Зміст
Введення
1. Що таке музика
1.1 Поняття музики
2. Історія музики
2.1 Походження музики
2.2 Етапи розвитку музики
2.3 Історія російської музики
3. Жанри музики
3.1 Причини появи нових жанрів
3.2 Стилі музики
Висновок
Список використаної літератури
Введення
Мистецтво існує в конкретних своїх видах: література, театр, графіка, живопис, музика, архітектура, кіно, фотографія і т.д. Причина поділу мистецтва на види - різноманіття типів суспільної практики людини у сфері художнього освоєння світу, що спирається на естетичне різноманіття дійсності. На основі всесвітньо-історичної практики виникло багатство людського духу, розвинулися естетичні почуття людини, його музичне вухо, око, що вміє насолоджуватися красою.
У всі часи люди шукали і знаходили всілякі способи самовираження - від наскельних малюнків до сучасних складних комп'ютерних програм та іншого. Мистецтво супроводжувало людство на всіх щаблях його розвитку і приймало всілякі форми. І однією з них є музика - вид творчості, що зародився в стародавні часи, хто витерпить величезні зміни засобів та видів, і по праву вважається одним з найбільш улюблених і значущих для людини.
Кожен вид мистецтва специфічно впливає на формування людини. Соціологічні дослідження показують, що в сучасній соціокультурній ситуації музика все більше висувається на передній план у структурі художніх уподобань молоді. Вона «обганяє» інші види мистецтва за «обсягом» споживання, а також безпосередньо чуттєвим особливостям впливу.
Мета даної роботи полягає в тому, щоб розглянути музику, як вид мистецтва.
Для цього ми розглянемо:
· Що таке музика
· Познайомимося з історією музики
· Розглянемо Музичні жанри
1. Що таке музика
1.1 Поняття музики
Музика виникла на нижчих щаблях суспільного розвитку, виконуючи переважно утилітарну роль - ритуальну, ритмічну у трудовій діяльності, сприяючи при цьому об'єднанню людей в єдиному процесі. Надалі музика стала нерозривно пов'язана з літературою. Поетичні твори - оповіді, балади та ін інтонувати мелодію, наспівували. Музика перебувала і в синтезі з танцем.
«Музика - вид мистецтва, розрахований на слухове сприйняття і відрізняється прямим і особливо активною дією на почуття людей» [1], - так звучить одне з визначень.
Головним виразним засобом тут є звук і інші сторони і компоненти музичної форми: мелодія, поліфонія, гармонія, ритм, композиція і т.п. Музика створює звуки особливого властивості, яких немає в природі і які не існують поза музикою. Музичний звук має інтонаційну природу. Першим музичним інструментом був голос.
Основа музики - ритм і гармонія, у своєму поєднанні дає мелодію. На відміну від усіх видів образотворчого і словесного мистецтв, музика не відтворює видимих картин світу і позбавлена смислової конкретності. Багато видатні діячі культури - і не тільки композитори - з усіх видів мистецтва віддавали перевагу саме музиці.
У порівнянні з творами всіх видів просторових мистецтв, музичні твори практично не знищувані, якщо не вважати їх далеко не обов'язковою нотного запису, вони існують не в матеріальній, предметній, а в ідеальній формі. Їх не можна помацати, підробити, як це трапляється з картинами та скульптурами, хоча і можна вкрасти, давши своє авторство чужого твору.
На відміну від образотворчого мистецтва в музиці відіграють величезну роль інші мистецтвознавчі категорії - інтерпретація та виконавство.
У віртуозно виконаного музичного твору не один, як у живописі, а декілька "авторів", якщо вважати композитора, виконавця, а також можливості використовуваних інструментів.
У музичній творчості, якщо мати на увазі і його виконавську бік, більше, ніж в інших видах первинних мистецтв, присутній колективність, тому поняття фольклору асоціюється, перш за все, з музикою, піснею та віршами, також пов'язаними з музичним початком. Таким чином, відмінність музики від більшості видів мистецтв полягає в тому, що вона по суті своїй є процесом. [2]
2. Історія музики
2.1 Походження музики
У Стародавній Греції виникла легенда про Пане і прекрасною німфі Сірінг. У ній пояснюється поява багатостовбурний Свисткова флейти, що зустрічається у багатьох народів світу. Бог Пан, який мав цапиний вигляд, погнавшись за прекрасною німфою, втратив її біля берега річки і вирізав солодкозвучну сопілка з прибережного очерету. У цей самий очерет була перетворена богами злякавшись його прекрасна Сирінга. Інший давньогрецький міф розповідає про Орфея, прекрасному співака, підкорила злих фурій, які пропустили його в царство тіней Аїд. Відомо, що своїм співом і грою на лірі (кіфарі) Орфей міг оживляти каміння та дерева. Музикою і танцем відрізнялися також святкові свити бога Діоніса. У музичній іконографії є чимало дионисийских сцен, де поряд із вином і стравами в його оточенні зображені грають на музичних інструментах. [3]
Після вивчення музики в різних народів, найперших витоків фольклора найдавніших племен, було висунуто кілька наукових гіпотез, що пояснюють походження музики. За версією однієї з них, музика як вид мистецтва виникла на основі танцю, що спирається на ритм. Підтверджують цю теорію культура Африки, Азії і Латинської Америки, де в музиці чільна роль належить ритму, рухливості, а найважливіші інструменти - ударні.
За іншою гіпотезою першість також віддається ритму, який лежав в основі появи музики. Остання ж вважається результатом трудової діяльності людини в колективі, під час узгоджених фізичних дій в процесі спільної праці. [4]
Теорія Ч. Дарвіна, яка виходить із природного відбору і виживання найбільш пристосованих організмів, давала можливість припускати, що музика з'явилася як особлива форма живої природи, як звуко інтонаційне суперництво в любові самців (хто з них голосистіші, хто гарніше).
«Лінгвістична» теорія походження музики розглядає інтонаційні засади музики, зв'язок її з промовою. Людині необхідна була подача звукових сигналів, що привело його до того, що з немилозвучних, нестійких по висоті звуків голос став фіксувати тон на одній і тій же висоті, потім закріплювати певні інтервали між різними тонами (розрізняти інтервали більш благозвучні, в першу чергу октаву, яка сприймалася як злиття) і повторювати короткі мотиви. Велику роль в осмисленні музичних явищ грала здатність людини транспонувати один і той же мотив, наспів. При цьому засобами для вилучення звучань були як голос, так і музичний інструмент.
Ритм брав участь у процесі інтонування (інтонаційний ритм) і допомагав виділяти найбільш значущі для наспіву тони, розмічав цезури, сприяв формуванню ладів [5].
2.2 Етапи розвитку музики
За всю історію існування музики, виділяють три етапи. Перший етап - фольклор. У Європі він найчастіше ототожнюється з такими поняттями як «народний», «примітивний». Тут не ведеться підрозділи на виконавця і слухача - все поєднують обидві ці ролі і є учасниками деякого загального дійства, ритуалу.
Він нерозривно пов'язаний з побутом людини, полюванням, святами, іграми. Спів і звучання тут паралельні, а в первісних племенах він був невіддільний і від руху.
Ми більше звикли до селянського музичного фольклору, тому що в Росії він найбільш виражений і зберігся. Але крім цього існує і міський його тип, характерний для Європи. Це вже більш професійний тип і характерний він для розвинених співтовариств. У цілому ж для фольклору характерна деяка неорганізованість - тексти ніде не фіксуються, навчань фактично немає, а ті які й існують, передаються через уста, від покоління до покоління. [6]
У другій стадії немає одного точної назви, визначається вона по-різному: «усна музична література», музика «традиційна» або «усно-професійна». Тут, на відміну від фольклору, яскраво виражено прагнення фіксації і збереження музичного тексту, зазвичай за допомогою слова, але не в процесі розпивання безіменних народних віршів, а за допомогою спеціально складених віршів, вдаючись до поезії. На перший план висувається саме якісна складова музики, мистецтво і техніка її написання, що веде до появи запам'ятовуються канонізованих структур, музичних моделей у вигляді особливих метрів і ладів.
Яскравим прикладом цього типу музики є музика в Стародавній Греції («мусичне мистецтво» - синкретичне явище, яке об'єднувало поезію, музику і танець), ісламська музика (середньовічна музика арабів і персів). На цій стадії формуються перші навчання про музику, пишуться музичні трактати.
На третьому етапі виключається усне спілкування і замінюється письмовою формою. З'являється чіткий поділ на три складові: композитор, виконавець і слухач, що характерно і для сучасного сприйняття. Цим музика зобов'язана Європі. Саме тут першими підкреслюють необхідність грати музику, не вдаючись до допомоги її автора. Якщо раніше кожен композитор записував створену їм мелодію мовою, зрозумілою для себе, і, відповідно, ніхто не міг її виконати без його консультацій, то зараз же почалося формування універсальної форми запису, зрозумілою як для запису, так і для читання абсолютно всім.
Тут же відбувається відділення виконавчого мистецтва і становлення його як окремої сфери, причому вкрай важливою в реалізації музики. З'являється окрема категорія виконавців, які зовсім не зобов'язані бути композиторами, а повинні просто у вміти відтворювати музику, написану іншими, по нотному запису. Але тут же виникає яскраво виражена потреба в індивідуальних трактуванні музики, варіюванні та аранжуванні музичного твору, записаного нотним мовою. Тут починають звертати увагу на наявність у музикантів власного стилю, манери гри і в цілому уявлення про те, як повинна звучати та або інша композиція. Це зробило музику більш різноманітною і «слушательной», почалася оцінка музикантів, поділ їх за особистим сприйняття - подобається чи не подобається, манера цього виконавця мені більше до душі і т.д.
2.3 Історія російської музики
Епоху Середньовіччя поділяють на 3 етапи: до монголо-татарської навали (11-13 ст.), Московський період (14 - початок 17 ст.), Епоха перелому (від воцаріння династії Романових у 1613 до царювання Петра I, початок 18 ст.) . Потім йде 18 ст., Який часто ділять на два періоди - послепетровскій, дуже схильний до сильним іноземним віянням, і єкатерининський (остання третина століття), в ході якого зароджуються ознаки національної музичної школи. Перша чверть 19 ст. - Епоху раннього романтизму, нерідко цей час називають також «доглінкінской» або «предклассической» епохою. З появою опер М. І. Глінки (кінець 1830-х - 1840-і роки) починається класичний період російської музики, що досягає розквіту в 1860-1880-і роки. З середини 1890-х років і до 1917 (другу дату правильніше відсунути трохи далі, до середини або навіть другій половині 1920-х років) поступово розгортається новий етап, зазначений спочатку розвитком стилю «модерн», а потім інших нових напрямків, які можна узагальнити термінами «футуризм», «конструктивізм» і т.д. В історії російської музики радянського періоду виділяють довоєнний і післявоєнний періоди, а у другому з них позначають як рубіж початок 1960-х років. З кінця 1980-х років починається новий, сучасний період російського музичного мистецтва.
Отже, до 17 ст. існував єдиний вид професійного музичного мистецтва - церковний спів. У 15-16 ст. цей музичний вид був цілком самостійний, але з приходом християнства у Візантії також була запозичена й система співу - осмогласие, а також спосіб його записи. Отриманими з Візантії і стійкими принципами залишалися: строго вокальний характер церковної творчості - православний канон виключає вживання яких би то не було інструментів; найтісніший зв'язок слова та звуку; плавність мелодичного руху; рядкове будова цілого (тобто музична форма виступала як похідна від мовної , поетичної).
З середини 17 ст. настає переломний момент в російській церковно-співочому мистецтві: зміцнюється новий стиль хорового багатоголосся - партесом, привезений до Москви співаками українського, білоруського та польського походження і заснований на нормах західноєвропейського гармонійного листи. Одночасно починає переважати пятилинейная нотація, хоча досить довго ще зберігається крюкові лист (старообрядці користуються ним до цього дня). Дуже популярною стає духовна псальма (кант), потім з'являються і світські хорові канти - історичні, військові, любовні, жартівливі.
У 18 ст. Після реформ Петра I відбувається зміна акценту з церковної пісні на світське мистецтво, орієнтоване на західний аналог з музикуванням не тільки вокальним, а й інструментальним. Найбільший вплив тут виявляється іноземними музикантами, які працювали при дворі: Франческо Арайя, Джузеппе Сарті, Бальдассаре Галуппі, Томмазо Траетта, Джованні Паїзієлло, Доменіко Чимароза та ін У другій половині 18 ст. в Росії існувало кілька кріпосних театрів, з'явилися перші публічні театри в Москві та Петербурзі, де ставилися драми, опери і балети, з російськими співаками і танцівниками. Оперні вистави давалися і у деяких провінційних містах; з 1770 починають влаштовуватися публічні концерти. У ці роки російськими активно створюються комічні опери на західний манер, але з місцевими побутовими сюжетами. У них вводяться народні пісні. До кінця століття популярним жанром стає духовний концерт a cappella на вільно обраний текст церковнослов'янською мовою - у службі подібні композиції зайняли місце причетних віршів; виконувалися вони також окремо, в концертах (Д. С. Бортнянський, М. С. Березовський, С.А . Дегтярьов та ін) [7]
Становлення російської композиторської школи відбувається до середини 19 ст., Вона перестає бути замкнутою і невідомою, виходячи на світову арену. У 19 ст. її головними рисами, в оцінці західноєвропейської критики, були: опора на багатий і свіжий фольклорний музичний матеріал «євразійського» типу, що поєднує в собі «східні» і «західні» елементи; принципово нові форми симфонічного розвитку - часто синтезує, а не аналітичного, як в західноєвропейському симфонизме, типу; оригінальні оперні форми, побудовані, з одного боку, на сміливому безпосередньому відбитті у музиці інтонацій мови (Даргомижський, Мусоргський), а з іншого - на застосуванні в опері прийомів епічного, казкового і т.п. оповідання (Бородін, Римський-Корсаков).
Перша третина 19 ст. поєднує в собі класицизм і ранній романтизм. серед жанрів, як і раніше, лідирує музичний театр, розвивається казковий жанр (Степан Іванович Давидов, 1777-1825), трагедія з музичними номерами (Йосип Козловський, 1757-1831) і перекладна мелодрама з музикою різних російських авторів. У Москві складається школа авторів російського романсу (Олександр Олександрович Аляб'єв, 1787-1851; Олександр Єгорович Варламов, 1801-1848; Олександр Львович Гурилев, 1803-1858). Широке поширення в цей час отримало домашнє музикування; з'явилося багато музичних гуртків і салонів (салон братів Михайла та Матвія Вієльгорських, салон княгині Зінаїди Волконської). Чимале значення мало також розвиток нотоіздательского справи: у 1801 році вийшов указ Олександра I, що дозволяв ввозити іноземні книжки і ноти, відкривати приватні друкарні і без особливих цензурних обмежень друкувати книги і ноти. Зростає кількість музичних журналів та іншої спеціальної літератури.
З кінця 1860-х років музичне життя Росії змінюється. Якщо раніше музичне просвітництво вважалося привілеєм вищих верств суспільства, то тепер воно поширюється і в інші. Відкриваються Петербурзьке (директор Антон Григорович Рубінштейн) і Московське (директор Микола Григорович Рубінштейн) відділення Імператорського російського музичного товариства (ІРМТ), які стали проводити регулярні цикли загальнодоступних симфонічних і камерних музичних зборів, музичні конкурси. ІРМТ стало засновником консерваторій в обох столицях (Петербург - 1862, Москва - 1866, очолювалися братами Рубінштейнами); протягом 1860-1890-х років відділення ІРМТ та музичні класи при них відкрилися в багатьох великих містах, до кінця століття вони переросли в училища або консерваторії. У Петербурзі деякий час існувала Безкоштовна музична школа (БМШ), створена в 1862 хоровим диригентом, автором церковної музики Гавриїлом Олексійовичем Ломакіним (1812-1855) і композитором, піаністом, педагогом М.А. Балакірєвим.
Введення
1. Що таке музика
1.1 Поняття музики
2. Історія музики
2.1 Походження музики
2.2 Етапи розвитку музики
2.3 Історія російської музики
3. Жанри музики
3.1 Причини появи нових жанрів
3.2 Стилі музики
Висновок
Список використаної літератури
Введення
Мистецтво існує в конкретних своїх видах: література, театр, графіка, живопис, музика, архітектура, кіно, фотографія і т.д. Причина поділу мистецтва на види - різноманіття типів суспільної практики людини у сфері художнього освоєння світу, що спирається на естетичне різноманіття дійсності. На основі всесвітньо-історичної практики виникло багатство людського духу, розвинулися естетичні почуття людини, його музичне вухо, око, що вміє насолоджуватися красою.
У всі часи люди шукали і знаходили всілякі способи самовираження - від наскельних малюнків до сучасних складних комп'ютерних програм та іншого. Мистецтво супроводжувало людство на всіх щаблях його розвитку і приймало всілякі форми. І однією з них є музика - вид творчості, що зародився в стародавні часи, хто витерпить величезні зміни засобів та видів, і по праву вважається одним з найбільш улюблених і значущих для людини.
Кожен вид мистецтва специфічно впливає на формування людини. Соціологічні дослідження показують, що в сучасній соціокультурній ситуації музика все більше висувається на передній план у структурі художніх уподобань молоді. Вона «обганяє» інші види мистецтва за «обсягом» споживання, а також безпосередньо чуттєвим особливостям впливу.
Мета даної роботи полягає в тому, щоб розглянути музику, як вид мистецтва.
Для цього ми розглянемо:
· Що таке музика
· Познайомимося з історією музики
· Розглянемо Музичні жанри
1. Що таке музика
1.1 Поняття музики
Музика виникла на нижчих щаблях суспільного розвитку, виконуючи переважно утилітарну роль - ритуальну, ритмічну у трудовій діяльності, сприяючи при цьому об'єднанню людей в єдиному процесі. Надалі музика стала нерозривно пов'язана з літературою. Поетичні твори - оповіді, балади та ін інтонувати мелодію, наспівували. Музика перебувала і в синтезі з танцем.
«Музика - вид мистецтва, розрахований на слухове сприйняття і відрізняється прямим і особливо активною дією на почуття людей» [1], - так звучить одне з визначень.
Головним виразним засобом тут є звук і інші сторони і компоненти музичної форми: мелодія, поліфонія, гармонія, ритм, композиція і т.п. Музика створює звуки особливого властивості, яких немає в природі і які не існують поза музикою. Музичний звук має інтонаційну природу. Першим музичним інструментом був голос.
Основа музики - ритм і гармонія, у своєму поєднанні дає мелодію. На відміну від усіх видів образотворчого і словесного мистецтв, музика не відтворює видимих картин світу і позбавлена смислової конкретності. Багато видатні діячі культури - і не тільки композитори - з усіх видів мистецтва віддавали перевагу саме музиці.
У порівнянні з творами всіх видів просторових мистецтв, музичні твори практично не знищувані, якщо не вважати їх далеко не обов'язковою нотного запису, вони існують не в матеріальній, предметній, а в ідеальній формі. Їх не можна помацати, підробити, як це трапляється з картинами та скульптурами, хоча і можна вкрасти, давши своє авторство чужого твору.
На відміну від образотворчого мистецтва в музиці відіграють величезну роль інші мистецтвознавчі категорії - інтерпретація та виконавство.
У віртуозно виконаного музичного твору не один, як у живописі, а декілька "авторів", якщо вважати композитора, виконавця, а також можливості використовуваних інструментів.
У музичній творчості, якщо мати на увазі і його виконавську бік, більше, ніж в інших видах первинних мистецтв, присутній колективність, тому поняття фольклору асоціюється, перш за все, з музикою, піснею та віршами, також пов'язаними з музичним початком. Таким чином, відмінність музики від більшості видів мистецтв полягає в тому, що вона по суті своїй є процесом. [2]
2. Історія музики
2.1 Походження музики
У Стародавній Греції виникла легенда про Пане і прекрасною німфі Сірінг. У ній пояснюється поява багатостовбурний Свисткова флейти, що зустрічається у багатьох народів світу. Бог Пан, який мав цапиний вигляд, погнавшись за прекрасною німфою, втратив її біля берега річки і вирізав солодкозвучну сопілка з прибережного очерету. У цей самий очерет була перетворена богами злякавшись його прекрасна Сирінга. Інший давньогрецький міф розповідає про Орфея, прекрасному співака, підкорила злих фурій, які пропустили його в царство тіней Аїд. Відомо, що своїм співом і грою на лірі (кіфарі) Орфей міг оживляти каміння та дерева. Музикою і танцем відрізнялися також святкові свити бога Діоніса. У музичній іконографії є чимало дионисийских сцен, де поряд із вином і стравами в його оточенні зображені грають на музичних інструментах. [3]
Після вивчення музики в різних народів, найперших витоків фольклора найдавніших племен, було висунуто кілька наукових гіпотез, що пояснюють походження музики. За версією однієї з них, музика як вид мистецтва виникла на основі танцю, що спирається на ритм. Підтверджують цю теорію культура Африки, Азії і Латинської Америки, де в музиці чільна роль належить ритму, рухливості, а найважливіші інструменти - ударні.
За іншою гіпотезою першість також віддається ритму, який лежав в основі появи музики. Остання ж вважається результатом трудової діяльності людини в колективі, під час узгоджених фізичних дій в процесі спільної праці. [4]
Теорія Ч. Дарвіна, яка виходить із природного відбору і виживання найбільш пристосованих організмів, давала можливість припускати, що музика з'явилася як особлива форма живої природи, як звуко інтонаційне суперництво в любові самців (хто з них голосистіші, хто гарніше).
«Лінгвістична» теорія походження музики розглядає інтонаційні засади музики, зв'язок її з промовою. Людині необхідна була подача звукових сигналів, що привело його до того, що з немилозвучних, нестійких по висоті звуків голос став фіксувати тон на одній і тій же висоті, потім закріплювати певні інтервали між різними тонами (розрізняти інтервали більш благозвучні, в першу чергу октаву, яка сприймалася як злиття) і повторювати короткі мотиви. Велику роль в осмисленні музичних явищ грала здатність людини транспонувати один і той же мотив, наспів. При цьому засобами для вилучення звучань були як голос, так і музичний інструмент.
Ритм брав участь у процесі інтонування (інтонаційний ритм) і допомагав виділяти найбільш значущі для наспіву тони, розмічав цезури, сприяв формуванню ладів [5].
2.2 Етапи розвитку музики
За всю історію існування музики, виділяють три етапи. Перший етап - фольклор. У Європі він найчастіше ототожнюється з такими поняттями як «народний», «примітивний». Тут не ведеться підрозділи на виконавця і слухача - все поєднують обидві ці ролі і є учасниками деякого загального дійства, ритуалу.
Він нерозривно пов'язаний з побутом людини, полюванням, святами, іграми. Спів і звучання тут паралельні, а в первісних племенах він був невіддільний і від руху.
Ми більше звикли до селянського музичного фольклору, тому що в Росії він найбільш виражений і зберігся. Але крім цього існує і міський його тип, характерний для Європи. Це вже більш професійний тип і характерний він для розвинених співтовариств. У цілому ж для фольклору характерна деяка неорганізованість - тексти ніде не фіксуються, навчань фактично немає, а ті які й існують, передаються через уста, від покоління до покоління. [6]
У другій стадії немає одного точної назви, визначається вона по-різному: «усна музична література», музика «традиційна» або «усно-професійна». Тут, на відміну від фольклору, яскраво виражено прагнення фіксації і збереження музичного тексту, зазвичай за допомогою слова, але не в процесі розпивання безіменних народних віршів, а за допомогою спеціально складених віршів, вдаючись до поезії. На перший план висувається саме якісна складова музики, мистецтво і техніка її написання, що веде до появи запам'ятовуються канонізованих структур, музичних моделей у вигляді особливих метрів і ладів.
Яскравим прикладом цього типу музики є музика в Стародавній Греції («мусичне мистецтво» - синкретичне явище, яке об'єднувало поезію, музику і танець), ісламська музика (середньовічна музика арабів і персів). На цій стадії формуються перші навчання про музику, пишуться музичні трактати.
На третьому етапі виключається усне спілкування і замінюється письмовою формою. З'являється чіткий поділ на три складові: композитор, виконавець і слухач, що характерно і для сучасного сприйняття. Цим музика зобов'язана Європі. Саме тут першими підкреслюють необхідність грати музику, не вдаючись до допомоги її автора. Якщо раніше кожен композитор записував створену їм мелодію мовою, зрозумілою для себе, і, відповідно, ніхто не міг її виконати без його консультацій, то зараз же почалося формування універсальної форми запису, зрозумілою як для запису, так і для читання абсолютно всім.
Тут же відбувається відділення виконавчого мистецтва і становлення його як окремої сфери, причому вкрай важливою в реалізації музики. З'являється окрема категорія виконавців, які зовсім не зобов'язані бути композиторами, а повинні просто у вміти відтворювати музику, написану іншими, по нотному запису. Але тут же виникає яскраво виражена потреба в індивідуальних трактуванні музики, варіюванні та аранжуванні музичного твору, записаного нотним мовою. Тут починають звертати увагу на наявність у музикантів власного стилю, манери гри і в цілому уявлення про те, як повинна звучати та або інша композиція. Це зробило музику більш різноманітною і «слушательной», почалася оцінка музикантів, поділ їх за особистим сприйняття - подобається чи не подобається, манера цього виконавця мені більше до душі і т.д.
2.3 Історія російської музики
Епоху Середньовіччя поділяють на 3 етапи: до монголо-татарської навали (11-13 ст.), Московський період (14 - початок 17 ст.), Епоха перелому (від воцаріння династії Романових у 1613 до царювання Петра I, початок 18 ст.) . Потім йде 18 ст., Який часто ділять на два періоди - послепетровскій, дуже схильний до сильним іноземним віянням, і єкатерининський (остання третина століття), в ході якого зароджуються ознаки національної музичної школи. Перша чверть 19 ст. - Епоху раннього романтизму, нерідко цей час називають також «доглінкінской» або «предклассической» епохою. З появою опер М. І. Глінки (кінець 1830-х - 1840-і роки) починається класичний період російської музики, що досягає розквіту в 1860-1880-і роки. З середини 1890-х років і до 1917 (другу дату правильніше відсунути трохи далі, до середини або навіть другій половині 1920-х років) поступово розгортається новий етап, зазначений спочатку розвитком стилю «модерн», а потім інших нових напрямків, які можна узагальнити термінами «футуризм», «конструктивізм» і т.д. В історії російської музики радянського періоду виділяють довоєнний і післявоєнний періоди, а у другому з них позначають як рубіж початок 1960-х років. З кінця 1980-х років починається новий, сучасний період російського музичного мистецтва.
Отже, до 17 ст. існував єдиний вид професійного музичного мистецтва - церковний спів. У 15-16 ст. цей музичний вид був цілком самостійний, але з приходом християнства у Візантії також була запозичена й система співу - осмогласие, а також спосіб його записи. Отриманими з Візантії і стійкими принципами залишалися: строго вокальний характер церковної творчості - православний канон виключає вживання яких би то не було інструментів; найтісніший зв'язок слова та звуку; плавність мелодичного руху; рядкове будова цілого (тобто музична форма виступала як похідна від мовної , поетичної).
З середини 17 ст. настає переломний момент в російській церковно-співочому мистецтві: зміцнюється новий стиль хорового багатоголосся - партесом, привезений до Москви співаками українського, білоруського та польського походження і заснований на нормах західноєвропейського гармонійного листи. Одночасно починає переважати пятилинейная нотація, хоча досить довго ще зберігається крюкові лист (старообрядці користуються ним до цього дня). Дуже популярною стає духовна псальма (кант), потім з'являються і світські хорові канти - історичні, військові, любовні, жартівливі.
У 18 ст. Після реформ Петра I відбувається зміна акценту з церковної пісні на світське мистецтво, орієнтоване на західний аналог з музикуванням не тільки вокальним, а й інструментальним. Найбільший вплив тут виявляється іноземними музикантами, які працювали при дворі: Франческо Арайя, Джузеппе Сарті, Бальдассаре Галуппі, Томмазо Траетта, Джованні Паїзієлло, Доменіко Чимароза та ін У другій половині 18 ст. в Росії існувало кілька кріпосних театрів, з'явилися перші публічні театри в Москві та Петербурзі, де ставилися драми, опери і балети, з російськими співаками і танцівниками. Оперні вистави давалися і у деяких провінційних містах; з 1770 починають влаштовуватися публічні концерти. У ці роки російськими активно створюються комічні опери на західний манер, але з місцевими побутовими сюжетами. У них вводяться народні пісні. До кінця століття популярним жанром стає духовний концерт a cappella на вільно обраний текст церковнослов'янською мовою - у службі подібні композиції зайняли місце причетних віршів; виконувалися вони також окремо, в концертах (Д. С. Бортнянський, М. С. Березовський, С.А . Дегтярьов та ін) [7]
Становлення російської композиторської школи відбувається до середини 19 ст., Вона перестає бути замкнутою і невідомою, виходячи на світову арену. У 19 ст. її головними рисами, в оцінці західноєвропейської критики, були: опора на багатий і свіжий фольклорний музичний матеріал «євразійського» типу, що поєднує в собі «східні» і «західні» елементи; принципово нові форми симфонічного розвитку - часто синтезує, а не аналітичного, як в західноєвропейському симфонизме, типу; оригінальні оперні форми, побудовані, з одного боку, на сміливому безпосередньому відбитті у музиці інтонацій мови (Даргомижський, Мусоргський), а з іншого - на застосуванні в опері прийомів епічного, казкового і т.п. оповідання (Бородін, Римський-Корсаков).
Перша третина 19 ст. поєднує в собі класицизм і ранній романтизм. серед жанрів, як і раніше, лідирує музичний театр, розвивається казковий жанр (Степан Іванович Давидов, 1777-1825), трагедія з музичними номерами (Йосип Козловський, 1757-1831) і перекладна мелодрама з музикою різних російських авторів. У Москві складається школа авторів російського романсу (Олександр Олександрович Аляб'єв, 1787-1851; Олександр Єгорович Варламов, 1801-1848; Олександр Львович Гурилев, 1803-1858). Широке поширення в цей час отримало домашнє музикування; з'явилося багато музичних гуртків і салонів (салон братів Михайла та Матвія Вієльгорських, салон княгині Зінаїди Волконської). Чимале значення мало також розвиток нотоіздательского справи: у 1801 році вийшов указ Олександра I, що дозволяв ввозити іноземні книжки і ноти, відкривати приватні друкарні і без особливих цензурних обмежень друкувати книги і ноти. Зростає кількість музичних журналів та іншої спеціальної літератури.
З кінця 1860-х років музичне життя Росії змінюється. Якщо раніше музичне просвітництво вважалося привілеєм вищих верств суспільства, то тепер воно поширюється і в інші. Відкриваються Петербурзьке (директор Антон Григорович Рубінштейн) і Московське (директор Микола Григорович Рубінштейн) відділення Імператорського російського музичного товариства (ІРМТ), які стали проводити регулярні цикли загальнодоступних симфонічних і камерних музичних зборів, музичні конкурси. ІРМТ стало засновником консерваторій в обох столицях (Петербург - 1862, Москва - 1866, очолювалися братами Рубінштейнами); протягом 1860-1890-х років відділення ІРМТ та музичні класи при них відкрилися в багатьох великих містах, до кінця століття вони переросли в училища або консерваторії. У Петербурзі деякий час існувала Безкоштовна музична школа (БМШ), створена в 1862 хоровим диригентом, автором церковної музики Гавриїлом Олексійовичем Ломакіним (1812-1855) і композитором, піаністом, педагогом М.А. Балакірєвим.
У 1860-1870-і роки висуваються на передній план нові російської композиторської практики жанри: многочастной симфонічний цикл (формально перша симфонія, створена в Росії, належить перу А. Г. Рубінштейна; за змістом ж перші російські симфонії - це Перша симфонія двадцятирічного Римського -Корсакова, 1865, і Перша симфонія, Зимові мрії, Чайковського, 1866), концерт для виконуючого соло інструменту з оркестром (особливо широко представлений у Чайковського); серйозний розвиток отримує також балетна музика (Чайковський, потім Глазунов); дещо пізніше розвивається культура камерного ансамблю і світського хорового співу.
У другій половині 19 ст. відбувається формування двох основних композиторських шкіл: петербурзька Нова російська школа, чи «Могутня купка» (М. А. Балакірєв, Ц. А. Кюї, А. П. Бородін, М. П. Мусоргський тощо) і московська школа на чолі з Петром Іллічем Чайковським (С. І. Танєєв, А. С. Аренський, С. В. Рахманінов). Найбільш повно естетика «кучкізма» розкривається в двох виключно новаторських за стилем і формою операх М.П. Мусоргського - історико-психологічної трагедії Борис Годунов (1868, друга редакція 1872) і народної музичної драмі Хованщина (1881). У порівнянні з петербурзькою школою, естетика московської (ця школа складалася стихійно і не мала будь-яких фіксованих гуртків, об'єднань) була більш консервативною, більш пов'язаної з класичними моделями «чистої» музики, з одного боку, і з навколишнім своєрідним музичним побутом стародавньої столиці , з іншого. Вищими досягненнями школи з'явилися численні опери (в їх числі Євгеній Онєгін, 1878; Пікова дама, 1890), симфонії (шість, 1866-1893), балети, симфонічні сюїти, увертюри, поеми, романси П. І. Чайковського.
До початку 20 ст. нові тенденції російського мистецтва були представлені в музиці найяскравіше іменами московських композиторів (учнів С. І. Танєєва) і видатних піаністів - С. В. Рахманінова та А. Н. Скрябіна. Перший виступав продовжувачем національних традицій (і в «петербурзькому», і в «московському» їх переломленні), причому в його творчості вони набували напружено-ностальгічну забарвлення. Другий - найбільший представник символізму в музиці.
Величезний ривок був зроблений в плані виконавства. Росія пройшла величезний шлях у цьому напрямку: від салонів і садибних театрів до залів дворянських зборів і консерваторій, до нових будівель оперних театрів; від аматорського музикування - до створення професійних вітчизняних шкіл співу та гри на всіх інструментах, від приватних вчителів - до вищих навчальних закладів , відкритих до початку 20 ст. у багатьох великих містах країни.
Перші два десятиліття 20 ст., «Срібний вік», були епохою високого розквіту вітчизняної музичної культури в усіх її областях творчої, виконавської, науково-критичною. Ситуація різко змінилася після революційного перевороту 1917. Ряд великих музикантів, в тому числі С. В. Рахманінов, О. К. Глазунов, І. Ф. Стравінський, С. С. Прокоф 'єв, М. К. Метнер, М. М. Черепнін, А. Т. Гречанінов, а також автори молодшого покоління І.А. Вишнеградський, Н.Б. Обухів, Н.Д. Набоков, А.С. Лур'є і ін залишили Росію. Поїхали також багато талановиті виконавці, в їх числі Ф. І. Шаляпін, С.А. Кусевицький, Е. Купер і ін У своєму закордонному творчості всі вони, незалежно від приналежності до різних поколінь і різних напрямках, розвивали традиції та ідеї, закладені в російський період їх життя, їх діяльність в різних країнах має розглядатися як частина поки не написаної цілісної історії російської художньої культури 20 ст. Можна стверджувати - принаймні у відношенні Рахманінова, Гречанінова, Метнера, - що пізній, закордонний період став кульмінаційним у їхній творчості, яке, зберігаючи «національну приналежність», чуйно відгукувалося на зміни, що відбувалися в світі і в світовому мистецтві.
Протягом 1920-х років культурне спілкування Росії зі світом, незважаючи на величезні труднощі, пов'язані з наслідками революції та громадянської війни, залишалося досить активним: працювали старі і відкривалися нові навчальні заклади, велася велика концертна, музично-театральна, видавнича діяльність, в ряді випадків орієнтована на новий склад слухацької аудиторії; були створені спеціальні наукові установи (зокрема, Державний інститут музичної науки в Москві; музичний відділ Інституту історії мистецтв у Петрограді).
Прорив до влади комуністів справив свій вплив і на музику. Перша група музикантів-комуністів ставила своєю метою створення «масового революційного репертуару», орієнтувалася на пісню і взагалі хорові жанри, заперечуючи багато інші форми музичного мистецтва як не відповідні епосі і «запитам трудящих». Друга була відділенням Міжнародного товариства сучасної музики, до неї входили відомі музиканти, в тому числі Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковський, Б.В. Асафьев. Обидві організації мали свої журнали і видавничі центри і запекло воювали.
Музика в набагато більш легкого ступеня, ніж література чи живопис, пережила в 1920-х роках період футуризму або конструктивізму: до цього напрямку може бути віднесено творчість Н.А. Рославця і А.В. Мосолова, а також сміливі експерименти »А.М. Авраамового (досліди «конкретної музики» - Симфонія гудків, спроби мікротонових побудови звукорядів - «ультрахроматізм»; згодом ця ідея була розвинена за кордоном І. А. Вишнеградський і низкою західних музикантів).
До 1932 постановою ЦК ВКП (б) Про перебудову літературно-художніх організацій були скасовані всі види творчих об'єднань, крім уніфікованих і знаходилися під жорстким контролем держави творчих спілок до «відлиги» 1960-х років різко скорочується спілкування російських діячів мистецтва із закордонним світом.
Найбільшою особистістю радянського періоду російської музики був Д. Д. Шостакович. У його п'ятнадцяти симфоніях, п'ятнадцяти струнних квартетах і інших камерних ансамблях, операх Леді Макбет Мценського повіту і Ніс, камерно-вокальних та фортепіанних творах в найбільшій мірі відображені трагічні потрясіння епохи і суперечності їх осмислення російською інтелігенцією.
У цілому в радянський період відносини музикантів з державою складалися суперечливо. З одного боку, перед ними відкривалася можливість безкоштовного навчання, виконання та публікації творів; вітчизняна виконавська школа переживала бурхливий розквіт завдяки як особистостям, які у дореволюційну, так і притоку свіжих сил в консерваторії (наприклад, до 1920-1930-х років належать дебюти піаністів С. Т. Ріхтера, М. В. Юдіної, Е. Г. Гілельса, Л. Н. Оборіна, скрипалів Д. Ф. Ойстраха, Л. Б. Когана) і державної підтримки філармоній, оперних театрів та ін З іншого боку , талановиті люди відразу потрапляли під жорсткий контроль. Хоча музика як мистецтво в меншою мірою «понятійному», ніж література, театр чи живопис, це не рятувало його від актів насильства з боку держави.
Перед композиторами ультимативно ставилася, наприклад, завдання створення опери на сучасну тему, на «робочу» тему, на тему «боротьби за мир», і часто дуже слабкі твори отримували сценічну реалізацію та високу оцінку преси саме за ознакою «соціального замовлення». Іншим основним жанром вважалася симфонія традиційного типу з конфліктної драматургією, що, відповідно, породило масу творів із зовнішніми контурами даного жанру, але за змістом зовсім не відповідають його природі (зрозуміло, були композитори, органічно мислили в цьому жанрі, природжені симфоніст - Шостакович,
Прокоф'єв, Мясковський і деякі інші). Ще одним - і дуже важливим - об'єктом «держзамовлення» стала пісня, «радянська масова пісня» як особливий тип, який почав культивуватися з перших років радянської влади і поступово створив цілий «клан» авторів тексту, композиторів і виконавців.
Перелом у суспільному житті СРСР у другій половині 1950 - початку 1960-х років викликав до життя нові явища. Історія даного періоду російської музики, з кінця 1950-х по кінець 1990-х років, поки не отримала повного та об'єктивного висвітлення. Можна стверджувати, що в 1960-1970-і роки важливими були дві тенденції: повернення до духовних і власне художнім витоків національної традиції і прагнення до надолуження упущеного в попередні три десятиліття, тобто до освоєння досвіду світової культури 20 ст. Остання тенденція, характерна для всіх талановитих музикантів покоління «шістдесятників», іноді брала форму «авангардизму», часто з фіксацією на композиторському методі т.зв. Нововіденської школи («додекафонія» - дванадцятитонову техніка, протиставлена традиційної тональності, і її продовження «серіалізм», що складається в тотальному контролі музичної тканини за заздалегідь заданими параметрами), а також на композиційних техніках більш пізніх представників європейського авангарду (наприклад, француза П'єра Булеза) . Природно, що в цілому ряді випадків різні тенденції взаємодіяли і перехрещувалися.
До кінця 1970-х років склалися творчі індивідуальності композиторів, які не належали ні до вельми розгалуженому радянському офіціозу на чолі з Т.М. Хренніковим, ні до «авангардизму»: кожен з них йшов (а деякі і зараз йдуть) своїм шляхом - очевидно, уявляючи те явище, яке можна назвати сучасною російською школою. При великій різноманітності стилів їх об'єднує органічний зв'язок з національною музичною традицією (у різних її іпостасях) і серйозність художніх концепцій.
З кінця 1980-х років ситуація в Росії стає невизначеною і хаотичною. Найбільш стабільна група авангарду, що має свої організації і різного роду фестивалі і нерідко отримує підтримку з-за кордону. Дуже розширилися контакти музикантів із закордонним світом; нові форми музичного життя часто перебувають у процесі становлення. Діяльність Спілки композиторів і його концертних та видавничих підприємств, а також державних організацій такого роду значною мірою виявилася підірваною економічною кризою.
За даними на рубіж 1980-1990-х років на території Російської федерації працювало близько 50 музичних театрів, з них 15 - опери та балету, 8 консерваторій, два музично-педагогічних інституту, кілька інститутів мистецтв з музичними факультетами, численні училища та школи. [8]
Так виглядало розвиток музики в Росії, досить самобутнє і в той же час запозичили багато з світового мистецтва.
3. Жанри музики
3.1 Причини появи нових жанрів
В даний час музика накопичила величезну кількість жанрів, які з часом з'являються і йдуть в минуле. Розвиваються все нові жанри, що відрізняються від попередніх часом зовсім.
Цьому багато в чому сприяє розвиток технологій - з'являються електронні інструменти і все нові і нові засоби відтворення. Рвуться кордону музичного світу - засоби масової інформації та комерція в цій сфері здійснюють творчий обмін між всіма країнами і континентами. Організовуються міжнародні фестивалі і світові гастролі найбільш видатних музичних діячів. Усе спрямовано на те, щоб йшов безперервний процес обміну досвідом між музикантами різних країн і напрямків, запозичуються музичні елементи зовсім протилежних стилів.
3.2 Стилі музики
Класична - професійні музичні твори, народжені в культурі Європи переважно з Нового часу (рубіж 16-17 ст.) І в середні віки;
Популярна - масово споживані, переважно пісенно-танцювальні музичні жанри.
Позаєвропейські (неєвропейська) - музика тих народів (Сходу), чия культура відрізняється від культури західноєвропейської цивілізації;
Етнічна (і традиційна) - фольклорні (і усно-професійні музичні явища різних народів), що підкреслюють самобутність етносу,
Естрадна (або легка) - музика розважального характеру, призначена для відпочинку.
Джаз - підхоплені європейцями професійні виконавські традиції американських негрів, засновані на синтезі африканських і європейських музичних елементів. [9]
Рок - музика невеликих вокально-інструментальних груп молоді, що відрізняється обов'язковою наявністю ударних і електромузичних інструментів, в першу чергу - гітар.
Авангардна (експериментальна) - загальна назва нового напряму в професійній композиторській творчості 20 ст.
Альтернативна - нові музичні твори чи виконання (звукові уявлення, «перформанси»), принципово несхожі на всі відомі сьогодні види музики.
Багато видів музики визначаються за місці їх існування і функцій: військова, церковна, релігійна, театральна, танцювальне, кіномузика і т.д. А також - за характером виконання: вокальна, інструментальна, камерна, вокально-інструментальна, хорова, сольна, електронна, фортепіанна та ін; за відмітними властивостями музичної фактури і композиторської техніки: поліфонічна, гомофонна, монодіческая, гетерофонія, сонорні, серійна і т . п. Усередині кожного з видів музики в свою чергу можуть виникати і розвиватися власні стилі та напрямки, що відрізняються стійкими і характерними структурними та естетичними ознаками. Наприклад: класицизм, романтизм, імпресіонізм, експресіонізм, неокласицизм, серійність, авангард - у класичній музиці; регтайм, диксиленд, свінг, бі-боп, куул - в джазі, арт, фолк, важкий метал, хіп-хоп, реп, грандж - в рок-музиці і т.п.
Висновок
Якщо ми звернемо більш пильну увагу на музику то побачимо, що вона часто починає об'єднуватися з іншими видами творчості, що мають здатність більш сильно конкретизувати зміст. Взяти для прикладу синтетичні жанри - пісня і балет. Тут музичні образи доповнюються і конкретизуються іншими образами - візуальними або слуховими. Таке поєднання веде до більшого і більш точного розуміння сенсу, закладеного автором. Йде певне переведення на конкретні життєві образи, ситуації, які самі по собі сприймаються людьми. Рух накладаються на музику в танці, несе якийсь сенс, який, в поєднанні з вмістом музики, дає більш чітке уявлення про область, в якій повинні поширюватися наші емоції.
У розвитку музики можна виділити три етапи: перший - це фольклор, у другого немає одного точної назви, визначається вона по-різному: «усна музична література», музика «традиційна» або «усно-професійна», на третьому етапі виключається усне спілкування і замінюється письмовою формою. З'являється чіткий поділ на три складові: композитор, виконавець і слухач, що характерно і для сучасного сприйняття. Пройшовши через ці три етапи, музика ставати більш різноманітною і «слушательной», почалася оцінка музикантів, поділ їх за особистим сприйняття - подобається чи не подобається.
Розглянувши музичні жанри, ми можемо помітити, як сильно змінилася музика, які зазнала зміни її початкова частина. І можна з упевненістю сказати, що завдяки розвитку людства розвиток її буде тривати вічно, поки існує людина, на думку якого приходять часом самі надзвичайні ідеї.
Музика відбивала всі стани людини - від святкового до самого утопічного, і ніколи не залишала людини, будь то сімейні обряди або міжнаціональні війни. Вона допомагала людям від початку і до цього дня. Гармонійно вона вписалася і на всю систему мистецтв - стала прекрасним доповненням до багатьох з них і сама нерідко була ними прикрашена. Музика, чудово вписалася в культуру людини і зміцнилася там назавжди, поширившись на всі боки його життя.
Список використаної літератури
1. Мамонтов, С.П. Основи культурологи [Текст] - М.: Олімп, 1999, 320 с.
2. Фіндейзен, Н.Ф. Нариси з історії музики в Росії з найдавніших часів до кінця XVIII століття, тт. 1-2. М. - Л., 1928-1929
3. Асафьев, Б. Російська музика XIX і початку XX століття. - 2-е вид. / Б. Асаф 'єв - Л.: Музика, Ленінград. від., 1979. - 341 с.
5. Музична естетика країн Сходу [Електронний ресурс]. ̶ 1 електрон, опт. диск (CD-ROM)
6. Антична музична естетика [Електронний ресурс]. ̶ 1 електрон, опт. диск (CD-ROM)
7. Каган, М.С. Музика у світі мистецтв [Текст] - Санкт-Петербург, 1996, 232
8. Конен, В. Народження джазу [Текст] - М., 1984, 342 с.
9. Гошовський, В.Л. Біля джерел народної музики слов'ян (нариси з музичного слов'янознавства) [Текст] - М., 1972.
10. Бюхер, К. Робота і ритм [Текст] - М., 1923
11. Харлап, М.Г. Народно-російська музична система і проблема походження музики. Ранні форми мистецтва [Текст] - М., 1972
12. Історія російської музики [Текст] - тт. 5-10. М., 1983-1997
У другій половині 19 ст. відбувається формування двох основних композиторських шкіл: петербурзька Нова російська школа, чи «Могутня купка» (М. А. Балакірєв, Ц. А. Кюї, А. П. Бородін, М. П. Мусоргський тощо) і московська школа на чолі з Петром Іллічем Чайковським (С. І. Танєєв, А. С. Аренський, С. В. Рахманінов). Найбільш повно естетика «кучкізма» розкривається в двох виключно новаторських за стилем і формою операх М.П. Мусоргського - історико-психологічної трагедії Борис Годунов (1868, друга редакція 1872) і народної музичної драмі Хованщина (1881). У порівнянні з петербурзькою школою, естетика московської (ця школа складалася стихійно і не мала будь-яких фіксованих гуртків, об'єднань) була більш консервативною, більш пов'язаної з класичними моделями «чистої» музики, з одного боку, і з навколишнім своєрідним музичним побутом стародавньої столиці , з іншого. Вищими досягненнями школи з'явилися численні опери (в їх числі Євгеній Онєгін, 1878; Пікова дама, 1890), симфонії (шість, 1866-1893), балети, симфонічні сюїти, увертюри, поеми, романси П. І. Чайковського.
До початку 20 ст. нові тенденції російського мистецтва були представлені в музиці найяскравіше іменами московських композиторів (учнів С. І. Танєєва) і видатних піаністів - С. В. Рахманінова та А. Н. Скрябіна. Перший виступав продовжувачем національних традицій (і в «петербурзькому», і в «московському» їх переломленні), причому в його творчості вони набували напружено-ностальгічну забарвлення. Другий - найбільший представник символізму в музиці.
Величезний ривок був зроблений в плані виконавства. Росія пройшла величезний шлях у цьому напрямку: від салонів і садибних театрів до залів дворянських зборів і консерваторій, до нових будівель оперних театрів; від аматорського музикування - до створення професійних вітчизняних шкіл співу та гри на всіх інструментах, від приватних вчителів - до вищих навчальних закладів , відкритих до початку 20 ст. у багатьох великих містах країни.
Перші два десятиліття 20 ст., «Срібний вік», були епохою високого розквіту вітчизняної музичної культури в усіх її областях творчої, виконавської, науково-критичною. Ситуація різко змінилася після революційного перевороту 1917. Ряд великих музикантів, в тому числі С. В. Рахманінов, О. К. Глазунов, І. Ф. Стравінський, С. С. Прокоф 'єв, М. К. Метнер, М. М. Черепнін, А. Т. Гречанінов, а також автори молодшого покоління І.А. Вишнеградський, Н.Б. Обухів, Н.Д. Набоков, А.С. Лур'є і ін залишили Росію. Поїхали також багато талановиті виконавці, в їх числі Ф. І. Шаляпін, С.А. Кусевицький, Е. Купер і ін У своєму закордонному творчості всі вони, незалежно від приналежності до різних поколінь і різних напрямках, розвивали традиції та ідеї, закладені в російський період їх життя, їх діяльність в різних країнах має розглядатися як частина поки не написаної цілісної історії російської художньої культури 20 ст. Можна стверджувати - принаймні у відношенні Рахманінова, Гречанінова, Метнера, - що пізній, закордонний період став кульмінаційним у їхній творчості, яке, зберігаючи «національну приналежність», чуйно відгукувалося на зміни, що відбувалися в світі і в світовому мистецтві.
Протягом 1920-х років культурне спілкування Росії зі світом, незважаючи на величезні труднощі, пов'язані з наслідками революції та громадянської війни, залишалося досить активним: працювали старі і відкривалися нові навчальні заклади, велася велика концертна, музично-театральна, видавнича діяльність, в ряді випадків орієнтована на новий склад слухацької аудиторії; були створені спеціальні наукові установи (зокрема, Державний інститут музичної науки в Москві; музичний відділ Інституту історії мистецтв у Петрограді).
Прорив до влади комуністів справив свій вплив і на музику. Перша група музикантів-комуністів ставила своєю метою створення «масового революційного репертуару», орієнтувалася на пісню і взагалі хорові жанри, заперечуючи багато інші форми музичного мистецтва як не відповідні епосі і «запитам трудящих». Друга була відділенням Міжнародного товариства сучасної музики, до неї входили відомі музиканти, в тому числі Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковський, Б.В. Асафьев. Обидві організації мали свої журнали і видавничі центри і запекло воювали.
Музика в набагато більш легкого ступеня, ніж література чи живопис, пережила в 1920-х роках період футуризму або конструктивізму: до цього напрямку може бути віднесено творчість Н.А. Рославця і А.В. Мосолова, а також сміливі експерименти »А.М. Авраамового (досліди «конкретної музики» - Симфонія гудків, спроби мікротонових побудови звукорядів - «ультрахроматізм»; згодом ця ідея була розвинена за кордоном І. А. Вишнеградський і низкою західних музикантів).
До 1932 постановою ЦК ВКП (б) Про перебудову літературно-художніх організацій були скасовані всі види творчих об'єднань, крім уніфікованих і знаходилися під жорстким контролем держави творчих спілок до «відлиги» 1960-х років різко скорочується спілкування російських діячів мистецтва із закордонним світом.
Найбільшою особистістю радянського періоду російської музики був Д. Д. Шостакович. У його п'ятнадцяти симфоніях, п'ятнадцяти струнних квартетах і інших камерних ансамблях, операх Леді Макбет Мценського повіту і Ніс, камерно-вокальних та фортепіанних творах в найбільшій мірі відображені трагічні потрясіння епохи і суперечності їх осмислення російською інтелігенцією.
У цілому в радянський період відносини музикантів з державою складалися суперечливо. З одного боку, перед ними відкривалася можливість безкоштовного навчання, виконання та публікації творів; вітчизняна виконавська школа переживала бурхливий розквіт завдяки як особистостям, які у дореволюційну, так і притоку свіжих сил в консерваторії (наприклад, до 1920-1930-х років належать дебюти піаністів С. Т. Ріхтера, М. В. Юдіної, Е. Г. Гілельса, Л. Н. Оборіна, скрипалів Д. Ф. Ойстраха, Л. Б. Когана) і державної підтримки філармоній, оперних театрів та ін З іншого боку , талановиті люди відразу потрапляли під жорсткий контроль. Хоча музика як мистецтво в меншою мірою «понятійному», ніж література, театр чи живопис, це не рятувало його від актів насильства з боку держави.
Перед композиторами ультимативно ставилася, наприклад, завдання створення опери на сучасну тему, на «робочу» тему, на тему «боротьби за мир», і часто дуже слабкі твори отримували сценічну реалізацію та високу оцінку преси саме за ознакою «соціального замовлення». Іншим основним жанром вважалася симфонія традиційного типу з конфліктної драматургією, що, відповідно, породило масу творів із зовнішніми контурами даного жанру, але за змістом зовсім не відповідають його природі (зрозуміло, були композитори, органічно мислили в цьому жанрі, природжені симфоніст - Шостакович,
Прокоф'єв, Мясковський і деякі інші). Ще одним - і дуже важливим - об'єктом «держзамовлення» стала пісня, «радянська масова пісня» як особливий тип, який почав культивуватися з перших років радянської влади і поступово створив цілий «клан» авторів тексту, композиторів і виконавців.
Перелом у суспільному житті СРСР у другій половині 1950 - початку 1960-х років викликав до життя нові явища. Історія даного періоду російської музики, з кінця 1950-х по кінець 1990-х років, поки не отримала повного та об'єктивного висвітлення. Можна стверджувати, що в 1960-1970-і роки важливими були дві тенденції: повернення до духовних і власне художнім витоків національної традиції і прагнення до надолуження упущеного в попередні три десятиліття, тобто до освоєння досвіду світової культури 20 ст. Остання тенденція, характерна для всіх талановитих музикантів покоління «шістдесятників», іноді брала форму «авангардизму», часто з фіксацією на композиторському методі т.зв. Нововіденської школи («додекафонія» - дванадцятитонову техніка, протиставлена традиційної тональності, і її продовження «серіалізм», що складається в тотальному контролі музичної тканини за заздалегідь заданими параметрами), а також на композиційних техніках більш пізніх представників європейського авангарду (наприклад, француза П'єра Булеза) . Природно, що в цілому ряді випадків різні тенденції взаємодіяли і перехрещувалися.
До кінця 1970-х років склалися творчі індивідуальності композиторів, які не належали ні до вельми розгалуженому радянському офіціозу на чолі з Т.М. Хренніковим, ні до «авангардизму»: кожен з них йшов (а деякі і зараз йдуть) своїм шляхом - очевидно, уявляючи те явище, яке можна назвати сучасною російською школою. При великій різноманітності стилів їх об'єднує органічний зв'язок з національною музичною традицією (у різних її іпостасях) і серйозність художніх концепцій.
З кінця 1980-х років ситуація в Росії стає невизначеною і хаотичною. Найбільш стабільна група авангарду, що має свої організації і різного роду фестивалі і нерідко отримує підтримку з-за кордону. Дуже розширилися контакти музикантів із закордонним світом; нові форми музичного життя часто перебувають у процесі становлення. Діяльність Спілки композиторів і його концертних та видавничих підприємств, а також державних організацій такого роду значною мірою виявилася підірваною економічною кризою.
За даними на рубіж 1980-1990-х років на території Російської федерації працювало близько 50 музичних театрів, з них 15 - опери та балету, 8 консерваторій, два музично-педагогічних інституту, кілька інститутів мистецтв з музичними факультетами, численні училища та школи. [8]
Так виглядало розвиток музики в Росії, досить самобутнє і в той же час запозичили багато з світового мистецтва.
3. Жанри музики
3.1 Причини появи нових жанрів
В даний час музика накопичила величезну кількість жанрів, які з часом з'являються і йдуть в минуле. Розвиваються все нові жанри, що відрізняються від попередніх часом зовсім.
Цьому багато в чому сприяє розвиток технологій - з'являються електронні інструменти і все нові і нові засоби відтворення. Рвуться кордону музичного світу - засоби масової інформації та комерція в цій сфері здійснюють творчий обмін між всіма країнами і континентами. Організовуються міжнародні фестивалі і світові гастролі найбільш видатних музичних діячів. Усе спрямовано на те, щоб йшов безперервний процес обміну досвідом між музикантами різних країн і напрямків, запозичуються музичні елементи зовсім протилежних стилів.
3.2 Стилі музики
Класична - професійні музичні твори, народжені в культурі Європи переважно з Нового часу (рубіж 16-17 ст.) І в середні віки;
Популярна - масово споживані, переважно пісенно-танцювальні музичні жанри.
Позаєвропейські (неєвропейська) - музика тих народів (Сходу), чия культура відрізняється від культури західноєвропейської цивілізації;
Етнічна (і традиційна) - фольклорні (і усно-професійні музичні явища різних народів), що підкреслюють самобутність етносу,
Естрадна (або легка) - музика розважального характеру, призначена для відпочинку.
Джаз - підхоплені європейцями професійні виконавські традиції американських негрів, засновані на синтезі африканських і європейських музичних елементів. [9]
Рок - музика невеликих вокально-інструментальних груп молоді, що відрізняється обов'язковою наявністю ударних і електромузичних інструментів, в першу чергу - гітар.
Авангардна (експериментальна) - загальна назва нового напряму в професійній композиторській творчості 20 ст.
Альтернативна - нові музичні твори чи виконання (звукові уявлення, «перформанси»), принципово несхожі на всі відомі сьогодні види музики.
Багато видів музики визначаються за місці їх існування і функцій: військова, церковна, релігійна, театральна, танцювальне, кіномузика і т.д. А також - за характером виконання: вокальна, інструментальна, камерна, вокально-інструментальна, хорова, сольна, електронна, фортепіанна та ін; за відмітними властивостями музичної фактури і композиторської техніки: поліфонічна, гомофонна, монодіческая, гетерофонія, сонорні, серійна і т . п. Усередині кожного з видів музики в свою чергу можуть виникати і розвиватися власні стилі та напрямки, що відрізняються стійкими і характерними структурними та естетичними ознаками. Наприклад: класицизм, романтизм, імпресіонізм, експресіонізм, неокласицизм, серійність, авангард - у класичній музиці; регтайм, диксиленд, свінг, бі-боп, куул - в джазі, арт, фолк, важкий метал, хіп-хоп, реп, грандж - в рок-музиці і т.п.
Висновок
Якщо ми звернемо більш пильну увагу на музику то побачимо, що вона часто починає об'єднуватися з іншими видами творчості, що мають здатність більш сильно конкретизувати зміст. Взяти для прикладу синтетичні жанри - пісня і балет. Тут музичні образи доповнюються і конкретизуються іншими образами - візуальними або слуховими. Таке поєднання веде до більшого і більш точного розуміння сенсу, закладеного автором. Йде певне переведення на конкретні життєві образи, ситуації, які самі по собі сприймаються людьми. Рух накладаються на музику в танці, несе якийсь сенс, який, в поєднанні з вмістом музики, дає більш чітке уявлення про область, в якій повинні поширюватися наші емоції.
У розвитку музики можна виділити три етапи: перший - це фольклор, у другого немає одного точної назви, визначається вона по-різному: «усна музична література», музика «традиційна» або «усно-професійна», на третьому етапі виключається усне спілкування і замінюється письмовою формою. З'являється чіткий поділ на три складові: композитор, виконавець і слухач, що характерно і для сучасного сприйняття. Пройшовши через ці три етапи, музика ставати більш різноманітною і «слушательной», почалася оцінка музикантів, поділ їх за особистим сприйняття - подобається чи не подобається.
Розглянувши музичні жанри, ми можемо помітити, як сильно змінилася музика, які зазнала зміни її початкова частина. І можна з упевненістю сказати, що завдяки розвитку людства розвиток її буде тривати вічно, поки існує людина, на думку якого приходять часом самі надзвичайні ідеї.
Музика відбивала всі стани людини - від святкового до самого утопічного, і ніколи не залишала людини, будь то сімейні обряди або міжнаціональні війни. Вона допомагала людям від початку і до цього дня. Гармонійно вона вписалася і на всю систему мистецтв - стала прекрасним доповненням до багатьох з них і сама нерідко була ними прикрашена. Музика, чудово вписалася в культуру людини і зміцнилася там назавжди, поширившись на всі боки його життя.
Список використаної літератури
1. Мамонтов, С.П. Основи культурологи [Текст] - М.: Олімп, 1999, 320 с.
2. Фіндейзен, Н.Ф. Нариси з історії музики в Росії з найдавніших часів до кінця XVIII століття, тт. 1-2. М. - Л., 1928-1929
3. Асафьев, Б. Російська музика XIX і початку XX століття. - 2-е вид. / Б. Асаф 'єв - Л.: Музика, Ленінград. від., 1979. - 341 с.
5. Музична естетика країн Сходу [Електронний ресурс]. ̶ 1 електрон, опт. диск (CD-ROM)
6. Антична музична естетика [Електронний ресурс]. ̶ 1 електрон, опт. диск (CD-ROM)
7. Каган, М.С. Музика у світі мистецтв [Текст] - Санкт-Петербург, 1996, 232
8. Конен, В. Народження джазу [Текст] - М., 1984, 342 с.
9. Гошовський, В.Л. Біля джерел народної музики слов'ян (нариси з музичного слов'янознавства) [Текст] - М., 1972.
10. Бюхер, К. Робота і ритм [Текст] - М., 1923
11. Харлап, М.Г. Народно-російська музична система і проблема походження музики. Ранні форми мистецтва [Текст] - М., 1972
12. Історія російської музики [Текст] - тт. 5-10. М., 1983-1997
[1] Мамонтов, С.П. Основи культурологи [Текст] - М.: Олімп, 1999, 320 с.
[2] Асафьев, Б. Російська музика XIX і початку XX століття. - 2-е вид. / Б. Асаф 'єв - Л.: Музика, Ленінград. від., 1979. - 341 с.
[3] Антична музична естетика [Електронний ресурс]. ̶ 1 електрон, опт. диск (CD-ROM)
[4] Бюхер, К. Робота і ритм [Текст] - М., 1923
[5] Харлап, М.Г. Народно-російська музична система і проблема походження музики. Ранні форми мистецтва [Текст] - М., 1972
[6] Гошовський, В.Л. Біля джерел народної музики слов'ян (нариси з музичного слов'янознавства) [Текст] - М., 1972
[7] Фіндейзен, Н.Ф. Нариси з історії музики в Росії з найдавніших часів до кінця XVIII століття, тт. 1-2. М. - Л., 1928-1929
[8] Історія російської музики [Текст] - тт. 5-10. М., 1983-1997
[9], В. Народження джазу [Текст] - М., 1984, 342 с.