приховати рекламу

Театри в Стародавній Греції Римі та Середньовіччя

[ виправити ] текст може містити помилки, будь ласка перевіряйте перш ніж використовувати.


Нажми чтобы узнать.
скачати

Театри в Стародавній Греції, Римі та Середньовіччя

Давньогрецький театр

Походження давньогрецької драми і театру

Появі драми в Греції передував тривалий період, протягом якого чільне місце займали спочатку епос, а потім лірика. Всі ми знаємо багатий героїчний епос - поеми "Іліада" і "Одіссея", дидактичні (повчальні) епоси - поеми Гесіода (VII ст. До н. Е..); Твори ліричних поетів VI ст. до н. е..

Народження грецької драми і театру пов'язано з обрядовими іграми, що присвячувалися богам-покровителям землеробства: Деметрі, її дочці Корі, Діонісу. Такі обряди іноді перетворювалися в культову драму. Наприклад, у місті Елевсіні під час містерій (таїнств, на яких були присутні лише присвячені) влаштовувалися ігри, під час яких зображувалося одруження Зевса і Деметри, викрадення Корі Плутоном, блукання Деметри в пошуках дочки і повернення Кори на землю.

Діоніс (або Вакх) вважався богом творчих сил природи, пізніше він став богом виноробства, а потім богом поезії і театру. Символами Діоніса служили рослини, особливо виноградна лоза. Його часто зображували у вигляді бика або цапа.

На святах, присвячених Діонісу, співали не тільки святкові, але і веселі карнавальні пісні. Гучні веселощі влаштовували ряджені, що складали свиту Діоніса. Учасники святкового параду мазали лице винною гущавиною, надягали маски і козлячі шкури.

З обрядових ігор і пісень на честь Діоніса виростили три жанри давньогрецької драми: трагедія, комедія і сатировская комедія (названа так по хору, який складався із сатирів). Трагедія відбивала серйозну сторону діонісійського культу, комедія - карнавально-сатиричну. Сатирова драма представлялася середнім жанром. Веселий ігровий характер і щасливий кінець визначили її місце на святах на честь Діоніса: сатировскую драму ставили як висновок до уявленню трагедій.

Трагедія, за свідченням Аристотеля, брала початок від заспіву дифірамба, комедія - від заспівувачів фалічних пісень, тобто пісень, в яких прославлялися плодоносні сили природи. До діалогу, який вели ці заспівувача з хором, приєднались елементи акторської гри, і міф ніби оживав перед учасниками свята.

Багато чого про походження грецької драми можуть сказати самі слова "трагедія" і "комедія". Слово трагедія походить від двох грецьких слів: трагос - "цап" і оде - "пісня", тобто "пісня козлів". Ця назва знову веде нас до сатирів - супутників Діоніса, Козлоногий істотам, що славили подвиги і страждання бога. Слово комедія походить від слів комос і оде. "Комос" - це хід підхмеленої натовпу ряджених, що обсипали один одного жартами і глузуваннями, на сільських святах на честь Діоніса. Отже, слово комедія позначає "пісня комоса".

Грецька трагедія, як правило, брала сюжети з міфології, котра добре була відома кожному греку. Інтерес глядачів зосереджувався не на фабулі, а на трактуванні міфу автором, на тій громадської і моральної проблематики, яка розгорталася навколо всім відомих епізодів міфу. Використовуючи міфологічну оболонку, драматург відображав в трагедії сучасне йому суспільно-політичне життя, висловлював свої етичні, філософські, релігійні погляди. Тому роль трагічних уявлень в суспільно-політичному і етичного виховання громадян була величезна.

Вже в другій половині VI столітті до н.е. трагедія досягла значного розвитку. Антична історія передає, що першим афінським трагічним поетом був Феспід (VI ст. До н.е.). Перша постановка його трагедії (назва її невідома) відбулася навесні 534 р. до н. е.. на святі Великих Діонісій. Цей рік прийнято вважати роком народження світового театру.

Феспиду приписують удосконалення масок і театральних костюмів. Але головним нововведенням Феспіда було виділення з хору одного виконавця, актора. Цей актор, або, як його називали в Греції, гіпокріт ("відповідач"), міг обертатися до хору з питаннями, відповідати на питання хору, зображувати по ходу дії різноманітних персонажів, покидати сценічну площадку і повертатися на неї.

Таким чином, рання грецька трагедія була своєрідним діалогом між актором і хором і за формою нагадувала скоріше кантану. При цьому, хоча кількісно партія актора в початковій драмі була невелика, і головну роль грав хор, саме актор із самої своєї появи став носієм дієвого, енергійного початку.

У комедії набагато ширше, ніж у трагедії, до міфологічних мотивів домішувалися життєві, що поступово стали провідними або навіть єдиними, хоча в цілому комедія як і раніше, вважалася присвяченою Діонісу. Так, під час комоса стали розігруватись невеличкі сценки побутового і пародійно-сатиричного змісту. Ці імпровізовані сценки являли собою просту форму народного балаганного театру і називалися мімами (в перекладі означає "наслідування", "відтворення"), виконавці цих сценок також називалися мімами. Героями мімів були традиційні маски народного театру: горе-воїн, базарний злодюжка, вчений-шарлатан, простак, дурачащий всіх, і т. д. Пісні комоса і міми - це головні початки древньої аттической комедії.

Виникла з аттического комоса комедія V ст. до н.е. була політичною за своїм змістом. Вона постійно піднімала питання політичного ладу, зовнішньої політики Афінської держави, питання виховання молоді, літературної боротьби й ін

Злободенність древньої аттической комедії посилювалася тим, що в ній допускалася повна свобода в карикатурному зображенні окремих громадян, виведених до того ж під своїми справжніми іменами (поети Есхіл, Софокл, Евріпід, Агафон, вождь афінської демократії Клеон, філософ Сократ і інші - у Арістофана) . При цьому древня аттична комедія створює образ не індивідуальний, а узагальнений, близький до маски народного комедійного театру. Наприклад, Сократ у "Хмари" Аристофана наділений не рисами реальної особи, але усіма властивостями вченого-шарлатана, однієї з улюблених масок народних карнавалів. Така комедія могла існувати тільки в умовах афінської рабовласницької демократії.

Театр демократичних Афін. V століття до нашої ери

Свого найвищого розквіту старогрецьке театральне мистецтво досягло у творчості трьох великих трагіків V ст. до н. е.. - Есхіла, Софокла, Евріпіда - і комедіографа Аристофана, діяльність якого захоплює і початок IV в. до н. е.. Одночасно з ними писали й інші драматурги. Проте до нас дійшли тільки невеликі уривки їхніх творів, а іноді - лише імена і мізерні відомості.

Есхіл (525 - 456 до н. Е..)

Його творчість пов'язана з епохою становления Афінської демократичної держави. Ця держава формувалося в період греко-перських воєн, які велися з невеликими перервами з 500 до 449 р. до н.е. і носили для грецьких держав-полісів визвольний характер.

Есхіл походив із знатного роду. Він народився в Елевсіні, поблизу Афін. Відомо, що Есхіл брав участь у боях при Марафоні і Саламіні. Битву при Саламіні він описав як очевидець у трагедії "Перси". Незадовго до своєї смерті Есхіл відправився на Сицилію, де і помер (у місті Гелі). У написі на його надгробку, складеної, за переказами, ним самим, нічого не говориться про нього як про драматурга, але сказано, що він проявив себе мужнім воїном у битвах із персами.

Есхіл написав близько 80 трагедій і сатиричних драм. До нас дійшли цілком тільки сім трагедій; з інших творів збереглись невеличкі уривки.

Трагедії Есхіла відображають основні тенденції його часу, ті величезні зрушення в соціально-економічному і культурному житті, які були викликані аварією родового ладу і становленням афінської рабовласницької демократії.

Світогляд Есхіла в основі своїй був релігійно-міфічним. Він вірив, що існує споконвічний світопорядок, який підпадає під дію закону світової справедливості. Людина, вільно чи мимоволі порушила порядок, буде покарана богами, і тим самим рівновага відновиться. Ідея невідворотності кари і прагнення справедливості проходить через усі трагедії Есхіла.

Есхіл вірить в долю - Мойру, вірить, що їй підкоряються навіть боги. Проте до цього традиційного світосприймання домішуються і нові погляди, породжені розвивається афінської демократією. Так, герої Есхіла - не безвольні істоти, які беззастережно виконують волю божества: людина в нього наділена вільним розумом, мислить і діє цілком самостійно. Майже перед кожним героєм Есхіла стоїть проблема вибору лінії поведінки. Моральна відповідальність людини за свої вчинки - одна з основних тем трагедій драматурга.

Есхіл ввів у свої трагедії другого актора і тим відчинив можливість більш глибокої розробки трагічного конфлікту, підсилив діючу сторону театрального уявлення. Це був справжній переворот у театрі: замість старої трагедії, де партії єдиного актора і хору заповнювали всю п'єсу, народилася нова трагедія, у якій персонажі стикалися на сцені один з одним, і самі безпосередньо мотивували свої дії.

Зовнішня структура трагедії Есхіла зберігає сліди близькості до дифирамбу, де партії заспівувача чергувалися з партіями хору.

Майже всі дійшли до нас трагедії починаються з прологу, у якому міститься зав'язка дії. Потім слід народ - пісня, яку виконує хор, вступаючи на орхестру. Далі йде чергування епісодіев (діалогічних частин, що виконуються акторами, іноді при участі хору) і стасимов (пісень хору). Заключна частина трагедії називається ексодом; ексод - це пісня, виконуючи яку хор залишає сцену. У трагедіях зустрічаються також гіпорхема (радісна пісня хору, що звучить, як правило, у кульмінаційний момент, перед катастрофою), коммос (спільні пісні-плачі героїв і хору), монологи героїв.

Звичайно трагедія складалася з 3 - 4 епісодіев і 3 - 4 стасимов. Стасіме розділяються на окремі частини - строфи і антистрофи, суворо відповідні за структурою одна іншій. При виконанні строф і антистрофи хор рухався по орхестрі то в одну, то в іншу сторону. Строфа і відповідна їй антистрофа написані завжди в одному і тому ж розмірі, а нові строфа і антистрофа - в іншому. Таких пар у стасіме буває декілька; їх замикає загальний Еподи (висновок).

Пісні хору обов'язково виконувалися під акомпанемент флейти. Крім того, вони нерідко супроводжувалися танцями. Трагічний танець називався еммелейя.

З дійшли до нашого часу трагедій великого драматурга особливо виділяються наступні:

  • "Перси" (472 р. до н.е.), де прославляється перемога греків над персами в морському бої при острові Саламіні (480 р. до н.е.);

  • "Прометей Прикутий" - можливо, сама відома трагедія Есхіла, розповідає про подвиг титана Прометея, який подарував вогонь людям і жорстоко за це покараний;

  • трилогія "Орестея" (458 р. до н.е.), відома тим, що це єдиний, що дійшов до нас повністю зразок трилогії, в якій майстерність Есхіла досягло свого розквіту.

Есхіл відомий як кращий виразник громадських устремлінь свого часу. У своїх трагедіях він показує перемогу прогресивних почав у розвитку суспільства, у державному устрої, у моралі. Творчість Есхіла зробила помітний вплив на розвиток світової поезії і драматургії.

Софокл (496 - 406 до н.е.)

Софокл походив з заможної сім'ї власника збройної майстерні і одержав гарну освіту. Його художня обдарованість проявилася вже в ранньому віці: шістнадцяти років він керував хором юнаків, що славили Сала перемогу, а пізніше сам виступав як актор у власних трагедіях, користуючись великим успіхом. У 486 р. Софокл одержав на конкурсі драматургів свою першу перемогу над самим Есхілом. Взагалі вся драматургічна діяльність Софокла супроводжувалася незмінними успіхами: він жодного разу не одержував третьої нагороди - займав частіше всього перші і рідко другі місця.

Софокл брав участь і в державному житті, займаючи відповідальні посади. Так, він був обраний стратегом (воєначальником) і разом з Периклом брав участь в експедиції проти острова Самоса, який вирішив відділиться від Афін. Після смерті Софокла співгромадяни шанували його не тільки як великого поета, а й одного з славних афінських героїв.

До нас дійшло тільки сім трагедій Софокла, написав же він їх понад 120. Трагедії Софокла несуть у собі нові риси. Якщо в Есхіла головними героями були боги, то в Софокла діють люди, хоча і декілька відірвані від дійсності. Тому про Софокла кажуть, що він змусив трагедію спуститися з неба на землю. Основну увагу Софокл приділяє людині, його душевних переживань. Звичайно, у долях його героїв відчувається вплив богів, навіть якщо вони і не з'являються по ходу дії, і ці боги також могутні, як і в Есхіла, - вони можуть розтрощити людину. Але Софокл малює насамперед боротьбу людини за здійснення своїх цілей, його почуття і думки, показує страждання, що випали на його долю.

У героїв Софокла звичайно такі ж суцільні характери, як і в героїв Есхіла. Борючись за свій ідеал, вони не знають душевних коливань. Боротьба втягує героїв у найбільші страждання, і іноді вони гинуть. Але відмовитися від боротьби герої Софокла не можуть, тому що їх веде цивільний і моральний борг.

Шляхетні герої трагедій Софокла тісними узами пов'язані з колективом громадян - це втілення ідеалу гармонійної особистості, який був створений у роки розквіту Афін. Тому Софокла називають співаком афінської демократії.

Проте творчість Софокла складно і суперечливо. Його трагедії відбили не тільки розквіт, але і кризу, системи, що закінчилася загибеллю афінської демократії.

Грецька трагедія у творчості Софокла досягає своєї досконалості. Софокл увів третього актора, збільшив діалогічні частини комедії (епісодіі) і зменшив партії хору. Дія стала більш живою і достовірною, тому що на сцені могли одночасно виступати і давати мотивування своїм вчинкам три персонажі. Проте хор у Софокла продовжує грати важливу роль у трагедії, і число хоревтів було навіть збільшено до 15 чоловік.

Інтерес до переживань окремої особистості спонукав Софокла відмовитися від трилогії, де простежувалася звичайно доля цілого роду. За традицією він подавав на змагання три трагедії, але кожна з них була самостійним твором.

З ім'ям Софокла також пов'язане введення декораційного живопису.

Найбільш відомі трагедії Софокла з фіванського циклу міфів. Це "Антигона" (біля 442 до н.е.), "Цар Едіп" (близько 429 до н.е.) і "Едіп в Колоні" (поставлений у 441 р. до н.е., вже після смерті Софокла) .

В основі цих трагедій, написаних і поставлених у різний час, лежить міф про фіванського царя Едіпа і про нещастя, що обрушилися на його рід. Сам того не знаючи, Едіп убиває свого батька і одружується на своїй матері. Через багато років, дізнавшись жахливу правду, він виколює собі очі і добровільно відправляється у вигнання. Ця частина міфу лягла в основу трагедії "Цар Едіп".

Після довгих мандрівок, очищений стражданнями і прощений богами, Едіп божественним чином вмирає: його поглинає земля. Це відбувається в пригороді Афін, Колоні, і могила страждальця стає святинею афінської землі. Про це розповідається в трагедії "Едіп у Колоні".

Трагедії Софокла явилися художнім втіленням громадянських і моральних ідеалів античної рабовласницької демократії періоду її розквіту (Софокл не дожив до страшної поразки афінян в Пелопоннесской війні 431 - 404 рр.. До н. Е..). Цими ідеалами були політична рівність і свобода всіх повноправних громадян, самовіддане служіння батьківщині, повага до богів, шляхетність прагнень і почуттів сильних духом людей.

Евріпід (близько 485 - 406 до н.е.)

Соціальна криза афінської рабовласницької демократії й обумовлена ​​їм ломка традиційних понять і поглядів найбільш повно відбилися у творчості молодшого сучасника Софокла - Еврипіда.

Батьки Еврипіда, очевидно, були заможними людьми, і він одержав гарну освіту. На противагу Софоклу Еврипід не приймав особистої участі в політичному житті держави, проте він жваво цікавився суспільними подіями. Його трагедії повні різноманітних політичних висловлень і натяків на сучасність.

Великого успіху в сучасників Еврипід не мав: за усе своє життя він одержав лише 5 перших нагород, причому останню - посмертно. Незадовго до смерті він залишив Афіни і переїхав до двору македонського царя Архелая, де користувався пошаною. У Македонії він і помер (за декілька місяців до смерті Софокла в Афінах).

Від Еврипіда дійшло до нас цілком 18 драм (усього він написав від 75 до 92) і велика кількість уривків.

Драматург наблизив своїх героїв до дійсності; він, за свідченням Аристотеля, зображував людей такими, "які вони є". Персонажі його трагедій, залишаючись, як і в Есхіла і Софокла, героями міфів, наділялися думками, прагненнями, пристрастями сучасних поетові людей.

У ряді трагедій Евріпіда звучить критика релігійних вірувань, і боги виявляються більш підступними, жорстокими і мстивими, ніж люди.

За своїми суспільно-політичними поглядами був прихильником помірної демократії, опорою якої він вважав дрібних землевласників. У деяких його п'єсах зустрічаються різкі випади проти політиків-демагогів: тішачи народу, вони домагаються влади, щоб використовувати її в своїх корисливих цілях. У ряді трагедій Еврипід жагуче викриває тиранію: панування однієї людини над іншими людьми всупереч їхній волі йому представляється порушенням природного громадського порядку. Шляхетність, по Еврипіду, полягає в особистих достоїнства і чесноти, а не в знатному походженні і багатстві. Позитивні персонажі Еврипіда неодноразово висловлюють думку, що невтримне прагнення до багатства може штовхнути людину на злочин.

Заслуговує на увагу ставлення Евріпіда до рабів. Він вважає, що рабство - це несправедливість і насильство, що природа в людей одна і раб, якщо в нього шляхетна душа, нітрохи не гірше вільного.

Евріпід часто відгукується в своїх трагедіях на події Пелопоннеської війни. Хоча він пишається військовими успіхами співвітчизників, але в цілому ставиться до війни негативно. Він показує, які страждання несе війна людям, насамперед жінкам і дітям. Війна може бути виправдана лише в тому випадку, якщо люди захищають незалежність своєї батьківщини.

Ці ідеї висувають Еврипіда в число самих прогресивних мислителів людства.

Евріпід став першим відомим нам драматургом, у чиїх творах характери героїв не тільки розкривалися, але й одержували свій розвиток. При цьому він не боявся зображувати низькі людські пристрасті, боротьбу суперечливих прагнень в однієї і тієї ж людини. Аристотель назвав його найтрагічнішим із усіх грецьких драматургів.

Слава прийшла до Еврипіду після смерті. Вже в IV ст. до н.е. його називали найбільшим трагічним поетом, і таке судження про нього збереглося на всі наступного сторіччя.

Театр епохи еллінізму

В епоху еллінізму (VI - I ст. До н. Е..) Грецький театр класичної пори перетерпів істотні зміни, які стосуються і драматургії, і акторського виконання, і архітектури театральної будівлі. Ці зміни пов'язані з новими історичними умовами.

У театрі елліністичної епохи як і раніше ставляться комедії і трагедії. Але від трагедій IV в. до н. е.. збереглися лише невеликі фрагменти, і, мабуть, художні гідності елліністичної трагедії були невеликі. Набагато більше даних є для судження про комедію, тому що до нас дійшли цілком одна п'єса і декілька уривків з інших п'єс найбільшого комедіографа того часу - Менандра.

Комедію елліністичної епохи називають новою аттичної (або новоаттической) комедією. Час її розквіту - кінець IV - III ст. до н.е. У новій аттичної комедії по-своєму відбилися зміни, що відбулися в суспільно-політичному житті Греції до середини IV ст. до н. е.. На зміну уявлень про божественне світопорядку і вірі в кінцеве торжество справедливості приходить переконання у всемогутності випадку. Життя людини, її особисте щастя, положення - все залежить від волі випадку. Випадок визначає виникнення і рішення конфліктів і в самій комедії, що ставить своєю задачею відтворювати сучасне їй життя тільки в плані сімейно-побутових відносин. Велику роль у новій комедії відіграє мотив любові.

Автори нової аттической комедії широко використовували психологічну теорію учня Арістотеля Теофраста, відповідно до якої усі властивості характеру виявляються в зовнішності людини й у його вчинках. Физиогномические опису Теофраста, безсумнівно, впливали і на оформлення масок, що допомагали глядачам розпізнавати той або інший персонаж.

У новій комедії помітний вплив Евріпіда. Близькість багатьох його героїв до життя, розкриття їх щиросердечних переживань - ось те, що нова комедія взяла в Еврипіда.

Основною особливістю нової комедії була відсутність хору, який був би органічно пов'язаний із розвитком дії, - хор виступав тільки в антрактах. У пролозі новій комедії давалося короткий виклад подій, що повинно було допомогти глядачу розібратися в складній інтризі.

Іншою особливістю нової комедії балу її гуманно-філантропічна спрямованість. У кращих творах проводилися передові ідеї елліністичної філософії. Незважаючи на відсутність політичної тематики, у новій комедії одержували відображення такі важливі проблеми, як методи виховання, ставлення до жінки, до представників різних станів, до чужоземців. Причому постійно проповідувалася більш м'які, більш гуманні відносини між людьми.

Нова аттическая комедія користувалася величезним успіхом у публіки. Глядачів залучало те, як розробляється навіть банальний сюжет або звична маска: пружиною дії стала спритно улаштована інтрига, розвиток якої велося тонко і майстерно.

Архітектура давньогрецького театру

Спочатку місце для вистав влаштовувалося вкрай просто: хор із своїми співами і танцями виступав на круглій утрамбованої майданчику - орхестрі (від дієслова орхеомай - "танцюю"), навколо якої і збиралися глядачі. Але в міру того як зростало значення театрального мистецтва у громадському та культурному житті Греції і в міру ускладнення драми, виникла необхідність в удосконаленнях. Горбистий ландшафт Греції підказав найбільше раціональний устрій сценічної площадки і глядацьких місць: орхестра стала розташовуватися біля підніжжя пагорба, а глядачі розміщувалися по схилу.

Всі давньогрецькі театри були відкритими і вміщували величезна кількість глядачів. Афінський театр Діоніса, наприклад, вміщував до 17 тисяч чоловік, театр в Епідаврі - до 10 тисяч.

У V ст. до н.е. у Греції склався стійкий тип театрального спорудження, характерний для всієї епохи античності. Театр мав три головні частини: орхестру, театрон (місця для глядачів, від дієслова "теаомай" - "дивлюся") і скена ("скене" - "намет", пізніше дерев'яна або кам'яна будівля).

Розмір театру визначався діаметром орхестри (від 11 до 30 м). Скена розташовувалася по дотичній до окружності орхестри. Передня стіна скени - проскеній, що мав звичайно вигляд колонади, - зображував фасад храму або палацу. До скене примикали дві бічних будівлі, які називалися параскеніями. Параскенії служили місцем для збереження декорацій і іншого театрального майна.

Між скеною і місцями для глядачів, що займали трохи більше половини кола, знаходилися проходи - пароди, через які в театр до початку спектаклю входили глядачі, а потім вступали на орхестру хор і актори.

Простота сценічного устаткування була обумовлена ​​не слабким рівнем розвитку античної техніки. У театрі класичної пори увага глядачів зосереджувалась на розвитку дії, на долі героїв, а не на зовнішніх ефектах.

Планування грецького театру забезпечувала гарну чутність. Крім того, в деяких театрах для посилення звуку серед глядацьких місць розміщалися резонуючі судини. Завіси в давньогрецькому театрі не було, хоча можливо, що в деяких п'єсах якісь частини проскенія тимчасово закривалися від глядачів.

РИМСЬКИЙ ТЕАТР

Витоки римського театру

Витоки римського театру і драми походять, як і в Греції, до обрядових ігор, багатим карнавальними елементами. Такий, наприклад, свято Сатурналій - на честь італійського божества Сатурна. Особливістю цього свята було "перевертання" звичних суспільних відносин: панове на час ставали "рабами", а раби - "панами".

Одним із витоків римського театру і драми були сільські свята збору врожаю. Ще у віддалені часи, коли Рим являв собою невелику громаду Лаціуму, по селах справлялися свята у зв'язку із закінченням жнив. На цих святах виспівували веселі грубуваті пісні - фесценніни. Як і в Греції, зазвичай виступали при цьому два полухорія, які обмінювалися жартами часом дошкульного змісту. Зародившись ще при родовому ладі, фесценніни існували і в наступні століття, і в них, за свідченням Горація, знаходила відображення соціальна боротьба між плебеями і патриціями.

Існувала й інша форма примітивних видовищ - сатура. Основою для сатура послужили мімічні танці етруських танцюристів. У 364 р. до н. е.. Рим спіткало морова пошесть. Щоб умилостивити богів, вирішили влаштувати сценічні ігри. З Етрурії були запрошені актори-танцюристи, які виконували свої танці під акомпанемент флейти. Етруським акторам стала наслідувати римська молодь, яка додала до танцю жартівливий діалог, написаний нескладними віршами, а також жестикуляцію. Так виникли сатура (в перекладі означає "суміш"). Сатура були драматичними сценками побутового і комічного характеру, що включали в себе діалог, спів, музику і танці.

Ще одним видом драматичних вистав комічного характеру були ателлани, які були запозичені в інших племен, що населяли Аппеннінскій півострів, з якими Рим вів безперервні війни. Молодь захопилася цими іграми і стала влаштовувати їх у дні свят.

У ателлане діяли чотири постійних комічних персонажа: Макк, Буккон, Папп і Доссен. Твердого тексту ателлани не мали, тому при їх виконанні відкривався широкий простір для імпровізації.

До народної драмі сходить і мім. Як і в Греції, мім відтворював сценки з народного побуту, а іноді пародіював міфи, виводячи в блазнівському вигляді богів і героїв.

Таким чином, у Римі існували приблизно ті ж обрядові ігри, що й у Давній Греції. Але далі слабких зачатків драми розвиток народного театру не пішла. Це пояснюється консервативним укладом римського життя і сильним опором жерців. Тому в Римі не склалося самостійної міфології, яка в Греції послужила "грунтом і арсеналом" мистецтва, у тому числі драми.

Римський театр епохи республіки Римляни взяли літературну драму в готовому вигляді у греків і перевели її на латинську мову, пристосувати до своїх понять і смаків.

Після переможного закінчення першої Пунічної війни на святкових іграх 240 р. до н.е., було вирішено влаштувати драматична вистава. Постановку доручили греку Лівії Андроник, який перебував у рабстві у римського сенатора, який і дав йому латинське ім'я Лівій. Після відпущення на волю, він залишився в Римі і став навчати грецької і латинської мови синів римської знаті. Цей вчитель і поставив на іграх трагедію і, ймовірно, також комедії, перероблені нею з грецького зразка чи, може, просто перекладені з грецької мови на латинський. Ця постановка дала перший поштовх розвитку римського театру.

З 235 р. до н.е. починає ставити на сцені свої п'єси драматург Гней Невий (близько 280 - 201 до н.е.). Він був уродженцем латинського містечка в Кампанії і належав до плебейського роду. Після закінчення першої Пунічної війни, в якій він брав участь, Невій оселився в Римі і почав займатися літературною діяльністю.

Гнея Невія з повною підставою можна назвати першим самобутнім римським поетом. Його вірші (сатура), драми, епічна поема "Пунічна війна" відрізнялися самостійністю в художньому та в ідейному відношенні.

На початку своєї драматургічної діяльності Невій писав трагедії за грецьким зразком на тему троянського циклу міфів. Але незабаром він виступив з трагедіями на сюжети з римської історії. Така трагедія називалася у римлян претекста. Пізніше претекст використовували в якості сюжетів не лише історичні, а й сучасні події.

Проте найбільшої слави Невий досяг в області комедії (на відміну від грецьких драматургів він писав твори в двох жанрах). Невий був творцем паліатив - літературної комедії, яка представляла собою переробку новоаттической, тобто побутової грецької комедії. Паліатив ставилася в Римі протягом III - II ст. до н. е.. Свою назву вона отримала від грецького широкого плаща - пал, тому що дія паліатив завжди відбувалося десь у Греції та герої її носили грецьку одяг.

Хоча Невій і дотримувався грецьких оригіналів, але обробляв він їх набагато вільніше, ніж Лівій Андронік. Невий перший застосував так звану контамінацію, тобто з'єднання в римській комедії сюжетних ліній двох або трьох грецьких. Можливо, що Невій став основоположником і римської національної комедії - тогати.

Плавт (близько 254 - 184 до н.е.)

Продовжувачем справи Невія як комедіографа був його молодший сучасник Тит Макцій Плавт. Його творчість належить до того періоду, коли Рим з сільськогосподарської громади перетворюється на сильне держава - спочатку Апеннінського півострова, а потім і всього басейну Середземного моря.

За одностайною оцінкою древніх, Плавт був блискучим представником паліатив. Улюблений персонаж Плавта - хитрий, пронирливий раб, допомагає молодому господареві залагоджувати любовні справи. Секрет успіху Плавта полягає, перш за все, в тому, що його комедії, будучи переробкою грецьких, самобутні за духом, в них яскраво відбиті риси римського життя. Плавт співчутливо ставиться до плебейським низам рабовласницького суспільства і засуджує людей, що прагнуть до наживи.

Плавт умів майстерно поєднати нову аттическую комедію з елементами народної римської ателлани, з її буфонадою, жвавістю дії, з її часом непристойними, але дотепними жартами.

Велике місце в комедіях Плавта приділяється співу і музиці. У новій аттичної комедії спів і музика використовувалися тільки в антрактах. У Плавта ж музичний елемент у деяких комедіях переважає. Це кантики (від лат. Canto - "співаю"). Одні з кантиков представляли собою арії, інші виконувалися речитативом під музичний акомпанемент.

П'єси Плавта відрізняє динамічність, вони пройняті пафосом невичерпною енергії та здорового оптимізму. При цьому самі характери його героїв статичні, позбавлені складності та психологічної глибини. Поет звертає основну увагу на подієву сторону, а все, що стосується внутрішнього розвитку образу, спрощується, відступає на другий план. Тим не менш, властивий Плавта прийом гротеску робить його персонажів театрально виразними.

Від Плавта дійшли до нас 20 комедій повністю і одна в уривках. Майже всі комедії починаються з прологу. Пролог набагато довше, ніж у новій аттичної комедії, але служать тієї ж мети. У них розповідається про події, що передували початку дії, і про те, як буде розвиватися інтрига. Сюжет багатьох комедій був настільки заплутаним, що глядачам важко було стежити за ходом дії, не познайомившись попередньо зі змістом.

Більшість комедій Плавта представляють собою веселі фарси або розробку відверто комічної ситуації з нескінченними обманами, тонко сплетеною інтригою, хитромудрими витівками, душею яких зазвичай був слуга-раб.

Комедії Плавта прожили більшу історичне життя, хоча в середні віки Плавт був грунтовно забутий: богослови вважали, що в його п'єсах багато аморального. Зате в епоху Відродження Плавт знову воскрес для європейського театру. Його п'єси переводять, створюють різні переробки і наслідування. Мотиви комедій Плавта оброблялися численними драматургами: Аріосто, Аретіно, Шекспіром, Мольєром та іншими.

Теренцій (близько 185 - 159 до н.е.)

Публій Теренцій Афр, працював, як і Плавт, в жанрі паліатив, належав вже до наступного покоління драматургів. Уродженець Карфагена, Теренцій ще хлопчиком був привезений до Рима, де став рабом римського сенатора. Помітивши видатні здібності юнака, сенатор дав йому гарну освіту, а потім відпустив на волю. Теренцій перебував у дружніх стосунках з багатьма знаменитими людьми, які входили в коло освіченого патриція Сципіона Молодшого - прихильника грецької культури і грецької освіти.

Теренцій написав шість комедій, і всі вони збереглися. Сюжети цих комедій він, як правило, позичає у Менандра, причому свідомо підкреслює їх грецький колорит. Конфлікти в комедіях Теренція носять сімейний характер, і основною метою драматурга є гуманізація моралі.

У Теренція звичайно немає такої динаміки в розвитку подій, як у Плавта, він відмовляється також від театральних засобів і прийомів ателлани, якими охоче користувався його попередник, - від буфонади, грубих і соковитих жартів, безпосереднього звернення до глядачів під час дії і т. д . Зате Теренцій прагне дати більш поглиблену психологічну характеристику своїх персонажів, створюючи цікаві, життєві образи.

Одна з найбільш відомих комедій - "Брати" (160 до н.е.) - ставить питання про виховання молоді. У комедії перемагають нові погляди, представники яких вважають, що треба перейти до витівок молодих людей, виховувати їх не наказами і покараннями, а добрими порадами.

Комедії Теренція знайомили римських глядачів зі світом більш складних, ніж у героїв Плавта, душевних переживань (хоча і обмежених сімейними рамками). У цьому відношенні його твори ближче до їх загального першоджерела - Менандру.

Теренций можна назвати попередником нової європейської драми. Європейський театр неодноразово звертався до його творчості. Вплив його комедій "Форміон" і "Брати" відчувається в творчості Мольєра.

Новий інтерес до гуманістичних тенденціям драматурга виник у XVIII ст., В період формування буржуазної "міщанської" драми. Дідро вважав Теренція своїм попередником, Лессінг в "Гамбурзької драматургії" дав докладний аналіз "Братів", вважаючи цю комедію зразковою.

Римський театр імператорської епохи

У I ст. до н.е. республіка в Римі впала. Після вбивства Цезаря і перемоги над Антонієм в 31 р. до н.е. імператором в Римі став Октавіан, що отримав згодом почесне прізвисько Серпень ("Священний"). Август чудово розумів суспільне значення театру і всіляко сприяв його розвитку. Перш за все, серпень хотів відродити на римській сцені трагедію грецького типу, бачачи саме в ній засіб поліпшення і виховання вдач своїх громадян. Ці прагнення серпня були підтримані одним з видатних римських поетів, Горацієм, і знайшли відображення в його "Науці поезії".

Проводячи політику серпня, Горацій виступає за ідейне, змістовне мистецтво, основою якого є мудрість. Поет, з одного боку, повинен бути високоосвіченою людиною, так як він виступає як вихователь і наставник громадян. З іншого - його мистецтво повинне бути емоційно, вишукано, тому йому потрібно шліфувати свої твори, перш ніж виставляти їх на суд публіки.

Проте всі зусилля серпня відродити на римській сцені серйозний жанр не увінчалися успіхом. Хоча уявлення влаштовувалися часто, вони носили головним чином розважальний характер. Суспільна роль театру помітно знизилася. Така тенденція особливо посилилася при наступників Августа.

Зниження ідейної ролі театру позначилося, насамперед, на його репертуарі. Після встановлення диктатури Октавіана трагедія прийшла в занепад. Якщо трагедії і ставилися за часів імперії, то тільки у вигляді окремих ефектних сцен, що давали змогу акторам показати свою майстерність. Ці актори (їх називали трагедами) надягали костюми і маски, як для виступу в трагедії, проте їх роль зводилася в основному до співу, так як акторські арії складали головну частину уявлення. Виконання арій з трагедій як самостійне уявлення збереглося в Римській імперії аж до останніх днів її існування.

Сенека (близько 4 - 65 н.е.)

Від трагедії імператорської епохи до нас не дійшло нічого, крім трагедій філософа Сенеки.

Луцій Анней Сенека був вихователем імператора Нерона, у свій час займав при ньому вищі посади в державі, але потім був звинувачений у змові проти імператора і за наказом Нерона покінчив із собою, розкривши собі вени.

Трагедії Сенека почав писати в останні роки життя, коли ставлення до нього Нерона змінилося, і він був обережніше висловлювати свої погляди на існуючі порядки. Всього він написав 9 трагедій, запозичуючи їх сюжети з грецької міфології. За своєю будовою трагедії Сенеки теж мало відрізняються від грецьких: партії хору чергуються в нього з партіями героїв, на сцені знаходяться не більше трьох акторів одночасно. Але під впливом соціальних і політичних умов трагедії Сенеки отримали нову спрямованість. Похмура епоха Нерона, з її жорстокістю і погрозами кривавої розправи, як дамоклів меч що висіла над кожним, визначила розробку тем.

Герої Сенеки - люди, наділені сильними, спопеляючим пристрастями. Зображення цих пристрастей, мимоволі приводять героя до загибелі, зображення сильних афектів, жахливих пороків, станів, близьких до патології, - все це стає головним для поета.

Серед героїв Сенеки - жорстокосерді тирани, що зневажають всі закони людяності, здатні на будь-які злочини заради задоволення своєї пристрасті. Героїні, жінки з чоловічою душею, теж не зупиняються ні перед чим заради задоволення своїх бажань.

Персонажі трагедій Сенеки однолінійні: драматург виділяє якусь одну рису в характері і доводить її до межі. У драмах Сенеки постійно зустрічаються сцени страшної помсти, кривавих злочинів. Очевидно, це було відображенням тодішнього життя з її атмосферою жорстоких репресій.

До цих пір залишається спірним питання про сценічного життя трагедій Сенеки. Швидше за все, вони призначені для читання, але не для постановки: трагедії позбавлені динаміки, деякі сцени технічно неможливо виконати.

Творчість Сенеки справило величезний вплив на формування трагедії нового часу. Саме через нього гуманісти епохи Відродження почали своє знайомство з античною трагедією. У XIV - XVII ст. драматурги всіх західноєвропейських країн навчалися у Сенеки мистецтву трагічного - майстерному зображенню пристрасті, напруженості діалогів, відточеності стилю. Шекспір ​​і Бен Джонсон в Англії, Корнель, Расін та інші представники французького класицизму вивчали і використовували трагедії Сенеки у своїй творчій практиці.

Організація театральних вистав

Уявлення влаштовувалися в Римі під час різних державних свят. П'єси йшли на святі патриціїв - Римських іграх, що проводилися у вересні на честь Юпітера, Юнони і Мінерви; на святі плебеїв - Плебейських іграх, які відбувалися в листопаді; на Аполлонових іграх - в липні.

Постійного театрального будинку в Римі не було аж до середини I в. до н.е.; спорудженню його не хотів консервативний сенат. Для уявлення зазвичай форумі споруджувався дерев'яний поміст заввишки в половину людського зросту. На сценічний майданчик вела вузька драбинка в 4 - 5 сходинок, по якій актори піднімалися на сцену. У трагедії дія відбувалася перед палацом. У комедіях декорації майже завжди зображували міську вулицю з що виходять на неї фасадами двох-трьох будинків, і дія розгорталося перед будинком. Глядачі сиділи на лавках перед сценою. Але іноді сенат забороняв влаштовувати місця в цих тимчасових театрах: сидіти на уявленнях, на думку сенату, було ознакою зніженості. Все побудоване для театральних ігор спорудження ламалося відразу ж після їх закінчення.

Грали в постановках вже не аматори (як в ателланах), а артисти-професіонали. Їх називали акторами або гістріонов. Римські актори походили з середовища вільновідпущеників або рабів і в порівнянні з грецькими займали набагато більш низьке суспільне становище. Актори об'єднувалися в трупи на чолі з господарем - антрепренером, який за домовленістю з владою організовував театральна вистава, де сам зазвичай грав головні ролі. Всі жіночі ролі виконувалися чоловіками, жінок у трупи не брали.

Актори-професіонали, які виступали в трагедіях і комедіях в III - II ст. до н.е., грали без масок. Маска з'явилася цих жанрах досить пізно - в 130 р. до н.е. Тому, на відміну від греків, римляни могли стежити за мімікою акторів. Маски використовувалися і раніше, але лише в особливих випадках - коли треба було, наприклад, обіграти мотив двійника в комедії. У масках також грали актори-аматори, що належали до вищих верств суспільства.

Важливою подією в театральному житті Риму була поява першого постійного театру, побудованого з каменя. Цей театр був споруджений в 55 р. до н. е.. Гнеем Помпеєм Великим і вміщував до 40 тисяч чоловік. В кінці I ст. до н. е.. в Римі було побудовано ще два кам'яних театру: театр Бальба і театр Марцелла. Від останнього досі збереглися залишки зовнішньої стіни, розділеної на три поверхи, що відповідає трьом внутрішнім ярусах.

Театр середньовіччя

Літургійна і полулітургіческая драма

Однією з форм театрального мистецтва раннього середньовіччя стала церковна драма. Борючись проти залишків античного театру, проти сільських ігрищ, церква прагнула використати дієвість театральної пропаганди в своїх цілях. Вже в IX столітті театрализуется меса, виробляється ритуал читання в особах епізодів з легенд про життя Христа, про його поховання і воскресіння. З цих діалогів народжується рання літургійна драма. Існувало два цикли такої драми - різдвяний, розповідає народження Христа, і пасхальний, що передає історію його воскресіння.

У різдвяній літургійної драмі посередині храму ставили хрест, потім його загортали в чорну матерію, що означало поховання тіла господнього.

У пасхальної літургійної драмі розігрувалася сцена трьох Марій і ангела біля труни Христа (їх зображали четверо священиків). Ангел запитував: "Кого ви шукаєте в труні, християнки?" Марії хором відповідали: "Ісуса Назарянина, розп'ятого, про небожитель!" І ангел промовив до нього: "Його тут немає, він повстав, як передбачив раніше. Ідіть, повідомте, що він повстав із труни!" Після цього хор співав молитву, що вихваляє воскресіння Христа.

З часом літургічна драма ускладнюється, урізноманітнюються костюми "акторів", створюються "режисерські інструкції" з точним зазначенням тексту і рухів. Усім цим займалися самі священики.

Організатори літургійних уявлень накопичили постановочний досвід і стали майстерно показувати народу піднесення Христа та інші євангельські чудеса. Наближаючись до життя і використовуючи постановочні ефекти, літургійна драма вже не приваблювала, а відволікала парафіян від служби. Розвиток жанру таїло в собі його самознищення.

Не бажаючи відмовитися від послуг театру, і не будучи в силах впоратися з ним, церковні власті виводять літургічну драму з-під склепінь храмів на паперті. Народжується полулітургіческая драма (середина XII ст.). І тут церковний театр, формально перебуваючи у владі духовенства, підпав під вплив міської натовпу. Тепер вона вже диктує йому свої смаки, змушує давати вистави у дні ярмарків, а не церковних свят, повністю перейти на рідній, зрозумілий натовпі мову.

Піклуючись про успіх, церковники стали підбирати більш життєві сюжети, і матеріалом для полулітургіческая драми стають біблійні сюжети, схильні побутовому тлумаченню. Біблійні легенди піддаються з плином часу поетичної обробці. Вводяться і технічні нововведення: остаточно встановлюється принцип симультанної декорації, коли одночасно показується кілька місць дії; збільшується число трюків.

Однак, незважаючи на все це, церковна драма продовжувала зберігати тісний зв'язок з церквою. Драма ставилася на паперті, на церковні кошти, її репертуар складався духовними особами (хоча учасниками уявлень, разом із священиками й миряни).

Так, химерно об'єднуючи взаємовиключні елементи, церковна драма існувала довгий час.

Світська драматургія

Перші паростки нового реалістичного напряму пов'язуються з ім'ям трувера (тобто трубадура) Адама де Ла Аль (близько 1238 - 1287) з французького міста Арраса. Де Ла Аль був пристрасно захоплений поезією, музикою і театром. Він жив ​​у Парижі і в Італії (при дворі Карла Анжуйського) і отримав досить широку популярність як поет, музикант, драматург. У творчості Адама де Ла Аля народно-поетичне початок поєднувалося з сатиричним. У його творах були зачатки майбутнього театру Відродження. Але протягом середньовіччя цей драматург не мав продовжувачів. Життєрадісність і вільна фантазія мерхнули під впливом церковних строгості та прозової тверезості міст.

Сатиричне початок народних видовищ драматургії Адама де Ла Аля знайшло своє продовження в фарсах, героями яких були то ярмарковий зазивала, то лікар-шарлатан, то цинічний поводир сліпого. Однак жанр фарсу досяг свого розквіту пізніше, в XV столітті. У XIII столітті ж комедійна струмінь заглушалися театром міракля, теж мали своєю темою життєві події, але зверненим до релігії.

Міракль

Сама назва міракль походить від латинського слова "диво". І дійсно, всі конфлікти, часом дуже гостро відображали життєві протиріччя, в цьому жанрі вирішувалися завдяки втручанню божественних сил - святого Миколая, діви Марії і т. д. З плином часу ці п'єси, зберігаючи релігійну моралізації, все гостріше показували свавілля феодалів, силу темних пристрастей, що володіли знатними і багатими людьми. У першому з відомих нам мираклей - "Гра про святого Миколая" (1200) - в центрі уваги було чудо, здійснене святим для порятунку християнина, що в язичницький полон, і його історія була лише відгомоном хрестових походів. Пізніший "Міракль про Роберта-диявола" давав вже загальну картину кривавого століття Столітньої війни (1337 - 1453) і страшний портрет безсердечного феодала.

Сам час - XIV століття, повний воєн, народних хвилювань і нелюдських розправ, - пояснює розвиток такого суперечливого жанру, як міракль. З одного боку, селянські маси бралися за сокири, повставали, з іншого - підпорядковувалися тяжкого життя. Звідси й елементи критики, і релігійне почуття в міраклях.

Більшість мираклей будувалося саме на побутовому матеріалі - з життя міста, з життя монастиря або середньовічного замку. Викриваючи гнобителів народу, міракль про Берті малює в позитивному світлі тих людей із середовища, які не піддаються пороків і пристрастей, властивим знаті, і можуть, потрапивши в середу простих трудівників, бути серед них своїми людьми.

Двоїстість міракля пов'язана з ідеологічною незрілістю міського бюргерства того часу. Не випадково міракль, що починався зазвичай з викривального зображення дійсності, завжди закінчувався компромісом, актом каяття і прощення, що практично означало примирення з тільки що показаними злочинами, бо припускало в кожному лиходії можливого праведника. Це влаштовувало і бюргерський свідомість, і церква.

Містерія

Час розквіту містеріального театру - XV - XVI століття, час бурхливого розквіту міст і загострення соціальних суперечностей. Місто вже значною мірою подолав феодальну залежність, але ще не підпав під владу абсолютного монарха. Містерія і з'явилася виразом розквіту середньовічного міста, його культури. Вона виросла з так званих "мімічних містерій" - міських процесій на честь релігійних свят, на честь урочистих виїздів королів. З цих свят поступово складалася майданна містерія, яка використовує ранній досвід середньовічного театру.

Уявлення містерій організовувалися не церквою, а міськими цехами та муніципалітетами. Авторами виступали діячі нового типу - вчені-богослови, юристи, лікарі. Незважаючи на те, що керувала постановками вища буржуазія міста, містерії були масовим майданним самодіяльним мистецтвом. У виставах брали участь сотні людей.

Мистериальная драматургія поділяється на три цикли: "старозавітний", має своїм змістом цикли біблійних сюжетів; "новозавітний", що розповідає історію народження і воскресіння Христа, і "апостольський", в якому сюжети п'єс були запозичені з "Житія святих" і з мираклей про святих.

Яскравим прикладом ранньої містерії може служити величезна (50 тисяч віршів, 242 діючих особи) "Містерія Старого завіту", що містила 38 окремих епізодів. Її головними героями були Бог, ангели, Люцифер, Адам і Єва. У містерії показувалося створення світу, повстання Люцифера проти Бога, біблійні чудеса.

Містерія розсунула тематичний діапазон середньовічного театру, накопичила величезний сценічний досвід, який був використаний наступними жанрами середньовіччя.

Виконавцем містерії був міський люд. Окремі епізоди величезного театральної вистави виконувалися представниками різних міських цехів. При цьому містерія давала можливість кожній професії проявити себе якомога повніше.

Містерії розвинули театральну техніку, затвердили в народі смак до театру, підготували деякі особливості ренесансної драми. Але 1548 року містеріальний товариствам, особливо широко поширеним у Франції, забороняють показ містерій: надто відчутною стала критична комедійна лінія містеріального театру. Причина загибелі ще й у тому, що вона не отримала підтримки з боку нових, прогресивних сил суспільства. Релігійний зміст відштовхувало людей гуманістично налаштованих, а майданна форма і критичні елементи викликали гоніння церкви.

Історична приреченість містерії було вирішено внутрішньої суперечливістю жанру. До того ж містеріальний театр втратив і свою організаційну грунт: королівська влада викорінює всі міські вольності і забороняє цехові союзи. Містерія піддається різкій критиці з боку як католицької церкви, так і реформаційного руху.

Мораліте

Реформаційний рух (Реформація) розгорнулася в Європі в XVI ст. Воно носило антифеодальний характер і набуло форми боротьби з ідеологічною опорою феодалізму - католицькою церквою.

Реформаційний рух стверджує принцип "особистого спілкування з Богом", принцип особистої чесноти. У руках заможного бюргерства мораль стає зброєю боротьби і проти феодалів, і проти незаможних міських мас. Прагнення надати святість буржуазному світогляду породжує театр мораліте. Він виростає з містерій, в яких повчальна дидактика полягала в релігійні форми і часто втрачала сенс через сусідство побутових комічних сцен. Мораліте звільнило морализацию як від релігійних сюжетів, так і від побутових відволікань і, відокремивши, отримало стильове єдність і велику дидактичну спрямованість. Однак при цьому були загублені дієвість постановки і життєві риси персонажів.

Основною ознакою мораліте був алегоризм. У п'єсах діють алегоричні персонажі, кожен з яких уособлює якийсь людський порок або чесноту. Ці персонажі позбавлені індивідуальних характерів, і навіть реальні речі в їх руках перетворюються на символи. Зіткнення героїв будувалися відповідно на боротьбі двох начал: добра і зла, духу і тіла. Цей конфлікт найчастіше зображувався у вигляді протиставлення двох фігур, двох персонажів, що уособлюють собою добре і зле початку, що впливають на людину.

Розумні люди йдуть по шляху доброчесності, нерозумні ж стають жертвами пороку - цю основну дидактичну думку стверджували на різні лади всі мораліте.

Авторами деяких мораліте були ранні гуманісти, професора середньовічних шкіл. У Нідерландах твором і постановкою мораліте займалися патріоти, які борються проти іспанського засилля. Їх п'єси були повні сучасних політичних натяків, за що автори та актори нерідко переслідувалися.

У своєму розвитку мораліте частково звільнялося від строгої аскетичної моралі: під впливом нових суспільних сил в ньому виявлялося деяке прагнення до реалізму. Суперечності жанру були ознакою зближення з життям. В інших мораліте вже можна було зустріти мотиви соціальної критики.

Історичне значення алегоричного жанру було в тому, що він вніс в середньовічну драматургію чіткість, поставив перед театром завдання побудови типового образу. Але, будучи у владі догматичної моралі, цей жанр не зміг породити нічого значного.

Фарс

Площинної плебейський фарс виділяється в самостійний театральний жанр з другої половини XV століття. Однак він до цього пройшов довгий шлях прихованого розвитку. Сама назва походить від латинського farta ("начинка"). І дійсно, організатори містерій часто-густо писали: "Тут вставити фарс".

Веселі масляні уявлення і народні спектаклі дають початок "дурним корпораціям" - об'єднанням дрібних судових чиновників, різноманітної міської богеми, школярів, семінаристів. У XV ст. блазнівські суспільства поширюються по всій Європі. У Парижі були чотири великі організації та регулярно влаштовувалися огляди - паради їх фарсових уявлень. У цих парадах висміювалися виступи єпископів, сперечання суддів, в'їзди королів до міста. У відповідь на це світські і духовні влади переслідували фарсеров, виганяли їх з міста, кидали до в'язниць.

Фарс повернуть усім своїм змістом та художнім ладом до дійсності. Він висміює солдатів-мародерів, ченців-торговців індульгенціями, пихатих дворян, скнарість купців. Гостро помічені і змальовані риси характерів несуть сатирично загострений життєвий матеріал.

Головними принципами акторського мистецтва для фарсеров були характерність, доведена до пародійної карикатури, і динамізм, що виражає активність і життєрадісність самих виконавців.

Сценічної завданням фарсеров було відтворення певних типів: спритного міського молодика, хвалькуватого солдата, хитрого слуги і т. п. Але при визначеності сценічних типів-масок була розвинена і імпровізація - наслідок живого спілкування фарсеров з галасливою ярмаркової аудиторією.

Доля веселих комічних аматорських корпорацій фарсеров з року в рік ставала все гіршими. Монархічна і церковна влада все сильніше наступала на міське вільнодумство і на одну з форм його - фарсовий театр. В кінці XVI - початку XVII ст. під ударами влади припиняють існування найбільші корпорації фарсеров.

Фарс справив великий вплив на подальший розвиток театру Західної Європи. В Італії з фарсу народилася комедія дель арте; в Іспанії - творчість "батька іспанського театру" Лопе де Руеда, а Англії з типу фарсу писав свої інтерлюдії Джон Гейвуд, в Німеччині - Ганс Сакс, у Франції фарсові традиції живили мистецтво геніального Мольєра. Саме фарс став ланкою між старим і новим театром.

Бібліографічний список

  1. Підручник з історії середніх століть. М.: Просвещение, 1984.

  2. Велика Радянська Енциклопедія. Т. 18. с. 507 - 510.

  3. Історія зарубіжного театру. Під ред. проф. Г. Н. Бояджієва і проф. А. Г. Образцової. - М.: Просвещение, 1981.

  4. Тронский І. М. Історія античної літератури. М.: Вища школа, 1980.

Додати в блог або на сайт

Цей текст може містити помилки.

Історія та історичні особистості | Реферат
133.8кб. | скачати


Схожі роботи:
Розвиток архітектури в Стародавній Греції і Стародавньому Римі
Історія банків і грошей в Стародавній Греції та Римі
Виховання і освіта в Стародавній Греції і Стародавньому Римі
Педагогічна думка в Стародавній Греції і Стародавньому Римі
Змішані форми правління в Стародавньому Римі та Стародавній Греції
Виховання в стародавній Греції
Театр у Стародавній Греції
Реінкарнація в Стародавній Греції і Християнстві
Виникнення театру в Стародавній Греції

Нажми чтобы узнать.
© Усі права захищені
написати до нас
Рейтинг@Mail.ru