міцно увійшли в скарбницю людської цивілізації.

На рубежі XIX-XX століть в духовному житті Росії з'явилися тенденції, пов'язані з світовідчуттям людини XX століття. Вони вимагали нового осмислення соціальних і моральних проблем. Все це призводило до пошуку нових образотворчих методів і засобів. В Росії склався своєрідний історико-художній період, який його сучасники називали «Срібний століттям» російської культури.

Світочі Росії

Для російського образотворчого мистецтва були характерні романтизм і реалізм. Однак офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталим установою, перешкоджав будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала суворо йти за канонами класицизму, заохочувала написання картин на біблійні та міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому вони частіше зверталися до портретного жанру.

Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму Кіпренський Орест Адамович (1782-1836), відомий як чудовий портретист. У картині «Дмитро Донський на Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував упевнене знання канонів академічної історичної картини. Але областю, де його талант розкривається найбільш природно і невимушено, стає портрет. Перший його живописний портрет («А. К. Швальбе», 1804), написаний «рембрандтівської» манері, виділяється своїм виразним і драматичним світлотіньових ладом. З роками його майстерність, - прояви в умінні створювати в першу чергу неповторні індивідуально-характерні образи, підбираючи особливі пластичні засоби, щоб цю характерність відтінити, - міцніє. Вражаючою життєвості повні: портрет хлопчика А. А. Челіщева (близько 1810-11), парні зображення подружжя Ф. В. і Є. П. Ростопчина (1809) і В. С. і Д. М. Хвостових (1814, всі - Третьяковська галерея). Художник все частіше обіграє можливості колірних і світлотіньових контрастів, пейзажного фону, символічних деталей («Є. С. Авдуліна», близько 1822, там же). Навіть великі парадні портрети художник вміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними («Портрет лейб-гусарського полковника Євграфа Давидова», 1809, Російський музей). Його портрет молодого, овіяного поетичною славою А.С. Пушкіна є одним із найкращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто і романтично, в ореолі поетичної слави. «Ти мені лестиш, Орест», - зітхнув Пушкін, переглянувши готове полотно. Кипренский був віртуозним рисувальником, створив (переважно в техніці італійського олівця і пастелі) зразки графічного майстерності, найчастіше переважали відкритою, хвилююче легкої своєю емоційністю його живописні портрети. Це і побутові типажі («Сліпий музикант», 1809, Російський музей; «килимчики Баяуста», 1813, Третьяковська галерея), і знаменита серія олівцевих портретів учасників Вітчизняної війни 1812 року (малюнки із зображенням Є. І. Чапліца, А. Р. Томілова, П. О. Оленіна, той же малюнок з поетом Батюшкова та ін; 1813-15, Третьяковська галерея та ін зборів), героїчне початок тут набуває задушевний відтінок. Велика кількість начерків і текстові свідчення показують, що художник весь свій зрілий період тяжів до створення великої (за його власними словами з листа А. М. Оленіну 1834 року), «ефектною, або, по-російськи сказати, ударистой і чарівної картини», де в алегоричній формі було б зображені підсумки європейської історії, так само як і призначення Росії. «Читачі газет в Неаполі» (1831, Третьяковська галерея) - за видом просто груповий портрет - на ділі є приховано-символічний відгук на революційні події в Європі. Однак найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або зникли (подібно до «Анакреоновой гробниці», завершеної 1821). Ці романтичні пошуки, однак, отримали масштабне продовження у творчості К. П. Брюллова та А. А. Іванова.

Реалістичну манеру відбивали твори В.А. Тропініна. Ранні портрети Тропініна, написані в стриманій барвистої гамі (сімейні портрети графів Моркових 1813-го і 1815-го років, обидва - в Третьяковській галереї), ще цілком належать до традиції Просвітництва: модель в них безумовним і стабільним центром образу. Пізніше колорит живопису Тропініна стає інтенсивніше, обсяги зазвичай ліпляться більш чітко і скульптурно, але найголовніше - вкрадливо наростає суто романтичне відчуття рухомий стихії життя, лише частиною, фрагментом якої здається герой портрета («Булахов», 1823; «К. Г. Равич» , 1823; автопортрет, близько 1824; всі три - там же). Такий і А. С. Пушкін на знаменитому портреті 1827 (Всеросійський музей О. С. Пушкіна, м. Пушкін): поет, поклавши руку на стос паперу, як би «слухає музи», вслухається у творчу мрію, навколишнє образ незримим ореолом . Він теж написав портрет А.С. Пушкіна. Перед глядачем постає досвідчений життєвим досвідом, не дуже щаслива людина. На портреті Тропініна поет по-домашньому привабливий. Якимось особливим старомосковским теплом і затишком віє від робіт Тропініна. До 47-річного віку перебував він у фортечної неволі. Тому, напевно, так свіжі, так одухотворені на його полотнах обличчя простих людей. І нескінченні молодість і чарівність його «Мереживниці». Найчастіше В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу ("Мереживниця", "Портрет сина" та ін.)

Художні та ідейні пошуки російської громадської думки, очікування змін відбилися в картинах К.П. Брюллова "Останній день Помпеї" і А.А. Іванова "Явлення Христа народу".

Великим витвором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла Павловича Брюллова (1799-1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї побував цей великий російський художник. Він гуляв по стародавніх мостовим, милувався фресками, і в його уяві вставала та трагічна ніч серпня 79р. е.., коли місто було засипано розпеченим попелом і пемзою прокинувся Везувію. Через три роки картина «Останній день Помпеї» зробила тріумфальну подорож з Італії до Росії. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії древнього міста, що гине під лавою і попелом вивергається Везувію. Картина пройнята високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, проявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був в Італії на відрядження Академії мистецтв. У цьому навчальному закладі було добре поставлено навчання техніці живопису і малюнка. Проте академія однозначно орієнтувалася на античну спадщину і героїчну тематику. Для академічного живопису були характерні декоративний пейзаж, театральність загальної композиції. Сцени з сучасного життя, звичайний російський пейзаж вважалися негідними пензля художника. Класицизм в живопису отримав назву академізму. Брюллов був пов'язаний з Академією всією своєю творчістю.

Він володів могутнім уявою, пильним оком, і вірною рукою - і в нього народжувалися живі твори, узгоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським витонченістю він умів закарбувати на полотні і красу оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного променя на зеленому листі. Немеркнучими шедеврами російського живопису назавжди залишаться його полотна «Вершниця», «Вірсавія», «Італійський ранок», «Італійський полудень», численні парадні та інтимні портрети. Однак митець завжди тяжів до великих історичних тем, до зображення значних подій людської історії. Багато його задуми у цьому плані не були здійснені. Ніколи не полишала Брюллова думка створити епічне полотно на сюжет з російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія». На ній зображений кульмінаційний момент облоги 1581 р., коли псковські ратники і. городяни кидаються в атаку на прорвалися до міста поляків і відкидають за стіни. Але картина залишилася незакінченою, і завдання створення справді національних історичних картин була здійснена не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Одноліток Пушкіна, Брюллов пережив його на 15 років. Останні роки він хворів. З автопортрета, написаного в ті часи, на нас дивиться рудуватий людина з тонкими рисами обличчя і спокійним, замисленим поглядом.

У першій половині XIX ст. жив і творив художник Олександр Андрійович Іванов (1806-1858). Все своє творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши їх у картині «Явлення Христа народу». Понад 20 років працював він над картиною «Явлення Христа народу», в яку вклав всю міць і яскравість свого таланту. На передньому плані його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Іоанна Хрестителя, зазначає народу на яке Христа. Його постать дана на віддалі. Він ще не прийшов, він іде, він обов'язково прийде, каже художник. І світлішають, очищаються обличчя і душі тих, хто очікує Спасителя. У цій картині він показав, як говорив пізніше І. Є. Рєпін, «пригноблений народ, жаждующий слова свободи».

У першій половині XIX ст. в російську живопис входить побутовий сюжет. Одним з перших до нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780-1847). Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Це життя він показує в ідеалізованому, прикрашеному вигляді, віддаючи данину модному тоді сентименталізму. Однак картини Венеціанова «Тік», «На жнивах. Літо »,« На ріллі. Весна »,« Селянка з волошками »," Захарка "," Ранок поміщиці "відображаючи красу і благородство простих російських людей, служили утвердженню гідності людини незалежно від її соціального стану.

Його традиції продовжив Павло Андрійович Федотов (1815-1852). Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, що викриває торгашескую мораль, побут і звичаї верхівки суспільства ("Сватання майора", "Свіжий кавалер" та ін.) Свій шлях художника-сатирика він починав будучи офіцером-гвардійцем. Тоді він робив веселі, пустотливі замальовки армійського побуту. У 1848 р. на академічній виставці була представлена ​​його картина «Свіжий кавалер». Це була зухвала глузування не тільки над тупим, самовдоволеним чиновництвом, а й над академічними традиціями. Брудний халат, куди зодягнувся головний герой картини, аж надто нагадував античну тогу. Брюллов довго стояв перед полотном, а потім сказав автору напівжартома-напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедійно-сатиричного характеру мають і інші картини Федотова («Сніданок аристократа», «Сватання майора»). Останні його картини дуже сумні («Анкор, ще анкор!», «Вдовушка»). Сучасники справедливо порівнювали П.А. Федотова в живописі з Н.В. Гоголем у літературі. Викриття виразок кріпосницької Росії - основна тема творчості Павла Андрійовича Федотова.

Друга половина XIX ст. ознаменувалася розквітом російського образотворчого мистецтва. Він став справді великим мистецтвом, була перейнята пафосом визвольної боротьби народу, відгукувалося на запити життя і активно втручалися в життя. В образотворчому мистецтві остаточно утвердився реалізм - правдиве і всебічне відображення життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності і справедливості.

Центральною темою мистецтва став народ, не лише пригноблений і в стражданні, а й народ - творець історії, народ-борець, творець всього кращого, що є в житті.

Затвердження реалізму в мистецтві проходило у впертій боротьбі з офіційним направленням, представником якої було керівництво Академії мистецтв. Діячі академії переконували своїх учнів ідеї про те, що мистецтво вище за життя, висували лише біблійну і міфологічну тематику для творчості художників.

9 листопада 1863 велика група випускників Академії мистецтв відмовилася писати конкурсні роботи на запропоновану тему зі скандинавської міфології і залишила Академію. На чолі бунтарів стояв Іван Миколайович Крамськой (1837-1887). Вони об'єдналися в артіль і стали жити комуною. Через сім років вона розпалася, але до цього часу зародилося «Товариство пересувних художніх виставок», професійно-комерційне об'єднання художників, що стояли на близьких ідейних позиціях.

«Передвижники» були єдині у своєму неприйнятті «академізму» з його міфологією, декоративними пейзажами і пихатої театральністю. Вони хотіли зображати живу життя. Провідне місце у творчості зайняли жанрові (побутові) сцени. Особливою симпатією «передвижників» користувалося селянство. Вони показували його потребу, страждання, пригнічений стан. У ті часи - в 60-70-і рр.. XIX ст .- ідейна сторона мистецтва цінувалася вище, ніж естетична. Лише з часом художники згадали про самоцінність живопису.

Мабуть, найбільшу данина ідейності віддав Василь Григорович Перов (1834-1882). У своїх творах Перов пристрасно викриває існуючий лад, з великою майстерністю і переконливістю показує важку долю народу. У картині «Сільський хресний хід на Великдень» художник показав російське село у святковий день, злидні, безпробудне пияцтво, сатирично зобразив сільське духовенство. Вражає своїм драматизмом, безвихідній скорботою одна з кращих картин Перова - «Проводи небіжчика», яка розповідає про трагічну долю родини, що залишилася без годувальника. Великою популярністю користуються його картини «Останній шинок у застави», «Старики-батьки на могилі сина». Тонким гумором і ліризмом, любов'ю до природи пройняті картини «Мисливці на привалі», «Рибалка». Його творчість пронизана любов'ю до народу, прагненням осмислити явища життя і мовою мистецтва правдиво розповісти про них. Картини Перова належать до кращих зразків російського мистецтва. Його творчість як би перегукується з поезією Некрасова, твори Островського, Тургенєва. Досить згадати такі його картини, як «Приїзд станового на слідство», «Чаювання в Митищах». Деякі роботи Перова просякнуті справжнім трагізмом («Трійка», «Старики-батьки на могилі сина»). Кисті Перова належить ряд портретів його знаменитих сучасників (Островського, Тургенєва, Достоєвського).

Деякі полотна «передвижників», написані з натури або під враженням від сцен, збагатили наші уявлення про селянське життя. У картині С. А. Коровіна «На світу» показано сутичка на сільському сході між багатієм і бідняком. Урочиста святковість селянської праці відображена в картині Г. Г. Мясоєдова «Косарі».

Ідейним вождем Товариства пересувних виставок був Іван Миколайович Крамськой (1837-1887)-чудовий художник і теоретик мистецтва. Крамськой боровся проти так званого «чистого мистецтва». Він закликав художника бути людиною і громадянином, своєю творчістю боротися за високі суспільні ідеали. У творчості Крамського головне місце займала портретний живопис. Крамськой створив цілу галерею чудових портретів російських письменників, художників, громадських діячів: Толстого, Салтикова-Щедріна, Некрасова, Шишкіна та інших. Йому належить один з кращих портретів Льва Толстого. Пильний погляд письменника не залишає глядача, з якої б точки він не дивився на полотно. Одне з найбільш сильних творів Крамського - картина «Христос у пустелі».

«Передвижники» зробили справжні відкриття в пейзажному живописі. Олексій Кіндратович Саврасов (1830-1897) зумів показати красу і тонкий ліризм простого російського пейзажу. У 1871 майстер створює ряд кращих своїх робіт («Печерський монастир під Нижнім Новгородом», Нижегородський художній музей, «Розлив Волги під Ярославлем», Російський музей), у т. ч. знамениту картину «Граки прилетіли» (Третьяковська галерея), що стала самим популярним російським пейзажем, свого роду мальовничим символом Росії. Етюдна робота над «Гайворонами» йшла в березні, в с. Молвитино (нині Сусанино) Буйського повіту Подільської губернії. Талий сніг, весняні граки на берізках, сіро-блакитне, блякле небо, темні хати і давня церква на тлі захололих далеких лук, - все сплавилося в образ дивного поетичного чарівності. Картині властивий воістину чарівний ефект впізнаваності, «вже баченого» (deja-vue, говорячи мовою психології) - причому не тільки десь біля Волги, де писалися «Граки», а трохи чи не в будь-якому куточку країни. Тут «настрій» - як особливе споглядальне простір, який об'єднує картину з глядачем - остаточно перетворюється в зовсім особливий компонент образу, це влучно фіксує І. М. Крамськой, коли пише (у листі до Ф. А. Васильєву, 1871), торкаючись інших пейзажів на виставці: «все це дерева, вода і навіть повітря, а душа є лише у« Грачах ». Незримо зрима «душа», настрій животворить і наступні речі Саврасова: чудові московські пейзажі, органічно поєднують побутову простоту переднього плану з величними далями («Сухарєва вежа», 1872, Історичний музей, Москва, «Вигляд на Московський Кремль, Весна», 1873, Російський музей), віртуозний про передачу вологи і світлотіні «Путівець» (1873, Третьяковська галерея), сентиментальну «Могилу над Волгою» (1874, Алтайський крайовий музей образотворчих мистецтв, Барнаул), светозарную «Веселку» (1875, Російський музей), меланхолійну картину «Зимовий пейзаж. Іній »(1876-77, Воронезький музей образотворчих мистецтв). У пізній період майстерність Саврасова різко слабшає. Житейськи опустившись, страждаючи алкоголізмом, він живе за рахунок копій зі своїх кращих робіт, перш за все з «Грачей».

Федір Олександрович Васильєв (1850-1873) прожив коротке життя. Його творчість, оборвавшееся початку, збагатило вітчизняну живопис поруч динамічних, що хвилюють пейзажів. Художнику особливо вдавалися перехідні стани в природі: від сонця до дощу, від затишшя до бурі. Виходець із сім'ї поштового службовця, вчився у Художній школі Товариства заохочення мистецтв, а також в 1871 в Академії мистецтв, у 1866-67 працював під керівництвом І. І. Шишкіна. Видатний талант Васильєва склався рано і потужно в картинах, вражаючих глядача своїм психологічним драматизмом. Чудовою «поезією при натуральності враження» (за словами І. М. Крамського, близького друга Васильєва, про корінне властивості його творчості в цілому) пройнята вже картина «Перед дощем» (1869, Третьяковська галерея). У 1870 подорожував по Волзі разом з І. Є. Рєпіним, в результаті з'явилася картина «Вид на Волзі. Баржі »(1870, Російський музей) та інші роботи, відзначені тонкощами світлоповітряних ефектів, майстерністю передачі річковий і повітряної вологи. Але не в зовнішніх ефектах тут суть. У творах Васильєва природа, як відгукуючись на рухи людської душі, в повному розумінні психологізується, висловлюючи складну гаму почуттів між відчаєм, надією і тихим смутком. Найбільш відомі картини «Відлига» (1871) і «Мокрий луг» (1872; обидві в Третьяковській галереї), де постійний інтерес художника до перехідним, невизначено-непевним станам натури перетворюється в образи осяяння крізь меланхолійну імлу. Це - свого роду натурні сни про Росію, що витримують порівняння з пейзажними мотивами І. С. Тургенєва або А. А. Фета. Художник (судячи з його листування з Крамским) мріє про створення якихось небачених творів, про символічні пейзажах-одкровеннях, які могли б зцілити людство, обтяжене «злочинними задумами». Але дні його вже полічені. Захворівши на туберкульоз, він переселяється в 1871 до Ялти. Фатальна хвороба, зливаючись з враженнями від південної природи, яка постає у нього не святковою, але відчужено-тривожної, додає його живопису ще велику драматичну напруженість. Тривожно і сутінно найбільше його полотно цього періоду - «У Кримських горах» (1873, Третьяковська галерея). Потопаюча в серпанку, написана в похмурих коричнево-сірих тонах гірська дорога знаходить тут потойбічний відтінок, подобу безвихідній дороги в нікуди. Вплив мистецтва Васильєва, посилене трагізмом його ранньої смерті, був дуже значним. Романтична традиція, остаточно відмовляючись від уявлень про пейзаж як декоративному видовище, досягла в його роботах особливої ​​духовної змістовності, провіщає мистецтво символізму та модерну, краєвид чеховсько-левитановской пори.

Творчість Віктора Михайловича Васнецова (1848-1926) був із російськими народними казками, билинами, сюжети яких він брав за основу своїх картин. Його кращий твір - «Три богатирі». Перед глядачем улюблені герої російського билинного епосу - богатирі, захисники російської землі і рідного народу від численних ворогів.

Співаком російського лісу, епічної широти російської природи став Іван Іванович Шишкін (1832-1898). Для ранніх робіт Шишкіна («Вид на острові Валаамі», 1858, Київський музей російського мистецтва; «Рубка лісу», 1867, Третьяковська галерея) характерна деяка дробность форм; дотримуючись традиційного для романтизму «кулісного» побудови картини, чітко размечая плани, він не сягає ще переконливого єдності образу. У таких картинах, як «Полудень. В околицях Москви »(1869, там же), це єдність постає вже очевидною реальністю, перш за все за рахунок тонкої композиційною і світло-повітряно-колористичної координації зон неба і землі, грунту (останню Шишкін відчував особливо проникливо, в цьому відношенні не маючи собі рівних у російській пейзажному мистецтві).

У 1870-і рр.. майстер входить у пору безумовною творчої зрілості, про яку свідчать картини «Сосновий бір. Щогловий ліс в Вятской губернії »(1872) і« Жито »(1878, обидві - Російський музей). Зазвичай уникаючи хитких, перехідних станів природи, художник фіксує її вищий літній розквіт, досягаючи вражаючого тональної єдності саме за рахунок яскравого, полуденного, літнього світла, що визначає всю колористичну шкалу. Монументально-романтичний образ Природи з великої літери незмінно присутня в картинах. Нові ж, реалістичні віяння, проступають у цьому проникливому увазі, з яким виписуються прикмети конкретного шматка землі, куточка лісу або поля, конкретного дерева. Шишкін - чудовий поет не тільки грунту, а й дерева, тонко відчуває характер кожної породи [в найбільш типових своїх записах він зазвичай згадує непросто «ліс», але ліс з «осокорея, в'язів і частиною дубів» (щоденник 1861 року) або « ліс ялиновий, сосновий, осика, береза, липа »(з листа І. В. Волковскому, 1888)]. З особливою охотою художник пише породи потужні і міцні типу дубів та сосен - на стадії зрілості, старості і, нарешті, смерті буреломі. Класичні твори Шишкіна - такі, як «Жито» чи «Серед долини ровния ...» (картину названо по пісні А. Ф. Мерзлякова, 1883, Київський музей російського мистецтва), «Лісові далі» (1884, Третьяковська галерея) - сприймаються як узагальнені, епічні образи Росії. Художнику однаково вдаються і далевие види, і лісові «інтер'єри» («Сосни, освітлені сонцем», 1886, «Ранок в сосновому лісі» де ведмеді написані До Савицьким, 1889, обидві - там же). Самостійну цінність мають його малюнки та етюди, що представляють собою деталізований щоденник природного життя. Його образи, незважаючи на свою «об'єктивність» і принципову відсутність психологізму, властивого «пейзажу настрою» саврасовско-левитановской типу, завжди мали великий поетичний резонанс (недарма Шишкін належав до числа найулюбленіших художників А. А. Блоку). У Єлабузі відкрито будинок-музей художника.

До кінця XIX ст. вплив передвижників впала. В образотворчому мистецтві з'явилися нові напрямки. Портрети пензля В.А. Сєрова та пейзажі І.І. Левітана були співзвучні з французькою школою імпресіонізму. Частина художників поєднувала російські художні традиції з новими образотворчими формами (М. А. Врубель, Б. М. Кустодієва, та ін.)

Своєї вершини російська пейзажний живопис XIX ст. досягла у творчості учня Саврасова Ісаака Левітана Ілліча (1860-1900). Левітан - майстер спокійних, тихих пейзажів. Людина дуже боязкий, сором'язливий і ранима, він умів відпочивати тільки наодинці з природою, переймаючись настроєм полюбився пейзажу.

Одного разу приїхав він на Волгу писати сонце, повітря і річкові простори. Але сонця не було, по небу повзли нескінченні хмари, не припинялися сумні дощі. Художник нервував, поки не втягнувся в цю погоду і виявив особливу принадність сизо-бузкових фарб російського негоди. З тієї пори Верхня Волга, заштатне містечко Плесо міцно увійшли в його творчість. У тих краях він створив свої «дощові» роботи: «Після дощу», «Похмурий день», «Над вічним спокоєм». Там було написано умиротворені вечірні пейзажі: «Вечір на Волзі», «Вечір. Золотий плесо »,« Вечірній дзвін »,« Тиха обитель ».

В останні роки життя Левітан звернув увагу на творчість французьких художників-імпресіоністів (Е. Мане, К. Моне, та ін.) Він зрозумів, що у нього з ними багато спільного, що їхні творчі пошуки йшли в тому ж напрямку. Як і вони, він вважав за краще працювати не в майстерні, а на повітрі. Як і вони, він висвітлив палітру, вигнавши темні, землисті фарби. Як і вони, він намагався закарбувати скороминущість буття, передати руху світла та повітря. У цьому вони пішли далі його, але розчинили в світлоповітряних потоках об'ємні форми (будинки, дерева). Він уникнув цього.

«Картини Левітана вимагають повільного розглядання, - писав великий знавець його творчості К. Г. Паустовський .- Вони не приголомшують очей. Вони скромні й точні, подібно чеховським розповідями, але чим довше вдивляєшся в них, тим миліші стає тиша провінційних посадів, знайомих рік і проселков ».

На другу половину XIX ст. доводиться творчий розквіт І. Ю. Рєпіна, В. І. Сурікова і В. А. Сєрова.

Василь Іванович Суриков (1848-1916) народився в Красноярську, в козачій родині. Розквіт його творчості припадає на 80-і рр.., Коли він створив три найзнаменитіші свої історичні картини: «Ранок стрілецької страти», «Меншиков у Березові» і «Бояриня Морозова». Його твори «Ранок стрілецької страти», «Меншиков у Березові», «Бояриня Морозова», «Підкорення Сибіру Єрмаком Тимофійовичем», «Степан Разін», «Перехід Суворова через Альпи» - вершина російської та світової історичної живопису. Велич російського народу, його краса, непохитна воля, його важка і складна доля - ось те, що надихало художника.

Суриков добре знав побут і звичаї минулих епох, вмів давати яскраві психологічні характеристики. Крім того, він був прекрасним колористом (майстром кольору). Досить сліпучо свіжий, іскристий сніг в «Боярині Морозової». Якщо ж підійти до полотна ближче, сніг як би «розсипається» на сині, блакитні, рожеві мазки. Цей мальовничий прийом, коли два-три різних мазка на відстані зливаються і дають потрібний колір, широко використовували французькі імпресіоністи.

Валентин Олександрович Сєров (1865-1911), син композитора, писав пейзажі, полотна на історичні теми, працював як театральний художник. Але славу йому принесли, перш за все, портрети.

У 1887 р. 22-річний Сєров відпочивав у Абрамцеве, підмосковній дачі мецената С. І. Мамонтова. Серед його численних дітей молодий художник був своєю людиною, учасником їх гучних ігор. Одного разу після обіду в їдальні випадково затрималися двоє - Сєров і 12-річна Веруша Мамонтова. Вони сиділи за столом, на якому залишилися персики, і за розмовою Веруша не помітила, як художник почав накидати її портрет. Робота розтягнулася на місяць, і Веруша сердилася, що Антон (так по-домашньому звали Сєрова) змушує її годинами сидіти в їдальні.

На початку вересня «Дівчинка з персиками» скінчилася. Незважаючи на невеликий розмір, картина, написана в рожево-золотистих тонах, здавалася дуже «просторій». У ній було багато світла і повітря. Дівчинка, присів за стіл як б на хвилину і остановившая свій погляд глядачам, зачаровувала ясністю і одухотвореністю. Та й полотно було овіяне суто дитячим сприйняттям повсякденності, коли щастя не усвідомлює, а попереду - ціле життя.

Мешканці абрамцевского будинку, звичайно, розуміли, що на їх очах сталося диво. Але тільки час дає остаточні оцінки. Воно й поставило «Дівчинку з персиками» в ряд кращих портретних робіт у російській і світовій живопису.

На наступний рік Сєров зумів майже повторити своє чарівництво. Він написав портрет своєї сестри Марії Симонович («Дівчина, освітлена сонцем»). Назва закріпилася трохи неточне: дівчина сидить у тіні, а променями ранкового сонця освітлена поляна на другому плані. Але на картині все разом, так об'єднані - ранок, сонце, літо, молодість і краса, - що кращу назву важко придумати.

Сєров став модним портретистом. Перед ним позували відомі письменники, артисти, художники, підприємці, аристократи, навіть царі. Мабуть, не до всіх, кого він писав, лежала в нього душа. Деякі великосвітські портрети, при філігранної техніки виконання, вийшли холодними.

Кілька років Сєров викладав у Московському училищі живопису, скульптури та архітектури. Він був вимогливим педагогом. Противник застиглих форм живопису, Сєров разом з тим вважав, що творчі пошуки повинні грунтуватися на твердому володінні технікою малюнка і мальовничого листи. Багато видатні майстри вважали себе учнями Сєрова: М. С. Сарьян, К-Ф. Юон, П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкін.

Багато картин Рєпіна, Сурікова, Левітана, Сєрова, «передвижників» потрапили до зібрання Третьякова. Павло Михайлович Третьяков (1832-1898), представник старовинного московського купецького роду, був незвичайною людиною. Худий і високий, з густою бородою і тихим голосом, він більше був схожий на святого, ніж купця. Збирати картини російських художників почав з 1856 р. Захоплення переросло в головну справу життя. На початку 90-х рр.. збори рівня музею, поглинувши майже весь стан збирача. Пізніше вона перейшла у власність Москви. Третьяковська галерея стала всесвітньо відомим музеєм російського живопису, графіки та скульптури.

У 1898 р. в Петербурзі, в Михайлівському палаці (творіння К. Россі) був відкритий Російський музей. До нього надійшли твори російських митців з Ермітажу, Академії мистецтв та деяких імператорських палаців. Відкриття цих двох музеїв хіба що увінчала досягнення російської живопису XIX-XX століть.

Художник Рєпін І.Є.

Творчість Рєпіна Іллі Юхимовича - свого роду "енциклопедія", панорама російської житті другої половини XIX - початку ХХ століття. Рєпін прославив російську літературу портретами Толстого, Гоголя, Тургенєва, Горького, Писемського, Фета, Стасова, Леоніда Андрєєва. Російську музику - ликами Глінки, Мусоргського, Бородіна, Римського-Корсакова, Глазунова, Лядова. Він створив образи своїх колег-живописців: Сурикова, Крамського, Васнєцова, Куїнджі, Шишкіна, Ге, Сєрова. Саме в його інтерпретації запам'яталися нам особи великих вчених Менделєєва, Павлова, Сєченова, Бехтерева, хірурга Пирогова, а також творця знаменитої галереї Третьякова.

Рєпін був не тільки портретистом. Найвідоміші його картини як раз в інших жанрах: це історичні полотна - наприклад, "Іван Грозний і син його Іван 16 листопада 1581 року", яке в народі називають "Іван Грозний вбиває свого сина". Або "Запорожці пишуть листа турецькому султану". Рєпін був майстром створювати і монументальні картини-сцени, в яких гостро звучать соціальні мотиви. Скажімо, "Хресний хід в Курській губернії" - зображення багатолюдній процесії. Всі йдуть з церковними хоругвами, тримаються начебто разом, але в натовпі можна розрізнити господарів життя та простолюдинів, яких палицями і нагайками відганяють від бар урядники і старости. А найвідоміша картина "Бурлаки на Волзі"! Ось він, портрет людей з низів російського життя - бурлак, що ременями тягнуть баржу. Страшний, нелюдський працю, але Рєпін примудряється вдивитися в обличчя, побачити в кожному індивідуальність.

Історичний живописець, жанрист, портретист. Видатний художник. Займався також офортом і літографією. Народився в Чугуєві Харківської губернії в сім'ї військового поселенця в 1844году. Первісну художню підготовку отримав у школі топографів і в місцевих художників І. М. Бунакова і Л. І. Персанова. У 1863 році приїхав до Петербурга, займався у Художній школі Товариства заохочення художників у Р. К. Жуковського та І. М. Крамського, потім був прийнятий в Академію мистецтв (1864). У період навчання спілкувався з широким колом демократично налаштованої молоді, був захоплений ідеями Чернишевського. Через Крамського зблизився з Петербурзької артіллю художників, бував на її "четвергах". Про чуйності Рєпіна до суспільних подій епохи свідчить малюнок, що зображає Д. В. Каракозова перед стратою. Рання творчість художника дуже різнобічно. Він працював над академічними "програмами" релігійного змісту, трактуючи їх більше в психологічному, ніж у піднесено-відверненому дусі. Така картина "Іов і його друзі" (1869), відзначена Малої золотою медаллю. У вільний час Рєпін пробував себе в побутовому жанрі ("Приготування до іспиту", 1864), портретировал рідних і друзів. Про високу майстерність художника-початківця свідчать портрети: В. Ю. Рєпіна (1867), матері (1867), Г. Д. Хлобощина (1868) та ін У портреті В. А. Шевцової, нареченої художника (1869), психологічна точність і серйозність передачі зовнішніх і внутрішніх рис дівчини поєднується з особливою красою стриманих колірних відносин. Видатним твором стало "Воскресіння дочки Яіра" (1871), за яке автор отримав Велику золоту медаль. Одночасно Рєпін працював над іншою картиною - "Бурлаки на Волзі" (1870-1873), відразу ж при своїй появі прославила ім'я художника.

Безперечно, картини Рєпіна - це та класика, яка знайома кожному російському людині з дитинства. Підручники та хрестоматії повні репродукцій з його картин. Однак, дивна річ, про його життя, його сім'ї люди знають небагато. Цікаво, що ім'я великого художника об'єднує три колишні радянські республіки, а нині окремі держави: Україна, де він народився (поблизу Харкова), Росію, де він навчався і прожив більшу частину життя (в Петербурзі і його околицях), і Білорусь, де у нього був маєток в містечку Здравнево, під Вітебськом.

"У 1892 році, після своєї персональної виставки, коли імператор Олександр III придбав у Рєпіна знамениту картину" Запорожці ", художник отримав фінансову можливість придбати маєток, де міг би влітку відпочивати від метушливого Петербурга, - розповідає науковий співробітник Музею Рєпіна в Здравнево Валерій Шишанов. - Довго він вибирав маєток під Петербургом. Але 1 травня 1892 приїхав сюди. Йому дуже сподобалися види, "зла і бурхливі" ріка Двіна. І, особливо не торгуючись, він придбав цей маєток за 12 тисяч рублів (велика на той час сума) . Вона включала тоді 108 десятин землі (трохи більше 108 гектарів) - з лісом, ріллею, 40 головами великої рогатої худоби. А також будинок і безліч будівель: сарай, флігель, будиночок для робітників. Панський будинок був одноповерховий, і перший рік Рєпін тут і розмістився. Але йому стало затісно, ​​і він вирішив будинок переробити. Протягом декількох років йшла перебудова за його власним ескізу. В результаті будинок набув вигляду казкового тереми з вежею ".

На жаль, в 1994 році в Здравнево сталася пожежа. Від будинку майже нічого не залишилося. Але співробітники Музею не опустили руки і в цьому році майже відновили чудовий терем. А ще художника пам'ятає липова алея, красива, з розлогими гілками сосна, і незвичайний, у формі витягнутого прямокутника, ставок, який він створив своїми руками. Довгий час була в цілості і набережна Двіни, берег якої Рєпін зміцнив кам'яною кладкою.

У Здравнево Ілля Рєпін створив знамениті картини "Білорус" (зберігається в Російському музеї Петербурга), "Осінній букет" (знаходиться в Третьяковській галереї), "Місячна ніч" (в Мінському музеї), безліч інших картин, які зберігаються у Фінляндії, Франції, Америці, Чехії. На них відображена краса цієї землі, образи білорусів, картини з життя Здравнево.

Скажімо, "Осінній букет" - це портрет дочки художника Віри, створений прямо в саду біля садиби. Тут багато зелені, яка, втім, поступається місцем жовто-рудим осіннім фарбам. У картині багато повітря, світла. Недарма Павло Третьяков відразу придбав "Осінній букет" у художника. Знав, що купує шедевр.

"Білорус" - теж портрет, створений поблизу садиби. Гарний хлопець стоїть на кладці, відкинувшись на перила. Це, виявляється, місцевий селянин Сидор Шавров, з яким Рєпін був дружний. І взагалі селяни любили художника, хоча і був він для них - пан.

"На Ільїн день (2 серпня) в Здравнево зазвичай влаштовувалося гуляння. Ілля Рєпін запрошував селян, пригощав їх. Звучала музика, були танці, феєрверки, - розповідає Валерій Шишанов. - І в 1918 році, після Жовтневої революції, селянський комітет заступився за рідних Рєпіна, які продовжували тут жити, просив, щоб їх не "розкуркулювали". Більш того, хоч селяни й самі жили бідно, але допомагали Рєпіним як могли, приносили продукти ".

Рєпін прожив у Здравнево відносно недовго - з 1892 по 1901 рік. Останні 30 років життя (до самої смерті в 1930 році) він провів під Петербургом у містечку Куоккала (нині Репино). Там і похований. Але під Здравнево всі ці роки жила дочка художника Тетяна з родиною. Нині її нащадки живуть у Франції.

А тут, у садибі, відновлений Музей. Співробітники одержимі ідеєю перетворити Здравнево на сучасний туристичний комплекс. Щоб якомога більше людей доторкнулося до дивним місцях, побачило неповторні пейзажі, які так яскраво живописав Ілля Рєпін.

Картини Рєпін - прикраса головних музеїв національного мистецтва не тільки Росії, але і за кордоном. Мистецтво Рєпіна - те, чим ми пишаємося і захоплюємося. І, подібно Пушкіну в літературі, він також царює на мистецькому Олімпі Росії.

Світочі Чувашії

Чувашія володіє багатющими традиціями в живописі, використовуючи які чуваські художники змогли зайняти своє гідне місце і популярність у всій Росії. До початку XX століття можна було говорити про народження національної чуваської інтелігенції. Однак в області образотворчого мистецтва тут не було ще ні традицій, ні школи. Одним з перших стипендіатів в Казанській художній школі був 17-річний селянський хлопець з Алатирського повіту В. Воронов, який навчався там з 1898 року. До початку революційних перетворень у країні цю школу закінчило більше десяти чуваських художників, які стали незабаром першими майстрами-професіоналами: А. та І. Александрова, М. Андріанов, І. Ведянін, Ф. Лаврентьєв, І. Максимов-Кошкинський, Н. Цвіркунів, Г. і М. Спиридонова та інші. Деякі з них, а також архітектор Є. Мартенс, театральний художник К. Васильєв та інші склали кістяк організованою в 1920 році Ізосекциі при Чуваському Відділі народної освіти. Початком діяльності Ізосекциі стала прикраса Чебоксар до святкування 1 Травня в 1921 році. Воно складалося з 20 барвистих панно і плакатів, тріумфальної арки, оформлення масового театралізованого дійства на березі Волги. Там був «розіграний» бій загонів Степана Разіна з царськими стрільцями. Дійство завершилося відкриттям тимчасового пам'ятника Разіну. Можна сказати, що 1 травня 1921 року стало днем ​​народження чуваського образотворчого мистецтва. До початку 1930-х років в Чувашії працювало вже близько тридцяти живописців, скульпторів, графіків. Був заснований Оргкомітет художників Чувашії, і в 1935 році відбувся I з'їзд художників Чуваської автономії.

М. Спиридонов і Н. Сверчков-найстаріші чуваські живописці-після закінчення Казанської художньої школи займалися у Вищому художньому училищі при Академії мистецтв у Петербурзі. Одним з кращих творів М. Спиридонова тих років було полотно «Пузиріст» (1929), що експонувалися в Москві в 1929 році на XI виставці АХР.

Тяга народу до мистецтва була величезною. На першій виставці робіт чуваської філії АХРР в 1927 році побувало більше трьох з половиною тисяч глядачів, тобто майже половина тодішнього населення Чебоксар.

Цікавий творчий шлях художника Ю. Зайцева. Син сільського теслі, він 16-річним хлопчиком найнявся в помічники до іконописцю А. Львову і розписував разом з ним церкви. Він побував у Петербурзі, Ростові-на-Дону, Баку, Катеринославі, Свеаборг, познайомився з багатьма художниками, в тому числі з К. Юоном, А. Фоміним, І. Дудіна, багато чого в них навчився. Повернувшись в 1928 році в Чувашії, він займався художньою фотографією, ілюстрацією для періодичної преси, створював мозаїки. Художник постійно прагнув бути в гущі життя і до похилого віку наполегливо шукав найбільш виразну форму для своїх творів, присвячених разючим змінам в житті чуваського народу. Їм написані натхненний портрет «льотчиця Санюк» (А. Лазарєва) і багато картин з життя чуваської села. Особливо запам'ятовується його полотно «Акатуй» (1934), присвячене святу закінчення польових робіт. Картина підкуповує щирістю і схвильованістю автора. Вона сповнена руху і немов випромінює радість.

1930-1950-і роки були знаменні найбільше розвитком тематичної картини і портрета. Художники, особливо плідно працювали в ці роки (Н. Цвіркунів, М. Спиридонов, Ю. Зайцев, А. Тагаєв-Сурбан, В. Воронов, В. Макаров, Р. Єрмолаєва, В. Гурін, М. Овчинников, М. Карачарсков та інші), направляли основні зусилля на створення картин, що відображають сучасну чуваську дійсність. Закономірним етапом на цьому шляху було освоєння професійної майстерності та традицій російської живописної школи.

Н. Карачарсков-художник більш молодого покоління. Велику популярність принесло йому полотно «Про нас пишуть. Бригада будівельників »(1969), а також цикл картин« Люди колгоспу «Янгорчіно» (1977), за який він був нагороджений Срібною медаллю Академії мистецтв СРСР.

Приблизно з середини 1960-х років в чуваської живопису стало з'являтися все більше творів із зображенням національного костюма, національних звичаїв («Наречена» М. Спиридонова, 1960; «Чуваська весілля» Н. Сверчкова, 1967; «Молодята» В. Семенова, 1969 ; «Портрет чувашкі» В. Гуріна, 1965; «Сваха» М. Овчинникова, 1972; «Чуваська натюрморт» В. Нємцева, 1969). Часом їм був властивий відомий етнографізм. Завдання створення власної художньої школи живопису вимагала більш глибокої інтерпретації народної орнаментальної культури, улюблених народом цветосочетаний, ритмів, характерних не тільки для декоративних мистецтв, а й для поезії, народної музики і танцю.

Живописець Р. Федоров уважно вивчав російське мистецтво - іконопис, картини А. Архипова, Ф. Малявіна, перспективні побудови К. Петрова-Водкіна. Р. Федоров закінчив графічний факультет Харківського державного художнього інституту в 1963 році. Картина «Сеспель», присвячена чуваський поет, була його дебютом. За нею послідували: «Пісня», «Весілля в Шоршелах», «Ікар XX століття» і «Земля поета».

У творчості Федорова традиції російського і чуваського мистецтва сплавилися органічно і цілісно в абсолютно нової, вільної і сучасної інтерпретації. Тут тактовно поєднуються сучасне і історична тематика. Національні типи входять в його мистецтво легко і природно. Художника цікавлять перш за все люди, людське в людині, а не національна приналежність. Федоров стає одним із значних майстрів національної школи живопису. З джерел чуваської традиційної культури він бере її глибинні і характерні особливості.

Цікавий шлях у мистецтві художника А. Миттова. Після Чебоксарского художнього училища він закінчив Ленінградський інститут живопису, скульптури та архітектури ім. І. Ю. Рєпіна по майстерні станкової графіки. Його улюблена техніка-темпера на папері або картоні, з додаванням бронзи. Графічна чіткість композицій, оконтуренность обсягів зазвичай поєднуються у Миттова з тонкою мальовничістю фонів, з умілим використанням кольору. У його творчості помітно вплив російських художників, наприклад, Білібіна. Разом з тим більшість його робіт чимось невловимо нагадує твори майстрів Сходу, наприклад монгольські гуаші XVII-XIX століть. Залишаючись самобутнім, Мітт спирався не тільки на народну чуваську орнаментику, але і на художню спадщину народів Азії. Звідси, ймовірно, вибагливий ритм його аркушів, орнаментальність малюнка, загальна декоративність. Він зумів проникнути в дух народного мистецтва і зберегти властиву йому цілісність і безпосередність.

Мистецтво В. Агеєва відрізняє філософський роздум про своїх предків, про друзів, про людські стосунки. Якщо говорити про традиції та джерела його творчості, то це - Дюрер, Бохс, Гойя. Вони явно вплинули на пошуки художника. Імпульс, даний знайомством з цими великими майстрами, був розвинений і підтриманий любов'ю до сміливої ​​колірної композиції, що перегукується з чуваською народними вишивками, домотканими пологами.

При зіставленні робіт Агєєва з творчістю Федорова і Миттова видається, що на відміну від них він передає чуваську легенду і баладу, думки про свою землю і своїх предків мовою класичного мистецтва.

Національний колорит або етнічний тип-не головне для нього. Агеєв долучає національний зміст до загальнолюдських художніх цінностей. Чуваська фольклор як би перекладається на інтернаціональний художню мову, і автор цього перекладу тим самим стверджує, що по-філософськи осмислена Чуваська казка чи притча не менш важливі в загальнолюдській культурі, ніж індійські легенди, російські казки або скандинавські саги.

Розгляд творчості трьох цих художників дозволяє зрозуміти складні процеси, які відбуваються в чуваській мистецтві: асимілювання досягнень світового і російського спадщини, народної художньої культури і становлення на цій основі власної національної школи. Перший етап її формування був пов'язаний з пошуками національного змісту в об'єкті зображення. Відмінність наступного етапу, пов'язаного з роботами Миттова, Федорова і Агєєва - у тому, що центр ваги переноситься з особливостей об'єкта на художню інтерпретацію побаченого.

У полотні Р. Федорова «Земля поета», картині В. Нємцева «Озеленювач ярів» і його натюрмортах, у творах М. Ведерникова, в пейзажах А. Сімакова, в складних за кольором портретах М. Еніліна-ми бачимо, що чисто мальовничі пошуки сприяють найбільш потужного впливу змісту, глибшого і повного розкриття теми. А. Спірідонова, Є. Вдовічева, Р. Єрмолаєва, В. Гурін внесли свій значний внесок у розвиток чуваської живопису.

Художник Овчинников Н.В.

Найяскравішим майстром чуваської тематичної картини є Овчинніков Микола Васильович.

Народився 14 жовтня 1918 р. у селі Міжулі Маріїнсько-Посадський району ЧАССР. Після семирічки навчався в Алатирський художньо-граверних училище, потім у підготовчих класах при Академії мистецтв у Ленінграді, на першому курсі Академії. Служба в армії, учасник Великої Вітчизняної війни, має нагороди. Після демобілізації - навчання в ленінградському художньому інституті ім. І. Ю. Рєпіна, в аспірантурі, у творчій майстерні А.М. Герасимова, викладач чуваської педінституту ім. І. Я. Яковлєва. Член Спілки художників СРСР, кандидат мистецтвознавства, заслужений діяч мистецтв ЧАССР, народний художник ЧАССР, професор, лауреат Державної премії ЧАССР ім. К. В. Іванова, Заслужений художник РРФСР, живописець. Голова правління спілки художників Чувашії, нагороджений орденом Дружби народів. Учасник численних республіканських та всеукраїнських виставок. Його полотно «Первісток», створене в 1952 році, експонувалося на Міжнародній виставці творів молодих художників у Бухаресті, приуроченої до фестивалю молоді та студентів.

... Рання весна, трохи пригріває березневе сонце. З сільського пологового будинку молода пара дбайливо несе свого первістка. Полотно пройнятий щирим і непідробним почуттям, правда, з ледь помітним нальотом сентиментальності. Але сила митця - саме в щирості твори.

У картинах Овчинникова велике місце займає пейзаж, діючий активно, що створює настрій. Природа Чувашії дає художнику благодатний матеріал. Трохи хвилясті рівнини, облямовані величними лісами, широка безкрайня Волга; стоять то тут, то там, вже недіючі, сірі вітряки ... Художник з великим ліризмом передає красу і своєрідність рідного краю. Активний пейзаж і в одній з найбільш відомих його картин «Здрастуй, Земля!», Яка зображує космонавта Андріяна Ніколаєва після приземлення. Серед художників свого покоління Овчинников одним з перших почав вводити в станкову картину портрет. Його твори робилися як би менш «вигаданими» і більш документально-розповідним. Великим успіхом художника є портрети колгоспників і знатних людей Чувашії, створені на початку 1970-х років.

Основні праці: «Підписання декрету про утворення Чуваської автономії», «Первісток», «У сільмазі», «Перша борозна», «Воробушки», «У нашій бригаді прибуло», «Здрастуй, Земля!», «На батьківщині», « На зорі »,« Страда. Мати »,« Після зміни »,« Наречена »,« Завойовники »,« Навіки разом »,« Важкі кілометри. Будівельники газопроводу ».

На основі живого народного прагнення до художнього осмислення дійсності розквітає і творчість професіоналів, таких як Овчинніков Микола Васильович.

Висновок

Російське образотворче мистецтво, перейнятий передовими ідеями того часу, служило великої гуманної мети - боротьби за звільнення людини, за соціальне перебудову всього суспільства.

Центральною темою російської і чуваської живопису став народ, його біди, страждання, праця, боротьба. Реалізм затверджувався в живописі, долаючи опір офіційного направлення з притаманними йому культом класицизму і переважанням біблійної тематики.

У кінці XIX століття була створена Артіль вільних художників на чолі з І. М. Крамским. Ця подія знаменувала народження незалежного від офіційної опіки образотворчого мистецтва, зверненого безпосередньо до поточної дійсності. Створюється Товариство художніх пересувних виставок. Ця ініціатива передових художників носила просвітницький характер, відповідаючи духу суспільної боротьби, яка проходила під гаслом «ходіння в народ».

Живопис XIX - XX століть характеризується народністю і гуманізмом, ідейним і національним багатством, глибоким відтворенням людських характерів та історичною правдою.

Таким чином, розроблена нами тема вважається закритою.

Список використаної літератури

1. Великий енциклопедичний словник.

Москва. 1998р.

2. Зуєв М.М. Історія Росії.

Москва. 2003р.

3. Образотворче мистецтво Радянської Чувашії

Москва. 1980р.

4. Посібник з історії Росії.

Санкт-Петербург. 1996р.

5. Художники Чувашії.

Бібліографічний довідник. Чебоксари. 1989р.

6. Шумова М.М. Російський живопис середини XIX століття.

Москва. 1984р.