Реферат
«Культура італійського Відродження»
Введення
У XIII столітті у світогляді та світосприйнятті італійців почалися зміни, завдяки яким досить скоро середньовіччя стало здаватися чимось далеким, чорним, а іноді і страшним. Саме середньовіччя не було таким однорідним темним шаром часу, як це уявлялося людям епохи Відродження і як ми уявляємо його сьогодні. Воно складалося з трьох епох, дуже сильно відрізнялися один від одного: «темні віки», коли на охололи руїнах покінчила самогубством Римської імперії панувало натуральне феодальне; висока епоха лицарства, яка в кінцевому підсумку кинула Європу на Схід, і, нарешті, осінь середньовіччя - час бюргерства, панування ремісничих і торгових міст, з якого і виросло Відродження.
Люди епохи Відродження відреклися від попередньої епохи, представляючи себе яскравим спалахом світла серед вічної темряви, незважаючи на те, що майже всім, чим вони мали у своєму розпорядженні, вони були зобов'язані саме середньовіччя. Цей емоційний сплеск зречення від минулого був не чим іншим, як спробою визначитися в часі і знайти своє місце. Відродження відчувало, що психологічно воно не схоже на середньовіччя, як не могло бути схоже світогляд флорентійського буржуа XV століття, власника банку і мануфактури, на образ думок замкненого у тісній напівтемній крамниці ремісника-цеховика.
Відродження проголосило себе наступником античності, не будучи таким насправді. Якщо середньовіччя виросло на залишках Риму, залишаючись носієм ідеї універсальної монархії, і сприймало античний світ як напівзабуте язичницьке минуле, то Ренесанс підняв прапор відродження великих традицій Риму та Греції як форму відмови від середньовіччя. Це була спроба самовизначення, яка не мала нічого спільного з справжнім вивченням античної спадщини. Люди Відродження вельми туманно уявляли собі цю давно пішла епоху і не прагнули будь-яким чином розширити або систематизувати свої знання в цій області. Вони, як діти вибирають іграшки в магазині, витягали окремі статуї, окремі фрески, окремі книги. Це була радше якась гра, цікавість до чогось, відмінному від середньовіччя, ніж серйозний інтерес.
Ренесанс перетворив Давній Рим у каменоломню в кар'єр для видобутку мармуру, статуй і архітектурних елементів, якими належало прикрасити прекрасні палаци і собори. Знаменитий архітектор Донато Браманте зводив новий Рим, нещадно знищуючи сліди античності, за що навіть серед сучасників отримав прізвисько Руйнівник. Тільки у 30-х роках XVI століття, вже на схилі Ренесансу, в Римі була утворена Вітрувіанській академія, члени якої стали описувати та обмеривать вцілілі античні споруди. Причому робилося це не з метою їх збереження, а щоб добути матеріал для написання коментарів до творів римського архітектора Вітрувія. Більш того, тільки відсутність відповідних технічних засобів не дозволили Папі Сіксту V в середині 80-х років XVI століття довершити справу своїх попередників і знести Колізей.
1. Література
Головною основою нового світогляду став гуманізм (від латинського «гуманус» - людяний) - система поглядів, основою якої стала особистість людини, її індивідуальність. Відтепер наріжним каменем мислення було світське вільнодумство і індивідуалізм, торжество людського розуму над вірою.
Життя флорентійського поета Данте Аліг'єрі стала кордоном між середньовіччям і Відродженням. Він був вихідцем із знатної дворянській сім'ї Аліг'єрі, належав до партії гвельфів, активно займався політикою і в 1300 році навіть був обраний пріором. Однак під час перевороту 1302 разом з іншими гвельфами Данте вигнали з Флоренції, і він залишок життя провів у вигнанні.
Данте Аліг'єрі присвятив більшість своїх творів Беатріче, жінці, яку він любив майже все своє життя, аж до своєї смерті, з тих пір, як вперше побачив її дев'ятирічної дівчинкою. Вона походила зі знатної флорентійської родини, була одружена з Симоном де Берді і померла 8 червня 1290 у віці 24 років. Данте записав хроніку взаємин з Беатріче в ліричній прозі «Нове життя» (1293), де описав свої зустрічі з нею, її красу і душевні якості, а також день, коли він дізнався про її смерть. В останньому розділі Данте присягнувся не писати більше жодного рядка про Беатріче до тих пір, поки не створить твір, гідне її пам'яті. Через багато років він виконав свою обіцянку, увічнивши її в «Божественної комедії».
Автор «Божественної комедії», створеної в 1307 - 1309 роках, відмовився від латині і на рідному тосканському говіркою оспівав муки пекла, чистилище і блаженство раю. Цей твір став основою всієї національної італійської літератури та літературної мови. Середньовіччя мислило чіткими схемами, підтвердженими традицією, і йому був чужий емоційний шквал, який обрушив Данте на своїх читачів. Вже в 2-ій половині XIV століття у Флорентійському університеті була відкрита спеціальна кафедра для тлумачення великого Данте.
У 1304 році в сім'ї флорентійського нотаріуса народився син - Франческо Петрарка, якому по силі літературного хисту судилося стати в один ряд з генієм Данте. Через 7 років сім'я перебралася до Пізи, де Петрарка зміг особисто познайомитися зі своїм великим співвітчизником. У наступному 1312 вони переїхали в Авіньйон, де через 10 років у церкві святої Клари Петрарка зустрів Лауру і закохався в неї до кінця життя. До того часу Лаура була вже 2 роки заміжня за знатним авіньйонських дворянином. Вона померла в 1348 році, але аж до смерті поета служила джерелом його натхнення. Петрарка присвятив Лаурі «Канцоньєре» - книгу сонетів, що оспівують безсмертну любов чоловіка і жінки.
Образи Беатріче і Лаури у творчості Данте і Петрарки, безсумнівно, мають провансальські коріння і сходять до куртуазної поезії, що оспівує неземну любов до заміжньої дами. Ці жінки були скоріше музами, які допомогли поетам досягти вершин любовної лірики, ніж реальними об'єктами пристрасті. І в Данте, і в Петрарки були сім'ї і багато дітей. У своїй творчості обидва поета розвивали ідею чистої абсолютної любові, введену в обіг Платоном. Тим не менш, вони обидва були земними людьми. Біографи повідомляють, що Данте відрізняла ненаситна жага слави, а егоїзм Петрарки вражав оточували його людей.
Франческо Петрарка багато часу віддавав вивченню латинської літератури, він створив унікальне зібрання класичних римських текстів, рівного якому не було. Він вивчив грецьку мову, але врешті-решт віддав перевагу римській культурі, не дивлячись на те, що вона повністю була побудована на еллінських запозиченнях. Написані ним філософські трактати свідчать, що саме Франческо Петрарка був батьком італійського гуманізму.
Ще за життя Петрарка був удостоєний всіх можливих почестей - Римський сенат і Паризький університет увінчали його золотим поетичним вінком, Венеціанська республіка оголосила його самим великим поетом сучасності, а німецький імператор звів його в графський титул. Як Петрарку, так і Боккаччо обезсмертили твори, написані на їх рідній мові, але загальноєвропейську популярність у сучасників вони отримали завдяки своїм латинської палеографії книгам. Франческо Петрарку цінували як автора творів про римській літературі та історії, а Боккаччо шанували не як творця «Декамерона», а як людини, що написала моралістські трактати «Про поневіряння знаменитих чоловіків» і «Про славних жінок». Істинне значення їх творчості було гідно оцінено тільки нащадками.
Джованні Боккаччо, як і його попередники в своїй творчості віддав данину образу прекрасної дами. Його ідеалом була принцеса Марія, побічна дочка короля Роберта Анжуйського, з якою він познайомився під час перебування в Неаполі. Під ім'ям Фьямметти Боккаччо зобразив її в романах «Филоколо» (1336), «Фьямметта» (1341) і в поемі «Филострато» (1338). Вершиною творчості письменника стала збірка «Декамерон», що складається з 100 романтичних новел, реалістично передають життя італійців XIV століття. «Декамерон», написаний під час страшної епідемії чуми у Флоренції, став гімном життєствердною сили людини. У цьому творі Боккаччо заклав основи вільної світської літератури.
2. Мистецтво
Італійці не сприйняли ламаний силует готичного храму, так добре вписався в природу і світогляд людей на півночі від Альп, і створили свій власний стиль архітектури, основою якого стало поєднання колони з напівкруглою аркою. Завдяки швидкому розвитку математики стало можливим прорахувати не тільки аркове перекриття, а й величезні куполи соборів, що піднялися над італійськими містами і стали домінуючою частиною їх ландшафту. Стиль майстрів Відродження настільки сильно відрізняється від готичної школи не тому, що люди раптом навчилися «добре малювати». Проблема набагато складніше. Люди середньовіччя просто не бачили того, що стало доступно з початком Відродження, і не відчували потребу писати якось інакше, оскільки їх психологія була зовсім іншою. Тільки корінні зміни світогляду та світовідчуття явили світу ту внутрішню потребу створювати таке мистецтво і духовну здатність сприймати подібні твори. Якщо для середньовічного іконописця саме тіло не мало ніякого значення, оскільки він розглядав його тільки як тілесний носій духу, то для художника Відродження людські душа і тіло злилися воєдино і стали нероздільні.
Тому найбільш революційні зміни відбулися саме в живописі. Якщо в історії Європи вже були і куполи, і оголені статуї, то перетворення в живописі були унікальні. Вперше на картинах з'явився не просто задній план, а горизонт як символ нескінченності простору. Тепер картина перестала бути «розфарбованим рельєфом» і перетворилася у вікно, яке вело в інший світ, вражав своєю реальністю. Боротьба між фрескою і станкової олійним живописом завершилася повною перемогою останньої. Сама фреска перестала бути плоскою і наповнилася обсягом, який розширював межі приміщення до нескінченності. Наповнена червоним, жовтим і чорним кольором площини і тілесності палітра античності поступилася місцем пануванню блакитних та зелених відтінків безкрайнього простору. Цей перехід повністю завершується у венеціанців Джорджоне і Тиціана, після чого Велика художня революція пожинає плоди своїх перемог аж до кінця XIX століття.
Архітектор Філіпа Брунеллески розробив математичні закони лінійної перспективи. Вона була досить складна, і часто художники раннього Відродження замовляли архітекторам прораховувати, проектувати ескізи їхніх картин. Масляні фарби значно спростили складання ескізу, оскільки з'явилася можливість замість лінійної перспективи використовувати атмосферну. П'єро делла Франческа першим використав масляні фарби для створення об'ємного зображення, і з тих пір глибина картини створювалася не графічними методами, а художніми.
Після довгої перерви в образотворчому мистецтві, спочатку в скульптурі, а потім і в живописі, знову з'являється оголена натура. Античний світ зображував виключно оголене тіло, насолоджуючись пропорціями і вбачаючи в ньому лише площину, прикрашену розвиненою мускулатурою, яку голова вінчала тільки тому, що вона була частиною цього тіла. Історія довела творчість античних скульпторів до логічного завершення, позбавивши їх творіння голів з нічого не виражали особами-масками. Середньовіччя не цікавилося людським тілом як таким, вважаючи його бренной матеріальною оболонкою. Йому були однаково чужі як оголена натура, так і портрет. Мистецтво Відродження зайнялося і тим, і іншим, але на відміну від античності додало оголеного тіла зовсім інше значення.
Грецькі скульптори відкрито, при світлі дня вивчали свої натури на спортивних змаганнях, та їх цікавила тільки гра м'язів під шкірою натурників. Художники Відродження таємно ночами анатомували викрадені з цвинтаря трупи, намагаючись знайти в них залишки душі. У своїх заняттях анатомією Леонардо да Вінчі керувався метою зрозуміти, як влаштоване людське тіло, осягнути його природу, інакше він не міг правильно зобразити його. Наскільки статуї Мікеланджело сповнені емоцій, настільки повністю бездушна антична скульптура. Якщо Ренесанс висловив в камені квінтесенцію своєї бунтівної ісхлестанной емоціями душі, то античність залишила купу чудово виконаних кам'яних торсів, позбавлених будь-якої думки чи спонукання.
Батьківщиною італійського Проторенессанса стала провінція Тоскана, де в середині XIII століття почав працювати сієнський скульптор Нікколо Пізано. Близько 1260 року він виконав кафедру баптістерія в Пізі. У своїх скульптурах Пізано використовував античні мотиви, що вперше стали Робити сицилійські майстри при дворі німецького імператора Фрідріха II.
Засновником Флорентійської школи живопису вважається жив у 2-й половині XIII століття Джованні Чимабуе, що пройшов вишкіл у грецьких іконописців. Його картини ще позбавлені перспективи, фігури плоскі, але деякі з них вже об'єднані спільною композицією. Найвидатнішим учнем Чимабуе був один із найвидатніших художників Проторенессанса Джотто ді Бондоне. У молодості він був простим пастухом, але одного разу Чимабуе побачив його малюнки і забрав хлопця до себе. Джотто зміг майже повністю позбавитися від впливу греків і першим в Італії почав писати портрети. Все своє життя художник подорожував, виконуючи замовлення в різних містах Італії. Найбільш знаменитої його роботою стали розписи капели дель Арена в Падуї. У старості Джотто повернувся на батьківщину, де проявив себе як видатний архітектор. Він керував будівництвом знаменитого Флорентійського собору. Головною заслугою Джотто було те, що він зміг вдихнути життя в живопис і, відмовившись від будь-яких канонів, зображати реальних людей. У своїх фресках Джотто першим застосував перспективу, зробивши зображення об'ємним. Протягом століття після його смерті у Флоренції не було настільки талановитого живописця.
Сієна була давньою суперницею Флоренції, і саме тут народився молодший сучасник Джотто художник Дуччо ді Буонінсенья. Однак незабаром Дуччо покинув батьківщину і більшу частину життя провів у Флоренції. На відміну від Джотто Дуччо не порвав з грецької традицією і продовжував слідувати візантійським канонам. Вершиною його творчості стала вівтарна картина «Маеста», присвячена Мадонні.
Учнем Дуччо був Сімоне Мартіні. У молодості він працював при дворі неаполітанського короля Робера Анжуйського, де зазнав досить сильний вплив французької готики. Мартіні вдалося відкинути грецькі канони і навчитися майстерно використовувати колір. У середині XIV століття він на запрошення Бенедикта XII розписував папський палац в Авіньйоні. Так він познайомився з Петраркою і долучив до італійської манері листи багатьох західноєвропейських художників. Серед його робіт найбільш значними вважаються: картина «Благовіщення» та фрески в палаццо Пуббліко в Сієні.
Флорентійський скульптор Донателло був тим майстром, який поклав початок кварточенто - епохи раннього
Відродження. Будучи близьким другом архітектора Брунеля-волосіні, він першим зміг втілити в камені втрачені ідеали античності. Після тисячолітнього перерви Донателло став зображати оголену натуру, відродив закони пропорції і скульптурний портрет, почав відливати бронзові статуї. Він сміливо порвав з готичною традицією, згідно з якою статуя повинна була стояти в ніші. Багато часу Донателло віддав прикрасі Флорентійського собору, потім працював у Падуї, де створив знаменитий вівтар собору Сан Антоніо. У 1447-1453 роках скульптор відлив бронзову статую Гаттамелати - перший кінний пам'ятник епохи Відродження. Виконана в останні роки життя бронзова група «Юдиф і Олоферн» стала символом торжества античних принципів скульптури над готикою.
Коли Донателло вже був 14-річним юнаком, у Флоренції народився художник, ім'я якого сучасники і нащадки поставили в один ряд з великим Джотто. Незважаючи на те, що Мазаччо не вчився ні в Брунеллески, ні в Донателло, їх творчість мала найглибше вплив на живописця. Найбільш повно його талант розкрився у фрескового живопису, де він використовував розроблений Брунеллески принцип лінійної перспективи. Найвідомішою його роботою є розписи капели Бранкаччи у Флоренції. У 1428 році він виїхав до Риму, де дуже скоро був отруєний заздрісниками.
У середині XV століття високе мистецтво не було обмежено міськими стінами Флоренції, за її межами творили безліч талановитих художників. Вивчившись у флорентійців, П'єро делла Франческа працював у містах Центральної Італії. На відміну від своїх вчителів, роботи яких будувалися в суворій відповідності з математичними законами лінійної перспективи, П'єро створював ілюзію глибини за допомогою вмілого використання кольору і тіні. Він першим у повну силу застосував закони світлотіні в поєднанні з правильно підібраними відтінками Кольори. З 1452 по 1466 П'єро делла Франческа працював над розписом капели в церкві Сан-Франческо в Ареццо. Ці фрески стали вершиною творчого генія художника. Найбільш знаменитими з цих розписів стали: «Зустріч Соломона з царицею Савської» і «Сон імператора Костянтина».
У Венеції основоположником живопису раннього Відродження став художник Якопо Белліні. У юності він був учнем умбрийского художника Джеіле та Фабріано, який писав у готичному стилі. Однак у 1423 році Якопо потрапив до Флоренції, де відчув сильний вплив творчості Донателло і Мазаччо. Через 5 років Белліні повернувся до Венеції і швидко зарекомендував себе як видатний живописець. Широке використання золота в картині «Мадонна», створеної у 1438 році, свідчить про значний вплив візантійського мистецтва. Найбільший інтерес представляють малюнки Белліні, виконані близько 1450 року, два альбоми яких знаходяться у Луврі та Британському музеї.
Якопо Белліні став засновником династії художників, з яких найбільш прославили своє ім'я його середній син Джентіле і молодший - Джованні. Джентіле Белліні відомий своїми портретами та багатофігурними картинами, передають життя Венеції. У 1479 дож послав Джентіле до Константинополя як придворного живописця султана Мехмеда II. Найбільш відомою роботою цього періоду творчості митця є: «Портрет Магомета II» (1480) і «Портрет турецького хлопчика» (1479-1480). Стиль Джентіле відчував сильний вплив турецької мініатюри, що виявилося в його більш пізніх роботах, наприклад «Портрет дожа Джованні». Найбільш відомими роботами Джентіле Белліні є великі полотна, що зображають сцени з життя Венеції, написані на замовлення школи Сан Джованні Євангеліста «Процесія Святого Хреста на площі святого Марка» (1496) і «Чудо Святого Хреста» (1500).
Роботи Джованні Белліні перетворили Венецію в центр мистецтва Ренесансу, порівнянний з Флоренцією та Римом. Незважаючи на те, що його самі знамениті твори, виконані для залу Великої Ради в Венеції, загинули під час пожежі в 1577 році, збереглася велика кількість належних йому вівтарних розписів, наприклад, у церкві Сан Джованні і Паоло. Джованні Белліні випробував на собі вплив живописця П'єро делла Франческо, яке остаточно визначило стиль його живопису. Як і флорентійський художник Мазаччо, Белліні є дивним майстром світлотіні, його твори відрізняються дивовижною насиченістю колориту і поетичної тонкістю трактування пейзажу. Молодший Белліні створив власну школу живопису і йому пощастило побачити результати своєї праці. Серед його учнів були прославлені живописці Джорджоне і Тіціан.
У 2-ій половині XV століття з Фландрії до Італії проник секрет виготовлення масляних фарб. До цього італійці писали темперою, тобто фарбами, де сполучною емульсією були натуральні речовини. Використання ж масла відкрило перед художниками набагато більш багату палітру і невичерпні можливості творчості. Саме це багато в чому пояснює той злет, який пережила італійський живопис в епоху Високого Відродження.
Протягом всього XV століття Флоренція, як і раніше залишалася центром італійського мистецтва. Класичним прикладом цього є творчість скульптора Андреа Верроккьо, який виховав безліч великих художників, в числі яких були Леонардо да Вінчі і П'єтро Перуджіно. Верроккьо почитав Донателло, але як учень далеко перевершив свого вчителя. Піком його натхнення стала бронзова кінна статуя кондотьєра Бартоло Коллеони, встановлена у Венеції (1479 - 1488). З живописних робіт Верроккьо найбільш знамените полотно «Хрещення Христа» (близько 1470), на якому фігура одного з ангелів належить пензлю молодого Леонардо да Вінчі.
Закінчивши навчання у Верроккьо, П'єтро Перуджіно заснував власну школу в рідній Перуджі. Незабаром він став одним з найзнаменитіших італійських художників і був запрошений Папою Сикстом IV для розпису Сікстинської капели. Серед належать його пензля шедеврів найбільш значні картина «Оплакування Христа» і фреска «Передача ключів апостолу Петру».
Творчість флорентійця Сандро Боттічеллі стало сполучною ланкою між раннім і Високим Відродженням. У молодості він також відвідував майстерню Верроккьо. Якщо протягом всього XV століття в Італії було прийнято зображати людську голову в профіль, то Боттічеллі сміливо порвав з цією традицією і розгорнув персонажі своїх картин обличчям до глядача. Взагалі, цьому художнику було властиво ламати старі канони і усталені норми. Так він свідомо відкидав перспективу і писав у кілька архаїчної манері, оскільки вважав, що вона є ознакою індивідуалізму. З 1481 року протягом кількох років на запрошення Сикста IV Боттічеллі керував розписом Сікстинської капели, а потім повернувся додому. Під час панування у Флоренції Савонароли художник пережив глибокий душевну кризу і навіть публічно спалив кілька своїх робіт. У 1500 році Боттічеллі не зміг перенести появи нової плеяди митців і перестав писати. Він прожив ще десять років, занурений в глибоку депресію через неможливість створити щось нове, і помер в 1510 році, майже повністю забутий сучасниками. Серед досить великого творчої спадщини Боттічеллі, по достоїнству оціненого нащадками, особливо виділяються полотна: «Поклоніння волхвів» (1475-1478), «Весна» (1477-1478), «Народження Венери» (1483-1484) і фрески «Сцени з життя Мойсея »в Сикстинській капелі (1481-1482).
Справжній розквіт культури італійського Ренесансу припав на один з найважчих і кривавих періодів історії країни. Саме смутна і кривава 1-а половина XVI століття стала епохою Високого Відродження, часом, коли в Італії творили найвидатніші художники.
Особистість Леонардо да Вінчі, який ще за життя став загадкою для сучасників і нащадків, поєднувала в собі численні обдарування. Крім того, що він був геніальним живописцем, Леонардо прославився як чудовий військовий інженер і талановитий музикант, а його записи свідчать про глибоке знання механіки, біології та медицини. Серед його залишилися незатребуваними винаходів були велосипед, парашут, вертоліт і прообраз танка.
Після навчання у Верроккьо у Флоренції Леонардо да Вінчі переїхав в Мілан до двору Людовика Моро. У Мілані він працював над гігантською кінною статуєю герцога Сфорца, яка так і залишилася незакінченою, написав «Мадонну в гроті» і «Мадонна Літта». В цей же час Леонардо створив знамениту розпис «Таємну вечерю» в трапезній монастиря Санта Марія делла Граціє. Після вторгнення французької армії да Вінчі покидає Мілан і в якості військового інженера поступає на службу до Чезаре Борджіа. Потім він повернувся до Флоренції, де в 1503-1506 роках створив знамениту свою картину - «Мону Лізу дель Джоконду», яка сьогодні зберігається в Луврі як найдорогоцінніший експонат.
Покинувши Флоренцію, він на деякий час оселився в Мілані, а потім перебирається до Риму до двору Папи Лева Х-
Проте понтифік не приділив Леонардо да Вінчі ніякої уваги, віддаючи перевагу більш молодим Рафаелю і Мікеланджело. Розчарований художник написав свою останню картину - «Святий Іоанн Хреститель», після чого в 1516 році прийняв запрошення короля Франциска I і назавжди переселився до Франції. Влаштувавшись у подарованому йому королем замку Клу в Амбуазе на березі річки Луара, Леонардо продовжував займатися наукою, проектував різні інженерні споруди та систематизував свої нотатки, маючи намір написати книгу. Тут забутий на батьківщині геній помер в 1519 році серед загального пошани і поваги французів.
Мікеланджело Буонаротті в ранній молодості прибув до Флоренції і почав навчатися скульптурі. Дуже скоро він був прийнятий при дворі Лоренцо Прекрасного і отримав можливість вивчати так звані «Сади Медічі» - чудове зібрання античних статуй. Під впливом цієї колекції в 1496 році він створив скульптурну групу «Вакх з сатиром», яка стала першим пластичним зображенням античного божества майстром епохи Відродження. Після короткочасного перебування в Римі в 1501 році Мікеланджело повернувся у Флоренцію і створив 5,5-метрову мармурову статую "Давид", яку захоплені городяни встановили на площі перед ратушею.
У 1505 році Папа Юлій II запросив Мікеланджело до Риму для спорудження своєї гробниці. Ще в 1480 році римляни виявили збереглися підвали Золотого Будинку імператора Нерона, розписані прекрасними фресками. Тепер же Мікеланджело очолив розкопки руїн античного Риму, метою яких був пошук грецьких і римських статуй. Майже відразу ж робітники виявили стала знаменитою скульптурну групу «Лаокоон».
У 1508 році Юлій II наказав Мікеланджело призупинити роботу над гробницею й розписати плафон (стеля) Сікстинської капели. Незважаючи на те, що скульптор Раніше не писав фрески, протягом 4 років він створив не презоіденний шедевр, що став справжньою перлиною Ваікана. Розписуючи плафон, Мікеланджело зіпсував себереніе і сильно пошкодив фігуру. У 1516 році новий Папа Лев X направив «келанджело до Флоренції, де скульптор пропрацював майже 20 років. Він займався будівництвом і оздобленням фамільної усипальниці Медічі, прибудованої до церкви Сан-Лоренцо. У 1534 році Мікеланджело повернувся в Рим, розорений вторгненням 1527 року. На замовлення Павла III він продовжив роботи в Сикстинській капелі, створивши на вівтарній стіні фреску «Страшний суд», яка була написана замість сколених розписів Перуджіно. Закінчивши цю роботу, Мікеланджело очолив будівництво грандіозного собору святого Павла, який був ще 30 років тому закладено архітектором Донате Браманте. Мікеланджело Буонарроті помер, так і не закінчивши роботу, яка була завершена тільки в 1590 році. Після смерті скульптора 18 лютого 1564 флорентійці буквально викрали з Риму тіло свого великого співвітчизника і з великими почестями поховали його в рідному місті в склепі церкви Санта Кроче.
Рафаель Санті був однаково чужий як науковим пошукам холодного да Вінчі, так і творчим муках бунтаря Мікеланджело. Його урівноважений гармонійний характер і геніальне дарування дали світові приклад безтурботного світлого мистецтва. З 1500 по 1504 рік він був учнем П'єтро Перуджіно, після цього він кілька років провів у Флоренції, спостерігаючи за роботою Леонардо да Вінчі і Мікеланджело, набираючись досвіду і виробляючи власний неповторний стиль. Тут він створив перші великі полотна "Мадонна Грандука» і «Мадонна зі щегленком», які принесли молодому красеню широку популярність, і в 1508 році за протекцією італійського архітектора До нато Браманте він прибув до Риму.
Відразу після приїзду Папа Юлій II доручив Рафаелю розпис своїх особистих покоїв - станс. Чудові розпису, що отримали назву «станси Рафаеля» назавжди обезсмертили ім'я художника. Протягом 1508 -1517 років він розписав 3 кімнати фресками, серед яких найбільш відомі «Афінська школа», «Вигнання Іліодора» і «Пожежа в Борго». Одночасно Рафаель написав безліч картин: «Мадонна Альба» (1511), «Мадонна ді Фоліньо» (1512), «Мадонна в кріслі» (1514) та інші полотна. Вершиною його творчості стала «Сикстинська мадонна», над якою Рафаель працював протягом 2 років (1513 - 1514). Після смерті свого родича Браманте в 1514 році Папа доручив Рафаелю керівництво зведенням собору святого Павла. Два роки пізніше художник був призначений доглядачем всіх античних старожитностей Риму. Використовуючи мотиви фресок, виявлених в «гротах» (так називали підвали Золотого Будинку Нерона), в 1518-1519 роках Рафаель розписав лоджії папського палацу Бельведер, побудованого Браманте. Ці розписи збереглися в історії як «лоджії Рафаеля». Майже відразу ж після закінчення робіт у Бельведері Рим накрила чергова хвиля епідемії чуми. Серед її численних жертв опинився і Рафаель Санті, який помер 6 квітня 1520 року в віці 37 років.
У Венеції в XV столітті мистецтво Високого Відродження розвивалося дещо по іншим законам, ніж у Римі. Якщо флорентійські художники створювали на полотнах різко окреслені гладкі поверхні, то венеціанці придумали техніку видимого мазка. На їхніх картинах можна було розгледіти окремі мазки пензля, що свідчило про абсолютно новий сприйнятті живопису. Якщо раніше художники прагнули копіювати природу, то венеціанці почали створювати її. Видимий мазок став свого роду міткою, подібно друку Господа Бога, яка лежить на всіх його творах.
Остаточно своєрідність венеціанської школи живопису оформилося у творчості Джорджоне. Він став першим світським художником у Венеції, почавши писати картини на міфологічні та побутові теми. Джорджоне сміливо зображував оголене тіло, навчився майстерно передавати настрій природи. Завдяки особливому методу розподілу фарб і гри відтінків, його полотна здаються заповненими повітрям і світлом. Художнику було відпущено всього 10 років плідної роботи, за які він встиг створити безліч шедеврів, серед яких особливо виділяються: «Юдіф» (1500), «Гроза» (1506), «Спляча Венера» (1507) і «Сільський концерт» (1508 ). У 1510 році він загинув під час епідемії чуми.
Джорджоне помер молодим, і його повністю затьмарила гримляча слава Тиціана. Обидва художники були майже ровесниками, але гучний успіх Тиціана Вечелліо, який прожив понад 90 років, затьмарив славу вчителя, у якого він перейняв настільки багато. Тільки в середині XIX століття європейці з подивом «відкрили» Джорджоне, що залишався забутим протягом більше 3 століть.
Спочатку Тіціан Вечелліо навчався у братів Белліні, а потім перейшов у майстерню Джорджоне. Після його смерті Тіціан виконав замовлення в Падуї - розписав церкву Скуола дель Санто, після чого повернувся додому. У 1516 році помер його перший учитель Джованні Белліні, і Тіціан успадкував його посаду художника Венеціанської республіки. Довгий час він працював у жанрі портрета, іноді «відволікаючись» на міфологічні сюжети - неперевершена «Що лежить Венера» (1538). У 1548 році імператор Карл V запросив Тиціана в Аугсбург, де майстер створив цілу галерею чудових портретів. Повернувшись додому, він занурився в атмосферу посилення влади католицтва і останні роки життя писав переважно для церкви - «Магдалина, що кається» (1565), «Святий Себастьян» (1570).
«Культура італійського Відродження»
Введення
У XIII столітті у світогляді та світосприйнятті італійців почалися зміни, завдяки яким досить скоро середньовіччя стало здаватися чимось далеким, чорним, а іноді і страшним. Саме середньовіччя не було таким однорідним темним шаром часу, як це уявлялося людям епохи Відродження і як ми уявляємо його сьогодні. Воно складалося з трьох епох, дуже сильно відрізнялися один від одного: «темні віки», коли на охололи руїнах покінчила самогубством Римської імперії панувало натуральне феодальне; висока епоха лицарства, яка в кінцевому підсумку кинула Європу на Схід, і, нарешті, осінь середньовіччя - час бюргерства, панування ремісничих і торгових міст, з якого і виросло Відродження.
Люди епохи Відродження відреклися від попередньої епохи, представляючи себе яскравим спалахом світла серед вічної темряви, незважаючи на те, що майже всім, чим вони мали у своєму розпорядженні, вони були зобов'язані саме середньовіччя. Цей емоційний сплеск зречення від минулого був не чим іншим, як спробою визначитися в часі і знайти своє місце. Відродження відчувало, що психологічно воно не схоже на середньовіччя, як не могло бути схоже світогляд флорентійського буржуа XV століття, власника банку і мануфактури, на образ думок замкненого у тісній напівтемній крамниці ремісника-цеховика.
Відродження проголосило себе наступником античності, не будучи таким насправді. Якщо середньовіччя виросло на залишках Риму, залишаючись носієм ідеї універсальної монархії, і сприймало античний світ як напівзабуте язичницьке минуле, то Ренесанс підняв прапор відродження великих традицій Риму та Греції як форму відмови від середньовіччя. Це була спроба самовизначення, яка не мала нічого спільного з справжнім вивченням античної спадщини. Люди Відродження вельми туманно уявляли собі цю давно пішла епоху і не прагнули будь-яким чином розширити або систематизувати свої знання в цій області. Вони, як діти вибирають іграшки в магазині, витягали окремі статуї, окремі фрески, окремі книги. Це була радше якась гра, цікавість до чогось, відмінному від середньовіччя, ніж серйозний інтерес.
Ренесанс перетворив Давній Рим у каменоломню в кар'єр для видобутку мармуру, статуй і архітектурних елементів, якими належало прикрасити прекрасні палаци і собори. Знаменитий архітектор Донато Браманте зводив новий Рим, нещадно знищуючи сліди античності, за що навіть серед сучасників отримав прізвисько Руйнівник. Тільки у 30-х роках XVI століття, вже на схилі Ренесансу, в Римі була утворена Вітрувіанській академія, члени якої стали описувати та обмеривать вцілілі античні споруди. Причому робилося це не з метою їх збереження, а щоб добути матеріал для написання коментарів до творів римського архітектора Вітрувія. Більш того, тільки відсутність відповідних технічних засобів не дозволили Папі Сіксту V в середині 80-х років XVI століття довершити справу своїх попередників і знести Колізей.
1. Література
Головною основою нового світогляду став гуманізм (від латинського «гуманус» - людяний) - система поглядів, основою якої стала особистість людини, її індивідуальність. Відтепер наріжним каменем мислення було світське вільнодумство і індивідуалізм, торжество людського розуму над вірою.
Життя флорентійського поета Данте Аліг'єрі стала кордоном між середньовіччям і Відродженням. Він був вихідцем із знатної дворянській сім'ї Аліг'єрі, належав до партії гвельфів, активно займався політикою і в 1300 році навіть був обраний пріором. Однак під час перевороту 1302 разом з іншими гвельфами Данте вигнали з Флоренції, і він залишок життя провів у вигнанні.
Данте Аліг'єрі присвятив більшість своїх творів Беатріче, жінці, яку він любив майже все своє життя, аж до своєї смерті, з тих пір, як вперше побачив її дев'ятирічної дівчинкою. Вона походила зі знатної флорентійської родини, була одружена з Симоном де Берді і померла 8 червня 1290 у віці 24 років. Данте записав хроніку взаємин з Беатріче в ліричній прозі «Нове життя» (1293), де описав свої зустрічі з нею, її красу і душевні якості, а також день, коли він дізнався про її смерть. В останньому розділі Данте присягнувся не писати більше жодного рядка про Беатріче до тих пір, поки не створить твір, гідне її пам'яті. Через багато років він виконав свою обіцянку, увічнивши її в «Божественної комедії».
Автор «Божественної комедії», створеної в 1307 - 1309 роках, відмовився від латині і на рідному тосканському говіркою оспівав муки пекла, чистилище і блаженство раю. Цей твір став основою всієї національної італійської літератури та літературної мови. Середньовіччя мислило чіткими схемами, підтвердженими традицією, і йому був чужий емоційний шквал, який обрушив Данте на своїх читачів. Вже в 2-ій половині XIV століття у Флорентійському університеті була відкрита спеціальна кафедра для тлумачення великого Данте.
У 1304 році в сім'ї флорентійського нотаріуса народився син - Франческо Петрарка, якому по силі літературного хисту судилося стати в один ряд з генієм Данте. Через 7 років сім'я перебралася до Пізи, де Петрарка зміг особисто познайомитися зі своїм великим співвітчизником. У наступному 1312 вони переїхали в Авіньйон, де через 10 років у церкві святої Клари Петрарка зустрів Лауру і закохався в неї до кінця життя. До того часу Лаура була вже 2 роки заміжня за знатним авіньйонських дворянином. Вона померла в 1348 році, але аж до смерті поета служила джерелом його натхнення. Петрарка присвятив Лаурі «Канцоньєре» - книгу сонетів, що оспівують безсмертну любов чоловіка і жінки.
Образи Беатріче і Лаури у творчості Данте і Петрарки, безсумнівно, мають провансальські коріння і сходять до куртуазної поезії, що оспівує неземну любов до заміжньої дами. Ці жінки були скоріше музами, які допомогли поетам досягти вершин любовної лірики, ніж реальними об'єктами пристрасті. І в Данте, і в Петрарки були сім'ї і багато дітей. У своїй творчості обидва поета розвивали ідею чистої абсолютної любові, введену в обіг Платоном. Тим не менш, вони обидва були земними людьми. Біографи повідомляють, що Данте відрізняла ненаситна жага слави, а егоїзм Петрарки вражав оточували його людей.
Франческо Петрарка багато часу віддавав вивченню латинської літератури, він створив унікальне зібрання класичних римських текстів, рівного якому не було. Він вивчив грецьку мову, але врешті-решт віддав перевагу римській культурі, не дивлячись на те, що вона повністю була побудована на еллінських запозиченнях. Написані ним філософські трактати свідчать, що саме Франческо Петрарка був батьком італійського гуманізму.
Ще за життя Петрарка був удостоєний всіх можливих почестей - Римський сенат і Паризький університет увінчали його золотим поетичним вінком, Венеціанська республіка оголосила його самим великим поетом сучасності, а німецький імператор звів його в графський титул. Як Петрарку, так і Боккаччо обезсмертили твори, написані на їх рідній мові, але загальноєвропейську популярність у сучасників вони отримали завдяки своїм латинської палеографії книгам. Франческо Петрарку цінували як автора творів про римській літературі та історії, а Боккаччо шанували не як творця «Декамерона», а як людини, що написала моралістські трактати «Про поневіряння знаменитих чоловіків» і «Про славних жінок». Істинне значення їх творчості було гідно оцінено тільки нащадками.
Джованні Боккаччо, як і його попередники в своїй творчості віддав данину образу прекрасної дами. Його ідеалом була принцеса Марія, побічна дочка короля Роберта Анжуйського, з якою він познайомився під час перебування в Неаполі. Під ім'ям Фьямметти Боккаччо зобразив її в романах «Филоколо» (1336), «Фьямметта» (1341) і в поемі «Филострато» (1338). Вершиною творчості письменника стала збірка «Декамерон», що складається з 100 романтичних новел, реалістично передають життя італійців XIV століття. «Декамерон», написаний під час страшної епідемії чуми у Флоренції, став гімном життєствердною сили людини. У цьому творі Боккаччо заклав основи вільної світської літератури.
2. Мистецтво
Італійці не сприйняли ламаний силует готичного храму, так добре вписався в природу і світогляд людей на півночі від Альп, і створили свій власний стиль архітектури, основою якого стало поєднання колони з напівкруглою аркою. Завдяки швидкому розвитку математики стало можливим прорахувати не тільки аркове перекриття, а й величезні куполи соборів, що піднялися над італійськими містами і стали домінуючою частиною їх ландшафту. Стиль майстрів Відродження настільки сильно відрізняється від готичної школи не тому, що люди раптом навчилися «добре малювати». Проблема набагато складніше. Люди середньовіччя просто не бачили того, що стало доступно з початком Відродження, і не відчували потребу писати якось інакше, оскільки їх психологія була зовсім іншою. Тільки корінні зміни світогляду та світовідчуття явили світу ту внутрішню потребу створювати таке мистецтво і духовну здатність сприймати подібні твори. Якщо для середньовічного іконописця саме тіло не мало ніякого значення, оскільки він розглядав його тільки як тілесний носій духу, то для художника Відродження людські душа і тіло злилися воєдино і стали нероздільні.
Тому найбільш революційні зміни відбулися саме в живописі. Якщо в історії Європи вже були і куполи, і оголені статуї, то перетворення в живописі були унікальні. Вперше на картинах з'явився не просто задній план, а горизонт як символ нескінченності простору. Тепер картина перестала бути «розфарбованим рельєфом» і перетворилася у вікно, яке вело в інший світ, вражав своєю реальністю. Боротьба між фрескою і станкової олійним живописом завершилася повною перемогою останньої. Сама фреска перестала бути плоскою і наповнилася обсягом, який розширював межі приміщення до нескінченності. Наповнена червоним, жовтим і чорним кольором площини і тілесності палітра античності поступилася місцем пануванню блакитних та зелених відтінків безкрайнього простору. Цей перехід повністю завершується у венеціанців Джорджоне і Тиціана, після чого Велика художня революція пожинає плоди своїх перемог аж до кінця XIX століття.
Архітектор Філіпа Брунеллески розробив математичні закони лінійної перспективи. Вона була досить складна, і часто художники раннього Відродження замовляли архітекторам прораховувати, проектувати ескізи їхніх картин. Масляні фарби значно спростили складання ескізу, оскільки з'явилася можливість замість лінійної перспективи використовувати атмосферну. П'єро делла Франческа першим використав масляні фарби для створення об'ємного зображення, і з тих пір глибина картини створювалася не графічними методами, а художніми.
Після довгої перерви в образотворчому мистецтві, спочатку в скульптурі, а потім і в живописі, знову з'являється оголена натура. Античний світ зображував виключно оголене тіло, насолоджуючись пропорціями і вбачаючи в ньому лише площину, прикрашену розвиненою мускулатурою, яку голова вінчала тільки тому, що вона була частиною цього тіла. Історія довела творчість античних скульпторів до логічного завершення, позбавивши їх творіння голів з нічого не виражали особами-масками. Середньовіччя не цікавилося людським тілом як таким, вважаючи його бренной матеріальною оболонкою. Йому були однаково чужі як оголена натура, так і портрет. Мистецтво Відродження зайнялося і тим, і іншим, але на відміну від античності додало оголеного тіла зовсім інше значення.
Грецькі скульптори відкрито, при світлі дня вивчали свої натури на спортивних змаганнях, та їх цікавила тільки гра м'язів під шкірою натурників. Художники Відродження таємно ночами анатомували викрадені з цвинтаря трупи, намагаючись знайти в них залишки душі. У своїх заняттях анатомією Леонардо да Вінчі керувався метою зрозуміти, як влаштоване людське тіло, осягнути його природу, інакше він не міг правильно зобразити його. Наскільки статуї Мікеланджело сповнені емоцій, настільки повністю бездушна антична скульптура. Якщо Ренесанс висловив в камені квінтесенцію своєї бунтівної ісхлестанной емоціями душі, то античність залишила купу чудово виконаних кам'яних торсів, позбавлених будь-якої думки чи спонукання.
Батьківщиною італійського Проторенессанса стала провінція Тоскана, де в середині XIII століття почав працювати сієнський скульптор Нікколо Пізано. Близько 1260 року він виконав кафедру баптістерія в Пізі. У своїх скульптурах Пізано використовував античні мотиви, що вперше стали Робити сицилійські майстри при дворі німецького імператора Фрідріха II.
Засновником Флорентійської школи живопису вважається жив у 2-й половині XIII століття Джованні Чимабуе, що пройшов вишкіл у грецьких іконописців. Його картини ще позбавлені перспективи, фігури плоскі, але деякі з них вже об'єднані спільною композицією. Найвидатнішим учнем Чимабуе був один із найвидатніших художників Проторенессанса Джотто ді Бондоне. У молодості він був простим пастухом, але одного разу Чимабуе побачив його малюнки і забрав хлопця до себе. Джотто зміг майже повністю позбавитися від впливу греків і першим в Італії почав писати портрети. Все своє життя художник подорожував, виконуючи замовлення в різних містах Італії. Найбільш знаменитої його роботою стали розписи капели дель Арена в Падуї. У старості Джотто повернувся на батьківщину, де проявив себе як видатний архітектор. Він керував будівництвом знаменитого Флорентійського собору. Головною заслугою Джотто було те, що він зміг вдихнути життя в живопис і, відмовившись від будь-яких канонів, зображати реальних людей. У своїх фресках Джотто першим застосував перспективу, зробивши зображення об'ємним. Протягом століття після його смерті у Флоренції не було настільки талановитого живописця.
Сієна була давньою суперницею Флоренції, і саме тут народився молодший сучасник Джотто художник Дуччо ді Буонінсенья. Однак незабаром Дуччо покинув батьківщину і більшу частину життя провів у Флоренції. На відміну від Джотто Дуччо не порвав з грецької традицією і продовжував слідувати візантійським канонам. Вершиною його творчості стала вівтарна картина «Маеста», присвячена Мадонні.
Учнем Дуччо був Сімоне Мартіні. У молодості він працював при дворі неаполітанського короля Робера Анжуйського, де зазнав досить сильний вплив французької готики. Мартіні вдалося відкинути грецькі канони і навчитися майстерно використовувати колір. У середині XIV століття він на запрошення Бенедикта XII розписував папський палац в Авіньйоні. Так він познайомився з Петраркою і долучив до італійської манері листи багатьох західноєвропейських художників. Серед його робіт найбільш значними вважаються: картина «Благовіщення» та фрески в палаццо Пуббліко в Сієні.
Флорентійський скульптор Донателло був тим майстром, який поклав початок кварточенто - епохи раннього
Відродження. Будучи близьким другом архітектора Брунеля-волосіні, він першим зміг втілити в камені втрачені ідеали античності. Після тисячолітнього перерви Донателло став зображати оголену натуру, відродив закони пропорції і скульптурний портрет, почав відливати бронзові статуї. Він сміливо порвав з готичною традицією, згідно з якою статуя повинна була стояти в ніші. Багато часу Донателло віддав прикрасі Флорентійського собору, потім працював у Падуї, де створив знаменитий вівтар собору Сан Антоніо. У 1447-1453 роках скульптор відлив бронзову статую Гаттамелати - перший кінний пам'ятник епохи Відродження. Виконана в останні роки життя бронзова група «Юдиф і Олоферн» стала символом торжества античних принципів скульптури над готикою.
Коли Донателло вже був 14-річним юнаком, у Флоренції народився художник, ім'я якого сучасники і нащадки поставили в один ряд з великим Джотто. Незважаючи на те, що Мазаччо не вчився ні в Брунеллески, ні в Донателло, їх творчість мала найглибше вплив на живописця. Найбільш повно його талант розкрився у фрескового живопису, де він використовував розроблений Брунеллески принцип лінійної перспективи. Найвідомішою його роботою є розписи капели Бранкаччи у Флоренції. У 1428 році він виїхав до Риму, де дуже скоро був отруєний заздрісниками.
У середині XV століття високе мистецтво не було обмежено міськими стінами Флоренції, за її межами творили безліч талановитих художників. Вивчившись у флорентійців, П'єро делла Франческа працював у містах Центральної Італії. На відміну від своїх вчителів, роботи яких будувалися в суворій відповідності з математичними законами лінійної перспективи, П'єро створював ілюзію глибини за допомогою вмілого використання кольору і тіні. Він першим у повну силу застосував закони світлотіні в поєднанні з правильно підібраними відтінками Кольори. З 1452 по 1466 П'єро делла Франческа працював над розписом капели в церкві Сан-Франческо в Ареццо. Ці фрески стали вершиною творчого генія художника. Найбільш знаменитими з цих розписів стали: «Зустріч Соломона з царицею Савської» і «Сон імператора Костянтина».
У Венеції основоположником живопису раннього Відродження став художник Якопо Белліні. У юності він був учнем умбрийского художника Джеіле та Фабріано, який писав у готичному стилі. Однак у 1423 році Якопо потрапив до Флоренції, де відчув сильний вплив творчості Донателло і Мазаччо. Через 5 років Белліні повернувся до Венеції і швидко зарекомендував себе як видатний живописець. Широке використання золота в картині «Мадонна», створеної у 1438 році, свідчить про значний вплив візантійського мистецтва. Найбільший інтерес представляють малюнки Белліні, виконані близько 1450 року, два альбоми яких знаходяться у Луврі та Британському музеї.
Якопо Белліні став засновником династії художників, з яких найбільш прославили своє ім'я його середній син Джентіле і молодший - Джованні. Джентіле Белліні відомий своїми портретами та багатофігурними картинами, передають життя Венеції. У 1479 дож послав Джентіле до Константинополя як придворного живописця султана Мехмеда II. Найбільш відомою роботою цього періоду творчості митця є: «Портрет Магомета II» (1480) і «Портрет турецького хлопчика» (1479-1480). Стиль Джентіле відчував сильний вплив турецької мініатюри, що виявилося в його більш пізніх роботах, наприклад «Портрет дожа Джованні». Найбільш відомими роботами Джентіле Белліні є великі полотна, що зображають сцени з життя Венеції, написані на замовлення школи Сан Джованні Євангеліста «Процесія Святого Хреста на площі святого Марка» (1496) і «Чудо Святого Хреста» (1500).
Роботи Джованні Белліні перетворили Венецію в центр мистецтва Ренесансу, порівнянний з Флоренцією та Римом. Незважаючи на те, що його самі знамениті твори, виконані для залу Великої Ради в Венеції, загинули під час пожежі в 1577 році, збереглася велика кількість належних йому вівтарних розписів, наприклад, у церкві Сан Джованні і Паоло. Джованні Белліні випробував на собі вплив живописця П'єро делла Франческо, яке остаточно визначило стиль його живопису. Як і флорентійський художник Мазаччо, Белліні є дивним майстром світлотіні, його твори відрізняються дивовижною насиченістю колориту і поетичної тонкістю трактування пейзажу. Молодший Белліні створив власну школу живопису і йому пощастило побачити результати своєї праці. Серед його учнів були прославлені живописці Джорджоне і Тіціан.
У 2-ій половині XV століття з Фландрії до Італії проник секрет виготовлення масляних фарб. До цього італійці писали темперою, тобто фарбами, де сполучною емульсією були натуральні речовини. Використання ж масла відкрило перед художниками набагато більш багату палітру і невичерпні можливості творчості. Саме це багато в чому пояснює той злет, який пережила італійський живопис в епоху Високого Відродження.
Протягом всього XV століття Флоренція, як і раніше залишалася центром італійського мистецтва. Класичним прикладом цього є творчість скульптора Андреа Верроккьо, який виховав безліч великих художників, в числі яких були Леонардо да Вінчі і П'єтро Перуджіно. Верроккьо почитав Донателло, але як учень далеко перевершив свого вчителя. Піком його натхнення стала бронзова кінна статуя кондотьєра Бартоло Коллеони, встановлена у Венеції (1479 - 1488). З живописних робіт Верроккьо найбільш знамените полотно «Хрещення Христа» (близько 1470), на якому фігура одного з ангелів належить пензлю молодого Леонардо да Вінчі.
Закінчивши навчання у Верроккьо, П'єтро Перуджіно заснував власну школу в рідній Перуджі. Незабаром він став одним з найзнаменитіших італійських художників і був запрошений Папою Сикстом IV для розпису Сікстинської капели. Серед належать його пензля шедеврів найбільш значні картина «Оплакування Христа» і фреска «Передача ключів апостолу Петру».
Творчість флорентійця Сандро Боттічеллі стало сполучною ланкою між раннім і Високим Відродженням. У молодості він також відвідував майстерню Верроккьо. Якщо протягом всього XV століття в Італії було прийнято зображати людську голову в профіль, то Боттічеллі сміливо порвав з цією традицією і розгорнув персонажі своїх картин обличчям до глядача. Взагалі, цьому художнику було властиво ламати старі канони і усталені норми. Так він свідомо відкидав перспективу і писав у кілька архаїчної манері, оскільки вважав, що вона є ознакою індивідуалізму. З 1481 року протягом кількох років на запрошення Сикста IV Боттічеллі керував розписом Сікстинської капели, а потім повернувся додому. Під час панування у Флоренції Савонароли художник пережив глибокий душевну кризу і навіть публічно спалив кілька своїх робіт. У 1500 році Боттічеллі не зміг перенести появи нової плеяди митців і перестав писати. Він прожив ще десять років, занурений в глибоку депресію через неможливість створити щось нове, і помер в 1510 році, майже повністю забутий сучасниками. Серед досить великого творчої спадщини Боттічеллі, по достоїнству оціненого нащадками, особливо виділяються полотна: «Поклоніння волхвів» (1475-1478), «Весна» (1477-1478), «Народження Венери» (1483-1484) і фрески «Сцени з життя Мойсея »в Сикстинській капелі (1481-1482).
Справжній розквіт культури італійського Ренесансу припав на один з найважчих і кривавих періодів історії країни. Саме смутна і кривава 1-а половина XVI століття стала епохою Високого Відродження, часом, коли в Італії творили найвидатніші художники.
Особистість Леонардо да Вінчі, який ще за життя став загадкою для сучасників і нащадків, поєднувала в собі численні обдарування. Крім того, що він був геніальним живописцем, Леонардо прославився як чудовий військовий інженер і талановитий музикант, а його записи свідчать про глибоке знання механіки, біології та медицини. Серед його залишилися незатребуваними винаходів були велосипед, парашут, вертоліт і прообраз танка.
Після навчання у Верроккьо у Флоренції Леонардо да Вінчі переїхав в Мілан до двору Людовика Моро. У Мілані він працював над гігантською кінною статуєю герцога Сфорца, яка так і залишилася незакінченою, написав «Мадонну в гроті» і «Мадонна Літта». В цей же час Леонардо створив знамениту розпис «Таємну вечерю» в трапезній монастиря Санта Марія делла Граціє. Після вторгнення французької армії да Вінчі покидає Мілан і в якості військового інженера поступає на службу до Чезаре Борджіа. Потім він повернувся до Флоренції, де в 1503-1506 роках створив знамениту свою картину - «Мону Лізу дель Джоконду», яка сьогодні зберігається в Луврі як найдорогоцінніший експонат.
Покинувши Флоренцію, він на деякий час оселився в Мілані, а потім перебирається до Риму до двору Папи Лева Х-
Проте понтифік не приділив Леонардо да Вінчі ніякої уваги, віддаючи перевагу більш молодим Рафаелю і Мікеланджело. Розчарований художник написав свою останню картину - «Святий Іоанн Хреститель», після чого в 1516 році прийняв запрошення короля Франциска I і назавжди переселився до Франції. Влаштувавшись у подарованому йому королем замку Клу в Амбуазе на березі річки Луара, Леонардо продовжував займатися наукою, проектував різні інженерні споруди та систематизував свої нотатки, маючи намір написати книгу. Тут забутий на батьківщині геній помер в 1519 році серед загального пошани і поваги французів.
Мікеланджело Буонаротті в ранній молодості прибув до Флоренції і почав навчатися скульптурі. Дуже скоро він був прийнятий при дворі Лоренцо Прекрасного і отримав можливість вивчати так звані «Сади Медічі» - чудове зібрання античних статуй. Під впливом цієї колекції в 1496 році він створив скульптурну групу «Вакх з сатиром», яка стала першим пластичним зображенням античного божества майстром епохи Відродження. Після короткочасного перебування в Римі в 1501 році Мікеланджело повернувся у Флоренцію і створив 5,5-метрову мармурову статую "Давид", яку захоплені городяни встановили на площі перед ратушею.
У 1505 році Папа Юлій II запросив Мікеланджело до Риму для спорудження своєї гробниці. Ще в 1480 році римляни виявили збереглися підвали Золотого Будинку імператора Нерона, розписані прекрасними фресками. Тепер же Мікеланджело очолив розкопки руїн античного Риму, метою яких був пошук грецьких і римських статуй. Майже відразу ж робітники виявили стала знаменитою скульптурну групу «Лаокоон».
У 1508 році Юлій II наказав Мікеланджело призупинити роботу над гробницею й розписати плафон (стеля) Сікстинської капели. Незважаючи на те, що скульптор Раніше не писав фрески, протягом 4 років він створив не презоіденний шедевр, що став справжньою перлиною Ваікана. Розписуючи плафон, Мікеланджело зіпсував себереніе і сильно пошкодив фігуру. У 1516 році новий Папа Лев X направив «келанджело до Флоренції, де скульптор пропрацював майже 20 років. Він займався будівництвом і оздобленням фамільної усипальниці Медічі, прибудованої до церкви Сан-Лоренцо. У 1534 році Мікеланджело повернувся в Рим, розорений вторгненням 1527 року. На замовлення Павла III він продовжив роботи в Сикстинській капелі, створивши на вівтарній стіні фреску «Страшний суд», яка була написана замість сколених розписів Перуджіно. Закінчивши цю роботу, Мікеланджело очолив будівництво грандіозного собору святого Павла, який був ще 30 років тому закладено архітектором Донате Браманте. Мікеланджело Буонарроті помер, так і не закінчивши роботу, яка була завершена тільки в 1590 році. Після смерті скульптора 18 лютого 1564 флорентійці буквально викрали з Риму тіло свого великого співвітчизника і з великими почестями поховали його в рідному місті в склепі церкви Санта Кроче.
Рафаель Санті був однаково чужий як науковим пошукам холодного да Вінчі, так і творчим муках бунтаря Мікеланджело. Його урівноважений гармонійний характер і геніальне дарування дали світові приклад безтурботного світлого мистецтва. З 1500 по 1504 рік він був учнем П'єтро Перуджіно, після цього він кілька років провів у Флоренції, спостерігаючи за роботою Леонардо да Вінчі і Мікеланджело, набираючись досвіду і виробляючи власний неповторний стиль. Тут він створив перші великі полотна "Мадонна Грандука» і «Мадонна зі щегленком», які принесли молодому красеню широку популярність, і в 1508 році за протекцією італійського архітектора До нато Браманте він прибув до Риму.
Відразу після приїзду Папа Юлій II доручив Рафаелю розпис своїх особистих покоїв - станс. Чудові розпису, що отримали назву «станси Рафаеля» назавжди обезсмертили ім'я художника. Протягом 1508 -1517 років він розписав 3 кімнати фресками, серед яких найбільш відомі «Афінська школа», «Вигнання Іліодора» і «Пожежа в Борго». Одночасно Рафаель написав безліч картин: «Мадонна Альба» (1511), «Мадонна ді Фоліньо» (1512), «Мадонна в кріслі» (1514) та інші полотна. Вершиною його творчості стала «Сикстинська мадонна», над якою Рафаель працював протягом 2 років (1513 - 1514). Після смерті свого родича Браманте в 1514 році Папа доручив Рафаелю керівництво зведенням собору святого Павла. Два роки пізніше художник був призначений доглядачем всіх античних старожитностей Риму. Використовуючи мотиви фресок, виявлених в «гротах» (так називали підвали Золотого Будинку Нерона), в 1518-1519 роках Рафаель розписав лоджії папського палацу Бельведер, побудованого Браманте. Ці розписи збереглися в історії як «лоджії Рафаеля». Майже відразу ж після закінчення робіт у Бельведері Рим накрила чергова хвиля епідемії чуми. Серед її численних жертв опинився і Рафаель Санті, який помер 6 квітня 1520 року в віці 37 років.
У Венеції в XV столітті мистецтво Високого Відродження розвивалося дещо по іншим законам, ніж у Римі. Якщо флорентійські художники створювали на полотнах різко окреслені гладкі поверхні, то венеціанці придумали техніку видимого мазка. На їхніх картинах можна було розгледіти окремі мазки пензля, що свідчило про абсолютно новий сприйнятті живопису. Якщо раніше художники прагнули копіювати природу, то венеціанці почали створювати її. Видимий мазок став свого роду міткою, подібно друку Господа Бога, яка лежить на всіх його творах.
Остаточно своєрідність венеціанської школи живопису оформилося у творчості Джорджоне. Він став першим світським художником у Венеції, почавши писати картини на міфологічні та побутові теми. Джорджоне сміливо зображував оголене тіло, навчився майстерно передавати настрій природи. Завдяки особливому методу розподілу фарб і гри відтінків, його полотна здаються заповненими повітрям і світлом. Художнику було відпущено всього 10 років плідної роботи, за які він встиг створити безліч шедеврів, серед яких особливо виділяються: «Юдіф» (1500), «Гроза» (1506), «Спляча Венера» (1507) і «Сільський концерт» (1508 ). У 1510 році він загинув під час епідемії чуми.
Джорджоне помер молодим, і його повністю затьмарила гримляча слава Тиціана. Обидва художники були майже ровесниками, але гучний успіх Тиціана Вечелліо, який прожив понад 90 років, затьмарив славу вчителя, у якого він перейняв настільки багато. Тільки в середині XIX століття європейці з подивом «відкрили» Джорджоне, що залишався забутим протягом більше 3 століть.
Спочатку Тіціан Вечелліо навчався у братів Белліні, а потім перейшов у майстерню Джорджоне. Після його смерті Тіціан виконав замовлення в Падуї - розписав церкву Скуола дель Санто, після чого повернувся додому. У 1516 році помер його перший учитель Джованні Белліні, і Тіціан успадкував його посаду художника Венеціанської республіки. Довгий час він працював у жанрі портрета, іноді «відволікаючись» на міфологічні сюжети - неперевершена «Що лежить Венера» (1538). У 1548 році імператор Карл V запросив Тиціана в Аугсбург, де майстер створив цілу галерею чудових портретів. Повернувшись додому, він занурився в атмосферу посилення влади католицтва і останні роки життя писав переважно для церкви - «Магдалина, що кається» (1565), «Святий Себастьян» (1570).