додати матеріал


Відродження в Італії

[ виправити ] текст може містити помилки, будь ласка перевіряйте перш ніж використовувати.

скачати

РЕФЕРАТ
Відродження в Італії

Проторенесансу
Перші провісники мистецтва Відродження з'явилися в Італії в XIV столітті. Художники цього часу, П'єтро Кавалліні (1259-1344), Джотто (1267-1337), Сімоне Мартіні (1284-1344), малюючи картини традиційної релігійної тематики, і відштовхуючись від традиції інтернаціональної готики, почали використовувати нові художні прийоми: побудова об'ємної композиції, використання пейзажу на задньому плані, що дозволило їм зробити зображення більш реалістичними, жвавими. Це різко відрізняло їх творчість від попередньої іконографічної традиції, що буяє умовностями в зображенні.
Відродження
У Середні століття осередком культури, в тому числі і художньої, були феодальний замок, храм і монастир. Але з плином часу життя змінювалася: виникали міста, в них мануфактури, розвивався торговий обмін. Нові умови породили і нове мислення, в основі якого лежало світське вільнодумство, що протистоїть пануючому релігійному. Якщо християнська середньовічна мораль наказувала надія на райське життя поза земними меж, то новий світогляд закріплювало право людини на щастя у його земному бутті, причому під щастям розумілося розвиток і прояв всіх його природних задатків, прагнення до знань і вільної творчості.
Основні відмінні риси культури Відродження: світський характер, гуманістичний світогляд, звернення до античної культурної спадщини, свого роду "відродження" його (звідси й назва). Культура Відродження має специфічними особливостями перехідної епохи від середньовіччя до нового часу, в якій старе і нове, переплітаючись, утворюють своєрідний, якісно новий сплав. Складним є питання про хронологічні межах Відродження (в Італії - 14-16 ст., В інших країнах - 15-16 ст.), Його територіальне поширення і національні особливості.
Художники стали шукати божественну красу не на небі, а на землі, прагнучи зрозуміти божественне через земне. Зразком для творчості вони обрали античність, протиставивши її готики. Замість Священного Писання вони стали вивчати твори античних авторів, в першу чергу твори великого грецького мислителя Платона. Відроджуючи античні форми, художники стверджували при цьому, моральну та естетичну цінність особистості.
Визнання людини як особистості отримало назву гуманізм і склало основу світогляду нової епохи. Місце людини в світі дуже точно позначив італійський філософ і гуманіст Піко делла Мірандола, який говорив, що в центрі світобудови він ставить людину, щоб звідти йому було зручно оглядати все, що є у світі. Людина, створений «за образом і подобою Божою», здатний бачити і сприймати красу навколишнього світу, став головною темою літератури, живопису і скульптури. Склався той комплекс культури, який прийняти називати Ренесансом або Відродженням. Ця назва переломною історичної епохи загальноєвропейського мистецтва 15-16сс. Термін «Відродження» вперше вжив італійський художник Дж. Вазарі. Естетика італійського відродження спиралася на ті принципи, які були сформульовані видатним філософом і богословом Фомою Аквінським. Відповідно до його теорії божественна премудрість поширювалася на всі навколо.
Художня культура Відродження відкрила не тільки людини, але і той реальний світ в якому він жив. Художники Ренесансу не тільки відтворювали натуру, вони її вивчали і встановлювали закономірності. Художнє бачення світу поєднувалося у них з науковим, переважно математичним поглядом на речі. Найбільший теоретик мистецтва Л.Б. Альберті в своїх роботах підкреслював, що математика є основою правильного відображення дійсності. Найважливішим досягненням живопису було відкриття перспективи, повністю змінило бачення світу. Це чисто технічний засіб організації простору на площині визначило точку зору, з якої сприймалося все зображене в живописної композиції.
Мистецтво Відродження прагнуло до раціоналізму, до наукового погляду на речі, до реалізації принципу - «наслідувати природу. При цьому не забували і про красу, бо, за словами Альберті, у живопису витонченість не тільки приємно, але і необхідно, і мистецтво втрачає сенс, якщо воно позбавлене естетичної принадності.
Становлення і розвиток ренесансної культури було процесом тривалим і нерівномірним. Культура Відродження не була надбанням однієї тільки Італії, але в Італії нова культура зародилася раніше, ніж в інших країнах, і шлях її розвитку вирізнявся винятковою послідовністю. Італійське мистецтво Відродження пройшло кілька етапів. У мистецтвознавстві за традицією широко застосовуються італійські найменування тих етапів-сторіч, кожне з яких представляє певну віху еволюції ренесансного мистецтва. 13 століття - дученто,
14 століття - треченто, 15 століття - кватроченто, 16 століття - чінквіченто.
Перші зрушення в образотворчому мистецтві і літературі, що намітилися в о 2-ій половині 13 століття, свого роду «передвідродження», отримали назву Проторенесанс.
Йому на зміну на початку 14 століття прийшла хвиля готичного мистецтва - епоха треченто, розквіт якої охоплює останні дві третини 14 століття.
До початку 15 століття належить ранній етап мистецтва Відродження, звичайно позначається як кватроченто, або раннє Відродження.
Своєю повної завершеності воно досягло до кінця 15 - початку 16 ст. Цей період найвищого розквіту, що тривала всього тридцять - сорок років, називають Високим, або класичним Відродженням.
Останні дві третини 16 століття, ознаменовані посиленням феодальної реакції і настанням контрреформації, іменують періодом пізнього Відродження.
Живописці і скульптори епохи Відродження
Белліні, знаменита родина італійських живописців, основоположників мистецтва Відродження у Венеції. Джованні Белліні (Giovanni Bellini) (близько 1430-1516), другий син Якопо Белліні, - найбільший художник венеціанської школи, що заклав основи мистецтва Високого Відродження у Венеції. Драматично гострі, холодні за кольором ранні роботи Джованні Белліні ("Оплакування Христа", близько 1470, Галерея Брера, Мілан) до кінця 1470-х років під впливом живопису П'єро делла Франческа і Антонелло да Мессіна змінюються гармонічно ясними картинами, в яких величавим людським образам співзвучний одухотворений краєвид
(Так звана "Озерна мадонна", 1490-ті роки, Уффіці; "Бенкет богів", Національна галерея мистецтв, Вашингтон). Твори Джованні Белліні, в тому числі його численні "Мадонни" ("Мадонна з деревцями", 1487, Галерея Академії, Венеція; "Мадонна", 1488, Академія Каррара, Бергамо), відрізняються м'якою гармонією звучних, немов пронизаних сонцем насичених кольорів і тонкістю світлотіньових градацій, спокійною урочистістю, ліричної споглядальністю і ясною поетичністю образів. У творчості Джованні Белліні поряд із класично впорядкованої композицією ренесансної вівтарної картини ("Мадонна на троні в оточенні святих", 1505, церква Сан-Дзаккария, Венеція) сформувався повний інтересу до людини гуманістичний портрет (портрет дожа Леонардо Лоредана, 1502, Національна галерея, Лондон ; портрет кондотьєра, 1480, Національна галерея, Вашингтон).
Джованні був позашлюбним сином Якопо і звідним братом Джентіле; його отроцтво співпало з епохою, коли в Падуї та Венеції працювали Уччелло, Філіппе Ліппі, Андреа дель Кастаньо, Донателло. Вся культура Венеції зазнала найглибші зміни наслідки, яких відбилися в першу чергу в мистецтві Мантенья а також у творчості самого Джованні Белліні. Він почав писати близько 1449, випробувавши вплив батька, і вже в 1459 році очолив майстерню у Венеції. Картина "Розп'яття" (Венеція, музей Коррера) свідчить про вплив Мантенья, нов той же час виявляє і творчу індивідуальність самого Белліні; у світлі ранкової зорі тіло Христа як би накладається на річковий краєвид, олюднюються драму Розп'яття. Любовно виписані пейзажні фони Белліні у яких переважають темно-зелені тони, що з'єднуються з кольором ранкової зорі або заходу пронизані найрізноманітнішими почуттями їх класичність менш системна ніж у вчителя Белліні. У живописця Андреа Мантенья драма відображена у призмі наукової стратиграфії втрачає свою насиченість; у Белліні навпаки вона підкреслюється і посилюється самою природою. Так у картині "Моління про чашу" (близько 1465, Лондон, Національна галерея) висхідній до роботи Мантенья на той же сюжет краєвид одушевлений світлом вранішньої зорі, який висвітлює хмари і запалює глибокі зелені тони. Живе почуття кольору і світла пом'якшує краєвид хоча структура скель, тим не менш надихнула Мантенья.
Леонардо да Вінчі. Леонардо да Вінчі творив у різних видах та жанрах мистецтва, проте найбільшу славу йому принесла живопис.
Однією з найбільш ранніх живописних робіт Леонардо є «Мадонна з квіткою» або «Мадонна Бенуа». Вже тут художник виступає як справжній новатор. Він долає рамки традиційного сюжету і надає зображенню більш широкий, загальнолюдський сенс, якими є материнська радість і любов. У цьому творі чітко проявилися багато особливостей мистецтва художника: чітка композиція фігур і об'ємність форм, прагнення до лаконічності і узагальнення, психологічна виразність.
Продовженням розпочатої теми стало полотно «Мадонна Літта», де яскраво проявилася ще одна особливість творчості художника - гра на контрастах. Завершенням теми стала картина «Мадонна в гроті», в якій зазначено ідеальне композиційне рішення, завдяки якому зображені фігури Мадонни, Христа і ангелів зливаються з пейзажем в єдине ціле, наділене спокійним рівновагою і гармонією.
Однією з вершин творчості Леонардо є фреска «Таємна Вечеря» у трапезній монастиря Санта Марія делле Граціє. Ця робота вражає не тільки загальною композицією, але і точністю. Леонардо не просто передає психічний стан апостолів, але робить це в момент, коли воно досягає критичної точки, переходить в психологічний вибух і конфлікт. Цей вибух викликаний словами Христа: «Один з вас зрадить мене». У цьому творі Леонардо в повній мірі використав прийом конкретного зіставлення фігур, завдяки якому кожен персонаж постає як неповторна індивідуальність і особистість.
Другий вершиною творчості Леонарда став знаменитий портрет Мони Лізи, або «Джоконда». Це твір поклало початок жанру психологічного портрета в європейському мистецтві. При його створенні великий майстер із блиском використовував весь арсенал засобів художньої виразності: різкі контрасти і м'які півтони, застигла нерухомість і загальна плинність і мінливість, найтонші психологічні нюанси і переходи. Весь геній Леонардо укладений в дивно живому погляді Мони Лізи, її таємничої і загадковою усмішці, містичної серпанку, що покриває пейзаж. Цей твір належить до рідкісних шедеврів мистецтва.
Сандро Боттічеллі народився у Флоренції в 1445 році в сім'ї чинбаря шкіри.
Першою за часом оригінальною роботою Боттічеллі вважається «Поклоніння волхвів» (близько 1740 року), де вже цілком позначилося головна властивість його первісної манери - мрійливість і тонка поетичність. Він був обдарований природженим почуттям поетичності, але виразний наліт споглядальної смутку протягав у нього буквально у всьому. Навіть святий Себастьян, охоплений стрілами мучителів, дивиться у нього задумливо і відчужено.
В кінці 1470-х років Боттічеллі зблизився з колом фактичного правителя Флоренції Лоренцо Медічі, прозваного Чудовим. У розкішних садах Лоренцо збиралося суспільство людей, напевно, найбільш освічених і талановитих у Флоренції. Там бували філософи, поети, музиканти. Панувала атмосфера схиляння перед красою, причому цінувалася не лише краса мистецтва, але і краса життя. Прообразом ідеального мистецтва і ідеального життя вважалася античність, сприйнята, однак, через призму пізніших філософських нашарувань. Без сумніву, під впливом цієї атмосфери була створена перша велика картина Боттічеллі «Прімавера (Весна)». Це - схожа на сновидіння, вишукана, дивно красива алегорія вічного кругообігу, постійного оновлення природи. Її пронизує складний і примхливий музичний ритм. Фігура Флори, прибраній квітами, танцюючих грацій в райському саду представляли собою ще не бачені в той час образи краси і тому виробляли особливо привабливе враження. Молодий Боттічеллі відразу ж зайняв визначне місце серед майстрів свого часу.
Саме висока репутація молодого живописця забезпечила йому замовлення на біблійні фрески для Ватиканської Сікстинської капели, які він створив на початку 1480-х років у Римі. Він написав «Сцени з життя Мойсея», «Покарання Корея, Датана й Авірона», проявивши дивовижне композиційну майстерність. Класичне спокій античних будівель, на тлі яких Боттічеллі розгорнув дію, різко контрастує з драматичним ритмом зображених характерів і пристрастей; рух людських тіл складно, заплутано, насичене вибухової силою; створюється враження сотрясаемой гармонії, беззахисності видимого світу перед стрімким натиском часу і людської волі. Фрески Сікстинської капели вперше висловили глибоку тривогу, яка жила в душі Боттічеллі, яка з часом міцніла. У цих же фресках позначився дивовижний талант Боттічеллі-портретиста: кожне з безлічі написаних осіб зовсім своєрідно, неповторно та незабутньо ...
У 1480-х роках, повернувшись до Флоренції, Боттічеллі продовжував невтомно працювати, однак умиротворена ясність «Приклади» залишалася вже далеко позаду. У середині десятиліття він написав свою знамениту «Народження Венери». Дослідники відзначають в пізніх роботах майстра невластивий йому насамперед моралізм, релігійну екзальтацію.
Може бути, більш значні, ніж пізня живопис, малюнки Боттічеллі 90-х років - ілюстрації до «Божественної комедії» Данте. Він малював з очевидним і неприхованим захопленням; бачення великого поета любовно і ретельно передані досконалістю пропорцій численних фігур, продуманою організацією простору, невичерпною винахідливістю в пошуку зорових еквівалентів поетичного слова ...
Незважаючи ні на які душевні бурі та кризи Ботічеллі до самого кінця (він помер у 1510 році) залишався великим художником, володарем свого мистецтва. Про це ясно свідчить благородна ліплення обличчя у «Портреті молодої людини», виразна характеристика моделі, яка не залишає сумніву в її високих людських достоїнствах, твердий малюнок майстра і його доброзичливий погляд.
Рафаель. П'ять століть ім'я Рафаеля оточене ореолом захоплення і поклоніння. Сучасники, високо цінували його талант, назвали художника «божественний Рафаель». І це не було перебільшенням. Як ніхто інший з живописців він умів переконати у правдивості своїх образів і в той же час зародити в душі прагнення до прекрасного.
Рафаель прожив рівно 37 років. Народився у страсну п'ятницю 6 квітня 1483, помер 6 квітня 1520 теж у страсну п'ятницю. Рафаель народився в маленькому італійському містечку Урбіно в Джованні і Маджіо Санті. Його батько був «художник посередній, але людина розсудлива», а крім того ще й поет, що писав віршовані хроніки. Батько став учителем сина. І все було добре в їхньому будинку, поки не вмерла Маджіо. Тільки 8 років виповнилося тоді Рафаелю, а через три роки він втратив і батька. Майстерню Джованні Санті, як уже говорилося, прикрашала фреска, написана на стіні їм самим: красуня мати (мадонна) з малюком на колінах і книгою в руці. Рафаелло вважав цю фреску зображенням Маджіо і іноді проводив біля стіни довгі години. Час отроцтва Рафаеля співпало з початком епохи Відродження.
На відміну від Леонардо Рафаель повністю належав своєму часу. У його творах немає нічого дивного, таємничого і загадкового. У них все ясно і прозоро, всі чудово і досконало. Він з найбільшою силою втілив позитивний ідеал прекрасної людини. У його творчості панує життєстверджуюче начало. Головною темою його творчості стала тема Мадонни, яка знайшла в нього неперевершене, ідеальне втілення.
Йому ще не виповниться 19 років, коли він напише свій шедевр «Мадонну Конестабиле». У колі, точно вписаний в квадрат, Рафаель зобразив молоду жінку, вкриту синім хусткою. Вона тримає в правій руці книгу, лівої притискає до себе маленького сина і вони разом - голенький хлопчик і його мама - дивляться в книгу. »Тут Рафаель виступає як майстер раннього Відродження, як оповідач, який боїться втратити найменшу деталь розповіді». Юність художника і боязкість стилю, ледь помітна невпевненість в собі і всі прикмети наближається зрілості надають цій першою з рафаелевскіх Мадонн абсолютно особливу чарівність, трохи хитке, здається, готове зникнути, розчинитися в глибокій дали, де ледве зеленіють весняні поля і ще без листя стоять дерева .
За ці полотном пішла ціла серія варіацій на ту ж тему - «Мадонна зі щегленком», «Прекрасна садівниця», «Мадонна серед зелені», «Мадонна з безбородим Йосипом», «Мадонна під балдахіном». А. Бенуа визначив ці варіації як «чарівні мальовничі сонети». Всі вони підносять і ідеалізують людини, оспівують красу, гармонію і витонченість.
У 1504 році Рафаель написав слідом за свої вчителем Перуджіно вівтарний образ «Заручення Марії» - картину зовсім дивної краси, просвітленої смутку і мудрості, яка особливо приголомшує, якщо чітко уявиш собі, що тайновидець і провидець, який створив «Заручини», - це юнак трохи за двадцять років.
Тема покірності, повного віддання себе у владу вищого початку, смирення перед ним, колишня головною духовної темою Рафаеля, розкрита найповніше в багатьох і багатьох образах його Мадонн, звучить тут вражаюче ясно. Марія, що стоїть перед первосвящеником, простягнувши руку Йосипові, благочестивий Йосип, сивобородий первосвященик-патріарх написані юнаків Рафаелем з такою глибиною і майстерністю, схожим, власне, більше на знання, ніж на майстерність, які не пояснити тільки художньої геніальністю, - за цим безумовно варто людський (особистий) досвід, і загадку його нам навряд чи вдасться коли-небудь розгадати до кінця ...
Ось наступні етапи творчого шляху Рафаеля: його перебування у Флоренції (1504-1508 р.р.) - час пильного вивчення робіт Леонардо да Вінчі, анатомії, перспективи, час посиленого самовиховання, в якому натура геніальна гостро потребує на порозі остаточної зрілості. Потім - робота над «Станція» (розписами парадних зал) Ватиканського палацу в Римі, куди Рафаель відправився на запрошення папи Юлія ІІ (з осені 1508 до середини 1510г.); Там Рафаелю вперше по-справжньому відкрилася античність, і він, будучи вже знаменитим майстром , захопився нею з ентузіазмом неофіта. Вона пробудила в ньому прихований до тієї пори талант скульптора і талант зодчого. Нарешті, останній, теж римський, період, вінцем якого став рафаелевскій шедевр - «Сикстинська Мадонна» (1515-1519 р.р.), напевно, сама знаменита картина у всій світовій живопису. Мадонна зображена легко паряться на хмарах. Тримаючи в руках своє немовля, вона спускається на землю до людей, і рух її, ледь вловиме, передано Рафаелем з винятковою майстерністю. Зліва від глядача - тато Сикст покровитель монастиря, охоплений благоговінням і захопленням, побачивши мадонни, праворуч - свята Варвара, яка вважалася покровителькою міста П'яченци. Спокійно сидить на руках у мадонни немовля повний недитячою серйозності, погляд пильний та уважний.
У картині панує міра. Врівноваженість і гармонія. Її відрізняють плавні і закруглені лінії, м'який і мелодійний малюнок, багатство і соковитість колориту. Сама Мадонна випромінює енергію і рух. Цим твором Рафаель створив самий піднесений і поетичний образ Мадонни в мистецтві Ренесансу.
Рафаель вважається художником жіночною і небесної стихії, якому «звуків неба замінити не могли ... нудні пісні землі». І це вірно до певної міри. Тільки неправильно було б думати, що причина цьому - його незнання чи нерозуміння життя і людей. Найкращий доказ цьому - його портрети. Цей художник Мадонн був блискучим портретистом, причому в епоху, коли, «скульптурний або живописний портрет говорив людям більше, ніж найкраща біографія». Своє розуміння людей Рафаель, перш за все, виявив своїм «Автопортретом» 1506: прекрасне обличчя написано впівоберта, у величезних очах - нескінченна печаль, навіть і відчуженість, але не обмані: погляд цих очей зорок - від нього не вислизне ніщо з того, що він тільки удостоїть помітити.
Рафаель виконав багато портретів, чоловічих і жіночих. Назвемо ще два з них: «Портрет Аньоло Дони» - молодої людини, складом характеру абсолютно протилежного самому Рафаелю: владного, тверезого, можливо, жорсткого, і знаменитий портрет «Папи Лева Х з двома кардиналами" - цей тато римський був шанувальником і покровителем Рафаеля в останні роки його життя. Але художник не полестив йому: пухке обличчя, насторожений погляд, руки, що видавали таємне занепокоєння, втілення суворої і неприємної правди ...
У 1508 році він приїжджає до Риму, де разом з відомими художниками розписує в Ватикані покої папи римського. Вже до тридцяти років Рафаель стає знаменитістю, створює неперевершені за монументальності, розмаху, досконалості композиції і глибиною змісту фрески, які увійшли в наслідку в історію світового мистецтва.
За ескізами великого художника створювали свої твори архітектори та скульптори. У якості архітектора з 1515 року Рафаель керував будівництвом собору св. Петра.
За мотивами відкритих ним древніх розписів при археологічних розкопках він створює чудовий декоративний ансамбль ватиканських лоджій. За ескізами художника в Брюсселі були виткані величезні килими, призначені для прикраси Сікстинської капели.
У повному розквіті творчих сил помер видатний художник, визнаний главою римської художньої школи. Похований він у римському пантеоні. Могилу прикрашає мармурова статуя мадонни з написом «Тут спочиває той Рафаель, за життя якого велика природа боялася бути переможеною, а після його смерті вона боялася вмерти».
Мікеланджело Буонаротті (1475-1564) є третім великим генієм італійського Відродження. За масштабом особистості він наближається до Леонардо. Він був скульптором, живописцем, архітектором і поетом.
Серед перших його творінь звертає на себе увагу статуя «замахнувся хлопчик», яка перегукується з «Дискобол» античного скульптора Мирона. У ній майстру вдалося яскраво висловити рух і пристрасність юної істоти.
Дві роботи - статуя «Вакх» та гурт «П'єта» - створені в кінці 15 століття, принесли Мікеланджело широку популярність і славу.
Одним з вищих досягнень Мікеланджело з'явилася статуя «Давид». Ідеальні пропорції, досконала пластику, рідкісна гармонія форм роблять її дивно природної, легкої і прекрасною. Статуя наповнена внутрішнім життям, енергією і силою. Вона є гімном людській мужності, краси, грації і витонченості.
До числа вищих досягнень Мікеланджело відносяться також роботи, створені для гробниці папи Юлія ІІ - «Мойсей», «Скований раб», «Вмираючий раб», «прокидаються раб», «скорчившись хлопчик». Над цією гробницею скульптор працював з перервами близько 40 років, але так і не довів її до завершення. Однак те, що скульптор встиг створити, вважається найбільшими шедеврами світового мистецтва. У цих творах Мікеланджело вдалося досягти вищої досконалості, ідеального єдності і відповідності внутрішнього сенсу і зовнішньої форми.
Крім скульптур Мікеланджело створив прекрасні твори живопису. Самими значущими з них є розписи Сікстинської капели у Ватикані.
Він розписав плафон Сікстинської капели, витративши на це чотири роки (1508 - 1512) і виконавши фантастично важку і величезну роботу. Йому довелося покрити фресками понад 600 квадратних метрів. На величезних поверхнях плафона Мікеланджело зобразив старозавітні сюжети - від Створення світу до Потопу, а також сцени з повсякденного життя - мати, що грає з дітьми, занурений в глибокі роздуми старий, хто читає, юнак і т.д.
Вдруге (1535 - 1541) Мікеланджело створює фреску «Страшний Суд», розмістивши її на вівтарній стороні Сікстинської капели. У центрі композиції, у світловому німбі знаходиться фігура Христа, який підняв у грізному жесті праву руку. Навколо нього розташована безліч оголених людських фігур. Всі зображене на полотні наведено в круговий рух, який починається внизу, з лівого боку, де зображені повстають з могил мерці. Вище них розташовані спрямовані вгору душі, а над ними - праведники. Біблійний сенс Страшного Суду виражений яскраво і вражаюче.
В останні роки Мікеланджело займається архітектурою. Він завершує будівництво собору св. Петра, внісши зміни в початковий проект Браманте.
Цих художників ми називаємо тільки по імені, не згадую їх прізвищ. Так, Рафаель лише ім'я, як Мікеланджело і Леонардо. Хіба в цих великих майстрів не було прізвищ? Були, звичайно. Але людство, яке протягом п'яти століть з гордістю вимовляє ці імена, мовби забуло, що вони можуть бути дані і іншим ... Сотні італійських хлопчиків звуться і звалися так само. І все таки є єдиний Рафаель, єдині його побратими Леонардо, Мікеланджело, Сандро.
Епоха Відродження була передусім духовним явищем. Вона стала поворотним пунктом в еволюції західної культури і цивілізації. Вона означала початок нової тенденції - тенденції від культури до цивілізації.
Архітектори епохи Відродження
П'єтро Ломбарді. У формуванні архітектури раннього Відродження у Венеції велику роль відігравало сімейство Ломбарді на чолі з П'єтро Ломбарді (1435 -1515)-видатним скульптором і архітектором. Прикладом цілком сформованого венеціанського палацу раннього Відродження може служити побудований П'єтро Ломбарді палаццо Вендрамін-Калерджі у Венеції (1481 - 1509). План палаццо з вхідною лоджією і вестибюлем у першому поверсі, з великими парадними залами на двох верхніх поверхах, розташованими в центрі будівлі та оточеними більш дрібними житловими і підсобними приміщеннями, повторює в основному раніше сформований тип палацу. Але зальні приміщення виділені на фасаді будівлі не лоджією, як це було в багатьох готичних палацах першої половини 15 ст., А великими арочними отворами і балконами з балюстрадою. Палаццо Вендрамін-Калерджі - найраніша в архітектурі італійського Відродження палацова споруда, стіни якої розчленовані напівколонами, а не пілястрами. Відштовхуючись від принципів композиції флорентійського палаццо зі стінами, розчленованими поетажним ордером, П'єтро Ломбарді поєднує їх з традиційною схемою венеціанського палацового фасаду. У той же час раціональна тектонічна система палаццо Вендрамін-Калерджі своєї ошатною прозорістю, барвистістю і різноманітністю форм цілком гармонує з ранніми венеціанськими спорудами, не порушуючи їх стильової єдності.
Моро Кодуччі - створив низку культових споруд. У більшості церковних будівель кінця 15 ст. використані ті ж принципи, що і в палацових та громадських будівлях. Це багато в чому сприяло проникненню на культове зодчество світських рис. Церква Сан Дзаккария (почата в 1483 р.), побудована Моро Кодуччі, дає приклад більш стриманою і архітектонічністю манери. План її сходить до потрійної готичної базиліки з обходом навколо вівтаря і вінцем з напівкруглих капел, що примикають до обходу. Але, на відміну від них, церква не має трансепта, а її капели, круговий обхід, вівтарна ніша і центральна частина передвівтарної трави мають купольні перекриття. Введення купольних перекриттів, напівкруглих під-напружено арок і ордерних стовпів в готичну систему базиліки надає її інтер'єру ренесансного вигляду, близький тосканським будівель. У інтер'єрі це подібність позначається у виділенні на світлому тлі стіни темних ордерних деталей, архівольтом арок, карнизів, тяг і в загальній стриманості обробки без застосування звичайної для Венеції мармурової інкрустації стін.
На відміну від будівель П'єтро Ломбарді головний фасад церкви з його багатоярусної системою ордерів у вигляді пілястр і повного приставленого до стіни ордера з сильними горизонтальними членениями - пластичний і монументальний. Ордери фасаду, незважаючи на їх сухувату опрацювання, мають цілком зрілі канонічні форми. Якщо в творчості П'єтро Ломбарді взяв гору принцип площинний обробки обсягу і інтер'єрів будинку, що зближує його творчість з декоративними тенденціями архітектури тосканського середньовіччя і раннього Відродження, то в зовнішності і композиції церкви Сан Дзаккария відчувається вплив того монументального напрямку в архітектурі раннього Відродження, витоки якої були пов'язані з творчістю Альберті.
Леон Баттіста Альберті, архітектор і один з найбільш різнобічно обдарованих діячів культури Відродження. Як і інші теоретики, він висуває як нового поняття категорію краси, яка відтепер вже не змішується з добром, а є самодостатньою естетичною категорією. Для Альберті чудово те, що пропорційно, причому обов'язковим критерієм краси служить схожість з природою. У цьому твердженні закладено чітке протиставлення середньовічним естетичним навчань, для яких характерний теза про втілення ідеї, що стоїть над дійсністю. Звернення до природи означало для ренесансних майстрів необхідність глибокого вивчення її закономірностей, накопичення знань в області перспективи, анатомії, прийомів об'ємної моделювання. Науковий підхід до цих проблем - характерна особливість мистецтва 15 ст., Представники якого не раз стверджували, що живопис є не що інше, як своєрідна наука.
В основу вчення про пропорції було покладено тезу про людське тіло як про основну одиниці масштабу, вихідному пункті пропорційних побудов. Це рівно ставиться як до живопису і скульптури, так і до зодчеству. Тут коріниться одна з причин особливої ​​людяності ренесансних споруд і тієї особливої ​​значущості людського образу, яка відрізняє пам'ятники ренесансної скульптури і живопису.
Гіберті. Гіберті одержав художнє виховання в майстерні золотих справ майстри, і ювелірна ретельність роботи залишилася властивою йому в скульптурних роботах, тим більше що основне місце в його творчості займала пластику рельєфних бронзових дверей з їх складними багатофігурними композиціями та безліччю деталей.
Стиль його мистецтва позначається вже в статуях для фасаду Ор-Сан-Мікеле, створених в 1420-х рр.., Де вплив готики особливо відчувається. У статуях Іоанна Хрестителя і св. Стефана головне - це співучий ритм ліній, виражений настільки підкреслено, що він набуває навіть самодостатній характер. Тіло слабо відчувається під одягом, сама постановка фігур така, що в них мало виражена реальна вагомість.
Гіберті був учасником знаменитого конкурсу 1401/02 р. на другі двері баптистерія і вийшов з нього переможцем. Особливості його обдарування виступають у зіставленні з конкурсним рельєфом Брунеллески. Сюжет їх один і той же - «Жертвоприношення Авраама». У рельєфі Брунеллески більше реального правдоподібності, його герої тримають себе більш природно, а Авраам хапає за голову Ісаака, в русі якого відчувається сильний переляк. Фігура ангела, який зупиняє Авраама, дана дуже динамічно. Внизу скульптор помістив фігури слуг, надавши їм жанровий відтінок: один з них витягає з ноги скалку, інший п'є воду. Недоліком рельєфу Брунеллески була деяка розкиданість фігур і занадто складна композиційна координація - деякі фігури виходять за межі обрамлення, виконаного у формі квадрифолія (чотирилисника). Гіберті краще впорався з композиційно-декоративної завданням - його рельєф вдаліше вставлений в обрамлення, сильніше у нього виражена єдина ритміка зображення, м'якість і плавність ліній. Замість переляканого хлопчика він зобразив у своїй Ісаака прекрасного античного Ефеб, гордо підставляв груди під удар.
Робота Гіберті над другими дверима баптистерія охопила тривалий період між 1403 і 1424 рр.. Кожна з двох дверних стулок має за чотирнадцятьма рельєфних композицій у четирехлістнікових обрамленнях. Тематика їх - сцени з Нового завіту, образи євангелістів і святих. Фігури Гіберті дуже витончені, складки одягу утворюють м'які параболи. У деяких сценах введені пейзажні елементи. У цілому цей твір сприймається як закономірне продовження і розвиток ідей і форм тречентістского скульптора Андреа Ліза, творця перших дверей баптистерія.
Різкий якісне зрушення в бік ренесансних художніх принципів виявляється в головному творі Гіберті - в третіх дверях баптистерія (1425-1452), які він сам розглядав як діяння, яке забезпечило йому безсмертя у віках. Двері ці зажадали від нього двадцяти семи років величезної праці. Крім десяти найскладніших багатофігурних композицій, виконаних з ювелірною ретельністю, вони включають невеликі статуї пророків і портретні голови (у їх числі автопортрет Гіберті), розташовані по боках від рельєфів. Обрамлення дверного порталу прикрашено орнаментальним рельєфом з плодів, листя і квітів.
Гіберті належить один з ранніх ренесансних теоретичних трактатів, в який він включив перший короткий нарис історії італійського мистецтва.

Висновок
Народи Європи прагнули до відродження скарбів і традицій, втрачених з-за нескінченних винищувальних війн. Війни несли з лиця землі і людей, і те велике, що люди створювали. Ідея відродити високу цивілізацію стародавнього світу викликала до життя філософію, літературу, музику, підйом природних наук і понад усе - розквіт мистецтва. Епоха зажадала сильних, освічених, які не бояться ніякої роботи людей. Саме в їх середовищі стало можливо поява тих небагатьох геніїв, яких називають «титанами Відродження».
Тих самих, кого ми звемо тільки по імені.
Епоха Відродження була передусім італійською. Тому не дивно, що саме в Італії мистецтво в цей період досягло найвищого піднесення і розквіту. Саме тут налічуються десятки імен титанів, геніїв, великих і просто талановитих художників.

Джерела
1. Л.Г. Емохонова «Світова художня культура», «Академія», 2001.
2. http://visaginart.nm.ru/ART/voz.htm
3. Галереї живопису Планети Small Bay
4. http://www.abc-people.com/data/vozrozdenie/ital_artist-txt.htm
5. «Всеобщая история искусств» 3-ий том
Додати в блог або на сайт

Цей текст може містити помилки.

Культура і мистецтво | Реферат
70.5кб. | скачати


Схожі роботи:
Мистецтво Відродження в Італії
Високе Відродження Італії XVI століття
Образотворче мистецтво Середньої Італії в період Високого Відродження
Поняття українське відродження Періодизація та регіоналістика українського відродження
Фашизм в Італії
ВМС Італії
Мистецтво Італії
Фашизм в Італії
Економіка Італії
© Усі права захищені
написати до нас
Рейтинг@Mail.ru