У стародавньому Китаї музика становила найважливіший елемент виховання і входила до числа наук, обов'язкових для вивчення. Китайське визначення шляхетного мужа (цзюнь-цзи) як людини, наділеної всіма якостями високої гідності - знанням ритуалу, почуттям обов'язку, проявом людяності, ставилося, перш за все, до людині освіченій. «Благородний чоловік» ніколи не розлучався з музичним інструментом. Наявність такого вважалося його видовою ознакою. Відомо, що Конфуцій, наприклад, грав на ціне (китайський музичний інструмент типу гітари) у хвилини крайньої небезпеки, демонструючи непохитну твердість духу і самовладання перед лицем смертельної загрози.
В Індії, як і в Китаї, стародавні лікарі широко використовували музику як лікувальний засіб. В оздоровчому системі «биджа Мантрас» шість звуків: «храам», «хруум», «хріім», «храйм», «храум», «хра» - і магічний звук «Ом» використовувалися для лікування багатьох хвороб. Вібрації, які виникали в організмі при вимові і пропевание цих мантр, приводили до одужання.
В історії людства була епоха, яка заклала основи сучасного мистецтва. Це епоха, яку для стислості називають античністю, сформувала цілий комплекс культурних передумов і сучасної музики. Найбільшу роль зіграли в цьому відношенні антична Греція і Давній Рим.
Основні поняття, якими ми звично користуємося, кажучи про музику, виникли в Стародавній Греції: гармонія і мелодія, ритм і метр, хор і оркестр, рапсодія і симфонія. Навіть саме слово «музика» грецького походження.
Музика по-грецьки - «мистецтво муз». У греків була музи лірики і муза танців, муза комедії і трагедії, муза історії і навіть астрономії. Але не було музи, яка відповідала б за музику. Всі вони, на чолі зі своїм ватажком Аполлоном, займалися музикою. Музика в класичній Греції проникала всюди, об'єднуючи всі мистецтва і всі науки, риторику і політику, богів і людей, небо і землю, трави і води в єдине гармонійне ціле - космос.
Музика ніколи не розглядалася в античній культурі «сама по собі», поза зв'язків з іншими мистецтвами, з іншими сферами життя. Вилучена з цих зв'язків, вона може здатися і одноманітною і примітивною. «Але музика разом з танцями, ритмом і співом наближає нас до богів», - говорили греки. А через танець музика з'єднувалася з пластикою і живописом, через слово - з поезією та красномовством. Чи дивно, що в музичному мистецтві греки бачили найзначніше виховний засіб? Ритм і гармонія, на їхнє переконання, найглибше проникають в глибину душі і найсильніше захоплюють її.
В основі античного уявлення про музику лежить у тому, що сам світ рітмічен і гармонійний, тобто музикальний. Музика відтворює ці властивості світу і наповнює ними душу людини. Так встановлюється єдність між світом і людиною - співзвуччя (симфонія).
Виходячи з того, що в музиці втілені ритми і закони Всесвіту, греки шукали в неї ключ до пізнання світу і пізнання людини. Якщо світ гармонійний і знаходиться у вічному русі, він повинен вічно і безперервно звучати. Чому ж люди не чують цього звуку? Може бути, вони звикли до нього з дитинства? Може бути, за неуцтво не знають і не здогадуються про його існування? Або цю музику заглушають для них шуми повсякденному житті? А може бути, просто їх слух позбавлений необхідної гостроти, а розум - зосередженості? Мабуть, лише той, хто зуміє подолати всі ці перешкоди, зможе почути цю гармонію, налаштуватися відповідно з нею і жити з нею в лад. У цьому полягає суть мудрості. Звичайний же людина лише випадково або з научіння може опинитися в злагоді зі світом, тобто в правильному настрої. Головним засобом такого навчання і є музика, створена за законами Всесвіту і порад мудреця. У повсякденному житті людина легко втрачає правильний настрій, і тоді його душа і тіло уподібнюються погано налаштованої лірі. Звуки її стають все фальшиве, поки вона не приходить в повний розлад. Завдання лікаря, лікуючого таке тіло і таку душу, полягає саме в тому, щоб відновити гармонію. Лікувати - значить для кожної людини знаходити музику, здатну перевести його з розладу зі світом в гармонію з ним.
Живучи у згоді з природою, греки лише продовжували її музику у своїй, коли пронизували своє життя звуками ліри і флейти, поезією і піснею, танцями й танцями. Справжня музикальність складається, на думку Платона, не в тому, щоб одну струну підлаштувати під іншу, а в тому, щоб підпорядкувати свою душу і життя законам ритму і гармонії. Музично вихована людина «дуже гостро відчуває всяке упущення, погана якість роботи», - говорив Платон. Ні, мабуть не даремно музика розглядалася в класичній Греції не тільки як джерело радості і насолоди, але і як «головна складова частина виховання».
Інша справа Давня Греція. Там музика звучала і в театральних виставах, і на народних святах, і просто в повсякденному житті. Як відомо. Давньогрецькі поети не читали свої вірші, а співали їх, акомпануючи собі на лірі і кіфарі, знаменитих предків сучасної арфи. Аполлона, покровителя мистецтв, греки зазвичай зображували з кіфарою. Танці як правило супроводжувалися грою на Авлос - духовому інструменті.
До речі, ще Платон і Арістотель говорили про особливе значення музики у вихованні людини. Вони багато міркували про її властивості, про її відмінність від інших мистецтв. Багато музичні терміни і поняття, якими сьогодні ми користуємося, теж подарували нам стародавні греки. Від них прийшли до нас слова «гармонія», «гама», назви деяких музичних ладів. Навіть саме слово «музика» грецького походження.
Греки аж ніяк не зводили всю музику до тієї, яку творили їх музиканти. Музика починалася для них з тієї великої музики природи, відображенням і фрагментом якої були музичні вироби людини. Греки не протиставляли ще музику природи музиці людини. Тому й судити про їхній музиці потрібно не тільки по тому, що гралося і співалося, але і по всьому тому, що слухалася і сприймалося як музика.
Наступна епоха, яку потрібно розглянути - епоха середньовіччя і епохи Відродження.
Середньовічне музичне мистецтво прославилося не в останню чергу завдяки тодішнім трубадурам. У старовинних замках часто влаштовували змагання лицарів, які один за одним виходили на середину кола і в супроводі музикантів співали якусь пісню - про подвиги, про свою любов до прекрасної дами. Переможцем вважався той, чия пісня на думку слухачів була найкрасивішою. Трубадури самі придумували слова, а нерідко і музику своїх пісень.
Правда, до кінця XII століття вже співали всі - і прості городяни, і мандрівні музиканти.
У XIII столітті в соборі Паризької богоматері існувала сама прославлена ​​в середні століття співоча школа. Якщо у народних піснях чи в піснях трубадурів звучав один голос, то тут кілька голосів з'єднувалися разом.
Спочатку така музика звучала тільки в церкві і лише на вірші з священного писання. Проте в XIV столітті всі композитори почали потроху включати їх в сучасні наспіви. Пісні звучали всюди, розповідали про все, що відбувалося навколо.
В епоху Відродження музика міцно увійшла в щоденний побут людини. У європейських містах ледь чи не в кожному багатому домі можна було знайти гітару, лютню або який-небудь з клавішних струнних інструментів - клавесин, верджінал, клавікорд.
Життя рухається, йде своїм колом, і музика не стоїть на місці - вона розвивається.
Увечері включаються телевізори, приймачі, магнітофони. У будинку і на вулиці приходить музика. Музика, навіть найкраща, стала доступнішою води з крана. Вам класику? - Будь ласка. А вам рок чи поп? - На сусідній хвилі.
Стикаючись в просторі, навіть дві хороших музики легко стають простим шумом.
І тільки вночі наступають миті, коли місто насолоджується музикою тиші.
Музика, як і будь-яке мистецтво, приносить людині задоволення. Після гарного концерту воно зберігається роками, а після виключного - все життя.
При рідкісних зустрічах з музикою справжнє задоволення і виникає рідко, і зберігається недовго. А от при постійних і звичних зустрічах душевний підйом поступово перетворюється на настрій душі, що змушує інакше жити, інакше думати і діяти. І в цьому розгортається світлому колі прискореним темпом йде саморозвиток, виявлення і духовне піднесення особистості.
Наша епоха вимагає музики для всіх, а не для небагатьох обраних. Нехай навіть ця музика видається кому-то легкою, примітивної, низькопробної і т.д. Згідно з іншим маса в принципі не здатна зрозуміти високе мистецтво. Традиції серйозної музики потрібно зберігати всупереч смакам і музиці мас, хоча б шанувальників серйозної музики залишалося все менше і менше. Така трагічна доля обраних до «масовому» суспільстві.
На наших очах складається принципово нова музична культура, розуміння якої і неможливо з позицій, вироблених на матеріалі і в соціальних умовах минулого музичної епохи. Музиці, яка в минулому столітті звучала для кількох сотень чоловік, присутніх в концертному залі, а то й кількох десятків, що заповнили салон, в нашому столітті представилася можливість об'єднувати людство. Але якщо в салон або концертний зал приходили люди, і життям, і рівнем знань і загальної культури підготовлені до зустрічі з музикою, то зараз найбільші твори музики в найкращому виконанні звучать перед сотнями мільйонів не завжди готових до її сприйняття людей.
Свої музичні задатки є у кожного. Питання лише в тому, щоб врахувати всі їх різноманітність і знайти найкращі для кожного шляхи і форми навчання і виховання.
Зрозуміло, музика може бути і дуже складною, але шляхи до розуміння цієї складності прості і всім доступні.
Один з таких шляхів - раннє залучення до народної пісні.
Кілька десятків простих слів і 10-15 нот звичайного діапазону людського голосу. Що з них можна зробити? Пісню. І зазвучать наповнені музикою слова як серцева сповідь або величезна картина життя, як голос особистої долі або задушевна мрія народу. У пісні - витік всіх інших жанрів. Через неї вбирають вони емоційний досвід народів і поколінь. Адже вона найбільш чуйний свідок і учасник усіх поворотів народної та особистої історії.
Найдавніша пісня була способом збереження і передачі досвіду предків, джерелом знань про світ і про людину, засобом спілкування людей один з одним і навіть з силами природи. Чим важче було життя, тим задушевна пісня. Пісня нагадувала про можливість іншого, кращого життя. Зрозуміло, все це не могла зробити одна пісня, тому в кожного народу пісень безліч. І для кожної справи, кожного випадку, для кожного стану і настрою - свої.
Народна пісня некваплива, і нинішній бурхливий темп оновлення смаків їй просто не під силу. Тому часто вона змушена потіснитися і поступитися місцем масової популярної пісні або диско-шлягеру. Але в цьому змаганні і в неї є свої переваги.
Головна її перевага - глибина змісту, що реалізувалася і в мелодії, і в тексті.
Народну пісню можна заспівати по народному тільки в тому випадку, якщо душа співака, і душа публіки вимагає пісні.
Зовсім не важко довести, що тексти справжніх народних пісень - чистісінька поезія, а от у піснях багатьох професіоналів кидається в очі примітивність, а то й пряма безглуздість тексту. Адже одна справа прочитати текст очима. І інша справа - пропустити його через душу і голос, заспівати ці слова за дружнім столом або наодинці з коханою.
Опановуючи багатством народної пісні, дитина одночасно оволодіває красою, виразністю повсякденного російської мови, яскравістю і глибиною народної поезії і тими витоками - звуковими та інтонаційними, - з яких виростає російська класична музика. Це важливо не тільки для розвитку музичної культури особистості, без якої поки що багато хто обходиться, але й культури мовної, без якої немає ніякої іншої культури.
Найбільш активна частина споживачів музики - молодь, переважною увагою якої останні десятиліття користувалися самі легкі жанри естрадної музики. Пристосовуючись до аудиторії, спочатку естрада, потім і телебачення, почасти і радіо, віддали цій музиці велику частину свого часу. Завдяки цьому якась частина дорослих людей звикла споживати молодіжні, а то й прямо дитячі шлягери, а інша втратила значну частку інтересу до музичних передачах.
Для слухання музики як мистецтва недостатньо того, щоб грали музиканти і співаки співали, потрібні вибір, підготовка і концентрація уваги. І тоді якихось 30 хвилин звучання моцартівської симфонії здатні збагатити нас більше, ніж 20 років сприйняття нейтрального музичного шуму.
Справжнє мистецтво - результат вищої концентрації духовних сил композитора і музикантів, і воно вимагає такої ж концентрації й від слухачів. Такий здібності напружено і уважно слухати не вимагає, але зате і не розвиває ніяке інше мистецтво. На мить відволікшись від розглядання картини або читання вірша, ви можете повернутися і почати сприйняття спочатку. У музиці все миттєво і необоротно.
Крім живого слова музикантів і знавців музики, до її розуміння нас наближає література про неї.
Для розвитку музичної культури вкрай важливі роботи, доступні любителям музики, здатні допомогти формуванню публіки і музичного виховання дітей. Такі, наприклад, роботи Т. В. заново, І. І. Соллертинского, Б. В. Асаф 'єва. Яскраво і цікаво писали про музику видатні музиканти і виконавці. Досить назвати імена Ф. І. Шаляпіна, Г. М. Когана, Г. Г. Нейгауза. На щастя, як правило, просто і дохідливо, образно і стилістично захоплююче писали про музику самі композитори: А. Сєров, П. Чайковський, М.Римський-Корсаков, Д. Шостакович, Д. Кабалевський, а із закордонних - Р. Шуман, Г. Берліоз, Р. Вагнер та ін
Наш час сприятливо для обговорення гострих питань. А їх у нашій музичній життя накопичилося чимало. І, що цікаво, у кожного покоління, у кожного культурного кола свої.
«А чому рок-музику називають легкої? Хіба вона легка? - Часто доводиться чути це питання. - Хіба легко музикантам виконувати свої пісні, не шкодуючи ні голосу, ні нервів? Хіба легко відгукуватися на події, що відбуваються? Писати самим пісні, десятки пісень на рік - і таких, щоб їх хотілося слухати і співати? »
«Зрозуміло, серйозна класична музика - прекрасна річ. Але чому сучасні композитори-професіонали так рідко й неохоче пишуть про найсучасніші, що хвилюють проблеми нашого життя? Чому так мало намагаються бути понятими широкою публікою?
Напевно, багато що в цих питаннях йде і від незнання, і від запалу. Але самі питання закономірні.
Останнім часом мільйони молодих людей захоплюються біт-і рок-музикою, організовують свої ансамблі, пишуть і співають власні пісні. Чому ж досі існує зверхнє ставлення до цієї музики?
Чому, як ніби-то всерйоз бажаючи привчити молодь до серйозної музики, дорослі самі майже не ходять на концерти? Шкодуючи про втрату народних пісенних традицій, самі не співають, а часто і не знають ні слів, ні мелодій кращих народних пісень? Для відповіді на багато з питань треба звертатися до історії. Багато чого з того, до чого професіонали-музиканти та їхні прихильники звикали століттями, поставлено під сумнів життєвими змінами і духовними пошуками XX століття.
Цей століття багато чого змінив і в житті, і в мистецтві.
Перш за все ожила і зазвучала історія музики. Виріс інтерес до всіх її епох, починаючи з первісної. Виявилося, що в кожній з епох були досягнення чи проблеми, важливі і для нашого складного століття. З'ясувалося, що ці епохи не просто готували прихід музики 18-19 століть, а жили своїм особливим життям, вирішуючи - і часто успішно вирішуючи - зовсім інші музичні і культурні завдання.
Культура тісно пов'язана з науково-технічним прогресом. Механизировав міську та сільську, вуличну і домашнє життя людей, де доброзичливо, а де і по-варварськи вторгшись в природу, він різко перетворив звукове середовище, відтіснивши природні звучання технічними. Разом з тим він дав людського голосу нову силу, великодушно зробивши співаками тисячі людей, сто років тому вважалися б безголосими. Він дозволив поліпшити або погіршити старі музичні інструменти і відкрити нові. Він створив нові форми поширення музичної культури, збільшивши аудиторію музиканта в тисячі і навіть мільйони разів. Він розширив міжнародні музичні зв'язки, дозволивши нам за 1-2 дні побачити по телевізору й почути по радіо стільки різноманітної музики, скільки різноманітної музики, скільки сто років тому не було під силу самому завзятому мандрівникові за все його життя.
Говорячи про музику, потрібно підкреслити, що, охоче визнаючи художню нерівноцінність не тільки окремих творів, а й цілих стилів, напрямків, навіть епох, ми в той же час виходимо з самого широкого підходу до музики, що починається з осмислення всього різноманіття природних звуків і завершується аналізом найвищих досягнень музичного мистецтва. Музика, зрозуміло, може бути хорошою і поганою, гранично розважальної і гранично серйозною, але скрізь, де звуки, звукові комплекси, інтонації, елементарні або ускладнені форми їх поєднання несуть в собі певний емоційний сенс, ми маємо справу з явищами, без розуміння яких одностороннім і неповним було б і розуміння найбільш розвинених форм музики.
Молодь приділяє музиці куди більше уваги, часу і коштів, ніж дорослі.
Молоді головні відвідувачі естрадних концертів, учасники дискотек, покупці касет і дисків. До молоді звертаються естрадні зірки і популярні групи, їй хочуть сподобатися популярні композитори і автори пісенних текстів. Але далеко не вся молодь безроздільно вірна тій музиці, яка числиться молодіжної. Комусь більше подобається народна пісня під гармонію чи балалайку, іншим до душі серйозна класична музика, треті ні до якої музиці не відчувають явного інтересу. У кожного свій музичний смак.
Музика розрахована на розуміють і для них тільки й створюється. Недарма ж сказано: «Якщо це мистецтво - то воно не для всіх. А якщо він для всіх - то це не мистецтво ».
Якщо на ранніх ступенях культури музику розуміли всі, то тепер стала загрожувати небезпека, що розуміють музику зникнуть зовсім. Принаймні, навіть лідер авангардизму А. Шенберг змушений був сказати: «Я нічого не розумію в сучасній музиці: для мене вона занадто складна і знервована. Чому все-таки молоді люди не пишуть чого-небудь більш простого? »
XX століття дозволив більш чітко виявити і ще одну особливість ставлення публіки до серйозного мистецтва. Залучення самих широких мас до серйозної музики - це не справа однієї педагогічної системи, хоча б і дуже досконалою. Звичайно, музичне просвітництво дорослих і музичне виховання в школі, будь вони організовані енергійніше і кваліфікованіше, ніж зараз, мабуть, посилили б інтерес до музичної класики і правильне розуміння її життєвого сенсу.
До серйозної музики людини, маси, народ долучають в першу чергу такі історичні моменти, коли сама соціальна життя владно підкоряє повсякденне головному, коли люди відчувають себе учасниками і творцями історичних подій.
Таке життя рідко змінює характер потреб, не залишаючи часу для суєтного і минущого. Мистецтво також необхідно людям, говорив Толстой, як їжа, питво, одяг. І навіть необхідніше. Але воно робиться необхідним не тому, що про це мріють художники чи педагоги, а тому, що саме життя несподівано і незаперечно відкриває людям цю необхідність.
Кажуть, що серйозна музика складна і незрозуміла, що вона нудна і втомлює. В останні роки, особливо серед молоді, все частіше доводиться чути про те, що серйозна музика застаріла, віджила свій час, вийшла з моди, втратила актуальність. Посилаються на те, що класика зрозуміла, але не сучасна, а сучасна серйозна музика може бути й актуальна, але незрозуміла. Нарешті, просто відкидають претензії музики на що-небудь, крім розваги.
Багато хто з цих тверджень найкраще спростовує історія музики. Ні в одну з великих історичних епох розвага не було головним, тим більше єдиною справою музики. При цьому музика Баха чи Моцарта, Глінки або Чайковського аж ніяк не здавалася їх сучасникам ні незрозумілою за змістом, ні недоступною за формою. Проблеми, до яких зверталися великі музиканти, зовсім не застаріли. А щирості і глибині, з якою вони осмислював ці проблеми, наша епоха могла б позаздрити. Справедливо кажуть, що велике мистецтво завжди сучасно.
Словом, більшість претензій до серйозної музики швидше звично, ніж переконливо. Але є і питання, на які відповісти зовсім не легко.
Ні в одну епоху на землі не жило стільки композиторів, у всеозброєнні професіоналізму працюють у всіх жанрах музики і створюють нові жанри. Куди ж зникають тисячі опер, написаних сучасними композиторами? Чому так рідко звучать десятки тисяч інструментальних творів, романсів? Чому навіть молодим композиторам-професіоналам так важко знайти відгук у сучасної молоді? Може бути, справа в поганій рекламі, в інертності концертних організацій? У байдужості виконавців? У низькій якості високої музики, в катастрофічному нестачі особистостей, талантів? А може бути, і справді ніхто не винен. Просто серйозна музика завжди існувала і буде існувати для небагатьох?
Навряд чи можна втішати себе тим, що на класику все-таки «ходять», і тому Чайковський або Рахманінов, Бах чи Моцарт ще здатні привабити публіку в концертні зали. Все гостріше питання, чому класика з такою очевидністю виграє у сучасності і, одночасно, з такою ж очевидністю поступається поп-музиці.
Музикознавці цілком справедливо говорять про зосередженості класичної музики на найважливіших питаннях людського існування. Психологи і педагоги переконливо довели, що ні в якому віці ці питання так стійко і глибоко не хвилюють людей, як в юності. Чому ж досі не зустрілися ці два духовних прагнення, не виявили своєї взаємної необхідності?
Мабуть, є щось таке в сучасних контактах серйозної музики з публікою, що дезорієнтує молодь, формує в неї переконання, ніби серйозна музика не більш ніж розвага невеликої купки людей похилого віку, оповите високопарними словами.
Хто-небудь у виправдання такого переконання міг би послатися на слова одного із самих авторитетних композиторів XX століття - І. Ф. Стравінського: «Музика по своїй суті не здатна що б то не було виражати - почуття, положення, психологічний стан, явище природи і т.д. Виразність ніколи не була властивістю, властивою музиці ... Якщо нам здається, що музика що-небудь висловлює, це лише ілюзія, а ніяк не реальність ». Звідси й справді випливає висновок, що розмови про глибоке зміст і духовне багатство музики - заняття, гідне лише наївних дилетантів.
Між тим, класики були впевнені, що без емоційного вибуху немає ні творчості, ні сприйняття музики.
Дуже важливо, щоб і спілкування з музикою було всебічним, починаючи від танців і спільного співу за святковим столом і закінчуючи уважним вслухання в звучання оркестру на концерті і читанням літератури про музику. Музика починається вже тишею ранку або шумом жвавого дня, свистом вітру або морським прибоєм, гулом юрби і ласкавою промовою коханої людини. Звідси збирається вона по краплях в інтонаціях поезії і наспівах популярної пісні, в розкутий танці і проникливому романсі, в багатою і різноманітною музиці праці та відпочинку, свята та розваги. Як кручі і скелі з цього музичного моря підносяться найкращі твори класичної музики - минулої та сучасної. І весь цей світ живе єдиним диханням і єдиної життям, невід'ємною від дихання і життя рідної природи, народу, людства.
Отже, людина прагне зробити свій будинок затишним і красивим. Як часто він сподівається досягти цього за допомогою речей!
А між тим самий дешевий і доступний спосіб наповнити будь-який простір красою - музика.
Музика займає багато менше місця, ніж шафи, дзеркала і дивани, стелажі і стінки з курними недоторканими книгами. Але вона здатна наповнити звільнене простір енергією живого руху, співом і танцями, зустрічами і домашніми концертами.
Музика живе і всередині людини, і в глибині дійсно необхідних йому речей. Її глушать зайві дивани й нікчемні ганчірки, її псує деренчання дорогого посуду і кришталя, її не дають почути несмачні недоладні люстри і торшери, а в м'яких меблях її перемагають важкі сни.
Необхідно допомогти музиці вийти з глибини душі і глибини речей і об'єднатися у прекрасну, хвилюючу і благотворно виховує і дітей і дорослих гармонію, повну справжньої, свіжої та прозорою життя.
Сучасне життя ганяє нас неосяжними просторами, і те, що ще недавно називалося рідним домом, все більше стає тимчасовим притулком. Квартира, дача, бабусин будинок, піонерський табір або будинок відпочинку, чи готель, або турбаза, клетушка в приватному секторі або палатка в поході - ми з дитинства вже звикаємо до цих змінюють один одного формам житла та побуту. Але, свідомо чи несвідомо, всюди, де доля змушує нас затриматися більше, ніж на добу, ми поспішаємо хоча б частково реалізувати той образ рідного дому, який живе в нашій свідомості. І знову виявляємо, що легше всього перевозиться і скрізь допомагає розташуватися як вдома пісня про рідний дім, про рідних людей, про рідний край. Музика потрібна людині в пустелі і тайзі, в океані і в космосі. Оточуючи нас красою і затишком, вона одночасно зв'язує нас з навколишнім світом. Вона як би нагадує нам про те, що рідним домом людства є Всесвіт.
I.2 Погляди вчених на проблему розвитку музичного смаку
Багато вчених працювали над проблемою розвитку музичного смаку. Особливий внесок внесла В. М. Шацька [25]. Вона говорила, що музичний смак розуміється, як певний рівень музично-поетичних уявлень, який дає можливість відзначати і цінувати прекрасне в музиці, тобто її ідейність і змістовність, правдивість і щирість почуттів, яскравість і переконливість музичних образів і всіх виразних засобів музичного твору. На основі цих навичок активного сприйняття і першого критичного судження з'являється великий інтерес і задоволення від справді художньої музики у всіх її видах, включаючи сюди і образи народної творчості, та доступні твори великих композиторів минулого і найрізноманітнішу за жанрами, але високоякісну музику сучасних радянських авторів - близьку дитячим та юнацьким інтересам, різнобічно відображає всю велич народу, всю багатогранність його думок і почуттів.
Виховання активного слухача музики пов'язано з двома основними моментами.
1) необхідність організації всіх умов для активного сприйняття музики. Під активним сприйняттям музичного твору ми, в першу чергу, розуміємо музичне переживання, тобто здатність заражатися і співпереживати настрої і почуття, виражені композитором в музиці, з подальшою естетичної оцінкою, а також і осмислюванням як характеру переживання, так і виразних засобів, необхідних для втілення художнього образу.
В умовах музично-просвітницької роботи серед дітей саме ця область - сприйняття музики - не може бути представлена ​​самоплив. Саме тут дітям особливо необхідні художня і педагогічна допомога і керівництво. Шляхи цього керівництва лише намічаються. Потрібна науково-дослідна та експериментальна робота і педагогів, і психологів, і музикантів, щоб перевірити правильність цих шляхів.
2) розвиток потреби естетичного судження, без наявності якого не можна уявити собі слухача, що має свої запити до музики, своє ставлення, свої вимоги, смаки. Більш-менш успішне формування навичок естетичного судження пов'язано з навиками первинного, доступного рівня музичного розвитку аналізу на слух сприймаються музичних творів, в першу чергу вокальних, де текст допомагає розкривати музичний зміст. Надалі музичні переживання, слухові уявлення про живе інтонуванні музики, а також різноманітні факти і висловлювання, пов'язані з творчістю композитора або створенням цього твору, повинні, все разом, допомогти розкрити джерело змісту даного твору, його ідею і визначити своє ставлення до нього. Тут, також необхідно керівництво (особливо художнє) у вихованні цієї потреби естетичного судження у наших школярів. Шляхи та методи цього керівництва також не розкриті до кінця.
Таким чином, проблема виховання музичного смаку в цілому включає ряд ще не вирішених питань, які потребують подальшої розробки і перевірці експериментальним шляхом.
У вихованні музичного смаку велике місце займають літературно-музичні теми, де у зв'язку з бесідою про творчість будь-якого письменника або поета широко показується відображення його творчості в музиці.
Музичні інтереси учнів молодших класів мають свої особливості і труднощі. Молодші школярі хочуть знати і розуміти музику, але в більшості випадків не мають достатніх навичок слухати і сприймати її. Звідси велике прагнення до читання книг про музику і до лекцій. Зазвичай перші ж кроки справжнього спілкування з музикою викликають дуже великий інтерес до неї і прагнення глибше проникнути в різні сфери музичного мистецтва.
Встановлено, що виховання художнього смаку здійснюється успішніше за умови повторення музичних сприйняттів. Школярі, як правило, хочуть не тільки відчувати, і розуміти музику, але і багато знати про неї.
Н. Я. Брюсова також працювала над цією проблемою. Вона вважає, що всі знання і вміння, все те нове, що відкриває школа дитячому розуму, повинні приходити дітям у живому вигляді, таким, яким все це приходить до нас у житті. Треба, щоб, вникаючи в ці незнайомі ще розуму речі, почуття дітей розкривалося для життя як можна повніше, щоб широкий, багатозвучні світ відкривався перед ними і щоб вони, через ці нові знання, входили в нього всім своїм життєвим істотою, радіючи життю. І цьому може сильніше за все допомогти музика. Та музика, якої раніше не було доступу до школи.
Музику діти візьмуть і полюблять тільки тоді, якщо вона підійде до них просто, не у вигляді чогось винайденого дорослими з виховними цілями, для дисципліни або розвитку їх дитячого розуму і почуття, а у вигляді дійсно потрібної речі, чогось справжнього, що є в усьому світі навколо, чого не можна не чути.
Діти повинні знати саме музику, чисте, ясно і відкрито говорить людського почуття мистецтво, а не уроки музики, не навчання співу або грі, а самі пісні, саму гру, живу музику, живою її голос. І при тому найкращі пісні і кращу музику, тому що тільки в кращій музиці вони почують потрібну і зрозуміле їм справу, а не вигадану дорослими забаву для дітей чи засіб їх виховання.
Слухаючи музику, діти повинні як би внутрішньо створити її, їх власної, внутрішньої, близької душі музикою повинна бути музика, що розповідає їм цікавий музичний розповідь.
Якщо звернутися до робіт В. А. Багадурова, Т. Л. Беркман, Д. Л. Локшина, М. А. Румер з даної проблеми, то ми бачимо, що вони говорять про це так:
Освоєння музичних творів передбачає повноцінне їх сприйняття, тобто слухання і розуміння. Таке сприйняття вимагає відповідної підготовки, керівництва, виховання, що входить в завдання музичного навчання.
На жаль, до цих пір питання сприймання в нашому музично-педагогічній практиці приділяється недостатньо уваги, особливо на перших етапах музичного виховання. Разом з тим не можна успішно займатися ніякою музичною діяльністю, якщо не розвинене сприйняття.
Виховання сприйняття може бути здійснено лише при постійній керівної ролі вчителя.
Що ж потрібно зробити для того, щоб навчити школярів розуміти і любити музику?
Любити музику - значить відчувати потребу в спілкуванні з нею, переживати її, тобто відчувати радість, хвилювання, сум, слухаючи її. Розуміти ж музику - означає сприймати її свідомо, віддавати собі звіт у її змісті і, в якійсь мірі, у її формі.
Треба сказати, що поняття «любити» і «розуміти» стосовно до сприйняття музики часто ототожнюються. Іноді вони і протиставляються: «Я музику люблю, хоча її і не розумію».
Ми вчимо дітей сприймати музику свідомо для того, щоб вони її глибше переживали, відчували.
Може виникнути питання: чи обов'язково розуміти музику для того, щоб її любити? Адже ми знаємо безліч таких прикладів, коли слухачі (і дорослі і діти), дуже мало і навіть нічого про неї не знають, люблять і переживають музику. Однак можна з упевненістю сказати, що сприйняття слухачів, що мають підготовку, які мають знання про музику, глибше, свідоміше, яскравіше. І, що особливо важливо, коло творів, які вони здатні емоційно сприйняти, складніше і ширше. Але буває й так, що досить складні твори глибоко сприймаються слухачами непідготовленими. У таких випадках можна з упевненістю сказати, що мова йде про людей в тій чи іншій мірі обдарованих. Недарма в структуру музичних здібностей видатний вчений, професор Теплов включив не тільки слух, а й емоційну чуйність на музику.
1.3.Своеобразіе музичних стилів і напрямків

1.3.1. Історія виникнення техно - музики

Дуже серйозно на розвиток музичного смаку учнів впливають різні напрямки сучасної музики. Це рок - музика, техно, попса, реп та інші напрямки.
Одним з перших питань, які задають при знайомстві, є: "А яку музику ти слухаєш?". Дійсно, саме типове поділ для нашого покоління - поділ за музичних пристрастей. Наш девіз: "Скажи мені, що ти слухаєш, і я скажу, хто ти! ". Шанувальники різних стилів музики часто просто не виносять один одного, і справа навіть доходить до серйозних конфліктів з рукоприкладством. У більшості своїй меломани зараз діляться на дві групи: шанувальники рок музики і шанувальники техно-музики.
Боги з машини
Наприкінці шістдесятих поп-музика перебувала в дуже плачевному стані, і більшість груп займалося перепеваніем або просто виконанням англійських і американських хітів. Однак таке положення влаштовувало не всіх. Кілька молодих германців згадали про традиції і коренях, і почали робити мистецтво зовсім своє, максимально не схоже на англомовні зразки, засноване на німецькій традиції. Так з'явилася нова хвиля повністю змінила уявлення про поп-музиці завдяки групі Kraftwerk. У всіх учасників цих груп мала класичну музичну освіту, і вони робили музику, за структурою і звуку зовсім не схожу на ту, яка займала перші рядки хіт-парадів - хоча і схожу місцями на рок. Незабаром їм стали наслідувати десятки німецьких груп, а британська музична преса охрестила цей рух "краут-роком".
Серед основоположників цього стилю Kraftwerk стояли найдалі від року і максимально близько до німецького авангарду.
Перші виступи групи належали радше до категорії авангардних хепенінгів, ніж до музичних подій: вони грали на вернісажах і в галереях, а серед їхніх знайомих художники переважали над музикантами.
Перші два альбоми досить маловідомі навіть серед цінителів групи, а шкода - це дивовижні і незвичайні експерименти зі звуком і ритмічними структурами, не менш цікаві, ніж будь-який хороший арт-роковий альбом. Учасники гурту дуже багато експериментували шумами і звуками штучного походження, накладаючи їх на записі аналогового синтезатора.
Проте для завоювання мас знадобилося додати до фірмового звуку, побудованого на малюнку ударних, та до того ж електронних, і простим, ритмічним і миттєво запам'ятовується мелодіям третій компонент - новий імідж. Kraftwerk прикинулися роботами ...
Вже на третьому альбомі визначилися найважливіші елементи їх стилю, яка підказала напрошується сам собою імідж: повторювані синтезаторні арпеджіо і використання вокодера-електронного пристрою, спотворює мова і що робить її як би "механічної", що дозволяє змінити її тональність за допомогою клавіатури синтезатора. Завдяки цьому музика Kraftwerk місцями стала нагадувати сцени з наукової фантастики-так міг звучати саудтрек до фільму про яку-небудь планеті майбутнього, де владу захопили людиноподібні механізми, що розважають себе легкою музикою.

Розгалуження стилів

Техно, винайдене Kraftwerk, стало потужною базою для народження нових стилів, створювалися шляхом злиття оного з елементами будь-якого іншого. Так, наприклад, з'явилося Техно-Диско - швидкий і дуже експресивний стиль, який містить в собі гарну ритмічну основу і дуже сильно перегукується з Техно-Данс (основна різниця цих стилів у відсутності речитативу у Техно-Диско).
Так само утворився і Техно-Реп. 100% синтезований звук, типовий репові речитатив, розмірений ритм і превалювання низьких частот - ось те, що є складовими даного. Найбільш поширеним і найбільш комерційним стилем став всюдисущий Техно-Данс, хвиля якого накрила росіян приблизно в 1993 році. Його зовнішні дані дуже прості: красива танцювальна композиція з жіночими подпевками і швидким, іноді нереальним за швидкістю відтворення слів чоловічим речитативом.
Також невеликим, але оригінальним відходом від Техно-Данс є спроби поєднати елементи фольклорної або етнічної музики з елементами Техно, в результаті чого з'являються досить забавні проекти, які представляють стиль - Техно-Кантрі. І не менш веселий стиль - Техно-Джаз.

1.3.2.Краткій курс музики House

Термін «House music» походить від назви чиказького клубу «The WareHouse», в якому ця музика і виникла. У 1977-1983р. президентом «WareHouse» був DJ Frankie Knuckles, який грав суміш андерграундного диско, франк і соул для переважно чорних відвідувачів. Щоб посилити танцювальний ефект музики, він використовував драм-машинку Roland 909, що лунає разом із записом на платівці і підкреслює ритм. Іншим ефектним прийомом було змішування за допомогою звичайного багатоканального магнітофона композицій з синтезованим ритмом так, щоб вони непомітно для вуха переходили одна в іншу.
Frankie Knuckles заклав фундамент House, але більшого успіху домігся інший DJ того ж клубу, Ron Harby, грав у більш суворому і жорсткому стилі.
Музика House досягла Британських берегів в 1986 році, коли композиція «Move Your Body», написана Marshall Jefferson, стала заповнювати помітну частину ефіру столичних «піратських» радіостанцій. Цей трек незабаром став виконуватися і в деяких лондонських клубах типу «Delirium», підтримали House. Наступ нової музики на Сполучене Королівство розширилося завдяки приїзду чиказьких DJ International і Trax та випуску альбомів з компіляціями House музики, такими, як серія «Jack Trax». Першим англійським хітом у стилі House стала зроблена Farley Funk обробка старої пісні Isaac Hayes «Love Can't Turn Around». У вересні 1986 ця композиція досягла десятої позиції в англійських чартах, залишивши батьків-засновників в Чикаго в повному подиві від того факту, що їхня музика здатна стати поп-хітом в Англії. Через чотири місяці «Jack Your Body», записана JM Silk, стала номером 1 в хіт-парадах, і гарячка «Jack» (так називалася манера танцю під музику House) вже відчувалася всюди.
Незабаром стала розвиватися практика організації нелегальних андеграундних вечірок, викликана драконівськими законами у сфері ліцензування, точніше неприємною необхідністю отримати спеціальну ліцензію для настільки пізніх танців і торгівлі спиртним. Ідея подібних вечірок полягала в тому, що організатори встановлювали звукову (іноді і світлову) апаратуру в орендованому невикористовуваних будівлі, а ви просто платили на вході і могли веселитися всю ніч. House ідеально підходив для таких заходів, і їхня популярність швидко зростала.

Найпопулярніші нині течії в техно-музиці

Detroit House
Детройт. Народження музики техно співпало з глибоким занепадом автомобільної промисловості Америки - як символічне знамення постіндустріального ренесансу. Поява техно поклало кінець стилістичному поділу музики на напрями. Відтепер гармонія, дисгармонія, шум, пісня - все можливо.
Саме старе і традиційне перебіг. Цю музику грали в клубах Чикаго і Детройта ще наприкінці 70-х і, хоча з тих пір вона помітно змінилася, знамените детройтське звучання ні з чим не сплутаєш. М'який і чистий House ритм, майже не спотворений електронікою вокал в стилі соул та фортепіанні лінії заряджали вечірки, на яких грали Detroit House, величезною енергією.
Deep House
Багато в чому схожий на класичний Detroit, Deep являє собою химерну суміш House-музики з вокалом госпел. Як стверджують його прихильники, Deep House - це протилежність всьому іншому техно, музика живих людей, а не машин.
Trance
Музика ментального подорожі. Ритми, використовувані в Trance, значно простіше, ніж у Breakbeat або Jungle, і «плівки» монотонних і прозорих синтезованих звуків струнних завершують відчуття переходу в інші простори. Має величезну кількість різноманітних напрямків: Acid Trance, Goa Trance, Hard Trance і ін
Breakbeat
Незважаючи на свої «чорні» коріння, до початку 90-х House музика ритмічно дуже спростилася і втратила початкову енергетику негритянського гетто. Саме тоді з'явився Breakbeat, в якому використовувалося звучання хіп-хоп, реггі. Найбільш яскраві варіанти Breakbeat - це Jungle і Darkside. Музика Jungle насичена елементами реггі та більш рухлива, у той час як у Darkside створюється швидше мінорний настрій, що підсилюється страшнуватими «космічними» звуками і жіночими голосами.
Tribal
       Tribal особливо цікавий тим, що в ньому використовуються звуки і ритми релігійних церемоній північноамериканських індіанців, ескімосів і народів півночі Сибіру. Таке «наведення мостів» між звичаями стародавніх племен і сучасної рейв-культурою виглядає іноді дещо штучною, але в цілому Мінімалістична Tribal музика володіє своїм безсумнівним зачаруванням.
Hardcore
Hardcore - це дуже просто. Беремо звичайний техно - ритм, робимо його рази в два швидше, накладаємо будь-які уривчасті звуки, крики і прискорений в 2-3 рази жіночий вокал. Якщо виникне відчуття роботи відбійного молотка - то все в порядку. Черговий хіт готовий.
Acid House
Acid в перекладі з англійської - кислота. Музиканти, які працюють у стилі Acid House, стали широко використовувати в своїх треках звуки, запозичені з інших композицій, запустивши цілу хвилю обробки чого завгодно у Acid звучанні.
Progressive
Початково це слово означало напрямок техно-музики, в якому основний акцент ставився на точному копіюванні справжніх інструментів та пошуку вдалих коротких мелодій.
Втім, стиль так і не оформився, і характеристика Progressive тепер майже нічого не означає, хоча вживається досить часто: всі андерграундні техномузиканти вважають свою продукцію «прогресивної».
Ambient
Найбільш вдалу характеристику Ambient дав журнал «Птюч», порівнявши цей стиль з музикою, яку грають у «МакДоналдс». Дійсно, ніякого жорсткого ритму, агресивно звучать семплів, нічого, що порушує майже космічне спокій. Ця музика скоріше для вух, ніж для ніг.
Intelligent
Музика з такою характеристикою підходить скоріше для прослуховування, ніж для виконання на вечірках, хоча найчастіше використовує знахідки чисто танцювальних напрямів.

Течії 90-х.

1. Грандж. Стиль музики і поведінки, расцветавший на початку 90-х в Сіетлі. Зовні проявлявся в патологічній недбалості, властивої мешканцям студентських гуртожитків. Драні джинси-кльош, розтягнуті хемінгуеевскіе светри великих розмірів, довгі злиплі волосся, цапина борідка, важкі військові або туристичні черевики, татуювання. У музиці грандж давав себе знати каламутним дзижчанням, сильно улюбленим російської молоді.
2. Панк. Одяг звужується і чорніє, в ужиток входить шкіра, макіяж стає втомленим і зловісним. Але цей виток панку (на відміну від 70-х) не всерйоз. Гра образами триває. Моментальні скачки моди в стислому вигляді повторюють пройдені етапи культури ХХ століття. Покоління Х - худосочні діти декадансу, регулярно траплялося на зламі століть.
1.3.3. Історія рок-музики.
Рок це не просто музичний напрям, це молодіжна культура, засіб спілкування молоді. Він із самого початку створювався як спосіб самовираження молоді, бунт і протест, заперечення і перегляд моральних і матеріальних цінностей світу.
Протягом усієї своєї історії, рок показує нерозв'язну вічне Ділл батьків і дітей. Як засіб самовираження молодого покоління, рок в очах старшого покоління виглядає лише як дитячу розвагу.
Рок - плідна грунт для розгляду з точки зору філософії, в ньому виявляються всі закони філософії. У тому що рок це протест молоді і поява нової музики, шляхом заперечення старої, проявляється закон заперечення заперечення, що показує розвиток рок-музики. У появі нового стилю шляхом злиття інших стилів - закон відображення, що лежить в основі розвитку свідомості.

Рок 50-х

Рок-н-рол виявився тим самим засобом, який об'єднав чорних і білих підлітків, одним могутнім залпом сміливо расові і соціальні забобони. Два чорношкірих ідоли молоді 50-х - Літтл Річард і Чак Беррі - кожним сценічним жестом, кожним звуком своїх пісень виражали відмову коритися традиційно расистському: «Підійди-но сюди, бій». Ця відмова безумовно приймали слухали їхні білі хлопчики - вони вже були підготовлені до такої музики, вони вже вбирали в себе чорний ритм-енд-блюз, який крутили на місцевих радіостанціях.
Рок-н-рол виявився першою музичною формою, запропонованою підлітку і спеціально по ньому скроєною: до цього минулого дорослі пластинки, дитячі пластинки, але не було нічого, що виражало б сугубо підліткові надії і мрії, сугубо підліткове відношення до дійсності.
На початку того десятиріччя чорна і біла музика були розділені так само, як біла і чорна громади. Але минав час, і радіо, за яким - теж на різних хвилях - передавали цю музику, дозволяло чорним слухати білу музику і навпаки. Радіохвилі приносили абсолютно нову стилістику, й безкорисливі піонери цієї стилістики почали потроху схрещувати ці дві культури. У лабораторіях життя народжувалася нова, дика, заразна музика на ім'я рок-н-рол.
Рок 60-х.
До початку 60-х дух рок - н - ролу був прикрашений, і по хвилях радіоефіру поплили солодкі голоси Френки Авалона і Пола Анки, Конні Френсіс і Мітча Міллера, музичні оглядачі почали заспокоюватися: схоже в музику поверталися закон і порядок. І все ж через кілька років рок ожив, а до кінця десятиліття перетворився в могутню політичну і культурну силу.
До початку 60-х до повноліття наблизилося чергове покоління. Батьки цих дітей активно боролися за мир, спокій і достаток, сподіваючись, що нащадки не тільки оцінять їхні старання, але і розсунуть обрії цього нового світу. Батьки, однак, ввійшли в нього з вантажем невиплачених боргів - вони принесли із собою страх перед атомною війною і гріх расової ненависті, а ідеали рівності і справедливості просто розтоптали в погоні за стабільністю й успіхом. Не дивно, що діти взяли під сумнів моральні і політичні підвалини післявоєнного світу; ці нові настрої знайшли відображення в їхніх музичних пристрастях.
Загнаний був у підпіллі, знову бурхливо розквітнув фолк і тут же включився в антивоєнний рух і в соціальну боротьбу. Дуже скоро фолк знайшов і нову свою надію - в худорляве, злегка гнусавом хлопчину на ім'я Боб Ділан. Саме його голос вперше висловив сумніви і надії піднімає голову неспокійного покоління.
Пісні Ділана про расове гноблення і погрозу ядерного знищення відразу ж перетворилися в гімни, а пісня «Часи - вони міняються» пролунала першим попередження про зростаючу суспільної напруженості. Однак при всій прихильності найяснішим ідеалам фолк залишався все-таки музикою минулого, засобом спілкування політизованої інтелігенції, з неприхованою іронією, що дивилася на дитячу розвагу - рок-н-рол.
Відродження рок-н-ролу почалося досить глухому місті - Ліверпулі. Коли Брайн Епстайн, керуючий місцевим музичним магазином, зайшов один раз у підвальчик за назвою «Каверна», він почув у музиці що там грав ансамблю не тільки відзвуки тутешнього захоплення заводним життєвим ритмом Америки. У «Бітлз» вирувала лиха відвага британця-аутсайдера, жаждующий схопити таки все те, чого він до цих пір був позбавлений.
Підчистивши ранню бітлівську неохайність, Епстайн - менеджер залишив у вихованцях цей бойовий дух. 9 лютого 1964 «Бітлз» постали перед 70 мільйонами американських телеглядачів. Це була історична подія. Воно навело мости між країнами і стилями, воно ж створило нові границі - між епохами і поколіннями.
Боб Ділан все гостріше почував обмеженість своєї аудиторії, вузькість стилістичних рамок жанру. І Боб Ділан запропонував своїй старій пастві коротку програму зовсім нової, «електричної» музики. Почувши гітарні завивання, фолк-пуристи завили у відповідь, а нова музика Ділана вже вливалася живлющим струменем у рок. «Бітлз» і Ділан струсонули всю основу молодіжної культури, змінили звучання року і напрямок його розвитку, відкрили принципи, що є основними і сьогодні.
Назустріч їм з Мемфіса виплеснувся потік різкого, «брудного» соула. Десятиліття рухалося до своєї кульмінації, наростало розжарення расових зіткнень, і музика соул вийшла в авангард цієї боротьби; горда міць негритянського самосвідомості втілилася в ній повною мірою. Чорна поп-музика зробила такі заяви про расове звільнення, про які ще років десять тому страшно було і подумати. Але, може бути, головною перемогою того часу стало злиття двох культур: білої і чорної. Це був яскравий, святковий, злегка навіжений союз, для якого, здавалося, нічого не залишилося неможливого. У новій музиці втілилася мрія про єднання і рівність, гармонії і терпимості.
У другій половині десятиліття на рок обрушилися лиха: «Бітлз» оголосили про остаточне припинення концертної діяльності.
Але зате в сан-францисском районі Хейт-Ешбері почало оживати щось утопічне: тут, на фундаменті релігійної еклектики, виростала своєрідна рок-комуна. Расцветавший ідею Всесвітньої Любові проголосили знову-таки «Бітлз», після майже річного мовчання випустили новий альбом. «Біттлз» знову безпомилково висловили опанували молодим світом прагнення до незалежності, до власних цінностей та ідеалів. Альбом визначив суть нової музичної ери, він довів, що рок став мистецтвом, а мистецтво, у свою чергу, - основною формою спілкування мас; він нарешті впровадив в нескінченно бунтують, неспокійний рок мрію про любов і духовну єдність.

Рок 70-х.

На початку 70-х спостерігається криза рок - сцени. Рок стає усе більш комерційною музикою, відбувається повний відхід від духовних коренів року, народженого і створеного для бунта.
Нове покоління, яке прийшло на зміну поколінню 60-х, вимагало свого, власного самовираження, заперечує сучасного стану речей.
До середини 70-х назріла необхідність у появі чогось нового - бунтує і протестуючого. Цим чимось став панк.
Перші панк-рокери з криками «цю музику може грати кожен!» Повискакували в Англії в 1975 році. Починали вони не на порожньому місці: основи жанру були розроблені американцями, стиль життя - групою «Нью-Йорк доллз», манери гри - групою «Рамонес», загальний настрій - Іггі Попом, а поведінка на сцені - Лу Рідом (той всю першу половину 70-х займався тим, що кричав на публіку, ображав її і щохвилини ішов зі сцени). Панк-рок мужнів, але вилізти з підвалів і маленьких клубів йому не вдавалося - бракувало вождя.
Історична подія відбулося 10 жовтня 1976 року: Террі Слейтер з фірми EMI зайшов до лондонського бар «Клуб 100». У барі виступала група «Секс Пістолз», Террі Слейтер представив, як вона може виглядати перед великою аудиторією, і запропонував контракт. На той час група існувала вже рік, і початок її кар'єри був багатообіцяючим: під час виступу в лондонському коледжі Св. Мартіна директор благородного навчального закладу просто вирубав електрику. До моменту укладення контракту «Секс Пістолз» були широко відомі у вузьких колах.
Вже через 2 місяці представники EMI заявили, що контракт був жахливою помилкою: «Секс Пістолз» у першому ж, моментально став класикою жанру, синглі «Анархія в з'єднаному Королівстві» примудрилися образити релігійні почуття громадян. Пізніше в телешоу «ТУДЕ» вокаліст Джоні Роттен видав пожартував на його рахунок ведучому такий набір лайок, що, як писала газета «Дейлі міррор", в будинку одного з глядачів вибухнув телевізор. Контракт був розірваний.
Наступною компанією, яка погодилася працювати з «Секс Пістолз», була A-and-M. Музиканти записали другий сингл «Боже, бережи королеву», і на восьмий день сотруднечества комерційний директор кампанії зміг видавити з себе тільки два слова: «Я передумав». Сингл вдалося прилаштувати тільки до травня 77-го, і він відразу ж став хітом № 1. Молодняк стогнав від захоплення - панк-рок став модою.
Скандали, пов'язані з панками, можна було знайти в будь-якій газеті. Те група громадян побила на вулиці Кіда Ріда з групи «Бойз», то басист «Секс Пістолз» Сід Вішез розбив гітарою голову музичному критику, то через кілька днів на вулиці побили вже вокаліста групи Джоні Роттена.
В Англії, схоже, не залишилося жодної команди, не встояла перед спокусами панк-року - всі, від суто комерційних, до безумовно талановитих приліпили перед назвою приставку «панк». Про панків знімали фільми, про них писали книжки, вони ставали темою дисертацій.
Перш за все приваблювало те, що панк був диким, злобним, але все ж свіжим вітром. Здавалося, все вже перепробувано, попереду у музики тільки повторення пройденого, і панки захоплювали як останній буйний, скандальний, але чесний свято минає рок-н-ролу.
По суті весь панк виявився стилем однієї групи. «Секс Пістолз» принесли йому популярність, вони ж вичерпали всі його можливості. З розпадом «Секс Пістолз» розвалився і панк - кожен кроїв з нього щось своє. Одні, як «Хоулі Мозес», довели його різкість до межі - і вийшов треш. Інші, навпаки, різкість прибрали, як «Ю-2», і вийшов пост-панк, треті просто постриглися по-модному і вставили в ніс шпильку-народилася «нова хвиля».
70-е примітні не тільки панком, тим більше. Одним з досягнень 70-х є поява хард-року. Як самостійний напрям хард-рок виділився в кінці 60-х років, і завдяки тому, що в закінченому вигляді його доніс до слухача видатний гітарист Джиммі Хендрікс, хард-рок з тих пір припускає виконання віртуозними інструменталістами, що пішло тільки на користь і музиці, і її шанувальникам.
Хард-рок, так само як і свого часу рок-н-рол, був різкий і агресивний, але на відміну від панку він передбачає добре володіння інструментами, і в ньому агресивність присутня не як тупа озлобленість на все і вся, а як вираження відрази до темних сторін людини. Природно, хард-рок не був чимось абсолютно новим, він лише увібрав в себе самі яскраві і виразні риси інших напрямків, в хард-року можна побачити і класичну музику, і чорний блюз, і рок-н-рол, одночасно з цим хард-рок привніс у музику безліч нововведень. Виконавці хард-року в текстах пісень стали вивчати темні куточки людської душі, піднімати філософські тематики, відображати окультні знання, розглядати християнство і сатанізм.
У середині 70-х починається зароджуватися новий стиль рок-музики - хеві-метал. Логічно він продовжує ідеї хард-року, виділивши з музики хард-рокових груп виключно потужні гітарні рифи, доведені до віртуозності соло і канонадние ударні. Повністю були виключені клавішні, зникли фольклорні наспіви, ніяких любовних пісеньок, ніякої орієнтації на шлягери, здатні увійти в хіт-паради.
У другій половині 70-х років вся молодь була захоплена панком. Панки не давали проходу на сцену, не можна було виступати, якщо ти не лаєшся на сцені і вмієш володіти інструментом. Тому в другій половині 70-х хеві - метал не знайшов велику популярність, а розцвів він лише у першій половині 80-х років, рухом хеві - метал була охоплена вся молодь.

Рок 80-х.

Розпад «Секс Пістолз» а слідом за ними і занепад панк-року позначили що тривав більше двадцяти років кінець ери Класичного рок-н-ролу. Далі починалася нова ера.
У різних кінцях Великобританії кілька молодих людей організовували свої групи. У північному Ньюкаслі Гордон Самнер, відшукавши однодумців, об'єднався з ними до групи «Поліс». У небагатого Гордона був всього один светр в чорно-жовту смужку, з-за нього-то він і отримав прізвисько «Жало» - Стінг. У Дубліні приступили до репітіціям «Ю-2». Нік Родс і Джон Тейлор організували «Дюран Дюран». У Лондоні одночасно починали дві групи - «Кьюе» і «Депеш Мод».
Музику, яка прийшла на зміну, назвали пост-панком, хоча правильніше було б пост-роком. Зросла десь всередині року, вона відбулася не від негритянських ритм-енд-блюзів, а швидше від білої класики. Засліплена роком аудиторія не помітила підміни, і в 80-і пост-панк під псевдонімом «нова хвиля» тріумфально прокрокував по Європі. І чомусь тільки в Європі прижився.
Дублінські групи, які заявили про себе в середині 80-х, на рок-н-рольну гітарну основу наклали відбиток ірландських народних балад. Успіх так вразив, що вже стали говорити про ірландському вторгнення. Першими і голосніше за всіх заявили про себе «Ю-2». Починали вони з виконання простеньких рок-н-ролльчіков, поступово вдосконалюючи техніку гри, вони записали три альбоми і стали досить відомими на батьківщині.
Пост-панк досяг своєї вершини, вражена Америка нагородила «Ю-2» титулом кращої групи 80-х. Це була перемога, але вона щось надломила в пост-панку, і він став на очах розвалюватися.
Але на щастя на поп-року весь рок не грунтується, ще з часів хард-року рок роздвоюється на два напрямки: власне рок і важкий рок, згодом породив якусь своєрідну металеву культуру.
У важкій музиці справи складалися якнайкраще і вона завойовувала все нові рубежі. Але на жаль з моменту появи хеві-метал вона стала так званим «андеграундом», тобто підпільної музикою, призначеної не для всіх.
Початок 80-х пройшло під переможний хід хеві-металу, але він ставав усе менш важким і більш комерційним, що звичайно більшості молоді, яка бажала все також буйствувати, не подобалося. І ось на початку 80-х починає зароджуватися нова музика - треш метал. Треш увібрав в себе панк-рок і хеві метал, що увібрав у себе жорсткість, швидкість першого і мелодійність другого. Треш став найважчим напрямом музики, в основному це було досягнуто за рахунок доведення швидкості гри до фізичної межі, максимальним спотворенням звуку гітари і максимальним прискоренням ритм - секції, яка стала схожою на канонаду, за рахунок введення другої басової бочки. Але треш не перебував тільки з однієї швидкості, він був чудовий тим, що разом зі швидкістю існувала мелодія, а часті різкі зміни ритму зробили його винятковим. Треш виник у Америки, і в основному як альтернатива починаючому ставати помпезним хеві-металу. Батьками трешу прийнято вважати такі групи, як «Metallica», «Slayer», «Celtic Frost».

Рок 90-х.

Рок 90-х можна охарактеризувати одним напрямком і однієї групи гранж і «Nirvana». Втомилися від довгих засилля поп-року, молодь звернулася до буйного, що викликає гранжу, який представляє собою злиття таких стилів як панк, хеві метал і поп-рок. Гранж відрізняє зухвалу поведінку і швидкість гри панк - року і присутність нескладних мелодій поп-року. Формуватися гранж почав наприкінці 80-х (хоча ще в кінці 70-х група «The Go-Go's» підносила публіці щось схоже), його батьками були «Nirvana», «Pearl Jam», «Soundgarden». Хоча «Pearl Jam» і «Soundgarden» грали набагато краще ніж «Nirvana», молодь прийняла саме останню за їх зухвалу запальність.
1.3.4. РЕП музика
Як не дивно, але реп живе на цій планеті не десять років, як думають багато хто, а набагато більше. Римовану мова (саме мова, а не спів) ще в сорокових роках використовував при спілкуванні зі своїми слухачами Cab Calloway. Що вже говорити про ламаною ритмі, що живе на Землі не одне століття і використовувався з різними цілями практично всіма народами. Але все вище сказане це скоріше нетрі, тема окремої розмови, тоді як офіційно реп як такий з'явився завдяки одному ді-джейського прийому, поширеній на Ямайці. Називався він toasting. Народжений тоустінг був завдяки доступності звукової апаратури, й полягав власне в нехитрому накладення голосу (в основному віршів) на вже наявну чужу фонограму.
Вперше реп побачив світло в чорних диско-клубах Південного Бронкса в середині сімдесятих. C цього моменту новий стиль і починає свій музичний зростання.
Рік 1976. Africa Bambaataa і компанія влаштовують першу свою вечірку в центрі Bronx River Community.
Рік 1977. Хопові акції, які влаштовують прямо на вулицях Нью-Йорка, стають дуже популярними.
Рік 1979. Колектив Sugarhill Gang випускає перший більш-менш комерційний реп - диск "Rapper's Delight", що став першою хоповою платівкою, що потрапила в Top 40 Великобританії та Сполучених Штатів Америки і забриніла на радіо. У тому ж місяці інший репперськая альбом - групи Fatback Band вривається в поп-чарти всього світу. Унікальність цих двох релізів була в тому, що представлені композиції не мали абсолютно нічого спільного з сучасним повністю семплірованних репом - то була жива альтернативна музика, зі спеціально запрошеними барабанщиками і гітаристами.
А в листопаді Sweet Tee (справжнє ім'я Таня Уінлей) випускає трек під назвою "Vicious Rap", що увійшов в історію, як перший реп, виконуваний жінкою - МС.
Рік 1980. "Некоронований король репу" Kurtis Blow вперше в історії хіп-хоп музики випускає "золотий" сингл - "The Breaks" і незабаром підписує контракт з цим монстром серед звукозаписних компаній - Mercury Records.
У тому ж році учасники брейк-данс команди High Times Crew заарештовуються за танці в метро Washington Heights. Фотографії цього інциденту і власне самого танцю з'являються в "New York Post", будучи першими фото, запечетляющімі бі-боїв.
Силу тим часом набирає жіночий реп - група Sequence, повністю складається з представниць прекрасної статі, пробивається в чарти, відкриваючи дорогу іншим реппершей - Roxanne Shante (вийшла на сцену у 84-му), Salt-n-Pepa (з'явилися у 85-му) і MC Lyte, що почала реповать в 87-му.
Тоді ж відкривається і одна з перших радіопередач, цілком посвяшенних реп-музиці - тригодинна "Mr. Magic's Rap Attack" на радіостанції WHBI.
Де то в цей же період біла виконавиця Blondie, непогано влаштувалися в різних поп-чартах всього світу, записує сингл "Rapture" c елементами репу, який невдовзі став загальновизнаним хітом.
Рік 1981. Grand Master Flash записує "Adventures on the Wheels of Steel" - першу репові запис, запечатлевшую скретч.
Рік 1982. Grand Master Flash і його Furious Five випускають "The Message", перший за все існування хопу політ-реп. Запис поклала початок справжньої ері використання хіп-хоп музики як зброї політичної боротьби.
Варто відзначити, що реп як і раніше залишався інструментальною музикою, виконавці все ще запрошували для запису "живі" ансамблі, а використання яких би то не було семплів просто не практикувалося.
Тим часом Батяня хіп-хопу Africa Bambaataa разом з Sonic Force записує "Planet Rock", перший трек, витриманий у стилі electro funk (або ж techno funk), спеціальної музичної формі, як не можна краще подходяшей до брейк-дансу.
Рік 1983. Herbie Hancock & Grandmaster DST вперше в історії "схрещують" хіп-хоп і джаз, що призводить до запису пісеньки "Rockit". А Африка Бамбаатаа закінчує роботу над "Looking for the Perfect Beat", першим записом, в якій можна було простежити щось схоже на семплінг. До того ж пісня, будучи записаної на "Tommy Boy Records", закріплює компанію в статусі хіп-хоп лейбла.
Рік 1984. Реп-група UFTO випускає сингл "Roxanne, Roxanne", що розповідає про якусь вигадану супер-красуні на ім'я Роксана. Завдяки тому, що пісня користувалася просто вражаючою популярністю, молоді реппершей, що брали собі псевдонім "Roxanne", одразу ж сказали, що співалося саме про них, росли як гриби. Єдиною справжньою талановитої виконавицею з цього потоку "Роксан" була Roxanne Shante, що стала популярнішою самих UFTO і навіть змусила цих гордих реперів зовсім піти з шоу-бізнесу.
Тоді ж у Лос - Анджелесі відкривається перша американська реп-радіостанція KDAY, а концертний тур Run DMC, Kurtis Blow, Whodini, Fat Boys і Neweleus під назвою "Fresh Fest" стає першим таким прибутковим хопові туром (3,5 мільйона доларів за 27 виступів ).
Закінчується рік зустріччю білого продюсера Ріка Рубіна з братом учасника групи Run DMC Расселом Саймонс, незабаром заснували лейбл "Def Jam Recordings". Компанія, просуваючи таких діячів, як Run DMC і LL Cool J, незабаром стає дуже могещественной в хопові колах і починає співпрацю з "CBS Records".
Рік 1986. Тим часом, як розвивається апаратура, розвивається і музика. Відразу кілька релізів 86-го року значно розширили стилістичні рамки репу, залучаючи до цієї музики все більше і більше уваги.
На вже згаданому лейблі Def Jam група Run DMC випускає альбом "Raising Hell", який представляє з себе такий собі конгломерат репу і старого доброго року. Недооцінити роль цього альбому, яку він зіграв для світової хіп-хоп сцени, було б злочином. Саме після виходу цього мульти-платинового диска, що став воістину революційним у репі, чудова трійця з Куїнса стала першою реп - групою, що брала участь в "American Bandstars" і продала 4 мільйони копій свого альбому по всьому світу, першою реп-гуртом, чий кліп був показаний на Mtv і врешті-решт перший реп-гуртом, запечетленной на обкладинці всесвітньовідомого журналу "Rolling Stone".
У той же час реп остаточно перетинає расову кордон - з'являються небезізвестние білі "реп - панки" Beastie Boys зі своїм "Licensed To Ill", сумішшю хіп-хопу і сирого гаражного звуку. Хлоп'ята стали першими реперами, відразу ж потрапили на верхні рядки поп-чартів, та й взагалі на сьогоднішній день вони - справжні живі легенди реп-музики.
Рік 1987. У Південному Бронксі вбивають DJ Scott LaRock, а в Лос-Анджелесі вже остаточно намічається тенденція до найбільш екстремальній ліриці реп-композицій - формі, що отримала назву "кримінальний реп" - gangsta rap. Насправді, про ненависть до поліцейських і білим деякі реппери читали ще на початку 80-х, але саме з настанням 87-го він остаточно став самостійним стилем. У цьому році Ice T, про який ви всі напевно чули, записує свій дебютний альбом Rhyme Pays, яскравий приклад гангста-репу, отримав статус "золотого". Одночасно з цим релізом вийшли ще два альбоми, які стали на сьогодні класикою реп-музики - "Criminal Minded" Boogie Down Productions - реп з явним впливом реггі в плані читки і деяким кількістю пісень зі стовідсотковою генгста-тематикою, і "Paid in Full" Eric B. & Rakim з дуже класним звучанням як тексту, так і музики.
Рік 1988. Лейбл Def Jam розколюється на два напрямки - Рассел Саймонс йдуть у Columbia Records, а Рік Рубін залишає Jам для створення Def American. У тому ж вісімдесят восьмого вийшов і другий воістину революційний (і до речі платиновий) диск - "It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back" Public Enemy. Ця монументальна робота мала широкий суспільний резонанс, а "Don" t Believe The Hype "з альбому стала справжнім гімном молоді восьмедісятих - дев'яностих. Разом з виходом цієї платівки реп став дійсно не тільки музикою, але і потужним політичним зброєю. Четверо чувачков з Лонг-Айленда стали говорити про соціально значущих проблемах, недосконалості побудови американського суспільства та системи судочинства, про те, що чорних підлітків вбивають на вулицях, в кінці-кінців про те, що предки сьогоднішніх мешканців Куїнса або Бронкса були не тільки рабами, але царями і царицями. З появою "Ворогів Народу" в реп-музиці окрилися абсолютно нові, майже ніким незвідані простори лірики - соціально-політичні ...
Рік 1989. Композиція "Fight The Power" Public Enemy входить у фонограму фільму "Do The Right Thing" небезізвестного режисера Спайка Лі. Пісня дуже яскраво відображає настрій чорного підлітка, забитого і вічно гнобленого - довго придушувані бажання і раздроженіе рано чи пізно виривається назовні і тоді вже оточуючим буде непереливки.
До речі незабаром один з учасників Public Enemy на прізвисько Professor Griff виганяє з групи за рассісткіе висловлювання, продекламовані ним в інтерв'ю "Washington Post". Гріфф, будучи лідером танцювальної команди "Ворогів Народу", залишив колектив і незабаром створив проект Last Asiatic Disciple.
Група NWA випускає альбом "Straight Outta Compton", в рекордні терміни став "золотим". Роль цього диска в творчості NWA і в цілому для ганг-хопу Західного Берегу можна порівняти хіба що з впливом The Beatles на рок або Марвіна Гея на соул. Straight Outta Compton - навіть не класика, це просто Біблія кримінального репу. Крім цього, група послужила "стартовим майданчиком" для реперів, нині відомих по сольній кар'єрі - Dr. Dre, Ice Cube, Eazy-E і MC Ren. ФБР, ретельно прослухавши альбом і особливо пісню "Fuck The Police", розсилає шефам поліції предупрелітельние записки і тексти пісні, називаючи її "яскравим прикладом порушення агресивних почуттів у чорних банд, які тримають у страху вулиці Лос-Анджелеса". NWA прокоментували ситуацію просто - "Наступний наш диск буде називатися" Fuck FBI ".
Тим часом принципово нового звучання в хіп-хопі домагається команда De La Soul - химерний фанковий саунд і абстрактні, важкі для розуміння простому смертному тексти ...
Рік 1990. Ice Cube своїм відходом кладе початок падіння легендарних NWA. Група невдовзі просто розвалюється, і кожен учасник йде в соло. Але перш хлопці посварилися один з одним настільки, що між ними розгорнулася справжня війна. Особливо довго гризлися між собою Dr. Dre і Eazy-E, два справжніх апостола гангста-репу Західного узбережжя. Перманентного суперництва парочки прийшов кінець лише в 96-му році, коли Ізі помер від вірусу імунодеффіціта.
Рік 1991. У 91-му Public Enemy і незабутні волохаті металісти Anthrax випускають сингл "Bring The Noise" 88-го року в сучасній, репової-металевої обробці. Така версія полюбилася публіці набагато більше, ніж оригінал і остаточно закріпила зв'язок між чорним репом і білим "металом".
Тим часом підприємливі продюсери прибрали першу реп-радіостанцію KDAY до рук, і незабаром від колишньої слави легендарного радіо не залишилося і сліду - KDAY просто продали ...
У цей же час "Заслужений Репер Америки" MC Hammer, перебуваючи на хвилі популярності, стає головним героєм коміксів "Hammer-man".
Рік 1992. Dr. Dre випускає мульти-платиновий альбом "The Chronic", що розповідає про гангстерському способі життя і перевантажений матом, агресією і зброєю як багатотонний крейсер. З цього моменту в репі починаються нові часи - наклеєчка "Батьки, увагу: ненормативна лірика" з'являється майже на кожній хоповою запису, а шанувальники починають стежити за упехамі своїх кумирів з репортажів із залів суду - репперам інкримінують майже весь кримінальний кодекс - від зберігання кількох грамів наркотиків, до збройних пограбувань та вбивств. "Хроніка" (так на сленгу називають репперськая "травичку") відкриває в реп-музиці нову еру - бути запеклим головорізом в хіп-хопі стає справді модно ...
1.3.5. Хіп - хоп і брейк - данс як різні напрямки музики

Хіп - хоп в Росії

Прийшов той час, коли пора розповісти про те, що ж все - таки таке хіп-хоп культура. Культура - народжена на запорошених вулицях великих міст, серед висотних будинків, численних заводів робочих кварталів, шумливих автотрас, атомних реакторів та іншого пейзажу сучасного урбана. Не можна говорити про хіп-хоп як про стиль музики або про стиль одягу, хіп-хоп - це стиль життя! Це стиль життя тисяч молодих людей нового покоління, людей, які слухають електро, реп і інші прогресивні музичні напрямки, носять широкі штани і шапку (не обов'язково) у будь-який час року, танцюючих бі-боїнг (брейк-данс) на вулиці, що малюють графіті, які захоплюються екстремальним спортом, катаються на роликах агресивних і сноубордах. У цій же статті розповідь піде про історію розвитку основних хіп-хоп гілок, таких як музика, графіті, бі-боїнг і екстрим. Не посперечаєшся з тим, що в основі будь-якої молодіжної культури, лежить музика.
Хіп - хоп музика
У середині 70-х років, як спосіб самовираження малозабезпечених робочих верств населення, на вулицях Нью-Йорка вперше зазвучала нова, абсолютно революційна музика. Самою відмітною особливістю нового покоління музики з'явився ламаний біт - створюваний Dj `s (ді-джеями) за допомогою вертушок і електронного устаткування, і наявність вокалу, що тоді для вініло-електронної музики було дуже рідко. Вокал як правило був представлений такими людьми, як MC (ем-сі). MC дуже швидко змінилися і проникали у всю клубну середу, але їх витоки залишилися незмінними. Своїми промовами ці "співаки" репу ставили питання всьому суспільству про те, куди ж все-таки цей світ котиться і в яку дірку він вже потрапив. Реп з'явився спочатку як танцювальна музика і був дуже добре прийнятий новим поколінням молодих жителів спочатку американських міст, а потім і всього світу. Початком всього хопового руху з'явився саме реп, який і став витоком тієї культури, представників якої ми бачимо на вулиці кожен день і частково самі ними є. В кінці 80-х років хіп-хоп музика почала поступово виповзати з підземелля одночасно з появою таких груп як Beastie Boys. Можна сказати що саме такі групи і підняли хіп-хоп на перші сходинки хіт-парадів. На початку 90-х реп музика починає коммерциалізіроваться, що і повело за собою всю іншу хопові культуру. Такі люди і групи як 2Pac, Wu Tang, Puff Daddy, Will Smith, Basta Rhymes, з'явилися наступним поколінням в репі. У цей же час з'являється багато молодих колективів, які прагнуть своєю музикою заробити собі славу і гроші. Тоді ж це музичне напрям розділилося ще на два стилі: перший - власне реп, другий - справжній хіп-хоп, який переважно був музикою з ламаними бітами, але без вокалу, з часто використовуваними інструментальними наспівами. Розділився так само і стиль життя на стару школу (old school) і нову (new school). Але поступово ці відмінності зникли і зараз все встало на свої місця. Але це все на заході. А що ж діється і творилося в нашій країні з середини 80-х і до кінця другого тисячоліття? У нас же все починалося з нелегальних касет, які різними шляхами завозилися в тоді ще СРСР з країн зарубіжжя. В основному хіп-хоп був недоступний рядовому слухачеві через брак оного в країні. Хопова культура набирала обороти, поки в 97-98-му в Москві та Пітері не стався бум. Відкрилися численні школи для бі-боїв (брейктанцоров), проходили у величезних кількостях хіп-хоп фестивалі і московська молодь все більше і більше затягнулася в світ хіп-хопу. Але основна проблема, як і раніше за якістю виконання, музики і тексту. Розповзання хіп - ​​хоп культури повільно, але вірно починає покривати територію нашої неосяжної країни, незважаючи на те що багато чого прагнути поміщати цьому, а саме: нацисти - расистські погляди, консерватизм і суб'єктивність російського населення і дуже велика територія
          Історія BREAKING'а. Місцем народження брейк-дансу вважається Нью-Йорк, а точне, найнебезпечніший його район - Південний Бронкс. Брейк-данс тоді був на порядок іншим і носив іншу назву - "Good Foot", взяте з пісні Джеймса Брауна "Get on the Good Foot". Справа в тому, що Джеймс Браун, виконуючи цей хіт, потихеньку пританцьовував. Ось це пріплясиваніе і поклало початок. Однак таке пріплясиваніе проіснувало не довго.
DJ Кул Херк (Dj Kool Herc), який часто крутив пластики на вуличних тусовках, вирішив докласти до розвитку брейк-дансу свою руку. Він зібрав групу ентузіастів і розробив методику тренувань, взявши за основу елементи акробатики, народних танців, афро-бразильську боротьбу капоейру і прийоми китайського кунг-фу. Обертальних елементів тоді не було, а були: Toprocks, Floorrocks і Freezes. Саме Кул Херк придумав термін b-boy (скорочена break-boy) - так стали називати людей, танцюючих брейк-данс.
До популяризації брейка також доклав руку легендарний Африка Бамбаатаа, який був організатором батла Zulu Nation. Як відомо, Південний Бронкс відрізнявся особливим "законослухняним" населенням - вічні розбирання банд і т.д. Африка Бамбаатаа запропонував гопарям розбиратися не стовбурами, а танцями: Хто станцював гірше, той програв.
Час йшов. Африка Бамбаатаа випускає свій сингл "Looking For The Perfect Beat" і почалося! З'явилася команда Zulu Kings, яка стала чемпіонами. Поряд з Zulu Kings, піонерами були також The Nigga Twins, The Seven Deadly Sinners, Shanghai Brothers, The Bronx Boys, Rockwell Association. Після деяких років розвитку цього танцю в середині 70-х рр.. з'явилися люди зі значним досвідом у танці. Вони вважалися королями: Robbie Rob (Zulu Kings), Vinnie, Off (Salsoul), Bos (Starchild Lа Rock), Willie Wil, Lil 'Carlos (Rockwell Association), Spy, Shorty, (Crazy Commanders), James Bond, Larry Lar , Charlie Rock (KC Crew), Spidey, Walter (Master Plan) і це ще не все! Сталося невелике затишшя. Хвиля загуло. Командами нової хвилі стали Rock Steady Crew, NYC Breakers, Dynamic Rockers, United States Breakers, Crazy Breakers, Floor Lords, Floor Masters, Incredible Breakers і т.д. Породитель нової хвилі були Rock Steady Crew, а саме Crazy Legs. Він почав використовувати різні обертальні елементи: windmill, headspin, turtle та інші power moves.
У 80х роках брейк-данс починає завойовувати телебачення. У 1981 році був знятий фільм "Wild Style", що оповідає про хіп-хоп культурі. Для демонстрації брейк-дансу у фільмі, запросили Rock Steady Crew. З тих пір, їх прийнято вважати легендарної командою. Пізніше, у 82-му році на екранізували батл між RSC і Dynamic Rockers. Він увійшов в документальний фільм "Style Wars". У 83-му на екранах з'явився фільм "Flashdance" і відеокліп Малькольма МакЛаренса (Malcolm McLarens) "Buffalo Gals". На підтримку фільму "Wild Style" відбулося інтернаціональне турне - MCs, DJs, райтери та бі-бої поїхали в Париж і Лондон. У Європі хіп-хоп живцем побачили вперше. В 84-му році вийшов фільм "Beat Street", в якому також взяли участь знамениті Rock Steady, NYC Breakers і Magnificent Force, а на закритті церемонії LA Olympic Summer Games більше ста брейкерів показали захоплююче шоу.
З кожним роком брейк-данс ставав все більш популярним і вже почав ставати частина шоу-бізнесу, але в 87-му році хвиля спала, у людей зник інтерес до брейк-дансу. Тільки деякі продовжували тренуватися і серйозно танцювати, і не тільки в Нью-Йорку, а по всьому світу. Але саме ці деякі й вплинули на подальший розвитку брейка і зробили його таким, яким ми його бачимо зараз.
Брейк-данс у Росії
Коли про брейк-данс дізналися в Європі, вона була охоплена лихоманкою: будь-який хлопець, що вміє танцювати брейк-данс ставав героєм. У СРСР перша хвиля брейк-дансу почалася в 80-х роках. Джерелом інфомація були фільми, які привозили з-за кордону. Піонерами брейк-дансу були джазовий ансамбль "Арсенал". Його керівник Олексій Козлов будує танцювальну частину концертів на основі бі-боїнга і підкорює публіку.
1985 рік. Виникають перші команди: "Меркурій" (під проводом Костика Михайлова), "Магічний коло" (де танцювали майбутні B-People).
Таллінн став першим місцем, де пройшов великий фестиваль брейк-дансу. У 1986 році він пройшов у Москві, а в 1987 - в Ризі. Брейк-данс з'являється у фільмах: "Диск-жокей", "Жіночий клуб", "Танці на даху", "Гримуча дюжина", "З роботами не жартують". До 1989 року інтерес до брейк-дансу в СРСР почав різко падати і майже згас. Як все потім казали: "брейк вийшов з моди".
Початок другої хвилі припало на 1992-1994 роки. Багато танцюристів, такі як Bad Balance і "Мальчишник", починають займатися музикою. Естрадні виконавці починають брати попсовиків на підтанцьовку. Літо, 1994 рік. На вулицях знову починають з'являтися брейкери. На Арбаті танцюють По-People та "Меркурій", на ВВЦ - Hot Dogs, в Сокольниках - Beat Point. Тоді ж запалюють Beat Masters і "Театр Квасу" (єдина команда на чолі з Артуром Ігнатовим та Ігорем Захаровим, яка дожила до наших днів майже в повному складі). З новою інформацією про брейк-данс приїжджають Bad Balance (з Європи), брати Мерзлікін (Jam Style), а зі Штатів - DJ Сокира (Da Boogie Crew). У Москві з'являються перші танцювальні школи. Навесні 1997 року, в Москві проходить фестиваль "Екстрім-97", куди в якості гостей приїжджає відома німецька команда Flying Steps.
Літо 1998 року - третя хвиля. На каналі на букву "М" з'являється відео "Ви хотіли паті" (Jam Style & Da Boogie Crew). Третя хвиля виявилася найпотужнішою: про брейк-данс чутно по ящику і приймачу, натовпи людей бажають займатися! Величезна кількість нових сильних і песпектівних команд: Wild Baby Crew, Battle Moves, Life Span, "Свій вибір", Aliens та інші. 31 серпня 2001. У Москві проходить відбірковий тур The Battle of the Year для Росії, Балтії та країн СНД. Росія вперше офіційно їде на міжнародний чемпіонат.

1.3.6. Розвиток джазу і північно-американська негритянська музика

Менш ніж за століття з неясних народних традицій негритянського розважального музикування розвинулася дивовижна американська музика, звана джазом. Ця музика, нині поширена практично у всіх країнах світу, стала найбільш яскравим проявом американської культури.
Що відрізняє джаз, так це імпровізація, часто декількох музикантів одночасно. Джаз спочатку був перелом західних музичних традицій, де композитор писав музику на папері, а музиканти намагалися зробити все, щоб цю музику відтворити максимально "близько до задуму композитора". У джазової композиції початкова тема - це просто початкова точка відліку для музиканта, щоб висловитися на своєму власному соло. Темою може служити популярна пісенька або блюз, яку самі музиканти не написали, проте в процесі їхньої гри народжувалася нова п'єса, яка могла мати досить мало схожості з оригіналом. У будь-якому випадку, джазовий музикант - завжди автор того, що він грає.
Сьогодні джаз включає в себе величезну кількість стилів: від архаїчного народного блюзу, регтайма, Нью-Орлеанського джазу і діксіленда, йдучи через свінг, мейнстрім (основна течія), бі-боп і сучасний джаз до абсолютно вільних форм фрі-джазу та електронної музики.
Як і всяка професійна музична традиція, джаз бере свій початок з народних джерел. Його походження губиться у віках, але відомо, що чорні раби, насильно відірвані від рідної культури своїх предків, виробили нові форми пісні-розповіді. Чорна музика в Америці зберегла багато рис африканського музикування, такі, наприклад, як ритмічна чіткість і колективна імпровізація. Це спадок, змішалися з музикою нової батьківщини, в більшості своїй вокальної, утворило більш ніж нове звучання.
Виділимо три джерела, три складові частини, звідки розвивався джаз. Це:
1. Спірічуел і госпелз - духовні піснеспіви негрів;
2. блюз - спочатку розважальна музика, що виконується бродячими виконавцями, як правило - з текстом про нелегку життя чорних;
3. регтайм - фортепіанна танцювальна музика.

Спірічуел і госпелз

Найбільш відома форма ранньої афро-американської музики - це Спірічуел, релігійні наспіви з текстами, заснованими на Старому Завіті. Відомо, що негри практично не отримували освіти в Америці до скасування рабства, проте ж християнство їм намагалися проповідувати; для малоосвічених негрів сама концепція Старого Завіту виявилася більш доступною і зрозумілою, ніж більш складна філософія Нового Завіту. Ці чудові, зворушливі релігійні наспіви практично збереглися тільки в південних містах Сполучених Штатів. Те, що зараз багато відомих виконавців видають за цей напрям, є дуже облагородженої версією Спірічуел.
Цікаво, що більш пізніше освіта - госпелз, засноване на текстах Нового Завіту (Gospel - Євангеліє) збереглися в більш первозданному вигляді, і їх можна почути на наявних тепер записах.
Інші ранні музичні форми, що виникли до скасування рабства, включають в себе робочі пісні (work songs), а також дитячі пісні та танці, що особливо сприяло легалізації негритянської музики - система жорстко обмежувало музичну активність рабів.

Народження блюзу

Після звільнення рабів афро-американська музика почала стрімко розвиватися. Особливу роль відіграли розпродані після Громадянської Війни духові, ударні й інші інструменти, які широко використовувалися у військових оркестрах. Ці майже дармові інструменти стимулювали виникнення духових танцювальних оркестрів, а також виникнення блюзу.
Блюз, незважаючи на уявну простоту музичної форми, за своєю природою завжди виконується з нескінченними варіаціями. Він став невід'ємною частиною будь-якого із стилів джазу, але існує і в своїй оригінальній формі - таким, яким він виник.
Спочатку блюз (розважальна музика, на відміну від духовних піснеспівів госпелз і Спірічуел) виконувалася одним-двома виконавцями під акомпанемент гітари, губної гармошки, банджо або будь-якого іншого наявного інструменту. Виконавці - безробітні негри (тоді тільки чоловіки) - ходили з села в село, заробляючи своїм співом. Як правило, будь-який виконавець блюзу був також і його автором.
Зауважимо, що на відміну від російської традиції розважальної масової пісні під гітару - КСП, чорного блюзу була завжди притаманна певна самоіронія і оптимізм, незважаючи на загальне сумне, меланхолійний настрій.
Духові оркестри та регтайм

Наприкінці 1880 років практично в кожному з південних міст США були розважальні чорні духові оркестри (у той же самий час на півночі США негритянська музика була більш орієнтована на європейську традицію). Приблизно в цей час з'являється регтайм. Спочатку це була фортепіанна музика, складає автором і не передбачає ніякої імпровізації, але духові оркестри підхоплювали всякі популярні мелодії, в тому числі і регтайм, і досить широко їх виконували. Музика духових оркестрів не могла бути не імпровізаційної - в більшості своїй музиканти не знали нот.
Золотий вік регтайма припадає приблизно на 1898 - 1908 роки, але виник він раніше, а виповнюється до цих пір. Сам регтайм схожий на польку, що особливо підкреслюється акомпанементом лівої руки піаніста, а проте права настільки сильно синкоповані, що виникав ритмічний діалог. Однак регтайм практично не містив блюзових елементів.
Регтайм, особливо в популярних версіях духових оркестрів, був розвагою, орієнтованим на середній клас, і, природно, нехтувався музичним істеблішментом.
Музика, яка ще не називалася джазом (тоді вимовляли Jass, а не Jazz) зародилася в чорних робітничих кварталах південних міст США в останнє десятиліття XIX століття. Як і регтайм, ця музика насамперед була орієнтована на танці.

Епоха Джазу

Луїс Армстронг домінував на музичному обрії 20х років і фактично сформував джазовою мовою наступного десятиліття. Але й решта танцювальна музика епохи джазу була часто далека від напівграмотного брязкання банджо, що відтворює популярні пісеньки. Епоха джазу породила ціле покоління музикантів, які варилися в одному загальному казані, вчилися одне в одного, цікавилися ритмічними і ладовими новаціями, блюзом. Таким чином, досить велика кількість записаної на грамофон танцювальної музики містить воістину геніальні моменти.

Страйд і бугі-вугі

Страйд

На відміну від досить примітивної послідовності бас-акорд бас-акорд, що застосовувалася в регтайм, страйд ряснів різними прийомами акомпанементу, які в своїй комбінації давали дуже витончену фактуру. Перш за все, в лівій руці, крім баса, велася (часом в протилежному від баса напрямку) гармонійна лінія, яка в оркестрі зазвичай доручалася тромбон. Це вимагало великих рук в піаніста, щоб спокійно брати дециму і навіть ундецима - від до до фа через октаву. Втім, низькорослі піаністи виходили з положення завдяки своїй винахідливості.
Це спричинило за собою значну гармонійну революцію, тому що з'явилися проходять акорди, і сама гармонійна лінія стала багато ізиськанней. Акорди значно ускладнилися від тризвуків та їх звернень до септ-і нонаккордов та їх звернень з альтерациями. Сам акомпанемент вдавав із себе закінчену логічну лінію, на відміну від регтайма, де чергування нечисленних прийомів використовувалося довільно для деякої розмаїтості. Це пояснювалося, мабуть, тим, що майстри школи "страйд" самі, як правило, були керівниками оркестрів, і своє оркестрове мислення переносили на фортепіано.
Крім цього, на відміну від виконавців регтайма, страйд-піаністи дуже сильно і яскраво свінговалі, вводячи слухачів з допомогою одного тільки інструменту - фортепіано - в той стан "руху вперед", яке так притаманне свінгу.
Бугі-вугі
У двадцяті роки, в Чикаго розвивалася зовсім інша школа фортепіанної гри, названа бугі-вугі Принцип акомпанементу в ній будувався на повторюваних остинатних (тобто незмінних і повторюються) фігури в лівій руці. У партії правої руки зустрічаються досить складні, часто полірітміческіе (тобто з накладенням одного ритму на інший) остинатний конфігурації, кластерні (дуже складні) гармонії з блюзовими нотами. Характерними рисами бугі-вугі є насиченість брейками (зупинка супроводу в лівій руці для виходу на подальшу імпровізацію у правій) і рифами (короткі мелодичні фрази, повторення яких раз по раз нагнітає напругу). Ці прийоми знайдуть відображення в оркестровому звучанні стилю свінг і стануть першою сходинкою для рок-н-ролу.
Як правило, бугі-вугі гралися на гармонію блюзу; цей тип сольного фортепіанного музикування був найбільш популярним на вечірках. Цей стиль став національним божевіллям американців в 1939 році, після того, як три кращих представника цієї школи: Альберт Аммонс
Таким чином ... ... ... ... ... ...
Глава II. Експериментальне дослідження розвитку музичних смаків учнів початкових класів
Експериментальна робота з розвитку музичного смаку в учнів початкових класів проводилося на базі ГОУ ЗОШ № 39 м. Ставрополя серед учнів 4 «г» класу 2002-2003 навч. р.
Експеримент складався з трьох етапів: констатіруюшего, формуючого та контрольного.
2. 1 Мета і методика констатуючого експерименту
Констатуючий експеримент проводився на базі середньої освітньої школи № 39 у 4 «Г» класі, щоб встановити рівень розвитку музичного смаку в учнів.
Метою констатуючого експерименту є виявлення рівня сформованості музичного смаку у дітей молодшого шкільного віку
В експерименті брало участь 20 чоловік. Для експерименту була розроблена анкета, за результатами якої побачили, якій музиці учні віддають перевагу і привертає взагалі вона їх увагу (Додаток № 1).

Анкета для учнів 4 класів загальноосвітньої школи

1. Як Ви думаєте, що таке музика?
2. Яку музику віддаєте перевагу слухати? Чому?
3. Які музичні стилі, напрямки Вам знайомі?
4. Чи всім потрібна музика?
5. Розмовляють у Вашій родині про музику? Як часто?
6. Яку музику краще слухати в Вашій родині?
7. Чи може музика погано впливати на людину?
8. Чим відрізняється «класична» музика від «сучасної»?
9. Як Ви думаєте, яка музика популярна через кілька десятків років?
10. Чи вважаєте Ви за необхідне включати уроки музики в шкільні предмети? Що це дає?
11. Чи впливає вибір музики на характер людини, її спосіб життя?
12. Про музику яких стилів, напрямків, епох Ви розмовляєте на уроці?
13. Для чого необхідна класична музика? Що вона дає?
14. Чи вважаєте Ви за необхідне на уроці музики розмовляти про сучасну музику? Чому?
15. Хто вплинув на вибір Вашого музичного смаку?
16. Чи зуміли б Ви протистояти смаку більшості Ваших друзів і слухати тільки ту музику, яка подобається Вам одному?
17. Як Ви думаєте, чи здатна музика змінити людину? В який бік?
18. Чи думаєте Ви, що музичний смак з віком змінюється? Від чого це залежить?
19. Як Ви думаєте, чому більшість дітей віддають перевагу зарубіжну музику вітчизняною?
20. Чи вправі дорослий втручатися в музичний вибір дитини?
Так само для реалізації даної мети були підібрані наступні методики:
1. «Відкрий себе через музику».
Мета: визначити, як вперше почуте твір впливає на дитину, які викликає у нього почуття, емоції, переживання.
Суть методу: Дослідник згадує з дітьми музичні лади, призводить їм приклади мажору і мінору. Просить хлопців охарактеризувати кожен лад. Потім пропонує прослухати твір М.П. Мусоргського «Світанок на Москві-річці» (не називаючи назви) і відповісти на питання, вказані в анкеті.
Інструкція: «Хлопці, скажіть, будь ласка, чи можемо ми, не знаючи назви твору, визначити, про що хотів сказати композитор? Ви правильно зазначили. Наші почуття, думки, переживання ми можемо передати музкальной
звуками і, отриману музику, зможе зрозуміти майже кожен слухач. Зараз ми послухаємо один із творів, яке багато хто з вас раніше не чули. Я кожному роздам анкету, у якій ви, після прослуховування відповісте на питання. Я попрошу, щоб при відповіді ви не дивилися у зошиті один до одного. У кожного має бути своя думка, ви повинні бути самостійні і відобразити те, що викликало у вас прослухане твір ». У висновку хлопці висловлюють своє ставлення до музики, відповідаючи на запитання і малюючи те, що навіяло їм твір.
Дослідник ставить 5 балів, якщо учні розрізняють характер твору, лад, в якому вона написана, найближче передають музичний образ у малюнку, логічно вірно знаходять йому назву.
2 бали ставиться учням, якщо вони допустили неточності у відмінності настрою твору та співвідношення його з музичним образом.
0 балів - якщо учні не розуміють характер твору, його настрій, невірно визначають лад.
2. «В гостях у казки».
Мета: виявити рівень музичного смаку через твір учнями казки по прослуханому твору.
Суть методу: Дослідник проводить з дітьми бесіду про чарівну країну, де живуть казки, згадує з хлопцями найбільш відомих їм казкових персонажів. Розмовляють про те, що «казку можна почути без слів». Пропонує хлопцям перевтілитися в великих казкарів і на основі почутого твору («Петрушка» І. Стравінського) придумати свою дивовижну історію.
Інструкція: «Хлопці, ми з'ясували з вами, що всі люблять казки. Їх можна передавати з покоління в покоління не тільки словами, але й музичними звуками, які образно і яскраво намалюють в нашій уяві ту чи іншу чарівну картину. Багато композитори писали твори, в яких ми можемо «побачити» і хитру лисицю, і боязкого зайця, і багато-багато іншого. Але у всіх у нас уяву різне, кожен відчуває музику по-своєму. Я пропоную вам послухати твір і "побачити" в ньому свою, несхожу на інші казку. Для цього ви повинні дуже уважно вслухатися в ці чарівні звуки, а потім відбити свої думки на аркуші паперу ».
На основі «дитячих казок» дослідник робить висновок про те, як музика вплинула на внутрішній світ учнів, наскільки глибоко вони її почули і змогли передати словами.
Висока оцінка ставиться тоді, коли «мова» дітей образна, емоційна, яскрава, якщо вони найбільш точно передали задум композитора, зуміли почути незначні «деталі» твору.
Середній результат - якщо хлопці недостатньо точно змогли відчути твір, «мова» їх мало емоційна.
Низький результат - відсутність власної думки, «мова» суха, неемоційна, коротка.
3. «Море хвилюється - раз ...»
Мета: визначити в учнів здатність «вживатися» у запропонований спосіб, проникати і осмислювати його емоційний стан.
Суть завдання: Дослідник з хлопцями згадує відому всім гру «Море хвилюється - раз ...». Говорить про те, що в цю гру цікавіше буде грати, якщо її озвучити. Для цього використовуються твори з «Карнавалу тварин» К. Сен-Санса. Хлопці придумують невелику виставу.
Інструкція: «Хлопці, всім вам, напевно, відома дитяча гра« Море хвилюється - раз ... ». У ній необхідно придумати якийсь певний образ. Ось і ми з вами зараз пограємо. Але, щоб грати було цікавіше, ми будемо відображати образ, який підказує нам наша уява, а для цього нам допоможе музичний твір. Ми вже знаємо, що композитори зображують те, що вони бачать і чують, і все це можемо через їх творіння зрозуміти і ми. Я пропоную вам послухати невідому вам музику і подумати, що ж хотів показати композитор, а потім скласти невеликий музичний спектакль ». Учні слухають твори, а потім інсценують їх.
Дослідник дивиться, наскільки емоційно і яскраво хлопці передають запропонований ним образ, як вони відчувають музику і вміють її передати в русі.
Високий оцінка ставиться, якщо учні точно передали задуманий композитором образ, виразне його продемонстрували, відчули настрій і характер твору.
Середня оцінка - якщо були якісь неточності у передачі образу, дитина була малоемоційна, соромився.
Низька оцінка - якщо дитина не вірно визначив задуманий композитором персонаж, був скований у прояві емоцій.
Якісний аналіз змісту кожної методики здійснюється за наступними критеріями розвитку музичного смаку, представлених в таблиці № 1.
Таблиця № 1
Критерії розвитку музичного смаку

Високий	Середній	Низький
- Адекватне, естетично-активна досягнення «пікового стану» в музиці, єдність емоційного та інтелектуального; - Точне змістовне висловлювання дитиною про сприймаються музичних образах; - Прагнення сприймати світ музичних образів через взаємозв'язок зі своїм світом; - Вміння аналізувати, порівнювати музичні образи, встановлювати причинно-наслідкові зв'язки між засобами музичної виразності і емоційним змістом музики; - Вміння оцінювати сам процес і результат сприйняття музичних образів, здатність уявляти, ототожнювати себе з музичним образом.	- Досягнення «пікового» стану в музиці і розуміння музичних образів має не завжди адекватний характер; - Усвідомлено сприймають прості, статичні, однозначні музичні образи; - Прагнення і готовність сприймати світ музичних образів і свій емоційний світ; - Аналіз музичного образу відбувається за зразком, відсутня самостійність; - Вміння встановлювати причинно-наслідкові зв'язки між музичним образом і засобами виразності; - При інтерпретації емоційного змісту музичного образу мова не розгорнута, орієнтована на стандарт.	- Відсутній інтерес до сприйняття музичного образу; - Сприйняття і розуміння музичних образів неадекватне, цілісне, нерозчленованим; - Спосіб аналізу змісту музичного образу і засобів виразності характеризується нестійкістю; - У пізнанні музичних образів мовні комунікації носять особистісний характер, але неадекватні змісту творів і мають слабку емоційну забарвленість.

У процесі проведення констатуючого експерименту були отримані такі дані:
Діти з високим рівнем музичного смаку характеризуються цілеспрямованістю, адекватним естетично-активним сприйняттям музики, єдністю емоційного та інтелектуального, дифференцированностью слухових відчуттів. Внутрішній слух і музичні уявлення пов'язані зі здатністю чути і переживати музику про себе. Хлопці сприймають, усвідомлюють виразні засоби музики, розуміють, за допомогою чого композитор досягає естетичний ефект впливу музичного образу на слухача, встановлюють причинно-наслідкові зв'язки між емоційним змістом музичного образу і засобами виразності. Так, наприклад, у методиці «Відкрий себе через музику» Женя Ч. абсолютно точно визначив лад твору, практично дослівно дав йому назву, передав почуте в своєму малюнку у відповідних настроєм музики фарбах. Таким чином можна зробити висновок, що він відчув твір, побачив всю його глибину. Більшість же хлопців були не так точні у відповідях. Бачилося, що музика торкнулася їх лише поверхово. Що ж до результатів проведення двох інших методик, то можна сказати що вони не дуже радісні. Діти просто не вміють вслухатися в музичні звуки, знаходити в них ті почуття, переживання, які заклав композитор. Більшість з учнів копіюють відповіді інших, не маючи часом своєї власної думки.
Результати констатуючого експерименту можна позначити в таблиці № 2 і у вигляді діаграми (Додаток 2).
Таблиця № 2
Результати констатуючого експерименту

Високий рівень	Середній рівень	Низький рівень
10%	20%	70%

Результати констатуючого експерименту можна представити у вигляді діаграми. (Додаток № 2)
Висновок: смаки дітей дуже різноманітні, вони охоплюють стилі та напрямки як сучасної, так і класичної музики. Але не у всіх дітей розвинений музичний смак. Багато хто не знають яка музика їм подобається, не знають про те, яка музика взагалі існує, яку роль відіграє в житті людини. Тому необхідно провести формуючий експеримент, де познайомити дітей з розвитком музики та її геніальними творцями.
II.2 Характеристика формуючого експерименту
На підставі висновку за констатирующем експерименту ми підготували формуючий експеримент. Для цього розробили уроки музики, які допомогли дітям зацікавитися історією музики, творчістю композиторів-класиків.

Урок 1. «Подорож у світ музики»

Мета: познайомити учнів з різними музичними напрямками: від витоків музики до сучасних ритмів.
Завдання:
§ формування музичної культури учнів;
§ розвиток емоційної сфери дітей, виховання їх музичного, естетичного смаку, інтересу і любові до музики, бажання слухати і виконувати її;
§ залучення учнів до золотого фонду народної, класичної та сучасної музики.
Зміст уроку:
- Сьогодні наш урок пройде незвично. Ми зробимо подорож у Світ Музики, в країну музичний і познайомимося з музикою різних епох, часів. Ця чудова країна. У ній усе чудово, красиво. У цій країні живе музика. Вона дуже різноманітна і, як усе в цій країні, прекрасна, пронизана різноманітною гамою фарб, відтінків, почуттів. Щоб наша подорож пройшло цікаво, я пропоную вам вирушити в цю країну на машині часу. Шлях нам чекає довгий. Ми побуваємо з вами в гостях у музики різних епох, стилів, напрямків. Але, перш ніж ми вирушимо у подорож, я хотів би дізнатися, яка музика подобається вам. Бути може нам вдасться зустрітися і з нею. (...).
- Мені б хотілося поставити ще одне питання. А звідки відбулася музика? Хто-небудь знає? (...). Мені дуже сподобалися ваші міркування. А давайте за допомогою машини часу дізнаємося, звідки ж насправді бере свій початок музика, де її витоки. Отже, якщо ви готові почати подорож, то в дорогу!
Вставати нікуди не треба, будемо все сидіти на своїх місцях. Необхідно лише закрити очі і уявити образно, куди ж перенесе нас машина часу. Отже, давайте закриємо очі і полетимо. (Учні закривають очі, звучить музика "перельоту» - «Інтродукція» А. Губіна. Під час «польоту» виставляється бутафорське дерево, різні первісні інструменти).
- Ось ми і прилетіли. Напевно тут ми зможемо знайти відповідь на наше питання. Хлопці, подивіться, що у нас тут. Це дерево, але яке воно дивне, які незвичайні на ньому листочки (беруся за один з листків, він відривається). Яка жалість, лист відірвався. Ой, а адже тут щось написано: «Походження музики». Напевно тут і криється вся розгадка. Давайте ж дізнаємося про виникнення музики (розповідаю зміст листочка. Під час розповіді звучить спокійна музика).
«Про те, як виникла музика, схоже, нерідко замислювалися і наші далекі предки. В давнину було складено чимало легенд про походження музики. Її винахід не можна приписати якомусь одній конкретній людині. Перша музика - це вітер. Матері, наспівуючи заколисували своїх дітей, воїни надихали себе перед битвою і лякали ворогів войовничими піснями-клич. Хлопці, а ви знаєте як кричали індіанці, виступаючи в бій. Давайте всі разом спробуємо, тільки не дуже голосно (дітям дозволяється покричати). Коли хтось помирав, його близькі висловлювали своє горе в піснях-плачах.
У музиці древніх людей було багато звуконаслідування. У своїх піснях первісні люди прагнули передати звуки навколишнього світу - крики птахів, диких звірів (звучить аудіо запис з голосами природи). Поступово люди навчилися відбирати з величезної кількості звуків найбільш музичні, навчилися усвідомлювати їх відмінність по висоті.
Первісні люди навчилися супроводжувати пісні ударами в долоні або прітопиваніем. Давайте і ми з вами спробуємо поплескати як наші далекі предки (виконання різних ударів для отримання різноманітних звуків). Але незабаром вони помітили, що шматки дерева або камені при ударі видавали значно більш гучні і головне - різноманітні звуки. Вони власне і стали першими музичними інструментами. Люди помітили, що туго натягнута тятива лука, якщо її зачепити пальцем, видавала музичний звук. Потім навчилися отримувати мелодійний свист з стебла очерету ».
- Так, дуже цікаво листочок нам розповів про витоки музики, її виникненні. Що вам найбільше запам'яталося? (...). Хлопці, а вам цікаво, що ж було потім, як же далі розвивалася музика? (...) Тоді я пропоную знову вирушити в дорогу. Не забувайте, що потрібно закрити очі, тільки чесно, а то по дорозі хтось загубиться (закривають очі. Музика «пересування». У цей час декорації змінюються, але дерево залишається).
- Ось і знову ми прилетіли. Куди ж на цей раз? Дивіться все ніби змінилося, але це дерево, як і раніше тут. Хлопці, може хтось здогадався, куди ми потрапили? (...). Я думаю, що ми потрапили з вами в стародавній світ, а саме - до Стародавньої Греції. Може бути чарівне дерево і цього разу нам допоможе? (Відриваю листок). Тут теж написана дивовижна історія (розповідаю):
«Давні греки вважали музику великим даром богів, бога Аполлона, покровителя мистецтв і особливо музики. У Стародавній Греції музика звучала і в театральних виставах, і на народних святах, і просто в повсякденному житті. Як відомо, давньогрецькі поети не читали свої вірші, а співали їх, акомпануючи собі на лірі і кіфарі, знаменитих предків сучасної арфи. Хлопці, а хто-небудь з вас знає про ці музичних інструментах? (...) Існує багато легенд, але найбільш відома про Орфея. Подивіться: ось ліра, на якій грав цей герой (показую макет). Орфей - син Аполлона та музи Калліони. Своїм співом і грою на лірі заспокоював хвилі, пересував скелі і дерева, поборював лютих звірів і очищав людей від ворожнечі і злості. Але і йому не вдалося вивести з царства мертвих загиблу Еврідіку. З тих пір плач про неї наповнив його музику.
Нетерпимий до суму Деонис і його супутниці - вакханки пробували заманити Орфея в свої вакханалії. Зазнавши невдачі, захотіли розправитися з ним. Але, покірні його музиці, ні каміння, ні палиці не завдавали Орфею шкоди.
Лише заглушивши звуки його голосу і його ліри шумом і вереском, ревом труб і гуркотом барабанів, вони розтерзали Орфея. Природа довго і невтішно ридала ... »
- Так, це дуже сумна історія. Але з неї видно, що всі дуже любили музику, слухали її. Вона надавала сприятливий вплив на добрі, відкриті серця.
До нашого часу з музики Стародавньої Греції дійшло лише кілька уривків пісень і гімнів, але і це велика удача (звучить уривок «На березі таємному»). Ось що було написано на цьому аркуші. А що ж далі, адже розвиток музики на цьому не закінчується? Щоб дізнатися ще щось, потрібно знову вирушити в дорогу (закриваємо очі, «переміщаємося» в іншу епоху).
- Знову нас машина часу кудись привезла. І знову все те ж дерево, але обстановка зовсім інша. З'явився якийсь портрет, свічка, перо. Звідки вони, і чий це портрет? У яку епоху ми потрапили на цей раз? (...) Так, це портрет Моцарта, а потрапили ми з вами в епоху класичної музики. А хто знає, чому ця музика називається класичної? (...) Класична музика - це музика найкраща, що представляє собою зразок. А найбільш яскравим представником цієї епохи є Вольфганг Амадей Моцарт.
Народився він в Австрії, в м. Зальцбург. Музичні здібності проявилися в Моцарта в 3 роки. У 6 років він вже складав невеликі сонати для клавесина, імпровізував на цьому інструменті. Батько Моцарта був дуже здивований і вирішив показати дітей знаті при імператорських і королівських дворах і в великих містах. Усі захоплювалися талантом маленького Моцарта. Юний музикант постійно удосконалював свою майстерність. Він старанно займається грою на скрипці, органі, клавесині, вчитися мистецтву написання музики, вивчає іноземні мови. Величезне значення для розвитку творчості Моцарта мала його дворічна поїздка до Італії. У 1769 р. Моцарт був призначений придворним музикантом у Зайсбургского архієпископа. Архієпископ і придворні не дуже шанобливо ставилися до Моцарта і він подав у відставку. До 14 років Моцартом написано багато творів. Він щодня працював з ранку до ночі. Моцарт написав 626 творів. Саме останнє - «Реквієм». Він його не закінчив. Помер він на 36 році життя. Похорон його були бідними, похований у спільній могилі. У всіх жанрах, в яких працював Моцарт, він залишив шедеври. Він справді був великим композитором.
Зараз я вам поставлю платівку і ми послухаємо уривок з 40 симфонії Моцарта. Я думаю, що це твір вам знайоме, ви його де-небудь чули, але послухайте ще раз (слухаємо).
Хлопці, так як ми з вами перебуваємо в гостях у класичної музики, давайте згадаємо і інших композиторів-класиків, хто ще писав класичну музику? (...)
Ось і тут ми дізналися багато нового і цікавого. Адже як різноманітна музика! Давайте знову відправимося в дорогу і дізнаємося, що ж було далі? (Закриваємо очі, музика «пересування». Змінюються «декорації» - вішаються портрети групи «Бітлз»).
- Хлопці, мені здається, що ми з вами вже наближаємося і до нашого часу. Подивіться, хто дізнався про цю відому ліверпульську четвірку? (...). Так, це група «Бітлз» (йде розповідь про цю групу, надання одного з їхніх творів - «Вчора»).
Хлопці, а які музичні стилі існують зараз? Яку ви знаєте музику? (...) Існує дуже багато стилів: і рок, і метал, і хард-рок, і поп-музика, і багато-багато іншого. А як ви думаєте, музика змінилася з тих пір, як вона зародилася? А яка музика у нас зараз? А яких ви знаєте виконавців і групи? Так, їх дуже багато. А давайте трохи подвигаемся під одну з відомих вам пісень, а яку, ви мені зараз скажете (по декількох акордів хлопці відгадують пісню «Хмари» А. Губіна).
Аналіз уроку: хлопці, давайте згадаємо, де ми сьогодні були і що слухали (...). Так, ми простежили розвиток музики з її зародження і до наших днів. Я думаючи, що кожен з вас відзначив для себе щось важливе з нашої подорожі, можливо вперше дізнався про музику.
Урок 2. Композитори нашого століття.
Мета: прилучити до світової музичної культури через знайомство з композиторами - класиками і їх музику, розвивати музичний смак.
Завдання:
§ формування музичної культури учнів;
§ розвиток емоційної сфери дітей, виховання їх музичного, естетичного смаку, інтересу і любові до музики, бажання слухати і виконувати її.
Зміст уроку:
Композитори були у всі часи, з тих пір, як живуть люди. Було багато невідомих, тих, хто написав пісні, знайомі кожному, які тепер називаються народними. Це дуже старі пісні. Є композитори, яких ми пам'ятаємо і шануємо, хоча ці композитори жили дуже давно. І в наш час, в нашій країні праця композитора почесна, імена творців музики відомі всьому народові.
Композитори пишуть про наше життя, про героїчну працю і військові подвиги народу. Багато композитори пишуть музику і для дітей.
Писати музику, хлопці, дуже складно. А складати її для вас ще складніше. А чому? Та тому, що у дорослих зовсім інші заняття і турботи, ніж у вас. Дорослі знають, з чого роблять ляльку, але заколисати і покласти її в ліжко не можуть. Дорослі вміють готувати смачні речі, можуть зробити іграшки, одяг, але не всі дорослі розуміють, як у лісі може жити Баба - Яга, як Дід Мороз може приносити в ніч під Новий рік подарунки. Для того, щоб написати для вас музику чи вірші, дорослому потрібно згадати дитинство.
Багато наших композитори пишуть гарну дитячу музику.
Перші твори, які ми будемо слухати, написані композитором С.С. Прокоф'євим. Чудовий радянський композитор Прокоф'єв писав музику з самого раннього дитинства. Перші твори написані ним в 4 року.
Дитинство Прокоф'єва пройшло в селі на півдні, недалеко від Азовського моря. Зрідка його возив у великі міста - Харків, Москву. І ось одного разу в Москві мама повела його на музичний театр - оперу. Театр вразив Сергійка. Кілька днів він ходив сам не свій, нічого не бачачи перед собою, хоч очі були так широко розкриті. Ніби він тільки що побачив Колдуна чи Змія-Горинича. Під цим враженням він повертається додому і починає писати оперу. Спектаклі виконувалися будинку самим Сергієм і рідними, а глядачами були гості. Так вже з дитинства любов до театру була дуже сильною, і композитор часто писав потім музику для театру, а згодом і для кіно. Ось ми зараз і послухаємо твори С.С. Прокоф'єва, які називаються «Марш» і «Казочка». (Додаток № 3).
Коли людина плаче, то на очі навертаються сльози. Ну, а коли сміється? Як ніби нічого, тільки рот відкривається - посміхається, значить. Насправді у нас є смішинки. Смішинки невидимі, як повітря. Вони схожі на вузенькі промінчики боязкого весняного сонця. Чи завжди бувають смішинки? Не завжди. Ось вдарив забіяка дівчисько й сміється. А смішинок немає. І сміх не добрий, кислий, як гниле яблуко. А казковий Ванюша - дурник, коли на печі по місту їде до царя, смішний, та душа в нього добра. І ми весело сміємося і радіємо за свого улюбленого героя. Смішинки так і розпирають наші складки губ, рот, щоки. І на обличчі у нас з'являється усмішка.
Музикою можна передати посмішку, веселий настрій, а можна і смішинки. Ось «вальс - жарт» Д.Д. Шостаковича і вийшов схожим на смішинки. Послухайте його. (Додаток 4).
На параді солдати йдуть під марш. У дорозі туристи заспівують похідну пісню. Робота йде на лад завдяки пісні. У свята співають і танцюють. Весела музика звучить на урочистостях. Послухайте «Польку» Д.Д. Шостаковича. (Додаток 5).
На цьому закінчується наша бесіда і музиці радянський композиторів.
Урок 3. Творчість П.І. Чайковського
Мета: прищеплювати любов до творчості П.І. Чайковського, розвивати музичний смак
Завдання:
· Виховувати слухацьку культуру
· Розвивати співочі навички
· Продовжувати вчити розрізняти характер музики.
Зміст уроку:
Вхід в клас під «Неаполітанську пісеньку» П.І. Чайковського.
- Ви помітили під яку музику ви увійшли в клас? Як називається ця п'єса і хто її композитор? (Відповіді).
П.І. Чайковський геніальний російський композитор. Він писав багато п'єс для дітей. «Неаполітанська пісенька» написана спеціально для «Дитячого альбому», який П.І. Чайковський написав для юних музикантів.
Написати цей альбом П.І. Чайковський вирішив, коли повернувся з - за кордону на Батьківщину. Він приїхав на Україні погостювати у своєї сестри Олександри Іванівну Давидової. Композитор дуже любив грати зі своїми племінниками, в Олександри Іванівни їх було 7. П.І. Чайковський придумував для них свята з вогнищами і феєрверками, танцями і сам акомпанував собі на роялі. Тоді - то він і вирішив написати цілу збірку п'єс для юних музикантів. Цей збірник він назвав «Дитячий альбом». Тут зустрічаються картини природи і назви дитячих ігор, казкові персонажі і танцювальні мелодії.
Отже, хлопці!
Бом - бом, бом - бом;
Відкривається альбом,
Те веселий, то сумний
Не простий, а музичний!
Ілюстрація на дошці.
- Хлопці! Подивіться: дівчинка тримає ляльку.
Послухайте музику, а потім дайте їй назву, а картинка допоможе вам у цьому.
Хвороба ляльки (Додаток 6)
Давайте перегорнемо наступну сторінку нашого альбому. Подивіться, хлопці, яка гарна дама, а поруч з нею кавалер. Як ви думаєте, що вони роблять? (Танцюють). А що? (Вальс). Правильно, це вальс. На початку XX століття вальс був дуже популярним, його танцювали скрізь: вдома, на вулиці, в парках, на балах. Влітку організовували спеціальні тінисті сади і щоб залучити танцюючих привозили жирафів. Ошатні дами і кавалери кружляли у вальсі. Ось послухайте який вальс написав П.І. Чайковський.
Вальс (Додаток 7)
А який ще танець танцювали на балах? (Мазурку). Мазурка - польський танець. Їм відкривали бали. Послухайте, яку мазурку склав П.І. Чайковський.
Мазурка (Додаток 8)
Давайте перегорнемо наступну сторінку нашого «Дитячого альбому». Хлопці! Це солдати! Який твір є у П.І. Чайковського? (Марш дерев'яних солдатиків).
Давайте уявимо, що ви солдатики. Дівчата візьмуть барабани в руки, а хлопчики будуть марширувати на місці. Тільки треба марширувати як іграшкові солдатики. Хто скаже як? (Відповіді).
Марш дерев'яних солдатиків (Додаток 9)
Молодці! Я перевертаю наступну сторінку нашого альбому. Як ви думаєте, що це? (Відповіді). Давайте послухаємо музику. Вона допоможе нам відгадати.
Солодка мрія (Додаток 10)
А що написано на наступній сторінці нашого, альбому вам підкаже музика. А я вам підкажу, що це казковий персонаж.
Баба - яга (Додаток 11)
Відповіді дітей. Повторне прослуховування.
Урок 4. Видатний композитор - М. І. Глінка.
Мета: прилучити до світової музичної культури через знайомство з композиторами - класиками і їх музику, розвивати музичний смак.
Завдання:
§ формувати музичну культуру учнів;
§ розвивати емоційну сферу дітей, виховувати музичний, естетичний смак, інтерес і любов до музики, бажання слухати і виконувати її.
Зміст уроку:
Ім'я Михайла Івановича Глінки знайоме кожному російській людині. Його музику люблять, уважно слухають. Вона звучить по всюди: на святкових урочистостях, в домашньому колі, в театрі і по радіо. Глінка жив давно. Народився він незадовго перед війною з грізним Наполеоном, яку потім назвали Вітчизняною війною. Завоювавши підлогу - Європи, Наполеон прийшов до Росії з величезним військом. Назустріч йому піднявся веся наш народ, загарбник не встояв перед такою могутньою силою. Багато героїв віддало життя за батьківщину, надовго війна залишилася в пам'яті російських людей. І М. І. Глінка, будучи вже дорослим, згадував про війну і багатьох героях її, простих, скромних патріотів.
Перший час Міша Глінка жив у селі, де виховувався у своєї бабусі. Всіх забав було у Миші вдосталь. І іграшки в нього були якісь тільки захоче, і гуляти можна було будь-де. Але Міша не задовольнявся цим. У нього були свої примхи і витівки. У будинку іноді грав приїжджий оркестр. Справжній великий оркестр. У цей оркестр і унадився Міша. Те послухає його в залі, то до музикантів забереться, а то й сам грати на інструментах підкласти. Скоро Міша навчився грати на скрипці. Сам сідав в оркестр і грав з музикантами. Музика дуже займала Мишу. Часто він тікав з дому послухати спів селян. Співали зазвичай в полі. Протяжні, тягучі звуки пісні неслися в далечінь, викликаючи яке - щось незвідане відчуття. Але найбільше Міша любив слухати няніни пісні. Сидить Міша заворожений, не дихне. Багато няніних пісень запам'яталося йому на все життя.