XVIII століття прийнято називати століттям Просвітництва. Ранні буржуазні революції перемогли тільки в двох країнах - Англії і Нідерландах. У більшості європейських держав був збережений старий порядок. XVIII століття з його просвітительськими ідеалами, ідеями "волі, рівності, братерства" підготував панування класичних форм розвинутого буржуазного суспільства, а Французька революція 1789-1794 рр.. стала класичною буржуазною революцією, що захопила широкі народні маси.
XVIII століття підготувало також панування буржуазної культури. На зміну старій, феодальній ідеології прийшов час філософів, соціологів, економістів, літераторів нового століття Просвітництва.
Література, музика і театр досягають у цю епоху тієї художньої зрілості, що прийшла до живопису в XVI-XVII ст., Досить назвати романи Прево, Філдінга, Смоллета, Вольтера, Гете, музику Баха, Моцарта, Гайдна.
Образотворчому мистецтву XVIII століття в кращих творах властивий аналіз найтонших переживань людини, відтворення нюансів почуттів і настроїв. Інтимність, ліризм образів, але й аналітична спостережливість - характерні риси мистецтва XVIII ст. як у жанрі портрета, так і в побутовому живописі. Ці властивості художнього сприйняття життя є внеском XVIII століття в розвиток світової художньої культури, хоча слід визнати, що це було досягнуто ціною втрати універсальної повноти в зображенні духовного життя, цілісності у втіленні естетичних поглядів суспільства, властивих живопису Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Пуссена.
З початком нового, XVIII століття зовсім очевидно позначився процес розкладання французької абсолютної монархії. Смерть у 1715 р. "короля-сонця", останнє десятиріччя лише формально зберіг могутність, була просто завершальним подією в тому довгому ряду явищ, які готували прихід нового століття, а з ним і нових віянь у мистецтві.
Початок регентства герцога Орлеанського, дядька майбутнього короля Людовика XV, було ознаменоване зміною суворого придворного етикету абсолютно протилежної атмосферою: легковажності, спраги насолод, розваг, розкоші не настільки великовагової, як у пішла пору, і життєвого розпорядку не настільки урочистого. Але в цьому бурхливому веселощі, бажання встигнути насолодитися всім була і частка бравади, тривоги, передчуття стислості миті, що насуваються грізних лих.
Багато чого змінюється в мистецтві. Король перестає бути єдиним замовником творів мистецтва, а двір-єдиним колекціонером. З'являються приватні колекції, салони. На довгі десятиліття Франція перетворюється на центр художнього життя Західної Європи, законодавицею всіх художніх нововведень, вона стає на чолі всього духовного життя Європи.
У першій половині XVIII в., Коли так активно витіснялася релігійна культура світської, провідним напрямом у Франції стало рококо. Багато дослідників вважають рококо лише відгалуженням пізнього бароко, що втратили монументальність великого стилю. Тим не менш очевидно, що рококо у Франції в першій половині "галантного століття" складається в певну стильову систему, від частини продовжує риси, успадковані від бароко, але ще більше їх видозмінюються. Рококо - породження винятково світської культури, ще вужче - двору, французької аристократії, тим не менш воно зуміло не тільки залишити слід в мистецтві, але і вплинути на подальший її розвиток. Світ мініатюрних форм знайшло своє головне вираження в прикладному мистецтві - в меблях, посуді, бронзі, порцеляні, а в архітектурі переважно в інтер'єрі, де важливим тепер було не пишне і величне, а приємне і зручне. Міські палаци знаті, багатої буржуазії, - "готелі", що споруджуються в цей період, як правило, строго классіцстічни по екстер'єру. Усередині ж стіни розбиті фільонками, нішами, рясно прикрашені живописом, ліпниною, позолотою, дрібною пластикою, декоративними тканинами, бронзою, порцеляною, дзеркалами. Все це разом складає святкове, дійсно феєричне видовище. Форми дробові, ажурні, орнамент складний, побудований на зігнутих лініях, фарби живописні панно або станкових картин прозорі, світлі. Все мистецтво рококо побудоване на асиметрії, що створює відчуття неспокою грайливий глузливе, вигадливе. Не випадково термін "рококо" зводять до слова "мушля", "рокайль". Сюжети тільки любовні, еротичні, улюблені героїні - німфи, вакханки, Діани, Венери. Нові віяння проникли до Академії. Алегорії, теми історичні, міфологічні, жанрові - все це теми любові. Портрет і пейзаж - не випадково дуже важливі в цю епоху жанри. За легковажністю, дотепністю і глузливою іронією рококо були і роздуми про долю людини, про сенс існування. Рококо має право на існування як стиль вже й тому, що воно дало нові грані, новий розвиток виразних засобів мистецтва.
Передвістям цього напряму в мистецтві, але і явищем значно більш глибоким, що не укладається в рамки якогось одного напрямку, був художник Жан Антуан Ватто, що створив у мистецтві свій, неповторний образ. Ватто знайшов себе, свою тему, коли приїхав у Париж: це так звані галантні святкування - аристократичне суспільство в парку, шанувальників, які танцюють, дозвільне; живопис, в якому начебто немає ні дії, ні сюжету, - сцени безтурботного життя, передані з витонченою грацією. Все це побачене як би з боку тонким, трохи іронічним спостерігачем з нальотом меланхолії і смутку. Колорит Ватто - одне з найсильніших якостей його обдарування - побудований на тонких нюансах сірих, коричневих, блідо-бузкові, жовто-рожевих тонів. У картинах Ватто ніколи немає чистого тону. Як у кольорі дані всі найтонші відтінки любовного почуття. У 1717 році художник створив одне з найбільших творів "Паломництво на острів Цітеру". У цій картині відображена найтонша палітра почуттів, яка передусім створена самим кольором. Але все це не любов, а гра у кохання, театр. Театральність характерна для всього мистецтва XVIII ст., І для Ватто особливо. Він не приховує театрального прийому в композиції. Мистецтво театру не тільки було модно в століття Ватто, театром було все життя суспільства, яке пише художник.
Ватто взагалі дуже близько знав акторський побут і не раз писав акторів італійської і французької комедії. Делакруа називав техніку Ватто дивовижної, що об'єднала Фландрію та Венецію. У самому кінці життя Ватто створив свою останню роботу - це вивіска антикварної крамниці, яка так і називається "Лавка Жерсена". У ній він, можливо, хотів показати, як швидкоплинна "слава світу", як коротке влада і саме життя, а вічно лише одне мистецтво.
Справжнім представником французького рококо став Франсуа Буше, бо в його мистецтві гедонізм рококо, що доходить до фривольність, зневага до конструктивного, раціонального, розумного, як і вся витончена культура "рокайльного мови", виразилося в повній мірі. Буші був істинним сином свого століття, все вмів робити сам від панно для готелів до ескізів на костюмах. І все це - галантні святкування, пастуші ідилії, міфологічні, жанрові, релігійні теми - розіграно, як сучасна йому пастораль, все висловлює відверто-чуттєве насолоду життям, у всьому царює біло-рожева героїня - богиня Флора. Типові сюжети - "Тріумф Венери" або "Туалет Венери", "Купання Діани і т.д.
Вже будучи знаменитим художником, Буше стає об'єктом жорстоких нападок теоретика естетичних ідей Просвітництва Дідро, який вбачав у ньому яскраве породження всього, з чим боролися просвітителі, але не відмовляє йому у високому професіоналізмі.
Мальовниче мистецтво Німеччини
З початку ХІХ ст. класичними тенденціями в німецькому живописі були витіснені романтичними. У німецькому романтизмі переважало реакційний напрям і в умовах реакції багато художників стають на примиренческие позиції. Лише у творчості деяких з них знайшли відображення прогресивні тенденції епохи. Самі живі явища романтичного мистецтва проявилися в області портрету та пейзажу.
Портрети складають кращу частину художньої спадщини Пилипа Отто Рунге (1777-1810), працював у Гамбурзі. Близький до кола гамбурзьких романтиків-літераторів, сам видатний теоретик живопису, приділяв велику увагу проблемам кольору і його гармоній, автор трактату "Колірний круг", Рунге прагнув усе своє недовге життя до побудови складних, надуманих алегорій. Він мріяв про фантастико-музичної поеми в циклі композицій "Чотири пори доби", але дійсно живі образи створив, звернувшись безпосередньо до натури.
У "Автопортреті" (1805), поетичне сприйняття дійсності поєднується з пильністю погляду аналітика, із суворим і точним майстерністю малюнка.
З дивовижною тонкістю і ретельністю виконаний краєвид, на тлі якого представлені старі батьки художника, біля яких примостилися їхні онуки, - "Портрет батьків" (1806, Гамбург, Кунстхалле). Суворо скорботний зморшкуваті особи стривожених людей похилого віку, різким контрастом сприймаються поруч з ним рожевощокі діти, які дивляться на світ широко відкритими очима. Свою повагу перед людиною, заклопотаність за його долю, захоплення перед багатством і красою рідної природи передає Рунге в цьому свій твір.
Природа стала головним об'єктом зображення Каспара Давида Фрідріха (1774-1840), чия діяльність протікала головним чином у Дрездоне. У своїх пейзажах художник висловлює почуття схиляння перед величчю природи, а також переживання, повні похмурого роздуми, песимізму. Улюблені мотиви пейзажі Фрідріха-пустельні скелясті громади, які він пише в різний час дня, милуючись їх плавними обрисами, грою світла, переливами фарб на кам'яних брилах. У променях призахідного або сонця, що сходить вони часом втрачають своє матеріальність, перетворюючись на подобу міражів, - "Гірський пейзаж".
У картинах Фрідріха знаходить відображення і боротьба німецького народу проти наполеонівського завоювання - "Могила Армінія" (1813) і зростаюча реакція, що сковує творчі сили нації, - "Загибель" Надії "у кризі" (1822, обидві - Гамбург, Кунстхалле). Людина в пейзажах Фрідріха-маленька самотня фігура, загублена в неосяжних просторах холодного необжитому світу, або пасивний спостерігач, що споглядає туманні дали, що підноситься в мрію, - "Двоє, созерцающие місяць" (1812-1820, Дрезден, Картинна галерея).
Більш радісним настроєм відрізняються картини природи рідного Фрідріху селища. Поетично залиті сонцем "Луга Грейфсвальд" (1820-18309, Гамбург, Кунстхалле), що нагадують чудові описи природи у письменників і поетів-романтиків.
Творчість та життя Рембрандта
В історії образотворчого мистецтва минулих століть геніальний голландський художник Рембрандт, мабуть, більше, ніж хто-небудь інший, зумів глибоко хвилююче, правдиво розкрити невичерпне багатство внутрішнього світу людини.
Творчість Рембрандта відноситься до того часу, коли Голландія, батьківщина художника, успішно завершивши першу в історії буржуазну революцію, висунулася на одне з провідних місць в економічному і культурному відношеннях. У той час як у переважній більшості європейських країн феодальна аристократія ще зберігала провідні позиції у всіх сферах суспільного життя, у Голландії вона виявилася переможеною і відсунути на задній план у ході нідерландської революції і наступного буржуазного розвитку. Настає період колоніальних захоплень, досягають небувалих розмірів торгові операції, кустарне виробництво середньовічних ремісників витісняється швидко розвиваються мануфактурами, у Голландію переміщається центр європейської торгівлі. Маленька країна переживає в XVII столітті короткочасний, але бурхливий розквіт.
Голландські живописці вперше побачили людину такою, якою вона є в житті, і відобразили в мистецтві різні сторони його повсякденного буття. Деякі з них підійшли до вирішення більш складної задачі - до того, щоб відобразити красу і значущість духовного світу звичайної людини.
Спираючись на досягнення голландського реалістичного мистецтва XVII століття, найбільше повно, багатогранно і глибоко це завдання вирішив найбільший художник Голландії - Рембрандт ван Рейн.
Рембрандт Гарменс ван Рейн народився 15 липня 1606 року в Лейдені - місті, розташованому поблизу Гааги, на Рейні.
Батько Рембрандта був власником декількох будинків, садових ділянок і млина. Спочатку батьки майбутнього художника припускали дати своєму синові гуманітарну освіту. Після семирічного навчання в латинській школі, в 1620 році він був записаний в Лейденський університет-один з найстаріших університетів у Європі, заснований ще в 1575 році. Але Рембрандт пробув там недовго. Пробудившаяся схильність до мистецтва привела його в майстерню місцевого художника Якоба ван Сваненбурга, де він протягом трьох років навчався живопису. Потім слід піврічне навчання в Амстердамі у відомого живописця Пітера Ластмана.
Повернувшись в Лейден близько 1625 року, Рембрандт починає свій самостійний творчий шлях. Так званий лейденський період творчості майстра триває до 1631 року. Вже в цей час Рембрандт стає одним з найпопулярніших живописців рідного міста, його майстерня привертає учнів. Голландський поет Костянтин Гюйгенс присвячує хвалебні рядки у своїй автобіографії лейденський художникам - Рембрандту і Лівенсу.
До числа кращих творів лейденського періоду належить картина "Христос і учні в Еммаус", написана Рембрандтом близько 1629 року і знаходиться нині в паризькому приватній колекції. Вона створена за мотивами відомої євангельської легенди, що розповідає про одне з чудес воскреслого після смерті Христа.
Популярність молодого Рембрандта швидко росте, і вже б початку 30-х років співгромадяни починають замовляти йому свої портрети.
У числі перших був написали "Портрет вченого" (1631 рік, Ермітаж). Перед глядачем-голландський інтелігент того покоління, яке ще всіма коренями пов'язане з народом. Просте, відкрите, кілька грубувате особа, жорсткі м'ясисті руки видають його плебейське походження.
Прагнучи максимально наблизитися до життя, Рембрандт показує людину не ізольовано, а в його побутовій обстановці. Тому вчений зображений за робочим столом, з пером у руці, в момент роботи над рукописом, коли і застає його як би входить в кімнату глядач. Портретую відривається від рукопису, повертає обличчя до ввійшов, звертається до нього з якимись словами.
Наприкінці 1631 Рембрандт переїжджає в Амстердам - головне місто Голландії. Як припускають, причиною його переїзду був велике замовлення гільдії амстердамських лікарів на груповий портрет, що одержав назву "Урок анатомії доктора Тульпа".
Творчість Рембрандта 30-х років протікає під знаком опорного праці та поступового становлення. Досягнуті успіхи вселяють у нього впевненість і служать стимулом для подальших напружених пошуків. Він невпинно вбирає різноманітні враження навколишнього життя, глибоко осмислює їх, перевтілює у своєму мистецтві.
У луврської автопортреті 1634 за ошатною артистичної зовнішністю молодого Рембрандта ясно вловлюється його вольова натура. Трохи зсунуті брови, стиснуті губи, розумний і твердий погляд - все говорить про звичну внутрішньої зібраності. Разом з тим образ не позбавлений відтінку нестійкості і занепокоєння. Зображення трохи змістився у бік від основної композиційної осі, рухлива світлотінь, та й саме вираз обличчя видає душевну схвильованість людини. Такий Рембрандт періоду "бурі й натиску", як часто називають етап 30-х років в його творчості.
Дух оптимізму, народжений епохою буржуазного розвитку Голландії, не був чужий і Рембрандта. Оптимістичному настрою художника в цей період не могли не сприяти його особисті удачі. 1632-1642 роки-щасливе десятиліття в його житті. Одруження на багатій нареченій, численні замовлення перетворюють його на одного із спроможних людей Амстердама. Він купує прекрасний будинок, щедро витрачає свої багатства на покупку нідерландських гравюр, картин художників Відродження, перських мініатюр, екзотичних одягу і тканин, які з далекого Сходу привозять у приморське Амстердам.
У 1634 році Рембрандт жениться на дівчині зі знатного сімейства - Саскії ван Ейленбург. Настає пора захопленої любові, великого щастя. Увійшовши в життя Рембрандта, чарівна Саскія входить і в його мистецтво. Закохане слідує за нею око художника. Одна за одною з'являються з-під його руки численні замальовки .. То він зображує її причепурюються перед дзеркалом, то хворий, що очікує народження дитини, то щасливою матір'ю із сином на руках. Кілька портретів своєї коханої створює Рембрандт в офорті і живопису.
Невимушеністю, людською теплотою підкуповує дрезденський портрет Саскії 1633. Граціозно нахиливши голівку, вона повертає до нас своє обличчя. Лукаво мружаться очі, ласкава скороминуща усмішка з'являється на вустах. Ось в цю хвилину, примхливої, ніжною, кокетливою і показав її Рембрандта.
У середині 30-х років Рембрандт пише відомий автопортрет з Саскією на колінах.
Вічної теми любові, радісного пробудження чистого, великого почуття, перетворює людину, присвячена ермітажний картина "Даная", створена художником у 1636 році. Сюжетом картини послужив міф про дочку царя Акриса, що стала дружиною Зевса і матір'ю Персея - одного з улюблених героїв древніх греків. Оракул пророчив Акриса загибель від руки онука, і цар вирішив навічно заточити в темницю свою дочку Данаю. Але ніякі темниці не можуть встояти перед всеперемагаючої силою любові: володар Олімпу, всемогутній Зевс, у вигляді золотого дощу проникнув у підземелля прекрасної Данаї і став її коханим.
Якщо ранні історичні картини Рембрандта перейняті духом бароко, то із середини 30-х років твори художника в історичному жанрі починають здобувати інший характер. Крізь зовнішню патетику ше більш пробиваються справжні людські пристрасті, все частіше театральна драма, "жахливе" подія змінюється справжньою драмою життя.
Ці нові риси виразно виступають в ермітажний картині "Зняття з хреста", написаної в 1634 році.
Сороковими роками починається новий етап рембрандтівского творчості. Він все більш замикається у колі біблійно-євангельських тим, проголошуючи свої етичні ідеали, віруючи в те, що благородство і розум людей допоможуть їм перемогти труднощі життя. Першоосновою рембрандтівского гуманізму часто служить моральна чистота людей з народу, красива простота їх взаємин.
Протягом 40-х років Рембрандт кілька разів звертається до теми святого сімейства. Одне з кращих рішень цієї теми - ермітажний картина "Святе сімейство", створена художником у 1645 році.
У 1662 році Рембрандт виконує останній замовлення на великий груповий портрет. Він зображує старшин амстердамського цеху сукнарів, що виступають з доповіддю перед зібранням цеху. Портрет увійшов в історію мистецтва під назвою "Сіндіка".
В останні роки життя Рембрандта трагічно складається його особиста доля. Ускладнюється конфлікт митця з бюргерським суспільством. Майже не маючи замовлень, у середині 50-х років він зазнає банкрутства. У 1658 році були продані з аукціону будинок Рембрандта і його багатюща художня колекція; в 1662 році померла Хендрикье Стоффельс, а шість років потому несподівано помер Тітус.
І, проте, на схилі років художник досягає вершини своїх творчих можливостей. В останнє десятиліття він створює свої кращі історичні картини. Історичні образи Рембрандта 60-х років відрізняються особливою драматичною силою і філософською глибиною. Конфлікт між добром і злом у людському суспільстві, яке завжди було лейтмотивом історичного жанру Рембрандта, виступає в картинах цих років у всьому трагізмі. Позитивні герої, які уособлюють піднесене, благородне людське начало, стикаються в цих картинах з носіями ворожого, злого, або з людьми, котрі скоїли трагічну, непоправну помилку.
У 1660 році Рембрандт створює відому картину "Ашшур, Аман і Есфір", яка зберігається нині в московському Музеї образотворчих мистецтв.
Якщо в картинах, присвячених історії Гамана, результатом конфлікту є непримиренне осуд, як би не було важко воно для самих виносять вирок, то про гуманної прощення і про глибоке каяття людини, яка вчинила гірку помилку, оповідає знаменитий твір Рембрандта "Повернення блудного сина". Ця картина зберігається в зборах ленінградського Державного Ермітажу і справедливо вважається гордістю ермітажний колекції. Твір написано Рембрандтом у рік смерті. Забутий сучасниками, зовсім самотній, він створює свій останній геніальне горіння.
"Повернення блудного сина" - це як би підсумок мудрих роздумів Рембрандта про світ і людей. Його песимістичне ставлення до дійсності в останні роки життя, з одного боку-, і нічим не зломленою віра в людину, в моральну висоту його - з іншого, з рівною силою звучать в останньому творі геніального художника.
У жовтні 1669 Рембрандт ван Рейн помер. Ця смерть залишилася майже непоміченою його сучасниками. Тільки скромна запис у церковній книзі амстердамського собору Вестернкерк повідомляє нам дату похорону художника 8 жовтня 1669. Визнання геніального майстра прийшло лише кілька десятиліть тому.