Імпресіонізм - протягом головним чином у французькій живопису, що характеризується прагненням передати засобами мистецтва швидкоплинні враження, багатство фарб, психологічні нюанси, рухливість і мінливість атмосфери навколишнього світу.

У другій половині минулого століття почала працювати група молодих художників. Вперше в історії мистецтва художники зробили для себе правилом писати не з майстерні, а під відкритим небом: на березі річки, в полі, в лісі.

Намагаючись максимально точно виразити свої безпосередні враження від речей, імпресіоністи створили новий метод живопису. Його суть полягала у передачі зовнішнього враження світла, тіні, рефлексів на поверхні предметів роздільними мазками чистих фарб, що зорово розчиняло форму у навколишній світло-повітряному середовищі. У улюблених своїх жанрах (пейзажі, портреті, багатофігурної композиції) вони прагнули передати свої швидкоплинні враження від навколишнього світу (сцени на вулиці, в кафе, замальовки недільних прогулянок і т. п.). Імпресіоністи змальовували життя, повну природної поезії, де людина перебуває в єдності з навколишнім середовищем, вічно мінливої, що вражає багатством і блисканням чистих, яскравих фарб.

Після першої виставки в Парижеві цих художників почали називати імпресіоністами, від французького слова «imdivssion» - «враження». Це слово підходило до їхнім роботам, тому що в них художники передавали своє безпосереднє враження від побаченого. Художники по-новому підійшли до зображення світу. Головною темою для них стали трепетне світло, повітря, у який як би занурені люди і предмети. У їхніх картинах почувався вітер, волога, нагріта сонцем земля. Вони прагнули показати дивне багатство кольору в природі. Імпресіонізм був останнім великим художнім рухом у Франції XIX століття.

Не можна сказати, що шлях художників-імпресіоністів був легкий. Спочатку їх не визнавали, їхній живопис була занадто сміливої ​​і незвичайний, над ними сміялися. Ніхто не хотів купувати їхніх картин. Але вони вперто йшли своїм шляхом. Ні бідність, ні голод не могли змусити їх відмовитися від своїх переконань.

Минуло багато років, багатьох з художників-імпресіоністів уже не було в живих, коли їх мистецтво було, нарешті, визнано.

У чому ж сутність імпресіонізму, його художнього методу? Імпресіоністи прагнули передати в своїх творах безпосереднє враження від навколишнього середовища - imdivssion, враження, перш за все від сучасного міста з його рухомий, імпульсивної, різноманітним життям. Це враження вони прагнули втілити на полотні, створивши живописними засобами ілюзію світла і повітря, багатою світло-повітряного середовища. Для цього вони розклали колір на весь спектр, намагаючись писати чистим кольором, не змішуючи його на палітрі і використовуючи оптичне сприйняття ока, що зливає на певній відстані окремі мазки в загальний живописний образ. Вони прагнули бути максимально наближеними до того, як той або інший предмет бачить людина.

У руслі цього напрямку працював один з найбільших французьких художників XIX століття Едуард Мане.

У 1863 Мане пише картину «Сніданок на траві», яка під назвою «Купання» була виставлена ​​в скандально відомому Салоні знедолених, де експонувалися твори, не прийняті офіційним журі. У тому ж році Мане пише «Олімпію».

Пізніше художник зближується з Золя, пише його портрет. У картині «Балкон» Мане, поєднуючи принципи побутового жанру з портретом, знову показує відчуженість людей один від одного. У 1874 на рік першої виставки імпресіоністів, Мане їде «в малу столицю імпресіонізму» Аржантьой, де працюють Клод Моне й Огюст Ренуар. Мазок в його картинах стає більш дробовим, здатним чуйно уловлювати і передавати нюанси мінливою життя природи.

Безпосередніми ученицями Мане були Б. Морізо, Є. Гозалес і М. Кессет, однак він справив значний вплив на всю групу художників-імпресіоністів.

Одним з представників імпресіонізму був Клод Моне.

Ще в юності, вступивши до коледжу Майерай в Гаврі, Моне отримує популярність завдяки своїм карикатурам, багато з яких зберігаються сьогодні в Художньому інституті в Чикаго.

Близько 1858 Моне знайомиться з Будьонного, роботи якого спочатку зовсім не вражають художника, але Буден підбадьорює його. Пізніше Моне скаже: «Я зрозумів і відчув, чим може бути живопис, тільки лише завдяки прикладу цього художника, закоханого в своє мистецтво і незалежність. Мені відкрилася моя доля живописця. "Визнавши схильність сина до мистецтва, батько Моне в 1858 році порушує клопотання перед муніципалітетом Гавра, щоб синові надали стипендію витончених мистецтв, яка пізніше дала б йому відправитися в Париж. Натюрморт, що супроводжує це прохання, був відхилений. Не чекаючи відповіді, в травні 1859 Моне їде до Парижа, щоб відвідати виставку в Палаці Промисловості. Моне не вступив у Школу Образотворчих Мистецтв, і батько відмовив йому в будь-якої матеріальної підтримки.

У Глейра Моне познайомився з Ренуаром, Сіслея, Базилем. Тут виробилися основи їх об'єднання. У січні 1865 Моне працює в майстерні Базиля, де він зустрів Пісарро і Сезанна. Пізніше Моне і Пісарро вирушили в Марлотт, де вони зустрілися з Ренуаром і Сіслея. Художники вдалося написати численні види лісу Фонтенбло. Камілла Донс, що позувала для Моне в цей час, через чотири роки стала його дружиною. Пізніше Моне написав велику картину в сяючій гамі, на світлому фоні - тут зображені кілька дівчат в його саду, єдиною моделлю для яких послужила Камілла. («Жінки в саду» Париж, Мюзе Д'Орсе).

Вирішивши створити «Міські етюди», у 1867 році Моне з балкона Лувру написав «Вид церкві Сен-Жерменл Оксеруа» і «Набережну Лувру». У 1868 році завдяки Буден Моне брав участь у Міжнародній Виставці в Гаврі. Після її закриття кредитори художника розкупили картини Моне.

Пізніше Моне виїхав до Лондона, але незабаром повернувся, проїжджаючи через Голландію, де написав безліч пейзажів. У 1875 році в Парижі була влаштована розпродаж 75 картин, 20 з яких належали Моне, проте аукціон зазнав невдачі. Фінансове становище художника ставало все більш критичним. Едуард Мане купив кілька картин, що дало Моне можливість оселитися в 1878 році на берегах Сени, де він пише безліч пейзажів.

Смерть Камілли 5 вересня 1879 похитнула нервову систему художника, але намагається піти в мистецтво і шукає усамітнення. У 1890 році Моне придбав будинок у Живерні. Він садить у своєму саду квіти і рідкісні рослини, будує маленький японський місток над ставком. Предметом його досліджень стає «миттєвість», що призводить до створення картин на один і той самий сюжет. У 1892 році він одружується на Алісі Ренго.

Поряд з Дега і Ренуаром, Моне був одним з небагатьох художників, чиї роботи були виставлені в Луврі ще за їхнього життя: у 1914 тут були показані 14 його картин.

Твори Моне представлені у всіх великих музеях світу, серед найвідоміших - музей Мармоттан в Парижі, музей д'орсе в Парижі, музей Метрополітен у Нью-Йорку, музей образотворчих мистецтв у Бостоні, Художній Інститут Чикаго, а також Ермітаж у Санкт-Петербурзі і Музей образотворчих мистецтв ім. А.С. Пушкіна в Москві.

Життєрадісне сприйняття світу, наявне в цілому всьому імпресіонізму, особливо чітко проявилося у творчості одного з найбільших представників цього напрямку Огюста Ренуара (1841-1919).

Його залучали молоді свіжі обличчя, природні, невимушені пози. У зроблених їм портретах немає психологічної глибини, але подібність з оригіналом у них установлено тонко.

З 1877 року у Ренуара вже було достатньо шанувальників, і художник не відчував потреби ні в чому, вперше в житті він міг займатися тим, що його приваблювало найбільше: писати для себе і подорожувати. Поїздка до Італії вплинула на творчість Ренуара, це помітно по його картині «Парасольки», він почав її в типовій імпресіоністської техніці, а після приїзду до Франції знову взявся за роботу, але фігури дівчаток вражають м'якістю ліній і свіжістю кольору.

Одне із значних полотен Ренуара - «Бал у саду Мулен де ла Галета». Художник начебто зафіксував своє миттєве враження від строкатої рухливої ​​маси людей. Важко на відстані розглянути кожен предмет у всіх деталях, і Ренуар малює лише в найзагальніших рисах, немов дивиться здаля. Він, як і інші імпресіоністи, відмовився від ретельного виписування форми кожного предмета, зосередивши увагу на передачі цієї форми в трепетних відблисках того чи іншого висвітлення.

Доля іншої картини Огюста Ренуара «В саду» незвичайна. Будучи однією з найбільш значних робіт Ренуара, вона ніколи не виставлялася і практично завжди залишалася невідомою публіці. Барбара Уайт, сучасна дослідниця його мистецтва пише про картину: «В саду» великий, але, тим не менш, інтимний полотно, завершений в 1885 році, - це остання картина, в якій він зображує любов сучасного чоловіка до сучасної жінки в оточенні природи, точно так само, як «Парасольки» ця картина стала останнім зображенням залицяння в міському варіанті ».

Ренуар шукав свій шлях, прагнув до точності малюнки й композиційного рішення, у виборі самого сюжету він був вільний. Сюжети, написані ним на тему театру або цирку, різко відрізнялися від імпресіоністів. Він намагався передати не психологічну гостроту будь-якого трюку або які-небудь сценки на театральних підмостках, а показати звичайного глядача в очікуванні святкового видовища. Це картини «Ложа», «Перший виїзд» і багато інших.

У 1890 році Ренуар страждав від ревматизму, а в 1912 році хвороба вже прикувала його до ліжка. Але навіть в інвалідному візку він продовжував писати, захоплюючись життям, красою навколишнього світу, і зайнявся також скульптурою, але параліч не дозволяв йому творити своїми руками, тому він керував своїми учнями. До того часу Ренуар вже був всесвітньо відомий.

Останні двадцять років свого життя Ренуар провів на півдні Франції в маленькому селі, де він і був похований.

Ряд

нових творчих задач поставив перед собою Едгар Дега (1834-1917).

Майбутній художник народився в сім'ї паризького банкіра, художню освіту отримав в Школі витончених мистецтв.

В кінці 1850-х років під час своєї першої подорожі до Італії художник вивчає і копіює також старих майстрів, а після повернення до Парижа пише ряд полотен на "історичні" - у традиційно-академічному розумінні - теми ("Спартанські дівчата викликають на змагання юнаків" , "Семіраміда закладає місто" тощо) Проте академічними в цих роботах були лише самі сюжети: стародавні греки мали у Дега вигляд сучасних парижан, а живопис відрізнялася свіжістю і внутрішньою свободою.

У 1860-і роки майстер створює серію чудових портретних образів, в яких вже яскраво проявилися такі характерні для Дега якості, як рідкісна правдивість у передачі моделі, об'єктивність, невіддільна від прихованої теплоти почуття, суворе благородство колориту, витонченість і енергія колірної нюансування.

1860 - 1870-ті роки - у чому переломні для французької культури XIX століття. Прагнення до сучасності художнього мови, пошуки нових засобів виразності пронизували в цей час поезію Бодлера, романи Флобера, Золя і Гонкурів, живопис Мане, Ренуара, Моне, Піссарро і інших молодих художників, що увійшли незабаром в історію мистецтва під ім'ям імпресіоністів. Дега приєднався до цього руху з самого початку його виникнення. Аристократично замкнутий, саркастичний, надзвичайно потайний в особистому житті, Дега був одержимий справжньою пристрастю до вивчення навколишньої дійсності. На відміну від інших імпресіоністів, він писав тільки фігурні композиції, але на зміну раннім портретів тепер приходять жокеї на конях, скачки, сценки в кафе і кабаре, модистки, прачки, балерини і жінки «за туалетом». У всіх цих образах затверджувалася нова, суто сучасна краса, невід'ємними рисами якої були правдивість, безпосередність і демократизм. Мабуть, найкраще про це сказав сам Дега в одному з сонетів, присвяченому його улюбленим персонажам - балеринам:

... Танцюй, красою не зваблюючи модною,

Полонять мордочкою своєї простонародної,

Чаруйте грацією з безсоромністю навпіл,

Ви принесли в балет бульварів обаянье,

Відвагу, новизну ...

Мета своєї творчості французький художник бачив у втіленні правди життя, яка була для нього занадто великою, щоб мати потребу в прикрашанні. Кожен його твір - підсумок тривалих спостережень і такий же наполегливої ​​роботи по їх втіленню в закінчений образ.

Протягом майже всього творчого шляху художник займався також скульптурою: ліпив з розфарбованого воску і глини статуетки рухомих коней, балерин у позиціях класичного танцю і жінок "за туалетом". (Після смерті Дега ці майже не відомі широкому глядачеві статуетки були переведені у бронзу.) На початку нашого століття через прогресуючу хворобу очей скульптура стала єдиним видом творчості майстра. Кінець його був трагічним: художник, вражав сучасників пильністю бачення, помер майже повністю осліпнув.

Одночасно з імпресіоністами в 80-х рр.. У Франції виступає зі своїми картинами голландець Винсент Ван-Гог (1853-1890).

Р оділся 30 березня 1853 в Гроот Зюндерт (Нідерланди) у родині кальвіністського священика. Три дядьки Вінсента займалися торгівлею творами мистецтва. За їхнім прикладом і під їх впливом в 1869 році він вступив до компанії «Гупіль», що продавала картини, і працював у її відділеннях у Гаазі, Лондоні й Парижі, поки в 1876 році не був звільнений за некомпетентність. У 1877 році Ван Гог приїхав в Амстердам вивчати богослов'я, але, провалившись на іспиті, вступив до місіонерську школу в Брюсселі і став проповідником у Боринаже, шахтарському районі Бельгії. У цей час він почав малювати. Зиму 1880-1881 років Ван Гог провів у Брюсселі, де вивчав анатомію й перспективу. Тим часом його молодший брат Тео поступив у відділення компанії «Гупіль» у Парижі. Від нього Вінсент одержував не тільки скромне утримання, але також і моральну підтримку, незважаючи на їх часті розбіжності в поглядах.

Ван Гог жив у повній самоті, харчувався лише хлібом і кавою та багато пив. За цих обставин візит Поля Гогена в жовтні 1888, якого Ван Гог чекав із нетерпінням, закінчився трагічним конфліктом. Естетична філософія Гогена була неприйнятна для Ван Гога; їхні суперечки ставали все більш напруженими і запеклішою. 24 грудня Ван Гог, втративши здатність контролювати себе, накинувся на Гогена, а потім відрізав собі вухо. У травні 1889 він добровільно оселився в психіатричній лікарні в Сен-Ремі. Протягом наступного року його розум часом прояснювався, і тоді він кидався писати, та ці періоди змінювалися депресією й бездіяльністю. У цей час він написав знамениті пейзажі з кипарисами й оливами, натюрморти з квітами та копіював за репродукціями картини своїх улюблених художників Мілле і Делакруа.

У травні 1890 Ван Гог відчув себе краще, покинув притулок і, повернувшись на північ, оселився в Овер-сюр-Уаз у доктора Поля Гаше, який цікавився мистецтвом і психіатрією. У Овере художник написав свої останні роботи - два портрети доктора Гаше (Париж, музей Д'Орсе, і Нью-Йорк, колекція Зигфріда Крамарскі). Останні картини Ван Гога - види пшеничних полів під спекотним тривожним небом, в яких він намагався виразити «смуток і крайнє самотність». Помер Ван Гог 27 липня 1890.

У мистецтві Ван Гога домінує всепоглинаюча потреба самовираження. У своїх кращих творах він виступає як перший і найбільш яскравий експресіоніст. Його страждання і боротьба з долею відбиті в яскравій прозі кількох сотень листів, адресованих в основному брату.

Пошуки свого особливого шляху в мистецтві характеризують і творчість Поля Гогена (1848-1903).

Ежен Анрі Поль Гоген народився в Парижі 7 червня 1848. У 1865 він приєднався до команди торгового судна і зробив декілька довгих морських подорожей. У віці 23 років почав успішну, але короткочасну ділову кар'єру в Парижі. Фінансові успіхи дозволили Гогену зайнятися колекціонуванням творів імпресіоністів. Гоген не отримав регулярного художньої освіти, якщо не рахувати декількох уроків, які йому дав імпресіоніст Каміль Піссарро. У 1883 він залишив комерційну діяльність, щоб повністю присвятити себе живопису; це призвело до злиднів і розриву з родиною. У 1887 Гоген здійснив подорож на острів Мартініка; під час перебування там він усвідомив, що для творчого натхнення потребує самотнього життя в гармонії з природою. У 1888 він якийсь час провів у Бретані. У своїх роботах, виконаних у Бретані, на противагу яскравим творів імпресіоністів, він зосередив увагу на зображенні суворої краси цієї місцевості і сценах з життя селян. В одній зі своїх найбільш відомих бретонських робіт - Бачення після проповіді (1888) художник акцентує площинність живописної поверхні, що, можливо, є результатом його знайомства з японською гравюрою. Кращі пейзажі Гогена і картина Жовтий Христос (1889) теж відносяться до бретонського періоду творчості.

У ці роки Гоген стає лідером нового напряму - синтетизму, прихильники якого по-новому використовували колір і форму, сміливо окреслюючи об'єкти, спрощуючи образи, зіставляючи великі ділянки чистого кольору для досягнення емоційного ефекту.

В кінці 1888 Гоген провів кілька місяців в Арлі разом з Ван Гогом, з яким познайомився в Парижі в 1886. Під час цієї поїздки він створив кілька прекрасних малюнків і полотен, але вона закінчилася сваркою, під час якої Ван Гог відрізав собі вухо; незабаром Гоген поїхав з Арля.

У початку 1891 Гоген влаштував аукціон своїх робіт, щоб на виручені гроші зробити подорож на острів Таїті. Розчарування у французькій колоніального життя змусило його попрямувати в глиб острова. У своїх картинах Гоген створив образи людей, що живуть в гармонії з природою, відчуття земного раю і золотого століття людства. Серед творів цього періоду його творчості - Мана Тупапау - Слідкуючий Дух мертвого (1892) і Таїтянські пасторалі (1893, Санкт-Петербург, Ермітаж).

Хвороба і злидні змусили Гогена в 1893 повернутися до Парижа. Двома роками пізніше він знов приїхав на Таїті. У своїх останніх роботах Гоген втілив образи ідеального життя поза часом і простором.

У 1898, майже позбавленої засобів до існування, у повному розпачі, Гоген намагався покінчити з собою. У 1901 він перебрався на острів Домінік (Маркізькі острови), де, хворий і самотній, помер 8 травня 1903

Альфред Сіслей (1839-1899). З появою картин Сіслея не пов'язане особливих сенсацій, але це анітрохи не знижує незаперечною цінності і своєрідності його творчості.

П про місцем народження і уподобань невіддільний від Франції , він, тим не менше, до кінця життя значився англійцем за походженням. Народжений у Парижі й вісімнадцяти років, посланий до Англії навчатися комерції, Альфред замість того захопився живописом.

Після повернення до Парижа Сіслей поступив в майстерню художника Глейра, де подружився з Клодом Моне і Огюстом Ренуаром. Скоро розчарувавшись в академічному навчанні, всі четверо кидають заняття у Глейра. Маючи намір знайти прекрасне у звичайному, молоді новатори оселилися в Шайи біля Фонтенбло. З тих пір назавжди визначилися мотиви Сіслея - зображенню столиці він вважає за краще її скромні околиці і малопримітних куточки провінційних міст. У 1866 році Сіслей працює в Марлотт з Ренуаром.

Під час франко-пруської війни Сіслей як британський підданий перебував у Лондоні, де зав'язав дуже корисне знайомство з Дюран-Рюель, який незабаром став покровителем усіх імпресіоністів, упорядником їх виставок у своїх галереях у Франції і за кордоном.

На відміну від своїх попередників, що писали пейзаж з натури, але воліли завершувати картину в стогонах майстерні, Сіслей з товаришами весь процес створення картини переносять на природу. У безпосередності натурного етюду вони знайшли невичерпні мальовничі можливості, які призвели до небаченого досі висветленію палітри, до панування чистих незмішаних фарб.

До ак всіх імпресіоністів, Сіслея в картині займає не сюжет, а найтонші особливості природних станів, світла і кольору. Ненаситний в осягненні майстерності, художник не соромився вчитися у однолітків. Так, разом з К. Піссарро він писав зимові пейзажі в Лувесьенне заради вивчення відкритих імпресіоністами рефлексів і кольорових тіней, в інший час живопис Сіслея перебувала під впливом Ренуара і Клода Моне. Тим не менш, його власна витончена індивідуальність проривалася крізь всі впливи завдяки особливій неповторності його контакту з природою, більш врівноваженого, невибагливого і природного, ніж у друзів.

Склавшись до початку 80-х років, манера Сіслея, не в приклад Піссарро або Мане, згодом мало змінювалася. Стриманий і сором'язливий, зосереджений виключно на роботі, художник відчував мало інтересу до декларацій і ще менше до воспринимавшей імпресіонізм буржуазної публіці і думку професіоналів, еже вечірньо розмовляли в паризьких кафе. Тим не менш, саме його, мовчазного, але незмінно надійного, вибирали зазвичай в комісії по влаштуванню виставок і для прийняття найважливіших для всієї групи рішень.

Після бульвару Капуцинів Сіслей брав участь у імпресіоністських експозиціях 1876 і 1877 років, але потім відійшов від виставок. Цілком віддавшись однієї живопису, спілкуючись тільки з родиною, він веде напівзлиденне існування, отримуючи мізерні суми за свої картини і все глибше грузнучи в боргах. Але головне, зростає його самотність і відчуження від колег. З 1882 року Сіслей взагалі залишає традиційні зустрічі імпресіоністів. Радісний світло залишається тільки в його пейзажах.

І в 90-ті роки художник не домігся того успіху, який на той час знайшли Піссарро, Ренуар і Моне. У 1897 році Сіслей робить останню відчайдушну спробу вирватися із забуття за допомогою персональної виставки. Те, що критика і на неї відповіла дружним мовчанням, стало для живописця останнім ударом. Тоді тільки він згадав про товаришів юності і викликав одного з них для прощання. Через шість днів після приїзду Клода Моне - 26 січня 1899 Альфред Сіслей згас у містечку Море.

Каміль Піссарро. (1830-1903), Народився в містечку Шарлотта-Амалія на острові Сент-Тома (Віргінські острови) 10 липня 1830. У 1855 Каміль Піссарро виїхав до Франції і став художником.

Вже в кінці 1860-х років він писав пейзажі, в яких особливу увагу приділяв зображенню освітлених предметів у повітряному середовищі. На відміну від Клода Моне, Піссарро не обмежувався пейзажним живописом, а часто звертався до сцен з життя селян Понтуаз, де він жив з 1872 до 1882.

П іссарро звинувачували у наслідуванні Жану Франсуа Мілле, а проте, на відміну від романтичного реалізму останнього, живопис Піссарро здається набагато більш натуралістично.

В останні роки життя, незважаючи на погіршення зору, художник створив серію видів Парижа, яка є одним з вищих досягнень імпресіонізму у передачі світла і атмосферних ефектів.

Численні малюнки і гравюри Піссарро не мають рівних серед творів імпресіоністів.

Помер Піссарро в Парижі 13 листопада 1903.

Імпресіонізм стверджував красу повсякденної дійсності в усьому багатстві її фарб і постійної мінливості, розробив закінчену систему пленеру, домігшись враження блискучого сонячного світла, вібрації світло-повітряного середовища. Мальовнича система імпресіонізму відрізняється розкладанням складних тонів на чисті кольори, як би смешивающиеся в оці глядача, багатством рефлексів і Валерій, кольоровими тінями. Під впливом імпресіонізму розвивалася творчість багатьох живописців інших країн (К. А. Коровін, І. Е. Грабарь у Росії). У скульптурі імпресіонізм найбільш яскраво проявився в роботах М. Россо в Італії, О. Родена у Франції, П.П. Трубецького і А.С. Голубкіної в Росії. У літературі риси імпресіоністичного стилю (перевага "враження" - безпосереднього, скороминущого, мінливого - як основного засобу в передачі предмета, події, переживання) властиві прозі братів Ж. і Е. Гонкурів, К. Гамсуна, поезії імпресіонізм Анненського, К. Бальмонта.

Імпресіоністи оновили колорит, вони відмовилися від темних, земляних фарб і наносили на полотно чисті, спектральні кольори, майже не змішуючи їх попередньо на палітрі. Вони вийшли з темних майстерень на пленер (франц. Plein air - вільне повітря). Характерна також і стислість, етюдного творчого методу імпресіоністів. Адже лише короткий етюд дозволяє точно фіксувати окремі стани природи.

Досвід імпресіонізму був успішно освоєний в інших видах мистецтва: у скульптурі, де форми відрізнялися навмисною пластичної незавершеністю, передачею миттєвого ефекту руху. У музиці (К. Дебюссі) і в літературі (Ж. І Е. Гонкури, Ж. Гюисманс, Г. де Мопассан). У цілому, імпресіонізм не залишив єдиної школи, особливого художнього стилю, хоча багато його художні відкриття увійшли в сучасну естетичну культуру.

Використана література:

Імпресіоністи. Витоки сучасного живопису. Музеї та галереї. Франческо Сальви

Імпресіонізм. Хілл Я.

Едгар Дега. Листи. Спогади сучасників. 1971р.

Сто пам'ятних дат. 1989 Петрончук.

Художній календар. Щорічне ілюстроване видання. 1996

Мане. Джованні Ніколетта (вид. «Біле місто»)

Імпресіонізм. 1999 Шарль Дебуар. (Вид. «Біле місто»)

Зміст.

Вступ 1

Едуард Мане 2

Клод Моне 3

Огюст Ренуар 4

Едгар Дега 6

Вінсент Ван-Гог 7

Поль Гоген 8

Альфред Сіслей 9

Каміль Піссарро 11

Висновок 11

Список використаної літератури 13